Las exposiciones de arte que puedes ver ahora mismo en Madrid

El Museo del Prado presenta la tercera edición de El Prado en femenino, dedicada a las grandes figuras femeninas del siglo XVIII que impulsaron su colección artística. La muestra pone el foco en Isabel de Farnesio, destacando su papel clave en la política cultural del periodo y su labor como promotora de una colección que llegó a reunir cerca de mil pinturas, muchas hoy esenciales en el museo.

A través de retratos, documentos y obras, la exposición rescata también a otras reinas como María Luisa Gabriela de Saboya o María Luisa de Parma, subrayando su influencia en el gusto artístico y el coleccionismo real. Comisariada por Noelia García Pérez, la propuesta combina rigor histórico con una mirada contemporánea que reivindica el papel de estas mujeres como verdaderas arquitectas del patrimonio del Prado.

El Prado inaugura la mayor exposición dedicada hasta la fecha a Anton Raphael Mengs, una figura esencial del neoclasicismo europeo. La muestra reúne alrededor de 150 piezas entre óleos, dibujos, acuarelas, pasteles y esculturas procedentes tanto de las colecciones del propio museo y Patrimonio Nacional como de importantes instituciones internacionales. 

El público podrá recorrer la evolución artística del pintor alemán y descubrir la profundidad de su diálogo con maestros como Rafael, Correggio o Pompeo Batoni. Entre las obras más destacadas figura el impresionante fresco 'Júpiter y Ganimedes', acompañado de medallas y manuscritos que completan un retrato íntimo y erudito de un creador que supo tender puentes entre la tradición clásica y la modernidad pictórica de su tiempo.

CaixaForum alberga una exposición que explora el desenfoque como recurso artístico, desde los nenúfares de Monet hasta la creación contemporánea. La muestra propone una reflexión sobre lo borroso, lo impreciso y lo inacabado como formas de expresión y de percepción del mundo, reivindicando el desenfoque como una elección estética y no como un error visual.

Concebida por el Musée de l’Orangerie de París en colaboración con la Fundación la Caixa, la exposición recorre las raíces del desenfoque desde el siglo XIX hasta hoy, a través de pinturas, vídeos, fotografías e instalaciones de artistas como Monet, Giacometti, Richter, Rothko, Soledad Sevilla, Bill Viola o Christian Boltanski, entre otros. Un viaje sensorial por las fronteras de la claridad y la confusión que invita a mirar el arte —y la realidad— de otro modo.

El exterior de la Nave 15 del Matadero acoge una conmovedora exposición de Estela de Castro que reúne 22 retratos pertenecientes a su proyecto 'The Animals', una serie que reivindica la fotografía como espacio de memoria y conciencia.

Durante dos años, la artista retrató a 122 animales en santuarios y centros de rescate, capturando con sobriedad y respeto la huella de vidas marcadas por la explotación o el abandono. En cada mirada hay una historia concreta, una presencia que interpela al espectador y lo invita a reconocer la individualidad de quienes suelen quedar fuera del foco social. Lejos de la espectacularidad o el artificio, De Castro apuesta por la calma y la cercanía como formas de resistencia. 

El CaixaForum Madrid presenta una exposición dedicada a Henri Matisse que recorre su obra más innovadora, aquella que cuestiona las normas de la pintura y refleja su posición emocional y política. La muestra explora cómo Matisse reformuló el color y el lienzo, buscando nuevas formas de ver y representar el mundo, y ofrece un diálogo con creadores y vanguardias internacionales influenciadas por su trabajo.

Organizada junto al Centre Pompidou, la exposición reúne una amplia selección de obras que muestran la trayectoria y evolución del artista, desde sus primeros fauves y la influencia en neoprimitivistas rusos, hasta su impacto en la pintura estadounidense de la década de 1940. A través de ocho ámbitos, los visitantes pueden apreciar cómo Matisse rompió con lo establecido y dejó un legado que sigue resonando en la historia del arte.

La Galería Espacio Landaburu acoge 'Animalada', una exposición colectiva que reúne pintura, fotografía, grabado, dibujo y escultura. La muestra propone un recorrido por distintas miradas contemporáneas sobre lo animal, invitando al público a repensar su relación con este mundo más allá de la simple representación artística.

Un total de 25 artistas, entre ellos Germán Bel, Andi Rivas, Carlos González Ximénez, Carmelo López, Manuel Luna, Fernanda J Carregado y Giuseppe Marconi, presentan obras que exploran cómo dialogamos con lo no humano. Una selección diversa y cuidada que convierte la galería en un espacio de reflexión sobre nuestra forma de ver y convivir con los animales.

Toda la información, en el Instagram de la Galería. 

