Las mejores películas de 2015

Si Alain Resnais estuviera vivo, se le acabarían los aplausos. Porque 'Del revés' no tiene nada que envidiar a 'Toute la mémoire du monde'. Si una película de animación se plantea cómo representar la Cueva del Pensamiento Abstracto, incluidas sus fases de evolución cognitiva, sin renunciar a conectar con el público infantil, emborrachado de formas y colores, ni a hacerse entender entre los padres más melancólicos, que tendrán más de una razón -en línea con lo que se ha convertido en una marca registrada del cine de la factoría Pixar: el principio de 'Up' y el final de 'Toy story 3'- por soltar la lagrimita, se le debe dar la bienvenida.El objetivo de 'Del revés' no es nada despreciable: dibujar el proceso de construcción de la identidad escuchando las emociones que le dan forma. La película parece 'El viaje de Chihiro' pensada para un psicólogo cartesiano. Su densidad conceptual -explicar el doloroso paso a la adolescencia de una niña que tiene que aprender que la Tristeza es tan útil como la Alegría- está a punto de atarla de pies y manos, pero, vista en una sala llena de niños, su capacidad para cautivar a los pequeños de la casa es una contagiosa maravilla.Tras una etapa en la que la Pixar parecía haber bajado el nivel al que nos tenía acostumbrados con títulos como 'Ratatouille' o 'Wall-E', 'Del revés' revela que la animación digital, siempre tan preocupada por el fotorealismo, puede explotar toda su creatividad poniendo en escena ideas abstractas y emociones intangibles,

Hay una tradición europea de series televisivas de calidad anterior al actual boom de la ficción en la pequeña pantalla. De Fassbinder a Bergman, cineastas de prestigio encontraron en la tele un espacio creativo para explorar otras posibilidades. Con este legado entronca 'P'tit Quinquin', la serie de Bruno Dumont para Arte que aquí llega a salas comerciales. El director de 'Camille Claudel 1915' vuelve a los territorios que exploró en sus primeros filmes, los paisajes y personajes de la zona Nord-Pas de Calais, de una forma más ambiciosa y desde un registro diferente. Adopta el formato más recurrente de las series, la investigación policial, para subvertirlo desde un humor inesperado y extravagante que muda en una poética de la desolación a medida que avanza el metraje. Como 'La vie de Jésus' y 'L'Humanité', Dumont elabora un gran fresco sobre una tierra con una idiosincrasia propia obligada a convivir con el mal.

En Sils Maria pasaron temporadas personajes como Nietzsche y Hermann Hesse. Y es aquí donde Olivier Assayas sitúa la mayor parte de su última película, en el fondo una reflexión sobre las máscaras, la soledad, el envejecimiento, todo esto mediante la relación entre una actriz ya madura y su secretaria. En este sentido, la primera parte parece un drama de Bergman, utiliza largo enfrentamientos verbales para hablar no únicamente de la decadencia de una mujer, sino de toda una cultura. Pero la segunda cambia radicalmente de juego y construye alrededor de una ausencia y de un futuro no muy prometedor. Assayas rechaza las identificaciones dramáticas fáciles y efectúa giros arriesgadísimos con una espontaneidad absoluta. Y el film se convierte, así, en una pieza única, una obra maestra, uno de los films del año.

