El TOP 5 de la cartelera de cine

No quiero arrebataros la emoción de descubrir 'Dolor y gloria' por primera vez, y aún así no me puedo resistir a decir que esta es una de las películas más bonitas he visto en mucho tiempo. Quizás en su faceta más crepuscular, Pedro Almodóvar firma un filme autobiográfico, con ecos de 'La ley del deseo' y de 'La mala educación', donde Antonio Banderas interpreta a su alter ego, perfectamente caracterizado, con el pelo grisáceo y rebelde peinado hacia arriba, con zapatos deportivos y polos de colores llamativos. Y también con una hipocondría neurótica, un dolor muscular constante que lo deja tieso y lo acalambra, que le produce espasmos, que le oprime la glotis, que hace que se atragante. Es decir, un personaje prisionero de su propia decadencia.A partir de aquí, los efluvios del recuerdo nos acarician como una brisa de primavera entre las cortinas de una ventana abierta. La película empieza con la imagen de unas lavanderas que canturrean mientras hacen la colada junto al río y poco a poco el torbellino del pasado se derrama sobre el presente. Vemos el nacimiento del deseo en ese niño que cae fulminado en un ataque de fiebre cuando ve a un joven albañil lavándose desnudo entre los geranios de un patio encalado. Vemos a la madre que zurce calcetines con un huevo de madera en una estación de tren, de noche, mientras el hijo duerme y fuera, en el pueblo, se celebran las fiestas mayores con fuegos artificiales.Todos estos fantasmas acuden de repente a la mente como una lluvia de p

Por lo menos resulta curioso que el cine se haya acercado al régimen del terror de Pol Pot en Camboya desde una perspectiva oblicua o alegórica, ejemplificada por las obras de reconstrucción de imágenes 'ausentes' de Rithy Panh. Con 'Funan', Denis Do se suma a esta lista, si bien utilizando una estrategia diferente de la no-ficción: el director traza una animación de línea clara para rememorar con serenidad y distancia los días en que los Jemeres Rojos tomaron Phnom Penh, y expulsaron a la población de la ciudad. Pero ni la limpieza del dibujo, ni la puntual belleza del paisaje merma la dureza de las situaciones, siempre sugeridas, nunca mostradas.

El youtuber Wismichu revolucionó el festival de Sitges presentando una película que constaba de una única situación repetida en bucle. Lo que no sabíamos es que todo formaba parte de un documental sobre el proceso de elaboración de este film que al mismo tiempo estaba filmando Carlo Padial y que ahora nos llega. Una multitud de temas lo recorren: la (des)información contemporánea, la fama en los tiempos de internet, las imparables mutaciones del audiovisual... Y el personalísimo estilo con que Padial va de la no-ficción al relato, de YouTube a Twitter, lo convierten en un testigo perplejo de estos tiempos en que las cosas cambian día a día... para que todo siga igual.

Gabriel es un periodista que acaba de ser liberado. Ha sido retenido en Siria, pero esto no lo vemos, porque 'Maya' no quiere retratar este momento de violencia, ni pretende mostrarnos cómo será la vida de Gabriel en el futuro. A Mia Hansen-Løve le interesa el momento de cambio, el tiempo del duelo, el punto en el que se suelen situar sus películas, como la magnífica 'El porvenir'. ¿Cómo se filman los cambios cuando son invisibles y existenciales? Con un protagonista que transmite desde el silencio y con una película que se instala constantemente en el tránsito. Primero, en el metro de París. Después, recorriendo la diversa geografía de la India, donde tiene lugar el viaje emocional.

