El TOP 5 de la cartelera de cine
Si ya es difícil estar al día de todo lo que se puede hacer en Barcelona, imaginad ver todas las películas de la cartelera! Por eso en esta lista encontraréis nuestras cinco películas favoritas, algunas nuevas y también aquellas imperdibles que no podéis dejar escapar antes de que desaparezcan de los cines.
Atardecer
Cae un sol de color de miel y manzana cocida, en una Budapest que anticipa el fin del Imperio austrohúngaro. Estamos en el año 1913. Una chica misteriosa acaba de llegar en tren de Trieste, buscando el pasado de su familia, intentando localizar a un hermano desaparecido y el legado de unos padres que murieron carbonizados en un incendio. László Nemes, el director de 'El hijo de Saúl', aquel descenso a los infiernos del Holocausto sobre un hombre que corría entre jadeos de un lado al otro de Auschwitz con el cadáver de un niño en brazos, filma ahora otro pedazo de historia. El lenguaje es similar: todo sucede en un plano opresivo, cerrado sobre la nuca de un personaje que se desliza entre el caos humano y nos guía, como un farol en la oscuridad, por un espacio multitudinario, donde hay antorchas y disparos, donde los caminos se confunden, donde la muerte más violenta espera a escondidas.
El vicio del poder
Por más que se presente como un retrato del vicepresidente Dick Cheney (un sorprendente Christian Bale, invisible bajo sus prótesis), no podéis ir a ver una película que se llama 'El vicio del poder' esperando encontraros con una perspectiva revisionista de la política estadounidense. El director y escritor Adam McKay ('La gran apuesta') introduce en la historia un personaje que probablemente representa su visión crítica de los hechos, pero el pulso de la trama es más caótico y delirante. Estamos ante un biopic impresionista, donde la estética contribuye en gran medida a la fórmula. Empezando por un estilo de montaje casi experimental que nos absorbe como un torbellino apocalíptico. Continuando por las interpretaciones, que son excelentes. Bale domina la sonrisa maliciosa de Cheney y la perpetra como si fuera una máscara de Halloween, en un registro no muy diferente del que le conocimos en 'American psycho'. Lo mejor de todo es ver cómo se transforma el personaje, como se va haciendo cada vez más cruel y vicioso. Los actores secundarios están sublimes. Un Steve Carell muy bien caracterizado hace de Donald Rumsfeld. Amy Adams interpreta a la esposa de Cheney, una mujer de Wyoming despiadada y exigente que acaba de endurecerlo. La mezcla de todo es ruda y amoral, con un dominio del ritmo del thriller que parecer vampirizar al Oliver Stone de 'JFK', haciéndolo más retorcido, más escabroso y loco.
Lo que esconde Silver Lake
Una niebla se extiende sobre el paisaje en la última película de David Robert Mitchell. No es el humo de un porro, que también, ni un síntoma del cambio climático. Más bien, es un producto de la profunda confusión en que vive el personaje de Andrew Garfield, despistado por las calles de Los Ángeles en busca de respuestas a un misterio jeroglífico muy encriptado. El director de 'It follows' inicia un descenso en espiral que es puro 'delirium tremens', con muchas referencias metacinèfiles, que van desde 'El gran Lebowski' hasta los laberintos urbanos que David Lynch pisaba en 'Mulholland drive'. Un sueño paranoico, surgido de una mente tan brillante como retorcida, que toma la forma de un 'neonoir' maldito, vicioso, donde no hay escapatoria posible. Podríamos definirla como un 'Chinatown' para 'millennials', pero la comparación ni siquiera le hace justicia. Todo comienza con el protagonista, medio dormido, haciendo cola en una cafetería donde una camarera limpia el cristal de la puerta una pintada que dice: "Cuidado con el asesino de perros". Una vecina que hace topless, una lápida con el nombre de Hitchcock escrito, un submundo que solo los vagabundos conocen. Si sois fans de las novelas más subversivas de Thomas Pynchon, os sentiréis más que satisfechos. La trama incluye mapas secretos, pistas en una revista de videojuegos, fanzines en blanco y negro y un enigma que flota, sangrando, bajo la superficie de un lago. Un thriller hiperhipnótico, desafiante.
