Las exposiciones de arte que puedes ver ahora mismo en Madrid

Con motivo del centenario de su nacimiento, el Conde Duque acoge una exposición dedicada a la figura de Eduardo Chillida, en la que repasa toda su trayectoria a través de más de un centenar de obras.

La exposición reúne esculturas, obra gráfica, dibujos y retratos, ofreciendo una visión amplia del trabajo de uno de los grandes referentes de la escultura del siglo XX. El recorrido permite acercarse a piezas en distintos materiales como hierro, yeso, alabastro u hormigón, además de sus conocidos "Lurrak", y pone especial atención en su obra gráfica, clave para entender su pensamiento artístico. 

La pintora Menchu Gal (Irún 1919-2008) fue una figura clave del arte español del siglo XX y pionera al convertirse en la primera mujer en recibir el Premio Nacional de Pintura en 1959. Ahora, la Serrería Belga le dedica una exposición que recorre su trayectoria y recupera su legado dos décadas después de su última exposición individual en Madrid.

El recorrido reúne una selección de obras que permiten apreciar la evolución de su lenguaje artístico a través de paisajes, retratos, bodegones e interiores. Sus pinturas destacan por el uso del color, la luz y una pincelada expresiva que busca captar la esencia de los personajes, en su mayoría femeninos, reflejando una mirada independiente marcada por su contexto histórico y vital.

Gottfried Helnwein confunde, desafía y perturba con sus obras. El espectacular espacio de SOLO Independencia exhibe más de 40 obras del artista, algunas inéditas, realizadas en las últimas cuatro décadas. Pinturas y fotografías que invitan a adentrarse en el universo de Helnwein, nacido en 1948 en Viena y marcado profundamente por la posguerra europea y el imaginario nazi. 


Helnwein utiliza un lenguaje cercano y asequible, con presencia de figuras procedentes de la cultura popular, como Mickey o el Pato Donald, protagonistas de las primeras salas junto a personajes como Marylin Manson o el propio Hitler, quienes trastornan el carácter infantil de los dibujos animados creados por Walt Disney y producen un choque de sensaciones.


Sus obras generan una inquietante mezcla de desconcierto, placer visual y contradicción

El artista también bebe de la Historia del Arte y son claras las referencias a otros creadores, como por ejemplo Edward Hopper, Andrea Mantegna o Francisco de Goya, cuya influencia lleva a crear la serie 'The disasters of war', pinturas hiperrealistas donde aparecen escenarios catastróficos inspirados en sucesos reales, pero exagerados como si se tratasen de videojuegos o películas de acción; en estas piezas aparecen en primer plano figuras femeninas, similares a las del manga o el anime, en poses sugerentes.

En la misma sala se encuentran obras de Toshio Saeki, Keiichi Tanaami o Ai Wei Wei que subrayan estas ideas de hipersexualidad, fragilidad y violencia, un completo homenaje a los 'Desastres de la guerra' de Goya desde el siglo XXI.


La muestra incluye piezas de la colección personal del artista como los pequeños dibujos 'First love' o 'Untitled (after Andrea Mantegna)', que dejan patente la pericia técnica de Helnwein. Este dominio del dibujo y la pintura contribuye a que obras como 'Epiphany 1 (Adoration of the Magi 4)' y 'Epiphany 2 (Adoration of the Shepherds III)', en las que el artista sustituye a los Reyes Magos y los pastorcillos del portal de Belén por oficiales de la SS, generen una inquietante mezcla de sensaciones donde predomina el desconcierto, el placer visual y la contradicción.

El Museo Reina Sofía presenta la exposición 'La historia no se repite, pero rima', que pone en diálogo el Guernica (1937) de Pablo Picasso con 'African Guernica' (1967) del artista sudafricano Dumile Feni, mostrada por primera vez fuera de su país. La propuesta forma parte de un nuevo programa que confronta obras de distintos contextos para generar nuevas lecturas.

La pieza de Feni, creada en plena era del apartheid, comparte elementos visuales con la de Picasso para denunciar la violencia y la opresión. La exposición invita a comparar ambas obras y reflexionar sobre sus paralelismos y diferencias, ampliando la mirada con otras creaciones del artista sudafricano y subrayando cómo el arte puede resonar entre épocas y geografías distintas.

