Arte y Teatro

La tarea que tenían ante sí Juan Cavestany y Andrés Lima era casi tan delirante como la propia búsqueda del capitán Ahab: convertir una novela que se desarrolla en medio del mar, con un gran coro de personajes (la tripulación internacional del Pequod), y con un protagonista animal ausente. El resultado es sorprendente. Cavestany ha transformado 'Moby Dick' en un texto que tiende a lo posdramático en su forma, narrativo, con sucesos enunciados y poco diálogo, algo infrecuente de escuchar en el Teatro La Latina. También, suponemos, es obra suya la condensación de la tripulación a dos miembros, el narrador original de 'Moby Dick', que representa la cordura, y un alma inocente. Lima, por su parte, ha jugado con todo su oficio teatral para imprimir todo el movimiento posible a un escenario estático. Con juegos de luces que van cobrando protagonismo y desvelando ases en la manga a medida que se desarrolla el espectáculo, un par de ventiladores y unos audiovisuales con una propuesta estética más que interesante, consigue sumergirnos en una interpretación sintética de la gran épica de Ahab. Con estos mimbres, lo que han logrado es que la totalidad del espectáculo sea un poema. Un poema sobre la locura, la sinrazón, la obcecación, incluso la ira. O sobre todo lo contrario. El juego escénico consiste en una sucesión de composiciones fijas, bellas, para desequilibrar la rotunda simetría de la popa del Pequod, imágenes hermosas que hipnotizan gracias a la soberbia interpretación de Jo

Un monólogo sobre los sueños rotos de un chaval que a finales de los 90 fue popular imitando voces en radio y televisión. Dos años duró su minuto de gloria. Después empezó el declive, hasta que el niño ha cumplido los 30 y se planta ante el público para cuestionar su destino. David Trueba también guionizó la fama furtiva del actor Jorge Sanz, pero en ese experimento había tanta verdad como ficción. Marc González de la Varga es más radical en el 'retorno' de Rubén Ramírez: ficción, la justa. Un realismo casi documental con mínimas concesiones que aporta al montaje una crudeza y una amargura latente que tensa y agrieta la piel de humor, principal herramienta de trabajo y coraza de un monologuista. El espectador, consciente de la suave autoflagelación, se sitúa en una posición nada cómoda como testimonio de lo que fue y lo que es, para ver las razones por las que el chaval no superó la fase crítica del niño prodigio. Y él lo sabe, al mismo tiempo que siente con fuerza la necesidad de recuperar sensaciones perdidas. Texto: Marc González de la Varga y Rubén Ramírez. Dirección: Marc González de la Varga. Intérprete: Rubén Ramírez.

Qué pertinente la obra de Jean-Paul Sartre, qué impotencia constatar que la maldad 2.0 es más antigua que andar hacia delante, qué interesante este enredo clásico con tintes filosóficos y políticos... Un auténtico acierto este proyecto de Dan Jemmett, que ni miente cuando augura que hablará sobre las 'fake news', ni defrauda en su desarrollo y su ejecución. Más bien todo lo contrario. Porque lo que no sabíamos es que Sartre también era un guasón. Claro, no se iba a pasar todo el día resolviendo cuitas entre el ser y la nada. En 'Nekrassov' se le entrevé aplicando el existencialismo al gag con resultados más que interesantes. La comedia de enredo, de repente, tiene un sentido último, cuestionar la relación entre lo nombrado y lo que se nombra. Nos hemos ido al nominalismo, y tampoco es exactamente eso. Volvamos. Volvamos a 'Nekrassov', porque es muy muy divertida. Jemmett ha conseguido de sus actores una textura interpretativa particular, que también se anticipa en ese cartel a medio movimiento y que atraviesa la construcción de todos los personajes. ¿Podríamos llamarlo 'clown rebajado'? Maravilloso. Cada aparición de Goblet, Veronique, Demidoff, Nekrassov... está llena de pequeños detalles, de gestos, de piernas ágiles, de manos que apuntan, de libertad, a fin de cuentas. Y todos los actores están magníficos, ¡cómo se divierten! Y con esto lo cuento todo y poco cuento, ni debo contar, porque las más de dos horas que dura el espectáculo están llenas de sorpresas y se hacen

Hay heridas sociales de todo tipo: de las que dejan cicatrices en la cara que te marcan de por vida, de las que solo te duelen cuando el tiempo está revuelto y de las que nunca acaban de cerrarse del todo. La historia dirá cómo fue la sanación de la herida vasca: de momento, el teatro de Borja Ortiz de Gondra nos revela que sigue supurando, quizá no furiosamente, pero sí en sordina, lo justo para que una visita al hogar sea fuente de conflicto. Esta continuación de 'Los Gondra', Premio Max de Mejor Autoría Teatral, está planteada desde la autoficción, y ahí reside su mayor atractivo: el espectador debe permanecer alerta, ya que se le muestran una sucesión de situaciones verosímiles, pero no necesariamente veraces, y es el propio texto el que se encarga de recordar el trampantojo en todo momento. En la duda sobre lo que es, lo que pudo haber sido y no fue, lo que debió ser y lo que será o no será, en ese campo minado se despliega una historia que se desarrolla siguiendo los deseos e imaginaciones del autor sobre todas estas posibilidades. La fidelidad documental no es tan importante como la honestidad, y de eso Ortiz de Gondra anda sobrado: de hecho, asistir a este espectáculo es garantía de reencuentro con el propio pudor. No todo el mundo es capaz de desnudarse así sobre un escenario. La metáfora escenográfica que preside la sala es hermosa, aunque poco versátil, y combinada con un espacio realista funcional, condena en cierta medida al espectáculo al estatismo visual, al