La exposición 'Martín Chirino. Memoria del Círculo' rinde homenaje a uno de los grandes escultores españoles del siglo XX, reconocido por su inconfundible universo creativo forjado en torno a la espiral y al hierro. La muestra reúne una selección de obras que recorren las distintas etapas de su trayectoria. 

Más que un recorrido cronológico, la exposición propone una experiencia sensorial y poética que conecta al espectador con las raíces africanas y atlánticas de Chirino, siempre presentes en su obra. Una invitación a redescubrir la fuerza del hierro transformado en arte, y a adentrarse en el legado de un creador que hizo del movimiento y la geometría su lenguaje universal.

El museo La Neomudéjar acoge 'Apocalypse Now', una exposición de la artista australiana-estadounidense Illma Gore, conocida por su activismo político y su mirada satírica. La muestra presenta una visión del fin de los tiempos a través de obras que cuestionan el presente socioeconómico, cultural y militar del mundo.

La pieza central es 'Death of Eros', un óleo de más de tres metros en el que líderes políticos de distintas épocas, desde Martin Luther King hasta Putin o Hitler, aparecen convertidos en querubines grotescos atrapados en un cielo tormentoso. Con esta escena del “Juicio Final” sin redención, Gore plantea un retrato absurdo y caótico del poder, donde los dirigentes son reducidos a caricaturas mitológicas que encarnan no solo la decadencia política, sino también la pérdida de la capacidad humana de comunión.

La relación entre estos dos artistas, en apariencia totalmente distintos, es el broche final del año para el Museo Thyssen. La muestra aborda las preocupaciones y obsesiones artísticas de ambos autores y las inquietudes comunes como el concepto de espacio, la noción de fondo y figura y el camuflaje como eje de sus producciones. Mediante una selección de obra de Warhol, Pollock y otros artistas del mismo periodo que trabajaron temáticas similares, la exposición explora la presencia de la repetición, la serialidad y la abstracción en el arte como mecanismo de búsqueda de un lugar propio en la sociedad.

El Museo del Romanticismo presenta una original exposición comisariada por Stéphany Onfray que reúne tarjetas de visita, retratos y objetos fotográficos del siglo XIX para mostrar cómo los estudios fotográficos se convirtieron en espacios de expresión y libertad para las mujeres.

En un contexto dominado por normas burguesas, muchas de ellas usaron la cámara y el acto de posar para desafiar convenciones. 'Retratadas' reivindica su papel como creadoras, coleccionistas y espectadoras, destacando su aportación al desarrollo técnico y artístico de la fotografía

El Museo Nacional de Artes Decorativas presenta una exposición dedicada al diseñador y artista multidisciplinar Pablo Reinoso. A través de esculturas que transforman objetos cotidianos en formas inesperadas, la muestra explora la frontera entre arte y funcionalidad, reflejando la constante investigación del autor sobre la materia y sus posibilidades expresivas.

Nacido en Buenos Aires y afincado en París desde 1978, Reinoso combina escultura, diseño, arquitectura e instalación en una obra que dialoga con las colecciones del museo. Comisariada por José Jiménez, la exposición incluye varias piezas en madera tallada que revelan su particular interés por el modo en que habitamos y damos sentido al espacio.

La Galería de las Colecciones Reales acoge una exposición dedicada a Victoria Eugenia de Battenberg, que invita a recorrer su vida y legado a través de unas 350 piezas entre obras, documentos, libros y fotografías.

La muestra revisita en clave contemporánea la figura de una reina consorte moderna que combinó su papel institucional con un firme compromiso social y humanitario. Nietra de la reina Victoria I de Inglaterra y esposa de Alfonso XIII, Victoria Eugenia trajo a la corte española un estilo más cercano y reformista. Alejada de la política, impulsó importantes iniciativas benéficas, como la reorganización de la Cruz Roja Española, la Liga Antituberculosa y la creación de la Liga contra el Cáncer, dejando una huella profunda en la historia social de la monarquía.

El Museo Casa de la Moneda acoge la muestra 'El nacimiento de la moneda. Tesoros de la colección Zhuyuetang', una exposición que reúne 148 piezas singulares procedentes de una de las colecciones privadas más relevantes del mundo.

La muestra invita a recorrer los dos primeros siglos de la historia de la moneda, desde su invención en el oeste de la actual Turquía a mediados del siglo VII a.C., hasta su consolidación como instrumento esencial en la vida económica, social y política del Mediterráneo antiguo.

El Thyssen-Bornemisza acoge una exposición que reúne una selección de cincuenta obras maestras de los artistas Pablo Picasso y Paul Klee, pertenecientes al archivo personal del marchante y coleccionista alemán Heinz Berggruen, ahora en el Museum Berggruen de Berlín.

A través de un diálogo visual entre ambos pintores, la muestra revela la conexión profunda de Berggruen con estos dos grandes del arte moderno, y su deseo de compartir su extraordinaria colección con el público.