El Museo Reina Sofía dedica una gran retrospectiva a Alberto Greco en la que recorre la trayectoria breve pero explosiva de uno de los nombres clave de la vanguardia experimental. Poeta, performer y flâneur radical, Greco convirtió su propia vida en materia artística y fue el fundador del llamado arte vivo, una práctica adelantada a su tiempo.

La exposición reúne obras realizadas en el periodo que va de 1949 a 1965, entre las que hay escritos, pinturas, acciones, collages y objets vivants, y pone el foco en su gesto más radical: llevar el arte a la calle y confundirlo con la vida cotidiana. Firmar personas, declarar ciudades como obras de arte o intervenir el espacio público formaron parte de una aventura creativa abierta, imprevisible y profundamente contemporánea.

El Museo del Prado presenta una exposición centrada en 'El año del hambre de Madrid' (1818), de José Aparicio, una obra que pasó de ser un fenómeno cultural en el siglo XIX a quedar prácticamente olvidada.

En su momento, el cuadro fue impulsado durante el reinado de Fernando VII, difundido por la prensa y convertido en un referente que trascendió la pintura para colarse en la literatura, la música y el teatro. Sin embargo, su éxito fue efímero y, con el tiempo, tanto la obra como su autor fueron relegados de la historia del arte oficial. 

Organizada en colaboración con el British Museum, esta muestra recorre la vida e influencia de uno de los hombres más poderosos de su época. Bajo su reinado, entre los años 669 y 631 antes de Cristo, el imperio asirio experimentó la mayor de sus expansiones y bonanzas económicas. Además, Asurbanipal impulso las artes y las corrientes de pensamiento.

No obstante, también se conoce que ejerció la violencia y el terror para controlar sus territorios y vasallos. La exposición muestra las luces y las sombras de este curioso personaje histórico a través de objetos asirios procedentes de las colecciones del British, que han resultado cruciales para entender la importancia del reino de Asiria y la influencia de Asurbanipal en su tiempo.

El artista asturiano Avelino Sala protagoniza en CentroCentro una exposición que recorre su obra como un ejercicio de resistencia crítica y poética, explorando tensiones entre fragilidad y amenaza, símbolos heredados y nuevos imaginarios.

Sala (Gijón, 1972), artista y editor de la revista 'Sublime', combina la crítica social con la poética visual, abordando temas como migraciones, crisis ambiental y paradojas del capitalismo. 

En el marco de la Sección Oficial de PHotoESPAÑA, la Nave 0 de Matadero Madrid acoge la exposición 'Ofertorio', de Greta Alfaro, que reflexiona sobre cómo las ideas de sacrificio, transformación y entrega han pasado de los rituales tradicionales a los actuales modelos de consumo y producción de imágenes.

A través de una propuesta simbólica y contemporánea, la artista convierte el espacio en una especie de templo moderno donde mirar y consumir se transforman en actos centrales. La exposición plantea cómo seguimos ofreciendo y transformando la materia hoy en día, implicando al espectador en esa relación entre deseo, cuerpo e imagen.

Los Jardines del Campo del Moro acogen una exposición que repasa la historia de La Nueve, la compañía integrada por voluntarios de trece nacionalidades, entre ellos 180 españoles republicanos, que combatió al nazismo en la Segunda Guerra Mundial.

La muestra recorre desde sus orígenes en Argelia hasta su papel en la liberación de París. El eje del recorrido es el semioruga M3 "Guadalajara", uno de los vehículos que llegó al Ayuntamiento de París el día de la liberación. La exposición se completa con paneles en el Paseo de Damas y un audiovisual inmersivo en el Chalet de la Reina, que contextualiza las operaciones clave de 1944 y el papel de estos combatientes.

El Museo de América acoge en la Sala La Tapada un proyecto fotográfico de Antonio López Díaz que aborda la discriminación que sufren las mujeres trans indígenas en distintos territorios de América.

