Las exposiciones de arte que puedes ver ahora mismo en Madrid

Organizada en colaboración con el British Museum, esta muestra recorre la vida e influencia de uno de los hombres más poderosos de su época. Bajo su reinado, entre los años 669 y 631 antes de Cristo, el imperio asirio experimentó la mayor de sus expansiones y bonanzas económicas. Además, Asurbanipal impulso las artes y las corrientes de pensamiento.

No obstante, también se conoce que ejerció la violencia y el terror para controlar sus territorios y vasallos. La exposición muestra las luces y las sombras de este curioso personaje histórico a través de objetos asirios procedentes de las colecciones del British, que han resultado cruciales para entender la importancia del reino de Asiria y la influencia de Asurbanipal en su tiempo.

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando acoge la exposición 'Bellezas del mundo flotante', que reúne 77 obras maestras del grabado japonés de los siglos XVIII y XIX, procedentes de la Colección Pasamar-Onila. Concretamente, la muestra se centra en el género bijin-ga —imágenes de mujeres bellas— y ofrece un recorrido por la edad de oro de esta tradición artística.

La exposición combina estampas en formato ōban con piezas menos habituales como hashira-e, dípticos, trípticos y un excepcional políptico de seis hojas, tomando como punto de partida obras de Suzuki Harunobu, pionero de la técnica nishiki-e. 

El Museo Thyssen presenta la primera gran retrospectiva en España del danés Vilhelm Hammershøi, un artista que conecta con la modernidad del siglo XX sin perder de vista la herencia de los viejos pintores flamencos.

Cerca de cien obras del autor danés nos acercan a sus interiores fríos e inquietantemente tranquilos. Estas enigmáticas escenas han sido objeto de numerosas interpretaciones en los últimos años y es que la pintura de Hammershøi se ve, pero también se puede escuchar con la mirada. Al observar sus cuadros podemos apreciar el silencio hecho pintura, una quietud tensa, como si algo fuera a suceder, o todo lo contrario, no terminara de ocurrir. Esta muestra quiere poner en diálogo las obras del artista con los maestros del pasado, como los holandeses del siglo XVII, y las grandes figuras del siglo XIX y XX, como Edward Hopper.

Fue una de las primeras mujeres que se pudo ganar la vida como fotógrafa, gracias una exposición individual que organizó el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1943. Sin embargo, la trayectoria de Helen Levitt arrancó en 1931, cuando comenzó a trabajar en un pequeño estudio de fotografía del Bronx. Los barrios más humildes de Nueva York son, a menudo, escenario de sus fotografías más conocidas. En esta muestra podemos ver estas imágenes y otras inéditas, así como los trabajos que realizó en México en 1941 y una excelente muestra de su obra en color, técnica que abordó a partir de la década de 1950. También se presenta el documental In the Street (1948), que codirigió.

Como curiosidad, Levitt siempre evitó explicar o comentar sus imágenes. Esto ha dado lugar a muchas interpretaciones y versiones, todas válidas, porque el verdadero valor de las fotografías de Levitt es la forma en que conecta con las personas.

El Museo Reina Sofía dedica una gran retrospectiva a Alberto Greco en la que recorre la trayectoria breve pero explosiva de uno de los nombres clave de la vanguardia experimental. Poeta, performer y flâneur radical, Greco convirtió su propia vida en materia artística y fue el fundador del llamado arte vivo, una práctica adelantada a su tiempo.

La exposición reúne obras realizadas en el periodo que va de 1949 a 1965, entre las que hay escritos, pinturas, acciones, collages y objets vivants, y pone el foco en su gesto más radical: llevar el arte a la calle y confundirlo con la vida cotidiana. Firmar personas, declarar ciudades como obras de arte o intervenir el espacio público formaron parte de una aventura creativa abierta, imprevisible y profundamente contemporánea.

El Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa acoge una exposición dedicada al diseñador André Ricard y a su forma de entender lo cotidiano. Lejos de un recorrido cronológico, la muestra organiza sus piezas según los espacios donde cobran sentido: la mesa, el baño, la cocina o la memoria. Todo, para poner en valor esos objetos “invisibles” que forman parte natural de nuestra vida diaria.

Comisariada por el propio Ricard, la exposición presenta los diseños en contexto y sin vitrinas, subrayando su sencillez, precisión y vigencia. El recorrido se apoya en textos que explican los momentos clave de su trayectoria desde sus inicios hasta los Juegos Olímpicos de 1992, y cuenta con la colaboración del coleccionista Alejandro Mena y del archivo del Museu del Disseny – Disseny Hub Barcelona.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza dedica una exposición a Giovanni Francesco Barbieri, más conocido como Il Guercino, uno de los grandes nombres del barroco italiano. La muestra parte de la obra del museo Jesús y la samaritana en el pozo para explorar cómo el pintor representó a la mujer en los relatos bíblicos, siempre desde una mirada intensa y profundamente humana.

Con préstamos del Museo Nacional del Prado, la Dulwich Picture Gallery y el Musée des Beaux-Arts de Strasbourg, el recorrido reúne seis lienzos donde figuras como Susana, la mujer adúltera o Dalila cobran protagonismo absoluto. Mujeres que encarnan culpa, deseo, arrepentimiento y redención en escenas cargadas de gesto, tensión y narrativa. Una oportunidad para redescubrir el barroco desde una perspectiva centrada en ellas.

