Arte y Teatro

Nada mejor que una parodia sobre los hipsters como 'Hey Bro! Hipster show' en pleno corazón de Malasaña. Eso se llama atacar desde dentro. Aunque también es cierto que los ingredientes del retrato que hace Rafa Maza abren tanto el abanico que o bien la mitad de la población es hipster o bien los hipsters ya no son tan genuinos. Porque, 'millennials' aparte (no es una función para 'millennials' precisamente), los de 30 para arriba de profesiones liberales precarizadas, tiempos estirados y conexiones perpetuas, entramos en este cajón desastroso que abarca desde la moda 'vintage' al paseo en 'hoverboard', por el amor de Jobs.  Sea como sea, el 'one man show' de Rafa Maza es divertido e interactivo, sorpresivo y moderadamente descarado, combinando un clown muy destilado con un dominio justo de la imitación vocal. El público, como suele ser habitual en el Alfil, se integra en la dinámica desde el primer minuto y, sea por identificación o sea porque uno siempre tiene ganas de reírse de esos tipos con barba y bermudas, gafas verdes de pasta y vasito de zumo detox, la carcajada está presente como entorno sonoro en una sala que se entrega a reírle las gracias al actor, que termina desarrollando un código de claves con los espectadores.  El texto está claramente muy trabajado, a pesar de su apariencia casual (pasa como con los 'outfits' de las modernas), y está lleno de anglicismos que la cultura-mundo ha ido estableciendo casi como un idioma paralelo que tiene que ver casi siempre c

Una familia formada por el padre, la madre y cuatro hijos sale de viaje. En un punto del camino, se detienen en una gasolinera. Los padres bajan y quedan los cuatro hijos esperando. Ahí se suspende el tiempo y en ese paréntesis poético es cuando el público entra en la sala y comienza a ver una obra de teatro cuyo principio y cuyo final los marca, precisamente, la llegada del público y su salida. Porque aunque hay un final, porque tiene que haberlo (de lo contrario sí sería revolucionario), ya no es que sea abierto, es que podría ser ese o cualquier otro.  Esa misma sensación recorre toda esta función, que lo que vemos en escena podría no estar, podrían ser episodios sustituidos por otros que partieran de la misma situación y no cambiaría nada. Es demasiado evidente (y no porque yo lo sepa, que lo sabía de antemano) que la obra está construida a base de juegos de improvisación sobre un tema dado (lo de los padres que se van y los hijos que se quedan solos). Todo esto, aunque parezca una queja, no lo es, no resta para nada calidad a la pieza, aunque quizás dependiendo del momento el interés fluctúa. Y que tampoco un montaje se puede sustentar solo en alardes interpretativos, que los hay, porque el cuarteto protagonista es realmente bueno, sobre todo porque pasan por distintos estadios de la niñez con sorprendente soltura.  Gon Ramos ha querido trasladar la naturaleza del proyecto y del proceso creativo al resultado final. Valiente es, siempre lo ha sido el joven director, hay

'Islandia' es una obra de Lluïsa Cunillé –una de las dramaturgas más interesantes y genuinas del panorama catalán y español– sobre los orígenes de la crisis que azotó –y sigue coleando- el mundo a partir de 2008. Islandia fue uno de los primeros países en sufrir las consecuencias y también uno de los más rápidos en sentir la recuperación. Así que la obra parte de Islandia y de un personaje islandés, pero rápidamente nos traslada al verdadero meollo del asunto, la capital del mundo: Nueva York. Hasta allí viaja un chaval en busca de su madre, que emigró tiempo atrás a la tierra de las oportunidades.  La obra está estructurada a base de encuentros del chaval con gente que le va dando pistas hasta llegar a su madre, encuentros de uno a uno, subrayando el individualismo deshumanizante que abona las relaciones del mundo actual: un inventor que va a registrar una patente, un médico, una vendedora ambulante del Bronx, un 'homeless', el cuidador borracho de una perrera de Harlem, un vendedor de perritos calientes de Manhattan, a dos pasos de Wall Street… personajes simbólicos que sirven para introducir reflexiones en torno a cómo se vive en la cuna del capitalismo contemporáneo y cómo el sueño americano ha devenido en pesadilla 'new age'.  Todo esto, como punto de partida, y con la estupenda escenografía de Max Glaenzel inspirada en el metro de Nueva York (que lo mismo es un hospital que la catedral de San Patricio), donde se juega con los mensajes publicitarios a modo de retablos

¿Recuerdan a Islandia en la última Eurocopa, cómo celebraba sus victorias? La selección revelación del 2016 entonaba un cántico con ritmo y coreo de 'We will rock you', pero de raíces vikingas, con el que hacía vibrar a todo el país. Pues Teatro del Temple parece que tenía ganas de hacer un "¡¡¡Uh!!!" visceral, ancestral, con esta lectura contemporánea de 'La vida es sueño'. Qué difícil conseguirlo... Difícil, porque de entrada el Bellas Artes se le queda pequeño a una propuesta que pide aire, distancia, profundidad, recorrido, cielo... No sabemos si la escenografía está pensada para un espacio de estas dimensiones o no, pero lo cierto es que, a pesar de la inteligencia con la que genera alturas y delimita espacios, la sensación es de abigarramiento, algo que se acentúa con una iluminación de colores saturados que pinta permanentemente la niebla del escenario. Ese sueño de Segismundo rodeado de una mezcolanza de trazas tribales y contemporaneidad debería, por la propia propuesta de dirección, desprender testosterona, estrógenos y sangre, y cuesta, cuesta cuando el espacio es posiblemente lo contrario a la adrenalina pura. También cuesta, en ocasiones, por la particular y arriesgada elección de Segismundo. José Luis Esteban, excelente actor, tiene en ocasiones reminiscencias clownescas, posiblemente no buscadas ni trabajadas. Estamos hablando de un matiz en la prosodia, un gesto retrasado o adelantado en segundos, una mirada... Detalles imperceptibles, pero que desembocan en