La muestra combina fotografía y relato para visibilizar tanto la violencia estructural como las formas de resistencia que atraviesan estas comunidades. El proyecto también recupera la memoria de identidades de género diversas presentes en muchas sociedades indígenas antes de la colonización, como los muxes zapotecos o los nadleeh navajos, posteriormente borradas o reprimidas por los sistemas coloniales. 

En el marco de PHotoESPAÑA 2026 , el Espacio Cultural Serrería Belga alberga la exposición 'Azkarate vs Azkarate', que pone en diálogo el archivo histórico de la fotoperiodista Isabel Azkarate con nuevas imágenes tomadas con un smartphone. La muestra recorre más de 40 años de trayectoria, evidenciando la coherencia de una mirada centrada en lo humano y en la observación de la vida cotidiana.

Considerada la primera mujer fotoperiodista vasca, Azkarate desarrolló su estilo en los años 80 entre Barcelona y Nueva York, influida por la fotografía de calle y autores como Lisette Model o Diane Arbus. La exposición confronta pasado y presente para mostrar cómo su forma de mirar sigue vigente, manteniendo su interés por lo espontáneo, lo marginal y lo cotidiano desde una perspectiva directa y sin artificios.

La Sala de los Borbones de la Galería de las Colecciones Reales acoge una exposición dedicada a los relojes reunidos por la monarquía española a lo largo de los siglos. La muestra reúne piezas adquiridas por los reyes para decorar sus palacios, permitiendo conocer la evolución de estos objetos tanto en su diseño estético como en sus avances técnicos.

El recorrido pone especial atención en el gusto de Fernando VII e Isabel II, responsables de enriquecer la colección con relojes singulares fabricados por los mejores artesanos de su época. A través de estos objetos, la exposición muestra cómo la medición del tiempo fue perfeccionándose y cómo los estilos artísticos y tecnológicos se reflejaron en estas piezas únicas.

Casa Árabe celebra su 20º aniversario con una exposición fotográfica organizada junto a Agencia EFE, que repasa dos décadas de relaciones entre España y el mundo árabe. La muestra recorre a través de imágenes la evolución de este vínculo y el papel de la institución como puente cultural y diplomático.

Desde su creación en 2006, Casa Árabe ha funcionado como un espacio de diálogo entre ambas orillas, con sedes en Madrid y Córdoba. A lo largo de estos años, ha impulsado encuentros, actividades culturales y proyectos educativos que han contribuido a mejorar el entendimiento mutuo y a proyectar una imagen más actual del mundo árabe en España y viceversa.

Incluida en la programación del festival PHotoESPAÑA 2026, el Espacio Fundación Telefónica dedica una exposición a 'Los Americanos', la célebre serie que Robert Frank realizó durante su viaje por Estados Unidos en los años 50.

Considerado un pionero en la renovación del lenguaje fotográfico, Frank transformó la manera de mirar a través de la cámara con un trabajo que se ha convertido en una referencia clave del siglo XX. La muestra reúne por primera vez en España las 83 imágenes que componen íntegramente este proyecto, publicado en 1958 como uno de los libros más influyentes de la historia de la fotografía.

El Reina Sofía dedica una exposición a la artista catalana Aurèlia Muñoz, una figura clave del arte textil contemporáneo cuya obra explora el impacto de las crisis postindustriales en los ecosistemas. A lo largo del recorrido, se muestra cómo su trabajo combina técnicas tradicionales con enfoques actuales, ampliando los límites del tejido y la artesanía hacia territorios más conceptuales y experimentales.

La muestra repasa más de cinco décadas de trayectoria, desde sus primeros collages y bordados de inspiración surrealista hasta sus innovadoras estructuras de macramé, esculturas-cometa e instalaciones con papel hecho a mano. También incluye piezas inéditas, maquetas y dibujos poco conocidos, ofreciendo una visión completa de un legado artístico singular.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza dedica una exposición a Giovanni Francesco Barbieri, más conocido como Il Guercino, uno de los grandes nombres del barroco italiano. La muestra parte de la obra del museo Jesús y la samaritana en el pozo para explorar cómo el pintor representó a la mujer en los relatos bíblicos, siempre desde una mirada intensa y profundamente humana.