Silvio (y los demás)
El nuevo film de Sorrentino tarda mucho rato en llegar a su centro de gravedad. Quizá se trata de una manera de emular el itinerario de su primer motor dramático, Sergio Morra, un Riccardo Scamarcio que pone la mirada penetrante al servicio de la determinación de un emprendedor sin demasiados escrúpulos que tiene una epifanía después de ver el rostro de Berlusconi tatuado en el culo de una prostituta, y abandona la provincia para intentar acercarse al hombre más poderoso del país, tentándole con fiesta y mujeres. Durante este segmento, la compulsiva exhibición de la desnudez femenina se arriesga a traspasar la frontera entre el retrato decadente de la política italiana como un hombre con los pantalones bajados y la pura glorificación cosificadora. Pero una vez entra en escena el Berlusconi tostado de maquillaje de Toni Servillo, de ojos inescrutables y sonrisa prostética, Sorrentino recupera los claroscuros con que tiñó Giulio Andreotti en 'Il Divo', iniciando un pulso estimulante entre el magnetismo de un seductor que se cree capaz de esquivar todos los escándalos, y la tristeza de ver a toda una nación secuestrada emocionalmente por el ego de un viejo corrupto al que solo dos mujeres alejadas del bunga-bunga son capaces de captar en todo su patetismo.
El regreso de Mary Poppins
Una fantasía de vieja escuela, con cometas que vuelan y un poco de añoranza de los tiempos en que los deshollinadores bailaban por las azoteas. Esta secuela improbable del clásico de Disney que llega 54 años después del original es una operación de riesgo que, milagrosamente, funciona a la perfección. Se podría entender como un homenaje nostálgico a los musicales de antes, que pasa en Londres, en los años 30, en la época de la Gran Depresión, cuando la ciudad se iluminaba con farolas de gas. Las canciones de Marc Shaiman, con letra de Scott Wittman, captan el aire retro. Sin embargo, aunque esta 'Mary Poppins' está pensada para los fans de una cierta edad, también hay pinceladas de modernidad, por ejemplo en la interpretación de Emily Blunt, con su pronunciación impecable y una sonrisa más picarona que la de Julie Andrews. Es mágico el momento en que la vemos bajar del cielo, entre las nubes grises, con su paraguas con cabeza de loro hablador, que da ganas de levantarse y aplaudir. Como son mágicos todos los trucos que lleva en su bolsa infinita. El delfín que sale de la bañera, el perro animado que conduce una calesa, el espectáculo de cabaret... Veremos escenas fantásticas, como la aparición de Meryl Streep o el cameo de Dick Van Dyke, que con más de 90 años se marca un baile digno de admirar. Pero también hay un tono amargo, por ejemplo, en la letanía de un Michael Banks en la treintena, viudo y arruinado, con tres hijos pequeños y una casa que el banco le está a punto d
Más pelis que nos gustan
Lazzaro feliz
No estamos acostumbrados a la bondad. Parece que no tenga historia, ni argumentos para seducirnos. Alice Rohrwacher asume el reto de convertir a Lazzaro en nuestro anclaje en una fábula que reivindica la pureza de una mirada primitiva que, privada de los filtros corruptos de la civilización, atraviesa el mundo y lo transfigura. Lazzaro es un santo que no sabe que lo es, que actúa según los impulsos de una inocencia inconsciente. Él es el guía que nos lleva de la mano desde una sociedad feudal a una urbana, cruzando las fronteras del espacio y del tiempo para demostrarnos que el esclavismo y la explotación son lo que nos une, por encima de la solidaridad y la clemencia. Cada clase social sigue viviendo en una burbuja de miseria o autoengaño, no importan las crisis que aplasten sus sueños de ascensión o inmovilismo. Por eso la película, definitivamente misteriosa en sus anacronismos, puede leerse como una crítica al capitalismo neoliberal, que existía mucho antes que Marx aprendiera a leer y escribir. Pero la bondad persiste, envuelta en un realismo mágico que nunca empalaga: es una película esperanzadora, como lo eran algunas obras de Pasolini, los Taviani y Ermanno Olmi. Cree en los milagros, cree en la virtud, cree en su santo de ojos cristalinos y cree, en última instancia, en las imágenes como portadoras de una trascendencia que es a la vez benéfica y perturbadora.