La ilustradora Ana Juan da un paso más en su trayectoria con este proyecto, en el que extiende el dibujo hacia otras dimensiones, como la animación o la escultura. Wunderkammer significa "cámara de maravillas" en alemán, pero los tesoros que reúne esta propuesta no proceden de otros países o culturas, sino que pertenecen a la propia artista. Las piezas de esta muestra, creada y producida para CentroCentro, forman parte de un universo creativo configurado por Juan a lo largo de su trayectoria. Estas maravillas reunidas aglutinan personajes imaginarios e historias en las que luchan, se transforman o se relacionan. A través de estas escenas, la artista invita a realizar nuestras propias interpretaciones de lo que vemos y sucede en sus obras para así hacerlas nuestras y convertirlas en nuestra propia wunderkammer, un lugar mágico donde almacenar nuestros tesoros.

El Museo del Prado presenta la tercera edición de El Prado en femenino, dedicada a las grandes figuras femeninas del siglo XVIII que impulsaron su colección artística. La muestra pone el foco en Isabel de Farnesio, destacando su papel clave en la política cultural del periodo y su labor como promotora de una colección que llegó a reunir cerca de mil pinturas, muchas hoy esenciales en el museo.

A través de retratos, documentos y obras, la exposición rescata también a otras reinas como María Luisa Gabriela de Saboya o María Luisa de Parma, subrayando su influencia en el gusto artístico y el coleccionismo real. Comisariada por Noelia García Pérez, la propuesta combina rigor histórico con una mirada contemporánea que reivindica el papel de estas mujeres como verdaderas arquitectas del patrimonio del Prado.

El Círculo de Bellas Artes presenta una exposición que repasa su periodo de renovación iniciado en 1983. Esta etapa transformó la institución en un centro cultural multidisciplinar y abierto al público, consolidándose en las décadas de los ochenta y noventa como un referente del debate contemporáneo y con proyección internacional.

La muestra reúne obras, registros fotográficos y audiovisuales que ilustran cómo el Círculo incorporó enseñanza, arte, música, cine y arquitectura, y organizó iniciativas pioneras como el Festival Nacional de Vídeo o el festival de fotografía FOCO. La exposición permite comprender cómo la institución se reinventó como un espacio plural y experimental, motor del despertar creativo de la España democrática, con la colaboración de Acción Cultural Española (AC/E).

El Museo ICO celebra sus orígenes con una exposición que reúne parte de la colección que dio sentido al espacio. La muestra propone un recorrido por el arte del siglo XX y explora cómo los cambios sociales, políticos y estéticos influyeron en el dibujo y la escultura.

La exposición reúne obras de 34 creadores, desde las vanguardias (con nombres como Pablo Picasso o Julio González), hasta artistas contemporáneos como Miquel Barceló. Esculturas y dibujos dialogan para mostrar la evolución de la forma, el espacio y los materiales a lo largo del siglo.

La Biblioteca Nacional de España invita a viajar a Armenia de la mano de una exposición dedicada a algunos de los manuscritos más importantes del país. La muestra reúne piezas que permiten acercarse a su riqueza artística y a distintos aspectos de su historia y cultura.

A través de estos códices, el visitante puede descubrir las tradiciones, creencias y la evolución de la cultura manuscrita armenia, reconocida por sus detalladas miniaturas. Las obras reflejan una gran diversidad de estilos y procedencias, fruto de una amplia red de centros culturales, y evidencian la relevancia y proyección internacional de este patrimonio a lo largo del tiempo.

La Fundación Canal abre sus puertas a la historia del arte urbano en una exposición que reúne más de sesenta obras originales de artistas nacionales e internacionales. La muestra traza la evolución de este lenguaje visual desde los primeros tags de Filadelfia y Nueva York en los años 60 hasta su consolidación como un fenómeno global del arte contemporáneo.

El recorrido se organiza en cinco etapas que repasan desde los inicios del graffiti hasta la sofisticación actual en técnicas y discursos, con nombres como Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, SEEN, Blek le Rat, JR, Invader o Suso33. Además, incluye un espacio monográfico dedicado a Banksy, que permite comprender su influencia mediática y simbólica en el arte urbano del siglo XXI.

El Museo del Prado acoge, hasta principios de julio, una exposición centrada en el impacto de la fotografía desde su aparición en el siglo XIX como disciplina artística y herramienta para representar la realidad.

A través de fondos propios, la muestra reúne imágenes vinculadas a artistas como los Madrazo, Dióscoro Puebla o Cecilio Pla, combinando obras de autores reconocidos con otras de carácter más desconocido o amateur. El recorrido propone una mirada a la vida y el trabajo de los creadores en sus entornos cotidianos, estudios y espacios de aprendizaje. 

El dúo Lake Verea rinde homenaje al arquitecto Luis Barragán en esta muestra, que reúne fotografías realizadas entre 2006 y 2013, acompañadas de esferas de vidrio (un elemento característico de su universo) que invitan a observar el espacio desde múltiples perspectivas.

La exposición explora el uso del gran angular y el ojo de pez como recursos poéticos para reinterpretar la arquitectura moderna mexicana. A través de una mirada íntima y experimental, Lake Verea construye nuevas narrativas visuales que cuestionan la autoría y amplían las formas de mirar y representar el espacio.

Los artistas ucranianos Roman Khimei y Yarema Malashchuk que analiza cómo la invasión rusa ha transformado el espacio público y la vida cotidiana en su país. A partir de imágenes de cámaras de videovigilancia en Kiev, la muestra revela cómo la guerra quiebra los ritmos diarios y pone en tensión las estructuras democráticas, entre la fragilidad de la paz y la persistencia de la memoria.