Con préstamos del Museo Nacional del Prado, la Dulwich Picture Gallery y el Musée des Beaux-Arts de Strasbourg, el recorrido reúne seis lienzos donde figuras como Susana, la mujer adúltera o Dalila cobran protagonismo absoluto. Mujeres que encarnan culpa, deseo, arrepentimiento y redención en escenas cargadas de gesto, tensión y narrativa. Una oportunidad para redescubrir el barroco desde una perspectiva centrada en ellas.

La Biblioteca Nacional de España invita a viajar a Armenia de la mano de una exposición dedicada a algunos de los manuscritos más importantes del país. La muestra reúne piezas que permiten acercarse a su riqueza artística y a distintos aspectos de su historia y cultura.

A través de estos códices, el visitante puede descubrir las tradiciones, creencias y la evolución de la cultura manuscrita armenia, reconocida por sus detalladas miniaturas. Las obras reflejan una gran diversidad de estilos y procedencias, fruto de una amplia red de centros culturales, y evidencian la relevancia y proyección internacional de este patrimonio a lo largo del tiempo.

El Museo del Prado acoge, hasta principios de julio, una exposición centrada en el impacto de la fotografía desde su aparición en el siglo XIX como disciplina artística y herramienta para representar la realidad.

A través de fondos propios, la muestra reúne imágenes vinculadas a artistas como los Madrazo, Dióscoro Puebla o Cecilio Pla, combinando obras de autores reconocidos con otras de carácter más desconocido o amateur. El recorrido propone una mirada a la vida y el trabajo de los creadores en sus entornos cotidianos, estudios y espacios de aprendizaje. 

Los artistas ucranianos Roman Khimei y Yarema Malashchuk que analiza cómo la invasión rusa ha transformado el espacio público y la vida cotidiana en su país. A partir de imágenes de cámaras de videovigilancia en Kiev, la muestra revela cómo la guerra quiebra los ritmos diarios y pone en tensión las estructuras democráticas, entre la fragilidad de la paz y la persistencia de la memoria.

Cineastas y artistas visuales desde 2016, Khimei y Malashchuk trabajan entre el documental y la ficción para abordar la historia reciente del país. La exposición reúne tres videoinstalaciones: 'Open World', 'You Shouldn’t Have to See This' y 'Pedagogies of War: War at Distance'. Todas ellas entrelazan experiencia personal y memoria colectiva en un relato visual tan incómodo como necesario.

La vida y la obra de Gloria Fuertes toman la Casa del Lector (en Matadero) con una exposición imprescindible que recorre su trayectoria vital y creativa a través de poemas y fotografías personales, trazando también un retrato del siglo XX.

Fuertes habló de todo lo que importa: amor, guerra, injusticia, libertad, miedo y humor, siempre con un lenguaje directo y cercano que sigue conectando con cualquier generación. La exposición también se adentra en sus textos más íntimos —sus "autobios"—, donde reflexiona sobre por qué escribe y comparte recuerdos y emociones sin filtros. 

El artista brasileño Marlon de Azambuja lleva a La Casa Encendida una instalación escultórica que transforma el espacio en un territorio vivo, donde la materia y la arquitectura dialogan con el pensamiento, invitando al visitante a atravesar, respirar y habitar la obra en lugar de limitarse a observarla. La obra reflexiona sobre el acto de "fundar" y el concepto de museo, planteándolo como un lugar sensible y situado que acoge experiencias y formas de pensamiento más cercanas y participativas.

Marlon de Azambuja, nacido en la ciudad de Porto Alegre en 1978 y afincado en París, trabaja con instalación, escultura, vídeo, fotografía y dibujo para cuestionar la relación entre espectador, espacio y arquitectura. Sus intervenciones, precisas y contenidas, buscan desvelar lo que la arquitectura oculta bajo su aparente neutralidad y abrir nuevas lecturas críticas sobre la ciudad y los sistemas que organizan nuestra percepción del mundo.

El Museo del Romanticismo presenta una exposición que revisita la estética romántica a través de diseños de grandes nombres de la moda de los siglos XX y XXI, como Balenciaga, Pertegaz, Pedro Rodríguez o Bibian Blue.