Cold war
El cineasta polaco Pawel Pawlikowski conjuga una historia de amor dolorosa, épica, una especie de 'Doctor Zhivago' surgido de las ruinas de la Segunda Guerra Mundial, una odisea universal hacia el interior del corazón humano que se extiende dos décadas y cuatro países de una Europa envuelta en humo. Si alguna vez habéis vivido un romance amoroso a distancia, con el quebradero de cabeza de la desconfianza y la adicción al teléfono que conlleva, os parecerá que esta película está hecha para vosotros. Empieza en 1949, cuando la cantante Zula y el pianista Wiktor se conocen en el lugar más triste que os podáis imaginar: una academia de música austera en una Polonia devastada que bien podría ser una prisión. Wiktor ha sido designado para captar una tropa de músicos que se dediquen a interpretar himnos de grandeza a la patria. Zula se enamora de él, y los dos se prometen una nueva vida al otro lado del Telón de Acero. Los seguiremos por los bulevares de París, por el ambiente de las cavas humeantes donde suena jazz, por diferentes escenarios de la antigua Yugoslavia. Ella, de 20 años y pico, tiene sueños de fama y juventud. Él, que ya no cumple los 40, es un seductor con demasiada experiencia. En este gap vital, el conflicto empieza a despuntar, de la mano de dos actores (Joanna Kulig y Tomasz Kot) que son un descubrimiento. Sobre todo ella, bailando en un club nocturno, viva imagen de Anna Karina en 'Bande à part'.
Spider-Man: Un nuevo universo
Tal vez pensabais que habíamos llegado al límite con Spiderman. Pues no. Después de tropecientas versiones que han ido desmenuzando la franquicia, aquí una que recoge los pedazos de tierra para crear algo completamente nuevo. Es cierto que vuelve a inventarse los orígenes del superhéroe y que también pone en acción un nuevo malo –¡el enésimo–, pero a la vez se configura como un producto pop hiperatractivo, de universo expandido, con menciones al 'spider-pig' de 'Los Simpson', chistes sobre el arte de Banksy y algunas secuencias de acción que son un puro espectáculo de malla brillante. "No podría ser más extraño", dice uno de los personajes. Y tiene toda la razón. Se nota que detrás de todo esto hay dos magos como Phil Lord y Chris Miller, a los que todavía recordamos con ternura por 'Lego, la película'. Pero lo más potente de todo es que Spiderman aquí es un estudiante afrolatino, al que pone voz Shameik Moore.
Entre dos aguas
La película empieza con la imagen de un pájaro caído sobre unas hojas, que aletea y que finalmente se vuelve a poner derecho. No será el único que volverá a la vida. Lo harán, también, algunos de los personajes que, hace doce años, protagonizaron 'La leyenda del tiempo' y con los que nos reencontramos en 'Entre dos aguas', una ficción que logra plasmar la vida misma. 'La leyenda del tiempo' se dividía en dos bloques según sus dos protagonistas: Isra, un niño gitano de duelo por la muerte del padre, y Makiko, una chica japonesa que viajaba a Cádiz siguiendo la pista de Camarón. En 'Entre dos aguas', en cambio, Isaki Lacuesta prescinde de Makiko para centrarse en Isra, que ahora es padre de unas niñas y que acaba de salir de la prisión para encontrarse en un mundo que le ofrece poco más que precariedad. La dualidad, sin embargo, sigue presente en una película que gira en torno a dos hermanos y que se instala en el tiempo presente para hacer incursiones en el recuerdo del pasado mediante algunas imágenes de 'La leyenda del tiempo'. No es extraño que 'Entre dos aguas' haga referencia a esta naturaleza dual en su título, que señala también la importancia del entorno acuático, el de las playas y los ríos de San Fernando. El cielo rosado, crepuscular, se refleja a menudo en el agua y embellece una película conmovedora, que resuelve un enigma solo al alcance del cine: capturar el paso del tiempo.