Cineastas y artistas visuales desde 2016, Khimei y Malashchuk trabajan entre el documental y la ficción para abordar la historia reciente del país. La exposición reúne tres videoinstalaciones: 'Open World', 'You Shouldn’t Have to See This' y 'Pedagogies of War: War at Distance'. Todas ellas entrelazan experiencia personal y memoria colectiva en un relato visual tan incómodo como necesario.

La vida y la obra de Gloria Fuertes toman la Casa del Lector (en Matadero) con una exposición imprescindible que recorre su trayectoria vital y creativa a través de poemas y fotografías personales, trazando también un retrato del siglo XX.

Fuertes habló de todo lo que importa: amor, guerra, injusticia, libertad, miedo y humor, siempre con un lenguaje directo y cercano que sigue conectando con cualquier generación. La exposición también se adentra en sus textos más íntimos —sus "autobios"—, donde reflexiona sobre por qué escribe y comparte recuerdos y emociones sin filtros. 

La exposición colectiva 'Sour Select: destilados ácidos y esencias contemporáneas' llega a Est_Gallery de Alcobendas, parte del espacio Est_ArtSpace. La muestra propone una lectura del arte contemporáneo desde la idea de la extracción: exprimir aquello que contiene intensidad, aislar lo esencial y destilar un gesto que perdure. Como en un proceso alquímico, la muestra reúne prácticas que no buscan la suavidad ni el consenso, sino ese punto exacto de fricción donde la imagen se vuelve activa, punzante y necesaria.

Cada artista trabaja desde su trayectoria personal y su propio lenguaje. Los participantes son DEIH, Diego Cerero Molina, Gabi de la Merced, Gyuk, Jaime Sancorlo, Jazzy Dope, Jesús Aguado, Juanjo Surace, Juli About, Luciano Sánchez, MalOjo, Miguel Piñeiro, Óscar Llorens, Penelope Clarinha, Penrider y Reme Amorós

El artista brasileño Marlon de Azambuja lleva a La Casa Encendida una instalación escultórica que transforma el espacio en un territorio vivo, donde la materia y la arquitectura dialogan con el pensamiento, invitando al visitante a atravesar, respirar y habitar la obra en lugar de limitarse a observarla. La obra reflexiona sobre el acto de "fundar" y el concepto de museo, planteándolo como un lugar sensible y situado que acoge experiencias y formas de pensamiento más cercanas y participativas.

Marlon de Azambuja, nacido en la ciudad de Porto Alegre en 1978 y afincado en París, trabaja con instalación, escultura, vídeo, fotografía y dibujo para cuestionar la relación entre espectador, espacio y arquitectura. Sus intervenciones, precisas y contenidas, buscan desvelar lo que la arquitectura oculta bajo su aparente neutralidad y abrir nuevas lecturas críticas sobre la ciudad y los sistemas que organizan nuestra percepción del mundo.

Las salas de exposiciones temporales del Museo Nacional de Antropología acogen una muestra de la artista Agnes Essonti, integrada en la programación especial por el 150º aniversario de la institución.

La exposición gira en torno a la investigación de Essonti sobre la restitución de objetos expoliados y su dimensión espiritual, comunitaria y simbólica. A través de imágenes y piezas propias que dialogan con fondos del museo, la artista propone formas de comunicación más allá de la palabra y reflexiona sobre la identidad afrodescendiente y su vínculo con África central, territorio ancestral de referencia.

El Thyssen celebra el centenario de Robert Rauschenberg con 'Rauschenberg: Express. Dentro y fuera del taller', una exposición que gira en torno a 'Express' (1963), una de las obras clave del artista estadounidense, y propone una lectura renovada de su universo creativo desde la iconografía hasta su inconfundible espíritu experimental.

La exposición explora cómo Rauschenberg rompió las barreras entre disciplinas y colaboró con la danza, la performance o la ciencia, consolidando una forma de entender el arte abierta y radicalmente contemporánea. Una cita imprescindible para entender por qué su obra marcó un antes y un después tras su consagración en la Bienal de Venecia y por qué sigue influyendo en el arte actual.

El pintor abstracto Pablo Palazuelo protagoniza una pequeña muestra vinculada a la exposición Colección Masaveu. Arte español del siglo XX. De Picasso a Barceló, dentro del programa de obras invitadas de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson. 

Reconocido por su enfoque intelectual de la abstracción, el artista exploró materiales y formatos diversos, incluyendo el tapiz, en colaboración con Josep Royo, sin renunciar al rigor lineal que caracteriza su obra.

La Fundación María Cristina Masaveu Peterson alberga una exposición fotográfica que incluye una selección de imágenes realizadas entre los años 30 y comienzos del siglo XXI por autores de distintas generaciones, desde Antonio Arissa y José Alemany hasta creadores más recientes como Eva Lootz, Alberto García-Alix o José María Díaz-Maroto.

Las fotografías recorren temas como el mundo del trabajo, el paisaje o la relación con los objetos y el cuerpo, con imágenes que capturan momentos cotidianos y simbólicos de la vida en España. Algunas piezas destacan por condensar toda una época en un solo instante, como 'Seminario de Madrid' de Ramón Masats, mientras que otras aportan miradas únicas como la de Horacio Coppola, sumando diversidad y valor artístico al conjunto.

El Museo del Romanticismo presenta una exposición que revisita la estética romántica a través de diseños de grandes nombres de la moda de los siglos XX y XXI, como Balenciaga, Pertegaz, Pedro Rodríguez o Bibian Blue.