Las piezas, cedidas por la Fundació Antoni de Montpalau, dialogan con las colecciones del museo y actualizan la sensibilidad decimonónica desde la alta costura contemporánea. La última sala reúne figurines y trajes de Pedro Rodríguez, estableciendo un vínculo directo con la historia del propio museo. 

La artista argentina Mariela Scafati expone por primera vez en España, en una muestra que recorre su trayectoria a través de obras que parten de la pintura pero la expanden hacia la escultura, la instalación y el mural, utilizando el lienzo no solo como soporte sino como espacio de experimentación. 

El trabajo de Scafati combina color y palabra para construir piezas que exploran la subjetividad colectiva y reformulan géneros tradicionales como el retrato o el paisaje. Entre las obras destacan instalaciones como Familia (Daniel, Kinga y Maite) o la serie Windows, donde incorpora textos extraídos del discurso cotidiano, conectando su práctica con referencias a la tradición vanguardista y a la cultura visual contemporánea.

La artista Laia Abril participa en PHotoESPAÑA 2026 con una instalación inédita centrada en la endometriosis, una enfermedad crónica que afecta a millones de personas y que, pese a su impacto, sigue siendo infradiagnosticada y poco investigada.

A través de imágenes que muestran cuerpos fragmentados y testimonios visuales del dolor, la exposición cuestiona los sesgos históricos de la medicina en torno al cuerpo femenino y la tendencia a minimizar sus síntomas. Abril conecta el presente con el pasado, recordando cómo durante siglos se patologizaron estos dolores bajo diagnósticos como la "histeria", denunciando una herencia de desatención e incomprensión médica que aún persiste.

El Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa acoge 'Pelo de tormenta', una exposición dedicada a Francisco Nieva, que conmemora los diez años de su fallecimiento y el aniversario del estreno de su obra Pelo de tormenta.

La muestra, repartida en varios espacios del centro, rinde homenaje a uno de los autores más singulares del teatro español. A través de vestuario original, fotografías y documentos del montaje de 1997, la exposición reconstruye el proceso creativo de la obra. Entre las piezas destacan los diseños de Pedro Moreno y materiales que recuerdan a un reparto con nombres como Pilar Bardem o Rossy de Palma, ofreciendo una mirada completa a este hito escénico.

La arquitecta y fotógrafa Milena Villalta lleva a La Casa de la Arquitectura una exposición que documenta el impacto de la dana que el 29 de octubre de 2024 arrasó varias localidades de la Comunidad Valenciana.

La muestra utiliza la fotografía como testimonio del alcance del agua y de la vulnerabilidad del territorio ante fenómenos extremos. A través de sus imágenes, la exposición invita a reflexionar sobre la relación entre urbanismo y naturaleza, mostrando cómo la ocupación del suelo y la falta de planificación en algunos casos han amplificado los efectos de estas catástrofes.

Ana Locking es una diseñadora de moda consolidada, con más de 20 años de trayectoria, y conocida por combinar propuestas arriesgadas con cuestiones sociales. En esta retrospectiva se repasa su carrera, desde que comenzó a trabajar en el taller de confección de su madre, sus estudios en Bellas Artes o la primera marca que creó, Locking shocking, en 1996, hasta llegar, en 2008, a la firma que lleva su nombre.

En sus diseños, Locking fusiona artesanía y experimentación, sin dejar de lado la atención al detalle y la practicidad de las prendas. Cada colección responde a unos intereses sobre el arte contemporáneo, la actualidad y las propias vivencias de la diseñadora. Además, Locking colabora en proyectos artísticos de instituciones públicas y privadas.

La Filmoteca Española propone echar un vistazo a nuestra propia historia con 'NO-DO. El mundo de ayer. Imagen y propaganda del franquismo'. La exposición pone el foco en los noticiarios y documentales que durante décadas moldearon el imaginario colectivo, disfrazando propaganda de entretenimiento y construyendo un relato oficial tan eficaz como perturbador.