Bohemian rhapsody
La vida eterna de Freddie Mercury está siendo de todo menos tranquila. Primero fue la comedia 'Dos locos con suerte', donde Mike Myers sacudía la melena escuchando 'Bohemian rhapsody'. Después llegó un concierto tributo, un año después de la muerte del ídolo, y finalmente el musical 'We will rock you', que ha dado la vuelta al mundo. Ahora, 27 años después, llega un biopic autorizado que propulsa la leyenda hasta un horizonte aún más lejano en los dominios de lo irreal. La propuesta de Bryan Singer es tan atrevida, ruidosa y carnavalesca como era Mercury sobre un escenario. Otro director se hubiera propuesto retratar al hombre detrás el disfraz, o hubiera jugado con la idea de la máscara y lo que se esconde. Pero no es el caso. Esta película coge el mito por el cuello y la eleva de manera temeraria, atrevida, galopante hacia un clímax que recrea con mucha pirotecnia uno de los momentos más míticos de la historia del rock, la actuación de Queen en el Live Aid. Buena parte del mérito es de la interpretación de Rami Malek, que encarna el personaje con una energía desbordante.
Estrenos de la semana
La favorita
Una lujosísima muestra de la vida en una corte del siglo XVIII, donde hay confabulaciones de nobles con peluca, carreras de patos y otros deportes de competición de lo más curiosos, y un órgano que toca música barroca. Incluso Stanley Kubrick era capaz de renunciar a ciertas extravagancias, como filmar con un ojo de pez, pero el griego Yorgos Lanthimos no sabe decir que no. Él transforma una película de época vagamente basada en el reinado de la inestable Ana de Gran Bretaña en una pesadilla semicómica, como una fantasía de Lewis Carroll, inundada de malicia. Si este es vuestro primer Lanthimos, bienvenidos. Aunque os tenemos que decir que llegáis tarde. Quizás deberíais recuperar dos de sus anteriores films: 'Canino', sobre unos padres que no han permitido que sus hijos, ya mayores, abandonen la casa familiar, y la igualmente viciosa 'Langosta'. Ambas eran más oscuras que 'La favorita', la primera cinta que Lanthimos no ha escrito personalmente. Sin embargo, en 'La favorita' la atmósfera sigue teniendo una fuerza hipnótica. Lo que hace que 'La favorita' funcione tan bien son, sobre todo, sus mujeres. A diferencia de obras como 'Barry Lyndon' y 'Las amistades peligrosas', que tenían una ambientación similar, aquí los personajes femeninos no están sometidos a las decisiones déspotas de un macho con peluca. De hecho, todos los hombres son secundarios o figurantes, y lo que domina la trama es la tensión entre Rachel Weisz y Emma Stone, las protagonistas, para convertirse en la
Glass
A nadie le gustan los spoilers, menos aún cuando se trata de una película de Shyamalan. Yo mismo me habría muerto si me hubieran dado alguna pista de los finales de 'El sexto sentido' o 'El bosque', antes de descubrirlos por mi cuenta. Considerad esto una advertencia. No leáis ninguna crítica de 'Glass' antes de verla. De hecho, si sois fans incondicionales, quizás tampoco deberíais leer ninguna después, porque lo más probable es que os hagamos enfadar mucho. ¿Estamos de acuerdo? Pues adelante. En 2016, Shyamalan dirigía 'Múltiple', un thriller que trataba de un asesino en serie psicópata al que interpretaba James McAvoy. O eso pensábamos. En los últimos segundos, descubríamos que en realidad se trataba de una secuela de 'El protegido', un impecable film paranormal del año 2000 que nos hizo pensar que los superhéroes existían... y vivían en Filadelfia. En 'Glass', Shyamalan cierra la trilogía, con un tono creído y fanfarrón. La mayor parte del metraje está constituida por aburridísimas sesiones de terapia en grupo hiperverbales. Allí, McAvoy se sienta junto a Bruce Willis y Samuel L. Jackson, que hace de Mister Glass, un hombre malvado a quien se le rompen los huesos, encadenado a una silla de ruedas, que tiene tendencia a sermonear cuando no se encuentra en estado catatónico. La pregunta de fondo es si los tíos son o no son superhéroes. Shyamalan invierte tanto tiempo en responderla que al final se olvida de crear tensión y suspense, sobre todo en la escena de la huida, ti