Después de retratar el golpe de Estado de Pinochet desde una perspectiva inusual en 'Post mortem', después de filmar la violencia durante los años de dictadura en 'Tony Manero' y después de dar su punto de vista sobre la transición de Chile hacia la democracia en 'No', Pablo Larraín abandona la vertiente historicista y persiste en el discurso político. 'El club' se instala en una casa, en un pueblo perdido, entre un grupo de curas, apartados de la Iglesia debido a diferentes escándalos que el estamento pretende ocultar.Un hombre se planta en el jardín de la residencia de los curas y comienza a llamarlos, recordando un pasado de abusos y destapando lo que hasta entonces estaba enterrado. Un hecho trágico hará que se desencadene la violencia, y la llegada de un nuevo personaje, dispuesto a investigar qué ha pasado, hará que el orden empiece a resquebrajarse.Amante de construir su discurso político a través de la propuesta estética, Larraín ha realizado un film contundente en su crítica y profundamente opresivo. El tema de 'El club' puede parecer digno de un film social. En cambio, la atmósfera es propia del cine de terror. El lugar donde viven los curas se convierte en un espacio casi irreal y cargado de una agresividad latente. La fotografía se instala en una especie de noche eterna y crea un ambiente enrarecido. Larraín combina la intriga con entrevistas con los diferentes personajes, que se confiesan o que esconden la verdad. En el fondo, los curas de 'El club' no están tan

Se abren las cortinas, velos vaporosos estampados con mil bordados de hilo de seda, como el velo de un sueño. Estamos en la provincia de Weibo, en pleno siglo IX, tiempo del declive de la dinastía Tang. Los rebeldes hacen oídos sordos a los mandatos de la corte, con la daga en el cinturón. Para nosotros esta fantasía se presenta como un teatrillo de sombras, con llamas y caballeros armados, y como un niño entre el público nos esforzamos por no cerrar los ojos ni un segundo. Nos vienen a la cabeza las rocosas donde Orson Welles levantó el castillo de Macbeth, o los bosques donde sir Falstaff se volvió loco. Esta vez, con un toque oriental, y a todo color. Hou Hsiao-Hsien nos lleva a través de los años a las décadas de oro de la China Imperial, donde hay fantasmas y magia oscura. Una menstruación simulada con sangre de pollo, un muñeco de papel deshaciéndose en un cubo de cobre, las siete flechas atravesando la barca blanca de un anciano. El personaje más temible aparece cuando cae la noche. Es la asesina que trama una venganza por un amor traicionado, como en todas las leyendas medievales, y se deja ver igual que un vampiro bajo una capa negra. Un búho a la luz de la luna, frenando el vuelo con las alas extendidas. El film empieza en blanco y negro, con la ejecución de la primera víctima, degollada entre los árboles, en unos pocos segundos que son como para caerse de la silla y no levantarse más. Hou nos recuerda su afición por los títeres, que ya explotó en títulos anterior

Los que esperen una película escandalosa, saldrán decepcionados. Abel Ferrara no tiene ningún interés en alimentar las teorías de la conspiración que aún hierven bajo el asesinato de Pasolini. Las últimas 24 horas en el planeta Tierra del director de 'Teorema' están hechas de los gestos de un hombre que aún tenía mucha vida, a pesar de que acababa de hacer la obra maestra definitiva sobre la muerte de la civilización, 'Saló'. Su madre despertándose al amanecer, una comida cálida con la aparición de Laura Betti, una cena más cálida con Ninetto Davoli, una agenda llena de cosas pendientes. Y Ferrara, en connivencia con un espléndido Willem Dafoe, siguiéndolo como si fuera un fantasma que se resiste a desaparecer, contrastando su vida con la novela y el texto teatral que dejó inacabados, haciendo una sensible elegía, tan genuflecta como pegada a tierra firme.