El Museo Reina Sofía dedica una gran exposición al artista cántabro Juan Uslé, la primera en dos décadas tras su recordada Open Rooms. La muestra recorre más de cuarenta años de trayectoria a través de diez salas concebidas como un viaje no lineal, donde pasado y presente dialogan en un mismo espacio.

Conocido por su lenguaje abstracto, su juego entre luz, ritmo y color, y su capacidad para fundir lo íntimo con lo universal, Uslé se confirma como una figura esencial del arte contemporáneo español. Esta retrospectiva ofrece una nueva lectura de su obra, consolidando su lugar entre los artistas más influyentes de las últimas décadas.

Leica Madrid Gallery presenta una exposición que reúne fotografías tomadas con la icónica Leica M por algunos de los grandes maestros del siglo XX, como René Burri, Inge Morath, Marc Riboud, Elliott Erwitt y Henri Cartier-Bresson, emblema de la filosofía de esta cámara. La muestra celebra a la Leica M como una ventana privilegiada al mundo, capaz de capturar desde conflictos y acontecimientos históricos hasta escenas cotidianas y retratos íntimos.

Junto a estos clásicos, la exposición incluye obras de fotógrafos contemporáneos como Sebastião Salgado, Mary Ellen Mark o Jane Evelyn Atwood, representantes de una mirada documental más humana, y de autores que han explorado un enfoque más artístico y personal, como Ralph Gibson, William Klein o Paulo Nozolino. Una cita que recorre la historia y la evolución del fotoperiodismo y la fotografía de autor a través del inconfundible ojo de la Leica M.

La Fundación Canal presenta una exposición que explora la relación entre el expresionismo y el cine, por primera vez en España. La muestra permite al público descubrir cómo este movimiento de vanguardia del siglo XX buscaba unir arte y cine, con obras icónicas como 'El gabinete del Dr. Caligari' o 'Metrópolis', así como pinturas de Otto Dix y Käthe Kollwitz, creando un universo estético y emocional intenso y fascinante.

Con 152 obras y fragmentos cinematográficos, la muestra ofrece un recorrido por un expresionismo que sigue influyendo en el arte y el cine contemporáneo, inspirando a creadores como Tim Burton, Guillermo del Toro o David Lynch. Colores intensos, perspectivas distorsionadas y emociones extremas revelan lo oculto tras la realidad, mostrando cómo este movimiento revolucionario desdibujó las fronteras entre disciplinas artísticas para construir imágenes oníricas y visionarias que aún hoy cautivan al público.

El Círculo de Bellas Artes acoge la mayor retrospectiva dedicada dedicada hasta ahora a Robert Capa, con más de 250 piezas originales entre fotografías, libros, periódicos y objetos personales del que es uno de los fotógrafos más conocidos del siglo XX. 

La muestra coincide con el 90 aniversario de la Guerra Civil Española, y ofrece una inmersión en el universo creativo del fotógrafo, cuyas imágenes circularon en medios internacionales a lo largo de las décadas de 1930 a 1950. Además de fotografías de época sin retoques, la exposición incluye objetos como su cámara Leica o su máquina de escribir, que acercan al visitante a su vida cotidiana. También se muestra su faceta como pionero en el uso del color en fotoperiodismo y se repasan algunas de sus obras más emblemáticas, como 'Muerte de un miliciano' o las imágenes del 'Desembarco de Normandía'.

El Círculo de Bellas Artes alberga la exposición '¡Aquí hay petróleo!', una muestra colectiva que reflexiona sobre el papel del petróleo en la sociedad contemporánea y su impacto cultural y ambiental. Las obras reunidas examinan cómo este recurso se ha convertido en símbolo de progreso, dependencia y poder dentro de la economía global.

Concebida como un espacio de pensamiento crítico, la exposición analiza la crisis energética, el cambio climático y la estética del capitalismo fósil desde perspectivas políticas, ecológicas y poéticas. A través de distintos lenguajes artísticos, invita al público a cuestionar su relación con la energía y a ver el petróleo no solo como materia industrial, sino como metáfora de los deseos y contradicciones del mundo actual.

La Comunidad de Madrid conserva una interesante y poco conocida colección fotográfica. Gracias a esta exposición, que cuenta con 175 fotografías, 15 fotolibros y material de archivo, conoceremos mejor esta colección, donde podemos encontrar obra de fotógrafos como Ramón Masats, Alberto García-Alix, Cristina García Rodero o Javier Vallhonrat, entre otros.

Aunque al principio esta colección solo estaba integrada por obras que formaban parte de la programación expositiva de las salas de la Comunidad de Madrid, a partir de los años 90 se incrementaron las adquisiciones de obra fotográfica, debido a la estrecha relación de esta disciplina con su contemporaneidad y la ágil manera de incorporar en la práctica la rápida evolución tecnológica. 14 millones de ojos se organiza en cuatro apartados: Madrid; la fotografía española en los 90; el cuestionamiento del medio y los cuerpos que la habitan. La muestra quiere poner en valor la colección e invitar a los madrileños, que son copropietarios de estas obras, a disfrutar de estas fotografías atesorados a lo largo de cuatro décadas.