Las piezas, cedidas por la Fundació Antoni de Montpalau, dialogan con las colecciones del museo y actualizan la sensibilidad decimonónica desde la alta costura contemporánea. La última sala reúne figurines y trajes de Pedro Rodríguez, estableciendo un vínculo directo con la historia del propio museo. 

El Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa acoge, dentro del programa de Madrid Design Festival 2026, la exposición 'Manifiesto Mediterráneo', que propone repensar la forma en que habitamos el mundo a través del diseño. Con obras de más de 30 artistas y creadores, desde jóvenes talentos hasta nombres consolidados, la exposición reivindica la artesanía como herramienta cultural y política. 

A partir de una selección de muebles creados por diseñadores, en su mayoría europeos, la muestra plantea un cambio de paradigma que pone en cuestión los ritmos de la industria y el consumo contemporáneo. Textiles, cerámica, vidrio, madera o cestería dialogan con enfoques más experimentales y contemporáneos para recuperar el legado mediterráneo, su relación con el paisaje y una manera de vivir más consciente, sostenible y conectada con los objetos y su historia.

La artista argentina Mariela Scafati expone por primera vez en España, en una muestra que recorre su trayectoria a través de obras que parten de la pintura pero la expanden hacia la escultura, la instalación y el mural, utilizando el lienzo no solo como soporte sino como espacio de experimentación. 

El trabajo de Scafati combina color y palabra para construir piezas que exploran la subjetividad colectiva y reformulan géneros tradicionales como el retrato o el paisaje. Entre las obras destacan instalaciones como Familia (Daniel, Kinga y Maite) o la serie Windows, donde incorpora textos extraídos del discurso cotidiano, conectando su práctica con referencias a la tradición vanguardista y a la cultura visual contemporánea.

Coincidiendo con la nueva edición de FITUR, y con México como país invitado, la Fundación Casa de México presenta una exposición que reúne 80 piezas de arte popular procedentes de distintas regiones mexicanas y pone en valor técnicas tradicionales como el barro vidriado, el papel amate, la madera de Olinalá, el bordado o el telar textil, en una propuesta que celebra la diversidad creativa del país.

Lejos de mirar al pasado con nostalgia, la muestra apuesta por una lectura contemporánea de los oficios de siempre, con una museografía actual que dialoga con el diseño y la estética contemporánea sin perder raíz ni autenticidad. El recorrido se completa con fotografías del libro 'Cocina que despierta: el poder de la herencia', un homenaje visual y gastronómico a las cocineras y cocineros tradicionales que mantienen vivo el legado culinario de México. 

Más de 130 obras firmadas por 68 artistas dan forma en La Neomudéjar a una exposición que convierte el arte en archivo vivo y trinchera política. El punto de partida es la colección de la artista venezolana Andreina Fuentes Angarita, un fondo construido desde la diáspora y atravesado por temas como identidad, migración y resistencia. Videoarte, performance y formatos híbridos articulan un recorrido que cuestiona estructuras de poder desde la belleza, la ironía y la irreverencia.

La muestra supone el desembarco en Europa de Arts Connection Foundation, llegada desde Miami con uno de los archivos privados más incisivos sobre las tensiones sociopolíticas de las últimas tres décadas. 

El Museo Nacional de Antropología acoge una retrospectiva de Elena del Rivero, dentro de su 150º aniversario y el programa Visiones críticas. Comisariada por Mateo Feijoo, la muestra revisa la trayectoria de la artista a partir de un proyecto que conecta memoria, territorio y creación contemporánea.

El eje de la exposición parte de una experiencia en un pueblo de Ourense, donde sus obras fueron expuestas en espacios cotidianos y, tras meses a la intemperie, finalmente quemadas en un acto colectivo. A partir de objetos en desuso, ensamblajes y collages, Del Rivero construye un archivo íntimo que reflexiona sobre el paso del tiempo y el valor de lo residual, completado con la pieza Canto para un monumento funerario en el Panteón de España.

La Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid acoge una exposición comisariada por Paula Noya de Blas, uno de los proyectos ganadores de la XVII edición de Se busca comisario, iniciativa que impulsa nuevos modelos curatoriales y el acceso profesional de jóvenes comisarios.

La muestra reflexiona sobre la capacidad de los cuerpos para resistir las lógicas de disciplina, rendimiento y eficiencia que dominan el trabajo y las relaciones afectivas. A través de obras de artistas como Jota Mombaça o Julia Spínola, la exposición plantea el cuerpo como un espacio activo de relaciones y propone reapropiarse del tiempo y el deseo. 

El Museo de Arte Contemporáneo, ubicado en el Conde Duque, acoge una exposición centrada en la apariencia exterior de las tiendas, un elemento clave en la identidad urbana. A través de fachadas y escaparates, distintos artistas muestran cómo han cambiado las ciudades y cómo estos espacios funcionan como espejos que reflejan nuestra vida cotidiana.

La muestra, ubicada en la segunda planta del Museo, reúne obras de creadores que han explorado esa fascinación por los escaparates. El recorrido incluye figuras esenciales como Alfredo Alcain o Amalia Avia, junto a fotógrafos como César Lucas y Gerardo Vielba, y se completa con miradas contemporáneas como las de Ángel Sanz, Boris Savelev y Amy Chang.