Con 23 años, después de haber hecho de Elio en 'Call me by your name' y de amante de Saoirse Ronan en 'Lady Bird', Timothée Chalamet nos enseña una nueva faceta, adentrándose en un territorio donde ningún otro actor de su generación no se atreve a pisar. Tiene ese aire de Marlon Brando, el gesto angelical de chico guapo que de pronto frunce el ceño, se violenta, enseña los dientes. Interpreta a un chaval modélico, con una carrera escolar brillante, que cae en una espiral de drogas: pastillas, metanfetamina... de todo. Sutil, el actor se mueve en los silencios, donde se derrumba, miente y, a la vez, disimula. Lo vemos con la mandíbula desencajada, como un zombi en medio del campus, totalmente colocado. Lo vemos conduciendo bajo el sol de California, escuchando Neil Young en la radio del coche, sobrio, y podemos percibir su insatisfacción. Y lo vemos hablando con el padre, Steve Carell, distanciándose cada vez más. La película funciona a la perfección. Quizás en algunos puntos es demasiado obvia en sus postulados, pero recrea muy bien el círculo vicioso de la adicción, con notas de orgullo y desconfianza, y con los consiguientes conflictos de identidad. El guion está basado en las memorias de David y Nic Sheff, padre e hijo, que Felix van Groeningen adapta con una rudeza que no hace concesiones sentimentales y que deja a los dos actores con las emociones al descubierto.

En su estreno en la Berlinale, la película de François Ozon recogió un conjunto de malas críticas que no hacen justicia ni a la valentía del tema que trata, los abusos a menores por parte de un sacerdote de Lyon y el silencio culpable de la Iglesia francesa durante más de 30 años, ni a la forma en que el director despliega esta historia. Desplegar es la palabra clave para entender la película, que comienza con una frase casual y poco a poco va abriéndose como un abanico, dibujando un paisaje de horror, de hipocresía y de silencio. 'Gracias a Dios', frase fundamental que resume la postura de la Iglesia, está basada en el caso real del padre Bernard Preynat, acusado en 2016 de abusar sexualmente de decenas de niños. Es terrible pensar que su caso aún sigue abierto. Y más aún imaginar cómo se extiende la mancha de aceite.

Las estampas decadentes de 'Krotkaya' (2017), la anterior película de ficción de Sergei Loznitsa, parecían caricaturas grotescas de George Grosz, pintadas por un heredero de Dostoievski. Podríamos decir que 'Donbass' es la secuela realista. El director de 'Maidan' sigue obsesionado en abrir en canal una sociedad corrupta y violenta en el marco de un conflicto, el de Rusia y Ucrania, que es uno de los innumerables agujeros de la vergüenza europea. Lo hace dibujando una especie de círculo del infierno, a partir de una estructura narrativa que liga cada secuencia con la siguiente en una ronda infinita y cerrada en sí misma. A la manera del clásico de Max Ophüls, hay siempre un personaje que sirve de eslabón para que esta cadena del horror atrape al espectador. La creación de una noticia falsa para demostrar un ataque terrorista inventado para ser televisado tiene el mismo valor que una boda esperpéntica y que la humillación pública, con lluvia de golpes y escupitajos, de un paria por un improvisado grupo de ucranianos indignados. Con ejemplos similares, no hace falta decir que nos encontramos ante una película-denuncia, y pese a que Loznitsa utiliza un método que nos puede recordar el del cine directo, que grava un trozo de realidad en bruto para que el público lo digiera con huesos y cartílagos, y la cámara de Oleg Mutu nunca desfallece, ni revolcada en el barro, el tremendismo de algunas de las situaciones nos hace añorar una mirada un poco más humanista sobre el mundo. Y lle

La policía se planta delante de la casa de Joan para arrestarla por espionaje y colaboración con los soviéticos. Hasta aquí, todo parece normal, si no fuera porque estamos en el siglo XXI y Joan es una mujer de pelo blanco, con las facciones amables de Judi Dench. La actriz interpreta este personaje basado en la figura real de una científica que fue decisiva en el trasvase de secretos nucleares. Era la época de la guerra contra el nazismo y de la bomba devastadora sobre Hiroshima. Este hecho se presenta crucial en la película a la hora de entender por qué una joven Joan decide convertirse en espía, pero los motivos siguen siendo un misterio, y eso que se intentan explicar mediante flashbacks. Entre las imágenes del pasado, aparecen el presente y Dench, una gran actriz perdida en la simplicidad de la propuesta.