La Casa Árabe presenta la exposición fotográfica 'Imágenes de la tierra de Omán', que permite recorrer la riqueza natural, histórica y humana del Sultanato de Omán. La muestra ofrece una selección de fotografías que capturan desiertos, montañas, oasis, costas, vida cotidiana y patrimonio histórico, reflejando la diversidad geográfica y cultural del país.

La exposición también pone de relieve la relación armoniosa entre naturaleza y tradición en Omán, mostrando cómo el país preserva su entorno y transmite su identidad cultural. A través de la mirada de distintos fotógrafos, el público podrá acercarse a un país que combina modernidad y legado ancestral, en un testimonio visual que forma parte del programa cultural de Casa Árabe para fortalecer los lazos entre España y el mundo árabe.

El Museo de América presenta una exposición que explora la creatividad de los pueblos indígenas de Centro y Sudamérica frente a diversas crisis, incluyendo las medioambientales. 

'Pensar bonito. Diálogos para rehabitar la tierra' pone en valor la cosmovisión indígena, combinando memoria ancestral e innovación contemporánea, y se inspira en el pensamiento del grupo Inga de Colombia, que propone buscar soluciones “pensando bonito”: desde la calma, el diálogo y el respeto por todos los seres. La muestra invita a reflexionar sobre la diversidad cultural y la sabiduría indígena como herramienta para enfrentar las crisis actuales y construir un mundo más equilibrado y solidario.

La Casa Encendida conmemora la transición de Portugal y España hacia la democracia, revisando los cambios políticos, sociales y culturales de la época dictatorial a través de diversas obras, documentos, materiales audiovisuales y testimonios.

Con un enfoque interdisciplinar, la muestra articula el diálogo entre arte, política y memoria, reuniendo obras que expresan las tensiones y esperanzas de aquel periodo. Más allá de la memoria histórica, propone considerar la democracia como un proceso vivo, ofreciendo una perspectiva para comprender los retos actuales y reafirmar el compromiso con la libertad, la igualdad y los valores universales de convivencia.

'Del álif a la zain' reúne la obra de diez artistas árabes y su diáspora que reinterpretan la caligrafía desde un enfoque contemporáneo. La exposición muestra cómo las letras y tipografías se convierten en vehículos de creatividad, experimentación y reflexión cultural, más allá de los códigos tradicionales.

La propuesta subraya la diversidad y riqueza de la representación árabe actual, explorando la lengua como patrimonio, pero también como herramienta de creación y resistencia. En un contexto global marcado por tensiones, las obras reivindican la escritura como espacio de diálogo y como manifiesto social y político en constante transformación.

Conocido por la sencillez y originalidad de su fotografía, Edward Weston es uno de los pioneros en el uso de un estilo fotográfico moderno. Nació en 1886 en Estados Unidos y a los 25 años montó su primer estudio fotográfico. Experimentó con la fotografía de corte pictorialista en sus primeros años y obtuvo varios premios, pero poco después comenzó a experimentar con la fotografía y a dominar la técnica con maestría. Esto le permitió utilizar el encuadre de una manera nunca antes vista y exaltar el realismo y la bidimensionalidad de la imagen. Weston consiguió unir -y hacer compatibles- la figuración y la abstracción en instantáneas muy simples pero potentísimas. La fotografía más representativa de esta capacidad del artista es Pimiento nº 30, que representa un sencillo pimiento convertido en un juego de texturas, luces, sombras y formas. Esta innovadora imagen revolucionó la fotografía tal y como se entendía hasta ese momento.

La exposición 'Regeneraciones: China y España en el espejo' propone un diálogo entre España y China en torno a un reto compartido: regenerar la ciudad y la arquitectura heredada para avanzar hacia la sostenibilidad.

A través de más de setenta proyectos, se muestran iniciativas de rehabilitación, reutilización y acupuntura urbana que reactivan espacios y paisajes desde una mirada innovadora y consciente. La muestra entrelaza las propuestas de ambos países en un montaje especular que refleja afinidades y contrastes. El resultado es un recorrido visual y conceptual donde arquitectura y sociedad se encuentran para imaginar un futuro común basado en la cooperación y el aprendizaje mutuo.

La Fiambrera Art Gallery presenta 'HÔTELS', una exposición individual de Jorge Arévalo que  evoca el espíritu de la cartelería de viajes de los años sesenta, con su inconfundible paleta de colores, el contraste entre el blanco y negro y sus elegantes personajes, que nos transportan a escenas llenas de nostalgia y sofisticación.