El Thyssen-Bornemisza acoge una nueva exposición del programa Kora, centrado en la perspectiva de género. La muestra pone el foco en la obra reciente de Irma Álvarez-Laviada, con más de treinta piezas creadas en la última década que dialogan directamente con pinturas de la colección permanente del museo.

Con materiales industriales y una estética que se mueve entre dentro y fuera del marco pictórico, Álvarez-Laviada revisa la tradición del arte moderno desde una mirada crítica. Sus obras exploran la abstracción geométrica para cuestionar los códigos asociados a lo masculino y lo femenino, jugando con la repetición, la diferencia y la ruptura de jerarquías. 

La sede del Círculo de Bellas Artes es un icono de Madrid. Ahora, su Sala Goya alberga una exposición dedicada a su origen, diseño y construcción, obra del influyente arquitecto Antonio Palacios.

Finalizado en 1926, el edificio se ha convertido en uno de los grandes emblemas culturales de Madrid y en testigo de la evolución urbana y artística de la ciudad. La muestra reúne planos originales, dibujos, fotografías de época y materiales inéditos del concurso de 1919, que permiten reconstruir el proceso creativo y técnico del proyecto. 

La Fundación Mapfre decica una amplia exposición a Anders Zorn, uno de los grandes pintores suecos de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Zorn fue un maestro del óleo, la acuarela y el grabado, y alcanzó fama internacional como retratista de reyes, presidentes y figuras clave de su tiempo. Todo ello, con un estilo propio marcado por la luz y la modernidad.

El recorrido abarca desde sus primeras acuarelas hasta su consolidación en París y Londres, sus viajes a Estados Unidos y su mirada íntima sobre la vida cotidiana en Suecia. La muestra reúne retratos, desnudos y paisajes, incluyendo su etapa española en ciudades como Sevilla, Cádiz y Granada, y subraya el diálogo artístico que mantuvo con Joaquín Sorolla, conectando la pintura nórdica con la tradición mediterránea.

Con motivo del centenario de su edificio, el Círculo de Bellas Artes impulsa una gran instalación artística colectiva que reúne a artistas, activistas y colectivos cuyas prácticas desbordan las categorías tradicionales y propone una reflexión crítica sobre el papel del arte en la ciudad, las instituciones y la vida común.

La iniciativa toma como referencia el espíritu insumiso de 'El sueño imperativo' (1991), una exposición histórica que convirtió el Círculo en un espacio de fricción política y poética. Participan creadores como Dagoberto Rodríguez, Rogelio López Cuenca, Isidoro Valcárcel Medina, Itziar Okariz, Los Carpinteros, María Salgado, Pedro G. Romero o Tino Sehgal, entre otros, y se suma además un trabajo de recuperación de la obra Sky Goddess, Minerva (1991) de Nancy Spero, a cargo de la restauradora Rocío Casasus, como gesto de diálogo entre memoria, presente y disrupción artística.

Un reciente hallazgo publicado en la revista 'Nature' sitúa en Indonesia la obra de arte más antigua conocida: la silueta de una mano en una cueva de hace casi 68.000 años. Desde ese gesto primitivo hasta la pintura actual de Javier Ruiz, la historia del arte puede entenderse como una evolución constante en la forma de representar y cuestionar la realidad.

La obra de Ruiz, que expone por primera vez en VETA by Fer Francés, se mueve precisamente en ese terreno, combinando procesos artesanales con una reflexión contemporánea sobre la imagen. A través de pigmentos trabajados de forma casi escultórica, su pintura conecta lo ancestral con lo actual, planteando una mirada íntima que explora la relación entre materia, percepción y significado en un mundo saturado de imágenes.

El Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico de Madrid acoge una exposición que conecta arte, moda y ecología de la mano de la artista neerlandesa Claudy Jongstra, quien propone una reflexión visual sobre los grandes retos ambientales actuales.

El recorrido incluye diseños de Marcos Luengo elaborados con textiles biodinámicos de la colección LOADS, creada por Claudy y Jesk Jongstra, además de una obra del artista digital Iván Puñal. Sobre la mesa: la pérdida de hábitats naturales, la protección de la flora autóctona y el impacto ambiental de la lana en la industria textil.

En el marco del programa Vitrina de Antropología (In)visible, el Museo de Antropología alberga una nueva exposición que pone el foco en las experiencias de migración y desplazamiento. A través de objetos e imágenes, la muestra habla de esperas, rupturas y transformaciones, alejándose de los grandes titulares para centrarse en las historias materiales y cotidianas que deja el movimiento humano.

La muestra propone mirar la migración más allá de la pérdida, subrayando también los procesos de adaptación, reinvención e identidad que nacen del tránsito. Desigualdades económicas, fronteras y herencias coloniales atraviesan el relato, pero también la capacidad de las personas para recomponer vínculos, conservar memorias y generar nuevas formas de habitar el mundo. 

La Galería Hanul del Centro Cultural Coreano en España acoge una exposición del fotógrafo Koo Bonchang centrada en la sensibilidad estética y la tradición coreana. La muestra reúne 32 piezas de su 'Serie Porcelana Blanca y Oro', donde dialogan la pureza de la porcelana blanca de la dinastía Joseon y las reliquias doradas de Silla.

Koo Bohnchang, figura clave del arte contemporáneo en Corea del Sur y profesor universitario, ha sido reconocido por su aportación a la fotografía coreana con la Mención Presidencial en la 47ª edición de los Premios de Cultura y Arte de Corea.

