Arte y Teatro

Impecable. Así es la adaptación al teatro de la película original de Netflix '7 años', de José Cabeza, realizada con un profundo sentido de la teatralidad por Daniel Veronese. El drama, trepidante, con el sello inconfundible del director, que hace verosímil una situación imposible y la transforma en un drama humano de traiciones y rencores que te mantienen en vilo durante hora y media.  Una 'start-up' exitosa tiene un grave problema con Hacienda que puede acabar con pena de cárcel. Los cuatro socios fundadores deciden que, quizá por economizar sufrimiento, lo mejor sea que uno de los cuatro pague el pato por todos, ¿pero quién? Para elegir al chivo expiatorio llaman a un mediador (Miguel Rellán), que, tras aceptar una suculenta oferta económica, aborda la difícil tarea de encontrar criterios que el grupo pueda aceptar para que el sacrificio sea, si se puede decir así, justo. A partir de ahí se desarrolla una única escena en noventa minutos, en la que verdades inconfesables, opiniones calladas durante años y otras miserias se desgranan a una velocidad de vértigo.  Impecable, decíamos. Impecable porque, si algo persiste en las creaciones de Veronese desde que le vi por primera vez en Cuarta Pared con 'El desarrollo de la civilización venidera' hasta hoy, es esa capacidad de poner vida sobre el escenario, de que nada sobre ni falte en la escenografía –independientemente del contexto en el que la ubique y los medios de los que disponga–, de que lo difícil parezca fácil, de cons

Podríamos criticarle muchas cosas a esta 'Jane Eyre' que Carme Portaceli dirige en el Teatro Español, pero hay algo en escena que nos turba desde el primer momento, y es ese destello en la mirada de Ariadna Gil, esos ojos oscuros que van cambiando de color, como los de madame Bovary, a la luz de los candelabros de Thornfield, sobre la nieve rosada que cubre el páramo inglés, velando el cadáver de su amiga tísica en un catre de Lowood que huele a sangre y a pánico. No es la heroína que se inventó Charlotte Brontë, no tiene su mordacidad ni su arrojo, pero no le falta esa valentía de pájaro enjaulado que no teme arañarse las alas mientras intenta escaparse entre los barrotes de su jaula. En los párpados, una lágrima colgada que nos recuerda a la Juana de Arco de Dreyer. Los mofletes pálidos, las caderas huesudas, el vestido largo y negro.  Es cierto que la adaptación cojea en muchas zonas, sobre todo en su principio y en su final. La parte de la infancia de Jane, con la figura de la tía tirana y los años tenebrosos del internado, que en la novela es complejísima, aquí queda comprimida como una pastilla de caldo. Quizá hubiese sido más sabio renunciar a ella, contándola tal vez en una elipsis hiriente, trabajando en los silencios incómodos, en la historia que queda en entredicho y dejando que la obra comenzara 'in media res', en plena cúspide del dolor. Tampoco acaba de cuajar el relato de la mujer de Rochester, que en el libro es una risa insufrible que procede del desván de l

Cien años de clase trabajadora, de lucha, de marginación, de asesinatos y de esperanza: 'Mundo obrero', la primera coproducción entre Teatro del Barrio y Teatro Español, es un repaso histórico y emocional del último siglo en España, desde el momento en que el proletariado empieza a tomar conciencia de clase hasta un futuro utópico en el que se cumplen todas las promesas de república y justicia. Santiago Auserón firma la música que articula el espectáculo, que a primera vista parece ser una revisión consciente del teatro brechtiano: Alberto San Juan ha elegido para realizar este recorrido la forma de un musical pedagógico, donde los personajes no están sino indicados, independientemente de que sean referentes históricos (como Simone Weil o George Orwell) o los que podríamos denominar protagonistas de la función, Luis y Pilar, que a través de cuatro generaciones nos cuentan las particularidades de la situación de la clase obrera en cada época y la relación con la política. El espectáculo incluso ataca al desclasamiento, propio de nuestra contemporaneidad, de trabajadores que niegan su condición y, en lugar de estar orgullosos de su origen, aspiran a imitar a los ricos en su estilo de vida.  Es este un montaje peculiar, porque a su sobriedad escénica bien justificada, a sus excelentes actores (¿por qué Luis Bermejo no es una superestrella?) y a una dramaturgia juguetona y picada se le superponen pedagogía e ideología, lo que opaca todo lo demás. Esto no es en sí mismo ni malo

La banda toma posiciones (con formación de cuarteto de pop-rock: guitarra, bajo, batería y teclados que le dan a todo el espectáculo un aire de concierto fresco y bailongo), bajan las luces y aparece Dios cantando por Whitney Houston. Richard Collins-Moore está sobresaliente, canta como dios, nunca mejor dicho, y arrebata con su carisma. Enfrente tiene a un cuarteto de actrices absolutamente conmovedor.