La colección incluye más de 20 obras en edición limitada y, por primera vez, los bocetos originales sobre papel. Con un enfoque más analógico —a pincel y pluma—, Arévalo aporta una nueva textura a su característico estilo editorial. 

El biólogo y fotógrafo conservacionista Javier Lobón-Rovira lleva al Museo Nacional de Ciencias Naturales una exposición compuesta por 24 impactantes fotografías, en las que el autor retrata las manos de quienes dedican su vida a proteger especies amenazadas, convirtiéndolas en símbolo de esperanza y conexión entre humanidad y naturaleza.

Doctor en Biodiversidad y especializado en la conservación de la herpetofauna africana, Lobón-Rovira combina la ciencia con la fotografía para despertar conciencia sobre la magnitud de la pérdida ambiental. Su trabajo, publicado en medios como 'National Geographic', se adentra en la relación entre los procesos evolutivos y la supervivencia de reptiles y anfibios en el sur de África. 

La exposición 'Estratos. La inmortalidad de lo efímero' reúne una selección de los diarios de la artista Miluca Sanz. Inspirada en la poética de lo cotidiano y lo fugaz, Sanz convierte el paso del tiempo en materia artística, capturando instantes de la vida madrileña y fechándolos con la hoja del calendario Myrga correspondiente a ese día.

La muestra rescata su proyecto 'Diario-Calendario', creado originalmente en Instagram en 2013, y lo traslada al espacio expositivo con una nueva instalación creada especialmente para la ocasión. En ella, la artista presenta reliquias y objetos cotidianos asociados a esas imágenes, componiendo una suerte de arqueología íntima y urbana. 

El Museo ICO presenta 'Las Ferias del Campo', una exposición que reivindica el valor patrimonial de los pabellones modernos construidos entre 1950 y 1975 en la Casa de Campo, auténticos hitos de la arquitectura contemporánea española surgidos en el contexto de las antiguas ferias nacionales.

A partir de una amplia labor de investigación, la exposición recupera la memoria de más de 50 edificaciones de vanguardia firmadas por arquitectos como Francisco de Asís Cabrero, Miguel Fisac o Alejandro de la Sota. Las Ferias del Campo propone un recorrido por este "laboratorio de arquitecturas" que combina innovación, paisaje y memoria colectiva, reivindicando la necesidad de conservar un patrimonio que forma parte esencial de la modernidad española.

La Fundación María Cristina Masaveu Peterson presenta la tercera edición de su 'Gabinete de obra en papel', una exposición dedicada a artistas que desarrollaron su trayectoria durante la segunda mitad del siglo XX.

La muestra invita a descubrir el dibujo como el gesto más íntimo y directo del proceso creativo, revelando obras concebidas en la privacidad del taller y raramente pensadas para ser vistas por el público.

La artista chilena Magdalena Correa lleva al Real Jardín Botánico su nuevo proyecto, que explora cómo el ser humano resiste el frío extremo y la oscuridad perpetua en el Ártico, donde la supervivencia es una lucha diaria.

Correa llevó a cabo una residencia en el Spitsbergen Artist Center, en Longyearbyen, un pequeño asentamiento humano de 2500 habitantes localizado en la isla de Spitsbergen (archipiélago de Svalbard). Allí investigó en la capacidad de resiliencia al vivir cuatro meses sin luz solar y con temperaturas de hasta -40 °C.

La Sala de Exposiciones del Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa acoge hasta principios del mes de enero una exposición que conmemora el 100 aniversario de la cámara Leica I con un recorrido visual por la fotografía de calle, el paisaje urbano, el retrato o la naturaleza.

La muestrsa incluye un total de 174 fotografías, así como una interesante selección de cámaras clásicas y material inédito que ilustran la profunda huella que ha dejado la marca en la fotografía mundial. Entre los autores cuyas obras se pueden ver destacan nombres como Bruce Davidson, Elliott Erwitt, Alberto Korda, Ralph Gibson, Sebastião Salgado, Steve McCurry, Joel Meyerovitz, Jane Evelyn Atwood, Ricard Terré, Gonzalo Juanes, Manolo Laguillo o Alberto García-Alix.

El COAM acoge una gran retrospectiva dedicada al arquitecto portugués Álvaro Siza Vieira, Premio Pritzker 1992 y Premio Nacional de Arquitectura 2019, organizada en colaboración con la Fundación Calouste Gulbenkian y en el marco de la Semana Internacional de la Arquitectura. La exposición reúne obras, dibujos, planos, maquetas, piezas de diseño y material audiovisual que reflejan la trayectoria del maestro de la Escuela de Oporto, combinando contenido de la muestra presentada en Lisboa en 2024 con nuevas perspectivas sobre su proceso creativo.