Madrid es la gran protagonista de la exposición que el Museo de Historia, con una selección de obras de José Miguel Palacio que convierten la ciudad en un escenario en constante movimiento. Más de 70 óleos, junto a esculturas y dibujos, retratan el pulso urbano con un hiperrealismo casi fotográfico: aviones, carreteras, reflejos en parabrisas o escenas de la Gran Vía capturadas desde una mirada obsesiva por el detalle y el ritmo frenético de la vida cotidiana.

Uno de los puntos fuertes es el políptico 'Madrid al cielo', compuesto por 30 pinturas que elevan la mirada sobre calles, plazas y estaciones emblemáticas como Callao, Atocha o Serrano. Palacio, artista multidisciplinar que desde el año 2000 se ha volcado en el hiperrealismo, firma aquí un retrato contemporáneo de Madrid que oscila entre la precisión técnica y la fascinación por una ciudad que nunca se detiene.

La Casa Árabe acoge una exposición del artista iraquí Hanoos Hanoos en la que el mito de Babel se cruza con la historia reciente de Iraq para reflexionar sobre una herencia cultural marcada a la vez por el esplendor y la tragedia.

A través de un lenguaje visual cargado de simbolismo, el artista conecta lo ancestral y lo contemporáneo para hablar de poder, violencia y fragilidad humana desde una perspectiva personal y colectiva. 

La artista C. S. Leyva pone el foco en aquellas mujeres que la historia oficial dejó en segundo plano en la exposición 'Des-caradas. Mujeres históricas vistas con los ojos de hoy'. Lo hace a través de un lenguaje visual contemporáneo, para cuestionar los relatos heredados y reivindicar su peso político, social e intelectual en contextos dominados por el poder masculino.

La exposición propone un cara a cara con rostros cargados de fuerza simbólica que interpelan al visitante y lo obligan a mirar de nuevo identidad, memoria y representación. Comisariada por Juan Antonio Ramírez, con textos de Luis Fernández Cifuentes, podrá visitarse del 16 de enero al 26 de abril de 2026 en el Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico–CSIC, un escenario perfecto para este diálogo entre arte, historia y presente.

El Centro Arte Complutense dedica una gran exposición monográfica a Quisqueya Henríquez, figura clave del arte contemporáneo caribeño y latinoamericano. La muestra recorre toda su trayectoria a través de instalaciones, vídeos, fotografías, esculturas y performances que exploran temas como la identidad, la cultura visual, la hibridez caribeña o la relación entre ciudad, consumo e imaginarios globales.

Considerada la revisión más completa de su obra en Europa hasta la fecha, la exposición sitúa el legado de la artista, nacida en La Habana y estrechamente vinculada a República Dominicana, dentro del panorama internacional del arte contemporáneo.

El espacio Nave 0 del centro cultural Matadero Madrid acoge la primera muestra individual de Mónica Mays en una institución española, dentro del programa Abierto x Obras. La exposición, titulada 'Pulgar', presenta una instalación site specific que combina objetos e historias para generar relaciones entre resto y transmisión, explorando cómo afecto, violencia y deseo circulan a través del mito y la materia.

La obra de Mónica Mays no busca representar ni explicar, sino crear experiencias perceptivas. Componentes industriales, fragmentos domésticos, materiales orgánicos y elementos rituales se ensamblan en configuraciones que oscilan entre atracción y repulsión, equilibrio y precariedad.

José María Sicilia interviene las estancias más emblemáticas del Palacio de Liria con una serie de obras y una instalación creadas expresamente para el lugar, integrando las piezas con la arquitectura y la memoria del palacio.

La exposición combina obras recientes con piezas de etapas anteriores del artista, ofreciendo una visión amplia de su trayectoria y creando un recorrido sensorial y conceptual por espacios como la biblioteca, el salón de baile y los salones de la emperatriz Eugenia de Montijo. 

La Montaña de los Gatos, en El Retiro, acoge una exposición fotográfica que reflexiona sobre el papel de las infraestructuras en momentos de crisis. La muestra pone el foco tanto en las redes que sostienen la ciudad como en las personas que garantizan su funcionamiento en situaciones límite.

A través de imágenes de episodios recientes como Filomena, la pandemia o grandes apagones, la exposición subraya cómo la resiliencia urbana depende no solo de la ingeniería, sino también de la colaboración y la solidaridad. Además, se completa con actividades paralelas y visitas técnicas que acercan al público el funcionamiento de servicios esenciales en Madrid.

La Filmoteca Española propone echar un vistazo a nuestra propia historia con 'NO-DO. El mundo de ayer. Imagen y propaganda del franquismo'. La exposición pone el foco en los noticiarios y documentales que durante décadas moldearon el imaginario colectivo, disfrazando propaganda de entretenimiento y construyendo un relato oficial tan eficaz como perturbador.

Ocho décadas después de su nacimiento, la muestra se pregunta qué hacemos hoy con esas imágenes y qué lugar ocupan en nuestra memoria audiovisual. El proyecto dialoga con la propia misión del centro: conservar, contextualizar y activar el cine como herramienta crítica, no solo como archivo del pasado, sino como espejo incómodo del presente.

CentroCentro acoge una instalación inmersiva de Javier Garcerá que combina obras recientes y piezas creadas a lo largo de treinta años. La luz juega un papel central en una propuesta donde cuadros monumentales, casi como retablos, dialogan con el espacio y evidencian la coherencia estética, conceptual y ética del artista.

La exposición reivindica una forma de mirar más lenta y reflexiva frente al ritmo visual frenético actual. Garcerá mezcla referencias clásicas con escenas cotidianas y paisajes en ruinas para construir una alegoría crítica y poética de los tiempos de crisis, invitando al público a un regreso íntimo al silencio y a la introspección.