No hay figura que impregne de forma más definitoria el imaginario norteamericano que la del ganador. 'Foxcatcher' propone una curiosa aproximación a la figura del triunfador: aquí, los héroes son dos hermanos que, tras ganar la medalla de oro en las Olimpiadas del 1984, malviven haciendo conferencias en escuelas, y John Du Pont, el descendiente de un linaje de magnates de la industria de la pólvora. Du Pont es el auténtico antihéroe de la película: un psicópata, un hombre atrapado entre los deseos de su madre para que continúe la tradición familiar y el gusto particular para la lucha. Basada en hechos reales, 'Foxcatcher' narra la historia de los hermanos Schultz, que pasaron a competir a las órdenes de Du Pont, que los esponsorizó a cambio de control y afecto. El director, Bennett Miller, sabe cómo partir del deporte con el fin de dibujar una crónica oscura de los Estados Unidos. Lo importante es el tono melancólico. Los personajes están atrapados en el desafecto: el joven de los hermanos Schultz vive con la constante necesidad de la aprobación de su hermano, y el dudoso Du Pont busca imponer, en los dos luchadores, el respeto que no le tiene su propia familia. Si en 'Moneyball', su anterior película, Miller hacía una crónica deportiva del mundo del béisbol a partir de lo que pasa en los despachos de un equipo pequeño, en 'Foxcatcher' el éxito sólo puede ir acompañado del desequilibrio. En ambos casos, las películas tienen como referencia hechos reales. A Miller le gusta tra

Quizás Paul Thomas Anderson sea, ahora mismo, el cineasta más radical de Hollywood, con el permiso de James Gray. ¿Quién osaría en esas tierras, por ejemplo, filmar una trilogía sobre los Estados Unidos como la que forman 'Pozos de ambición', 'The Master' y esta 'Puro vicio' que nos ocupa? Y no lo digo únicamente por el alcance ideológico, conceptual, que forman estas tres películas (únicamente comparable a algunos de los novelistas que toman como referencia, de Upton Sinclair a Thomas Pynchon), sino también por su ambición formal, por los niveles de invención estética que llegan a alcanzar.En este sentido, si 'Pozos de ambición' era una recreación del gran relato clásico americano, y a la vez su crítica, y si 'The Master' proponía una revisión de la posguerra entendida como el inicio de un sueño capitalista más bien dudoso, 'Puro vicio' investiga los años 70 para destapar lo que tuvieron de alucinación, de narcótico casi letal para toda una generación. El punto de partida es clásico: un detective desencantado (Joaquin Phoenix, en otro de sus personajes 'outrés') investiga varios casos en Los Ángeles post-mayo del 68, lo que permite que la película se mueva en diferentes ambientes.No es eso lo más interesante, sin embargo, sino el hecho de que, a medida que avanza, Phoenix se ve perdido en un territorio cada vez más nebuloso, y que sus hallazgos le llevan a la conclusión de que todo se ha vuelto indescifrable. Por supuesto, Anderson nos hace pensar aquí en el Robert Altman de

En una situación de peligro, un padre se escapa y una madre se queda a proteger a sus hijos. El espectador, quiera o no, está condenado a hacer de juez. ¿Puede, el instinto de conservación, estar por encima del amor paterno? No hay una respuesta fácil, y la perversa inteligencia del magnífico filme de Ruben Östlund es obligarnos a compartir la vergüenza ajena, la indignación, la piedad y la ira que nos despierta esta situación, sobre todo por la parte de reconocimiento que nos toca. No se conforma con colocarnos contra las cuerdas haciendo del matrimonio un cadáver para descuartizar. El verdadero objetivo de Östlund es enfrentarnos con la falsedad autoimpuesta del rol social de la masculinidad sin hacer ningún tipo de concesión a la galería.

No es sólo una película sobre la aparición de una rama del techno en París, en los años 90. Tampoco se trata solo de recrear la dilatada experiencia como DJ del hermano de la directora. De hecho, 'Eden' es todo esto y mucho más. Con un estilo elíptico y brumoso, Hansen-Løve retrata pequeñas y grandes vivencias sin extremismos dramáticos, juega con las texturas narrativas y construye un relato siempre a media voz, que termina captando un ritmo inadvertidamente musical. Más allá de 'Un amour de jeunesse' -su excelente film anterior-, 'Eden' nos muestra una cineasta madura, que sabe hablar del paso de la adolescencia a la edad adulta con conmovedora sensibilidad, con genuina emoción. La materia prima de la que está hecha esta película no es otra que el tiempo y sus heridas.