El recorrido permite explorar las distintas etapas y temáticas de la obra de Siza, desde sus proyectos más emblemáticos en Portugal hasta sus trabajos internacionales, poniendo en valor su sensibilidad por el entorno y su vocación moderna. La exposición ofrece una oportunidad única para redescubrir a uno de los grandes referentes de la arquitectura contemporánea, cuya influencia sigue inspirando a generaciones de arquitectos y siendo objeto de estudio en todo el mundo.

Su nombre real era Ana María Gómez González, pero decidió adoptar el segundo apellido de su padre, Mallo, y firmar con su apodo, Maruja. Fue integrante de la Generación del 27 y estuvo vinculada a la Escuela de Vallecas y al Grupo de Arte Constructivo.

Máscara y compás nos adentra suavemente en la producción de la artista a través de sus diferentes etapas. La primera, Estampas y Verbenas, se compone de cuadros que recoge en el gentío de una feria y la diversidad de cuerpos y clases sociales unidos por el jolgorio. A continuación Cloacas y campanarios supone un cambio abrupto. Mallo muestra un mundo apocalíptico y oscuro que atrajo el interés de surrealistas como André Breton quien adquirió un cuadro de esta serie, Espantapájaros (1930), que se puede ver en la exposición.

A principios de la década de los 30, Maruja viajó a París y estudió escenografía y teatro. Realizó la escenografía de Clavileño, un ballet de Rodolfo Halffter que no pudo estrenarse debido al estallido de la Guerra Civil. En la exposición se ha realizado una réplica de esta escenografía que deja patente la modernidad de la propuesta.

La Guerra Civil marcó a Maruja. Se exilió a Argentina y allí realizó la serie La religión del trabajo, una serie de retratos y composiciones que homenajean a la mujer trabajadora. La obra que inició esta serie es Sorpresa del trigo, donde ya apuntaba unos rasgos femeninos de proporciones armónicas que se repetirían a lo largo de toda la serie. Los estudios sobre el cuerpo femenino se sucedían y la artista se interesó por retratar cuerpos y cabezas femeninos de diferentes razas. Este interés por la fisionomía se transformó en una exploración de la máscara como posibilidad armónica de rasgos humanos.

Maruja regresó a España en 1962 y la obra de este periodo está marcada por la geometría y la ciencia.

Mallo falleció en Madrid en 1995, a los 93 años, sin que se le hubiera dedicado una gran retrospectiva. Ahora el Museo Reina Sofía salda esta deuda histórica.

Esta es la primera exposición individual institucional en España de la artista portuguesa Inês Zenha . En su producción, Zenha se sirve de diferentes disciplinas como la pintura, escultura, cerámica o instalación para cuestionar las estructuras heteropatriarcales e interrogar las intersecciones entre poder, transformación e identidades marginales desde un punto de vista poético y crítico al mismo tiempo.

Aguas turbias recoge esta exploración de la artista y se centra en el cuerpo queer y las circunstancias sociales y espaciales que debe atravesar. La exposición establece un paralelismo entre el agua y un cuerpo que se vuelve líquido para desafiar cualquier tipo de contención o sistema de poder. Además, el agua al que alude la muestra es turbia, algo que subraya el carácter marginal de lo animal, lo oscuro, lo extranjero, lo femenino y lo queer.

La serie Black Mirror/Espejo Negro de Pedro Lasch reúne esculturas prehispánicas de figuras femeninas y antropomorfas frente a espejos negros que proyectan imágenes sobre género y sociedad. El diálogo entre reflejos, iconografía ancestral y referencias contemporáneas invita a los visitantes a cuestionar cómo pasado y presente se entrelazan en torno a estas representaciones.

Iniciada en 2007, la propuesta ha dado lugar a instalaciones, grabados, pinturas e intervenciones en museos internacionales. Su autor, Pedro Lasch, es un artista con una trayectoria consolidada en centros como The Phillips Collection o el Queens Museum, y con publicaciones que exploran la relación entre arte, historia y pensamiento crítico.

La Casa Encendida sigue celebrando el 25º aniversario de Generaciones, un programa que apoya y visibiliza a jóvenes artistas, desde diferentes perspectivas. En este caso, Oro tejido con paja reúne a dos artistas activos que, por su fecha de nacimiento, anterior a 1965, nunca pudieron optar a la convocatoria de Generaciones, destinada a artistas menores de 35 años.

Elena Mendizabal y Joan Rom, son los dos artistas protagonistas de esta muestra. Ambos comparten interés por la práctica escultórica y durante los años 80 y 90 fueron muy activos en sus respectivos contextos, el País Vasco y Cataluña.

La exposición reúne una selección de sus últimos trabajos, algunos inéditos, junto a piezas de sus primeras etapas. Con este diálogo, la muestra reflexiona sobre el paso del tiempo y la evolución a través de la experimentación con diferentes materiales, a la vez que reivindica la práctica artística como una herramienta imprescindible para conocer el mundo en el que vivimos.