Casi a modo de bienvenida la discreta y sutil belleza de la pieza 'Your self-led light' nos recibe cuando accedemos al espacio expositivo de Elvira González. En esta obra, la luz incide en un disco compacto y es proyectada sobre el techo en círculos concéntricos de distintos colores.

Sin embargo, esta es una muestra un tanto atípica de Olafur Eliasson, ya que abunda la pintura y no tanto la instalación o la escultura. En 'Tu inconmensurable expansión de llamaradas' el artista ha querido continuar sus investigaciones sobre la luz, el color y la percepción desde una posición más experimental y a través de la pintura.

Es una muestra un tanto atípica de Eliasson, ya que abunda la pintura y no tanto la instalación

Un ejemplo es la instalación 'Transformative self-led colours', donde Eliasson realizó en un mismo bloc de papel de acuarela 15 obras, de manera que las hojas absorbían la tinta de unas y otras y se generaban composiciones aleatorias, pero conectadas. Cada pieza resultante está enmarcada por un panel de vidrio azul que añade, esta vez adrede, una nueva capa translúcida para enfatizar los colores de cada hoja.
Las pinturas circulares, fruto de la intención y del accidente provocado, recogen la esencia de esta exposición. Se han realizado con tintas muy diluidas con alcohol isopropílico sobre lienzos sin preparar para que el pigmento se expanda hacia el exterior y dé lugar a aureolas que juegan con las transparencias y las formas. 


La espectacular escultura 'Firefly biosphere (twilighting)', aunque anterior a las piezas de la muestra, vincula los trabajos más actuales del artista con la investigación sobre la luz que caracteriza su trayectoria. La obra, compuesta de estructuras en movimiento, luces led y una burbuja segmentada en doce rombos, combina vidrio soplado con filtros de efecto cromático que reflejan una sola longitud de onda y se proyecta en todo el espacio de su entorno. Un efecto casi mágico que responde, en realidad, a una exactitud sin espacio para el azar, aunque… ¿es el azar un accidente o quizá una transformación?

La Sala A de La Casa Encendida presenta un proyecto de la artista iraní Hoda Afshar que parte del archivo del psiquiatra y fotógrafo francés Gaëtan Gatian de Clérambault, compuesto por miles de imágenes tomadas en Marruecos a mujeres veladas.

A partir de este material, Afshar reflexiona sobre el orientalismo, el colonialismo y los mecanismos de control que determinan cómo miramos y qué se nos permite ver. La exposición combina fotografía analógica, vídeo, animación digital e instalación para cuestionar las relaciones entre imagen, poder y percepción.

La exposición del Museo Nacional de Artes Decorativas pone el foco en las aportaciones de varias investigadoras estadounidenses entre los siglos XIX y XX a la transformación del espacio doméstico. A través de sus propuestas, se plantea un cambio de mirada que integra el papel de las mujeres como organizadoras del hogar dentro del nuevo contexto económico y social de la época.

La muestra revisa cómo estas ideas influyeron en la concepción moderna de la vivienda. Figuras como Catharine Beecher, Christine Frederick y Lillian Gilbreth entendieron la casa como un espacio productivo que debía optimizar el trabajo doméstico. Sin cuestionar el hogar como ámbito femenino, apostaron por racionalizarlo mediante diseño, organización y mecanización, anticipando planteamientos del Movimiento Moderno.

El fotógrafo Ziyi Le, ganador del Premio Leica Oskar Barnack 2023 en la categoría Revelación, reúne en Leica Gallery una serie de retratos íntimos y directos sobre identidad, dudas existenciales y la búsqueda de sentido en el presente.

El proyecto nació de un momento personal de vacío del propio artista, que encontró a los protagonistas a través de la red social Weibo, capturando un estado de ánimo colectivo más que rostros individuales. Imágenes sobrias, empáticas y cargadas de honestidad que funcionan casi como un espejo generacional. 

El Museo ABC alberga una pequeña exposición que reúne aspectos más significativos de la Colección ABC, tomando como punto de partida a Torcuato Luca de Tena como fundador de Blanco y Negro y ABC, de su archivo y de la importancia que siempre le dio al arte y la ilustración.

La muestra se compone de 29 originales y varios soportes digitales que muestran fotografías y más ilustraciones, que presentan un recorrido por la historia de la Colección ABC desde sus inicios en el lejano 1891.

CentroCentro acoge 'El pico al aire', una gran instalación pictórica de Javier Garcerá pensada para dialogar con el espacio. Cuadros monumentales, muchos creados ex profeso, conviven con obras de las últimas tres décadas en una experiencia inmersiva donde la luz juega un papel clave y convierte la visita en algo casi físico, cercano a la idea de retablo contemporáneo.

Garcerá propone justo lo contrario al scroll infinito: parar, mirar y mirar. Su pintura, atravesada por ecos de Fra Angelico o Manet y por escenas de lo cotidiano, ruinas y paisajes abandonados, invita a una contemplación lenta y consciente. 

El Museo Casa de la Moneda acoge la muestra 'El nacimiento de la moneda. Tesoros de la colección Zhuyuetang', una exposición que reúne 148 piezas singulares procedentes de una de las colecciones privadas más relevantes del mundo.

La muestra invita a recorrer los dos primeros siglos de la historia de la moneda, desde su invención en el oeste de la actual Turquía a mediados del siglo VII a.C., hasta su consolidación como instrumento esencial en la vida económica, social y política del Mediterráneo antiguo.