Gente que viene y bah
Hace dos años, Maria Ripoll dirigió una comedia romántica titulada 'No culpas al karma de lo que te pasa por gilipollas', con Verónica Echegui y David Verdaguer, adaptación de la primera novela de Laura Norton publicada en 2014. Ahora otra mujer, Patricia Font, es la encargada de llevar a la pantalla 'Gente que viene y bah', la segunda novela de esta joven escritora española. No es casualidad que sean dos mujeres las que se han acercado al universo de Norton. Sus historias son frescas, ligeras, un punto sensibles y sobre todo muy románticas. Son estos los mismos adjetivos que se pueden aplicar a la película de Patricia Fuente. Bajo una aparente capa transgresora –en la familia de Bea, la protagonista, hay homosexuales, adulterios con enanos, una alcaldesa de izquierdas y una madre inesperada–, esconde una clásica y muy convencional historia de chico encuentra chica, pierde chica, reencuentra chica. Si la película te engancha es gracias a la química entre las cuatro actrices que interpretan a la madre y a las tres hermanas. Ver juntas Clara Lago y Carmen Maura, o a la Maura con Alexandra Jiménez, o descubrir el rostro de Paula Malia, compensa las dosis de azúcar de una banda sonora demasiado presente y de una historia que en el fondo es completamente previsible.
Caso Murer: El carnicero de Vilnius
Aunque el título 'El carnicero de Vilnius' tiene su morbo, el original 'Anatomía de un juicio' explica mejor el film de Christian Frosch: una reconstrucción punto por punto del proceso judicial celebrado en 1963 contra el infame Franz Murer, responsable del gueto de Vilnius bajo el mandato de las SS, ejemplo de uno de esos momentos en los que la justicia no supo actuar ante la personificación de algunas de las mayores atrocidades del siglo XX, dejando que las evidencias contra el asesino se escabulleran entre argucias legales e intereses políticos pactistas y cobardes. Es un acierto que Karl Fischer no haga de la abyección de Murer un reclamo interpretativo, sirviendo un personaje inescrutable, que se presenta ante el público al igual que lo hizo con el jurado: como un hombre que, sencillamente, cumplía órdenes. Frosch busca trascender el estatismo propio de los dramas judiciales, mostrando el tribunal desde todos los ángulos y movimientos de cámara posibles. Una expresividad, sin embargo, que no acaba de casar con una dirección de fotografía donde echamos de menos los claroscuros.
La Francesita
El veterano cineasta chileno Gonzalo Justiniano viajó en 1983 desde Francia, donde residía tras el golpe de estado de Pinochet, a su país natal, y fue testigo con su cámara de las protestas contra la dictadura en el barrio de La Victoria. Algunas de las imágenes que grabó se incluyen en 'La Francesita', que sin embargo opta por recuperar este pedazo de memoria histórica a partir de una ficción inspirada en hechos reales. Convencional en su puesta en escena, 'La Francesita' brilla a través de dos aspectos. Por un lado, Justiniano ofrece un oportuno retrato colectivo de este barrio popular marcado por la pobreza, donde la lucha no está capitalizada por ningún partido político. Por el otro, la figura central de Gladys, la Francesita del título, que encarna como mujer combativa, solidaria y sensual, los valores que aplastaba la dictadura. La figura del joven misionero que lleva el hilo conductor del relato nos recuerda el papel de la Iglesia a la hora de borrar el cristianismo obrero del mapa para sustituirlo por esta otra rama del imperialismo yanqui que es el evangelismo.