En febrero de 1985 la Fundación Juan March organizó la primera exposición de Robert Rauschenberg en España. Ahora, cuarenta años después y coincidiendo con el centenario de su nacimiento, acoge una muestra que reinterpreta toda su obra.

Robert Rauschenberg (Port Arthur, Tejas, 1925-Captiva, Florida, 2008) comenzó a experimentar con la fotografía durante su etapa en Black Mountain College, bajo la guía de Hazel Larsen y Aaron Siskind. En la década de 1950, incorporó recortes de prensa en sus célebres Combines, fusionando pintura y collage.

El Instituto Geográfico Nacional acoge una interesante exposición que ofrece al público un recorrido por la historia y el desarrollo de la fotografía aérea y la fotogrametría en España. La muestra invita a descubrir, fotograma a fotograma, la tecnología que cambió la forma de hacer los mapas.

Las imágenes aéreas contribuyen a conocer cómo fuimos y cómo somos, ayudan en la resolución y cuantificación de las emergencias y acercan a la visión y percepción del arte mediante formas que solo la naturaleza se atreve a dibujar.

La Sala Alcalá 31 alberga una exposición que reúne más de 150 obras que el artista Alfredo Alcain ha creado a lo largo de su trayectoria artística. La muestra aborda las sucesivas etapas de la trayectoria del artista, desde finales de los la década de 1960 hasta la actualidad.

Alfredo Alcain (Madrid, 1936) s un pintor y grabador vinculado a la figuración madrileña de los años sesenta, con un estilo irónico y cercano al pop art. Su obra combina objetos cotidianos, referencias populares y una mirada crítica a la cultura de masas.

La sala 60 del edificio Villanueva del Museo del Prado acoge hasta enero de 2026 una selección de obras de Antonio Muñoz Degrain (1840–1924), considerado como una de las figuras más originales del arte español del siglo XIX.

La exposición comisariada por Javier Barón, Jefe de colección de Pintura del siglo XIX, se compone de una decena de pinturas, cinco de ellas restauradas recientemente, que reflejan la variedad temática, el dominio técnico y la visión estética del pintor valenciano.

Luis Pérez Calvo presenta 'Cromos del artista', un recorrido por la iconografía popular española de los años 60, 70 y 80 a través de dibujo, collage, pintura y cerámica. Su trabajo se nutre de la vida urbana y de las conexiones personales que conforman su universo creativo.

La muestra reúne una selección de piezas y un mural creado para la ocasión, donde la nostalgia se mezcla con la ironía y lo cotidiano se transforma en memoria colectiva. Con referencias al cómic, la publicidad y la cultura popular, el artista ofrece un homenaje vibrante a la creatividad y a la resistencia cultural.

El espacio Postal y Tinta, ubicado en el siempre vibrante Barrio de las Letras, reabre sus puertas tras una reforma de manos de InterUrbano. Lo hace con una exposición curada por BajoZero, esta incluye postales realizadas por la ilustradora Victòria La Boira y el artista visual Camilo Mewlen.

Fundado en 2023, Postal y Tinta es, además de un lugar de encuentro para los amantes de la ilustración con frecuentes exposiciones de artistas, un local en el que se imparten talleres de punta seca y linograbado. Ahora, recién renovado, luce con más encanto que nunca.

La exposición 'Fui sobre agua edificada' reúne las fotografías ganadoras y finalistas del V Concurso de Fotografía, centrado en la presencia del agua en Madrid. Bajo un lema histórico de la ciudad, la muestra presenta 40 imágenes seleccionadas entre más de 800 propuestas, con miradas que van de lo urbano a lo poético y de lo íntimo a lo colectivo.

El agua, protagonista de la memoria madrileña, aparece en fuentes vecinales, monumentales y estanques. Tambien la lluvia, los charcos y las corrientes protagonizan las distintas instantáneas. 

La Biblioteca Regional de la Comunidad de Madrid Joaquín Leguina acoge la exposición 'Un Madrid de novela… negra', acompañada de famosas obras literarias que acontecen en Madrid, y explicando la importancia que ha ido ganando este género desde su creación hasta la actualidad.

A lo largo de la muestra, los visitantes podrán conocer la historia y la evolución de la novela negra a través de una cuidada selección de materiales: carteles, manuscritos, fotografías, fragmentos de películas y series de televisión y libros.

Pintada por Pedro Pablo Rubens en 1638, 'El martirio de San Andrés' es una de las grandes obras del pintor alemán, y una de las que mejor refleja la teatralidad y el dramatismo propios del Barroco.

La obra representa la crucifixión de este apóstol en una cruz en forma de aspa, conocida como cruz de San Andrés. Una escena que no solo impacta por su belleza, sino que también transmite un mensaje de entrega y devoción religiosa.