Ocho décadas después de su nacimiento, la muestra se pregunta qué hacemos hoy con esas imágenes y qué lugar ocupan en nuestra memoria audiovisual. El proyecto dialoga con la propia misión del centro: conservar, contextualizar y activar el cine como herramienta crítica, no solo como archivo del pasado, sino como espejo incómodo del presente.

La exposición del Museo Nacional de Artes Decorativas pone el foco en las aportaciones de varias investigadoras estadounidenses entre los siglos XIX y XX a la transformación del espacio doméstico. A través de sus propuestas, se plantea un cambio de mirada que integra el papel de las mujeres como organizadoras del hogar dentro del nuevo contexto económico y social de la época.

La muestra revisa cómo estas ideas influyeron en la concepción moderna de la vivienda. Figuras como Catharine Beecher, Christine Frederick y Lillian Gilbreth entendieron la casa como un espacio productivo que debía optimizar el trabajo doméstico. Sin cuestionar el hogar como ámbito femenino, apostaron por racionalizarlo mediante diseño, organización y mecanización, anticipando planteamientos del Movimiento Moderno.

El Museo ABC alberga una pequeña exposición que reúne aspectos más significativos de la Colección ABC, tomando como punto de partida a Torcuato Luca de Tena como fundador de Blanco y Negro y ABC, de su archivo y de la importancia que siempre le dio al arte y la ilustración.

La muestra se compone de 29 originales y varios soportes digitales que muestran fotografías y más ilustraciones, que presentan un recorrido por la historia de la Colección ABC desde sus inicios en el lejano 1891.

El Museo Casa de la Moneda acoge la muestra 'El nacimiento de la moneda. Tesoros de la colección Zhuyuetang', una exposición que reúne 148 piezas singulares procedentes de una de las colecciones privadas más relevantes del mundo.

La muestra invita a recorrer los dos primeros siglos de la historia de la moneda, desde su invención en el oeste de la actual Turquía a mediados del siglo VII a.C., hasta su consolidación como instrumento esencial en la vida económica, social y política del Mediterráneo antiguo.

La artista peruana Andrea Canepa firma la segunda intervención en la lona que cubre el Palacio de Cristal del Retiro durante su restauración. La propuesta traslada al icónico edificio su investigación sobre los fardos textiles de la cultura Paracas y los rituales de envoltura funeraria, conectando esa tradición ancestral con la arquitectura de hierro y vidrio del palacio.

En su obra, Canepa genera un relato visual en movimiento a medida que el público rodea el edificio. A través de instalaciones y tejidos pensados como experiencias temporales y habitables, la artista reflexiona sobre memoria e identidad colectiva, cuestionando las formas en que los objetos, los espacios y las estructuras culturales influyen en cómo miramos y habitamos el mundo.

El exterior de la Nave 15 del Matadero acoge una conmovedora exposición de Estela de Castro que reúne 22 retratos pertenecientes a su proyecto 'The Animals', una serie que reivindica la fotografía como espacio de memoria y conciencia.

Durante dos años, la artista retrató a 122 animales en santuarios y centros de rescate, capturando con sobriedad y respeto la huella de vidas marcadas por la explotación o el abandono. En cada mirada hay una historia concreta, una presencia que interpela al espectador y lo invita a reconocer la individualidad de quienes suelen quedar fuera del foco social. Lejos de la espectacularidad o el artificio, De Castro apuesta por la calma y la cercanía como formas de resistencia. 

Pintada por Pedro Pablo Rubens en 1638, 'El martirio de San Andrés' es una de las grandes obras del pintor alemán, y una de las que mejor refleja la teatralidad y el dramatismo propios del Barroco.

La obra representa la crucifixión de este apóstol en una cruz en forma de aspa, conocida como cruz de San Andrés. Una escena que no solo impacta por su belleza, sino que también transmite un mensaje de entrega y devoción religiosa.

En el contexto de la temporada shakesperiana del Teatro Real, 'El sueño de una noche de verano' rinde homenaje a Julia Margaret Cameron, pionera del retrato fotográfico en el siglo XIX, a través de una selección de imágenes y reproducciones emblemáticas.

La muestra establece un diálogo entre la fotografía y el teatro, entre el claroscuro de las emociones humanas y la luz simbólica de los grandes relatos.