CentroCentro acoge 'El pico al aire', una gran instalación pictórica de Javier Garcerá pensada para dialogar con el espacio. Cuadros monumentales, muchos creados ex profeso, conviven con obras de las últimas tres décadas en una experiencia inmersiva donde la luz juega un papel clave y convierte la visita en algo casi físico, cercano a la idea de retablo contemporáneo.

Garcerá propone justo lo contrario al scroll infinito: parar, mirar y mirar. Su pintura, atravesada por ecos de Fra Angelico o Manet y por escenas de lo cotidiano, ruinas y paisajes abandonados, invita a una contemplación lenta y consciente. 

La exposición 'Regeneraciones: China y España en el espejo' propone un diálogo entre España y China en torno a un reto compartido: regenerar la ciudad y la arquitectura heredada para avanzar hacia la sostenibilidad.

A través de más de setenta proyectos, se muestran iniciativas de rehabilitación, reutilización y acupuntura urbana que reactivan espacios y paisajes desde una mirada innovadora y consciente. La muestra entrelaza las propuestas de ambos países en un montaje especular que refleja afinidades y contrastes. El resultado es un recorrido visual y conceptual donde arquitectura y sociedad se encuentran para imaginar un futuro común basado en la cooperación y el aprendizaje mutuo.

La exposición 'Estratos. La inmortalidad de lo efímero' reúne una selección de los diarios de la artista Miluca Sanz. Inspirada en la poética de lo cotidiano y lo fugaz, Sanz convierte el paso del tiempo en materia artística, capturando instantes de la vida madrileña y fechándolos con la hoja del calendario Myrga correspondiente a ese día.

La muestra rescata su proyecto 'Diario-Calendario', creado originalmente en Instagram en 2013, y lo traslada al espacio expositivo con una nueva instalación creada especialmente para la ocasión. En ella, la artista presenta reliquias y objetos cotidianos asociados a esas imágenes, componiendo una suerte de arqueología íntima y urbana. 

La artista peruana Andrea Canepa firma la segunda intervención en la lona que cubre el Palacio de Cristal del Retiro durante su restauración. La propuesta traslada al icónico edificio su investigación sobre los fardos textiles de la cultura Paracas y los rituales de envoltura funeraria, conectando esa tradición ancestral con la arquitectura de hierro y vidrio del palacio.

En su obra, Canepa genera un relato visual en movimiento a medida que el público rodea el edificio. A través de instalaciones y tejidos pensados como experiencias temporales y habitables, la artista reflexiona sobre memoria e identidad colectiva, cuestionando las formas en que los objetos, los espacios y las estructuras culturales influyen en cómo miramos y habitamos el mundo.

El exterior de la Nave 15 del Matadero acoge una conmovedora exposición de Estela de Castro que reúne 22 retratos pertenecientes a su proyecto 'The Animals', una serie que reivindica la fotografía como espacio de memoria y conciencia.

Durante dos años, la artista retrató a 122 animales en santuarios y centros de rescate, capturando con sobriedad y respeto la huella de vidas marcadas por la explotación o el abandono. En cada mirada hay una historia concreta, una presencia que interpela al espectador y lo invita a reconocer la individualidad de quienes suelen quedar fuera del foco social. Lejos de la espectacularidad o el artificio, De Castro apuesta por la calma y la cercanía como formas de resistencia. 

Luis Pérez Calvo presenta 'Cromos del artista', un recorrido por la iconografía popular española de los años 60, 70 y 80 a través de dibujo, collage, pintura y cerámica. Su trabajo se nutre de la vida urbana y de las conexiones personales que conforman su universo creativo.

La muestra reúne una selección de piezas y un mural creado para la ocasión, donde la nostalgia se mezcla con la ironía y lo cotidiano se transforma en memoria colectiva. Con referencias al cómic, la publicidad y la cultura popular, el artista ofrece un homenaje vibrante a la creatividad y a la resistencia cultural.

El Museo Arqueológico Nacional presenta por primera vez diez esculturas maestras procedentes del Museo del Louvre y que establecen un diálogo entre las colecciones de escultura ibérica de ambas instituciones, procedentes de yacimientos del sureste peninsular.

Entre las piezas destacadas se encuentran las esfinges de Agost, los sillares de Osuna y las cabezas del Cerro de los Santos, obras ligadas a contextos rituales y funerarios que representan animales fantásticos, procesiones o exvotos. Una oportunidad única para apreciar la maestría técnica y la riqueza simbólica del arte ibérico, así como su pensamiento espiritual y su visión del tránsito al más allá.

Pintada por Pedro Pablo Rubens en 1638, 'El martirio de San Andrés' es una de las grandes obras del pintor alemán, y una de las que mejor refleja la teatralidad y el dramatismo propios del Barroco.

La obra representa la crucifixión de este apóstol en una cruz en forma de aspa, conocida como cruz de San Andrés. Una escena que no solo impacta por su belleza, sino que también transmite un mensaje de entrega y devoción religiosa.

En el contexto de la temporada shakesperiana del Teatro Real, 'El sueño de una noche de verano' rinde homenaje a Julia Margaret Cameron, pionera del retrato fotográfico en el siglo XIX, a través de una selección de imágenes y reproducciones emblemáticas.

La muestra establece un diálogo entre la fotografía y el teatro, entre el claroscuro de las emociones humanas y la luz simbólica de los grandes relatos.