'Longplayer' es una obra musical con una duración de mil años, que comenzó a sonar el 31 de diciembre de 1999 y continuará haciéndolo el último día de 2999. Compuesta por Jem Finer, la pieza no se repite nunca, completando su ciclo de mil años antes de reiniciarse. La obra utiliza cuencos tibetanos que producen sonidos de forma continua y que pueden ser activados tanto por humanos como por máquinas.

Ahora, y tras pasar por el faro de Trinity Bouy Wharf en Londres y diversos puntos del mundo a través de streaming, 'Longplayer' recala en la terraza de La Casa Encendida como parte de una instalación artística integrada en la programación del festival ACENTO. Puertas Abiertas.

La Casa Encendida proyecta hasta enero de 2026 la pieza audiovisual 'Reflexiones Constituyentes', que presenta un resumen de los debates que un grupo de 20 personas relacionadas con el barrio de Lavapiés,que aspiraron a imaginar una constitución para el barrio que esté hecha a escala humana y nacida de la diversidad. 

La pieza, obra de la creadora audiovisual Cecilia Barriga, permite disfrutar de un intercambio de ideas, sueños, encuentros y desencuentros. En ella se abordan temáticas como el activismo feminista, los movimientos ciudadanos y las luchas sociales a nivel global.

El Centro de Cultura Contemporánea Condeduque arranca la nueva temporada expositiva con esta propuesta en la que convergen las prácticas cinematográficas y los espacios artísticos. La Sala de Bóvedas acoge las obras de una selección de cineastas con amplio reconocimiento en el panorama internacional: Helena Girón & Samuel Delgado, Isaki Lacuesta, Oliver Laxe, Laida Lertxundi, Lois Patiño y Susana de Sousa Dias.

Esta relación entre arte y cine no es nada nuevo, ya desde las vanguardias del siglo XX existe y es el momento perfecto para comprobar en qué situación se encuentra en la actualidad.

La muestra aborda desde acontecimientos contemporáneos hasta hechos históricos que dieron paso a las nuevas perspectivas del poscolonialismo. Los artistas de Nuevos imaginarios parten de lugares comunes y conocidos para construir e idear un nuevo imaginario, una nueva forma de expresarse que cuestione lo establecido y que incite a reflexionar desde lo cinematográfico todo aquello que caracteriza a las sociedades contemporáneas.

Como parte del programa especial de su 150 aniversario y del programa Visiones críticas, el Museo Nacional de Antropología acoge una singular exposición de Marina Núñez. Un proyecto de poesía visual y reflexión ética en torno a la influencia del ser humano en la sostenibilidad y el futuro de los ecosistemas en un planeta globalizado.

La muestra consiste en un suelo compuesto por casi 300 azulejos de 60 cm de lado impresos empleando las últimas tecnologías que ocupa todo el patio de luces del museo y en la que la artista despliega un universo visual de una riqueza infinita, un fascinante "mapa" de la Tierra.

En el contexto de la temporada shakesperiana del Teatro Real, 'El sueño de una noche de verano' rinde homenaje a Julia Margaret Cameron, pionera del retrato fotográfico en el siglo XIX, a través de una selección de imágenes y reproducciones emblemáticas.

La muestra establece un diálogo entre la fotografía y el teatro, entre el claroscuro de las emociones humanas y la luz simbólica de los grandes relatos.

El Museo ABC alberga una pequeña exposición que reúne aspectos más significativos de la Colección ABC, tomando como punto de partida a Torcuato Luca de Tena como fundador de Blanco y Negro y ABC, de su archivo y de la importancia que siempre le dio al arte y la ilustración.

La muestra se compone de 29 originales y varios soportes digitales que muestran fotografías y más ilustraciones, que presentan un recorrido por la historia de la Colección ABC desde sus inicios en el lejano 1891.

El Museo del Prado acoge febrero de 2026 la obra del artista flamenco Willem van Haecht, procedente del Museo Rubenshuis en Amberes. El cuadro se expone para celebrar la riqueza artística de Flandes y su mecenazgo por parte de la familia real española. Willem van Haecht (Amberes, 1593-1637) fue un pintor barroco flamenco especializado en la pintura de gabinetes. Durante los últimos años de su vida trabajó al servicio de Cornelis van der Geest como conservador de su colección de pinturas.

El Palacio de Cristal, que actualmente se encuentra en labores de restauración y reparación hasta 2027, acoge una obra del artista Miguel Ángel Tornero especialmente pensada para las lonas que recubren el edificio. 

En sus recientes trabajos, el artista Tornero emplea fotografías que toma en su vida cotidiana. Una serie de instantáneas que han tenido como escenario el paisaje inmediato del Madrid donde reside. Desde lo pequeño e irrelevante de las interacciones sociales que pueden verse en la ciudad hasta la monumental arquitectura dela ciudad.