Exposiciones gratuitas en Madrid

Fundada en 1981, la galería de Lola Moriarty fue un importante espacio de reunión y escaparate para los artistas de la Movida madrileña. Hoy sigue al pie del cañón y continúa trabajando con la vanguardia española y el arte contemporáneo. Algunos de sus mejores artistas son fotógrafos (Luis Bisbe, Nicolás Combarro o el talento surrealista de Chema Madoz), aunque también verás videoarte, instalaciones, pintura y toda clase de creaciones que aporten algo nuevo en sus paredes.

Sexta edición de la exposición con la que DIMAD, la asociación de diseñadores de Madrid, nos enseña lo último, el diseño recién hecho en la capital, el mejor diseño industrial y de producto ideado o producido durante el último año, en su sede de la Central de Diseño de Matadero. A lo largo de estos cinco años, Producto Fresco ha sido plataforma, escaparate y a la vez termómetro, ya que ha permitido mostrar los proyectos más novedosos y detectar las necesidades y problemáticas a las que se enfrentan los diseñadores en su día a día: desde los pequeños emprendedores que asumen por completo las tareas de producción, marketing, promoción y venta de sus proyectos, hasta las grandes empresas que integran el diseño en su ADN como un distintivo de calidad.

La Leica es un mito de la fotografía. Ha hecho arte a veces a pesar del artista. Ligera, pequeña, fácil de manejar, es la cámara que mejor ha retratado la espontaneidad con un dinamismo hasta entonces imposible. Y ha cumplido 100 años. Y esta exposición lo celebra. Fue Oskar Barnack el que, en 1914, construye el primer modelo funcional de cámara compacta para película de 35mm. "Negativos pequeños, imágenes grandes", era su lema. La Primera Guerra Mundial frustró su lanzamiento, que llegaría tras la gran contienda, y su comercialización cambió el modo y manera en que registramos la realidad, radicalmente, hasta el punto de democratizar el acceso a la fotografía. Instagram, en realidad, no existiría sin la Leica. 

Dentro de la sección oficial de PhotoEspaña 2017 y comisariada por Roderick Van der Lee, podemos ver esta muestra del legendario fotógrafo Elliot Erwitt, que viajó a Cuba por primera vez en 1964, acompañando al Che Guevara y a Fidel Castro por encargo de la revista Newsweek. La exposición incluye obras de aquella primera estancia en la isla y de la última, que fue en 2015, cuando Erwitt tenía ya 87 años. Poeta visual y humorista de la vida cotidiana, Erwitt ha creado algunas de las fotografías más memorables de nuestro tiempo, desde imágenes que plasman su visión de la vida cotidiana en las calles, a los retratos de personalidades icónicas como Marilyn Monroe, Truamn Capote, Nixon o Kennedy. 

Cristina García Rodero hizo varios viajes a Etiopía entre el año 2000 y 2009, y quedó especialmente fascinada con la ciudad de Lalibela. Situada en el corazón de las monta­ñas del país africano, es un lugar sagrado y centro de devoción para la cristiandad etíope, único país del África negra donde el cristianismo se extendió directamente desde Tierra Santa. Sus impresionantes once iglesias me­dievales, excavadas y esculpidas en la roca, fueron declaradas Patrimonio Cultural de la Humanidad por la Unesco en 1978. En las imágenes podemos observar tan­to la belleza y peculiaridad de sus iglesias medievales, el paisaje y las rocas como la riqueza de las ceremonias y los ritos que allí se celebran. Sus fotografías nos introducen en un viaje simbólico por esa tierra santa, esa ciudad bíblica, a miles de kilómetros de Jerusalén, y nos transportan a un lugar en que el tiempo parece haberse detenido para sumergirnos con sus ritos y ceremonias en una época que creíamos perdida.

Con oficinas en Londres, Nueva York, Mónaco, Santiago de Chile y Barcelona, esta galería que abrió sus puertas al público en 1992 con una gran exposición de Francis Bacon es considerada una luz en el camino del arte madrileño. Representa a grandes artistas españoles como Martín Chirino, Antonio López García, Blanca Muñoz o Luis Gordillo en un amplio espacio (diseñado por el arquitecto norteamericano Richard Gluckman), que es una obra de arte en sí mismo.

Un proyecto fotográfico ideado y desarrollado por la fotógrafa Isabel Muñoz, comisariado por Christian Caujolle, realizado ex profeso y en exclusiva con ocasión del World Pride Madrid 2017. La artista, Premio Nacional de Fotografía del año 2016, presenta una galería de retratos de los protagonistas del abanico LGTB en la España actual, complementada con un documento gráfico de los diferentes tipos de vivencias de la diversidad LGTB. Sus protagonistas interactúan con el espectador a través de la cámara y del relato de sus experiencias personales.

Karlheinz Weinberger (Zúrich, 1921) empezó a realizar fotografías de adolescente tras entrar a formar parte del club de fotografía Bund der Naturfreunde. En los años 40 se unió al famoso club gay underground 'Der Kreis' y comenzó a publicar sus fotos en con el seudónimo de Jim. A finales de los 50 conoció a jóvenes inadaptados de las calles y los hizo posar en un espejo ustorio improvisado en el apartamento de su madre o durante sus excursiones por el campo suizo. Durante más de 20 años retrató a aquellos jóvenes que reciclaban los símbolos de 'Rebelde sin causa' y creaban e inventaban los suyos propios a través de la customización de su vestuario. Chaquetas vaqueras con adornos rudimentarios, grandes cinturones y medallones hechos a mano eran las señas de identidad grupales de la juventud de Zúrich tras la II Guerra Mundial, decididos a romper con la corrección suiza. Weinberger se acerca aquí a todos aquellos adolescentes y sus símbolos, que buscaban desafiar los roles tradicionales de masculinidad y feminidad.

Una selección de 91 obras, entre papel y cerámicas, procedentes de la Fundación Picasso - Museo Casa Natal de Málaga, que describe la relación de Picasso con el Mediterráneo, una de las fuentes de inspiración más constantes del artista. Sus paisajes, la mitología, el clasicismo, la playa, la tauromaquia… son algunos de los aspectos reflejados en la muestra que ofrecen al visitante una  visión de conjunto de cómo el hecho Mediterráneo influye y condiciona la obra de Picasso. La muestra traslada al visitante a orillas del Mediterráneo, evocando las playas y rincones junto al mar a través de la alternancia a rayas de los colores azul turquesa y blanco. La muestra se divide en 4 secciones que, en conjunto, son las que aportan una visión precisa del hecho mediterráneo en la obra de Picasso.

Reconocido internacionalmente por sus películas, Carlos Saura (Huesca, 1932) ha compaginado su labor de director de cine con la de fotógrafo. Esta muestra reúne una selección de fotografías que realizó en la España de 1950 (Cuenca con sus paisajes y sus gentes; la matanza del cerdo en Cañete; las novilladas en la Zarzuela; Sanabria; Madrid y sus salas de baile; Castilla La Mancha; Valencia con sus estas y el Mediterráneo y Andalucía con sus olivares y sus casas encaladas) y constituye un verdadero álbum fotográfico de los pueblos y gentes que descubrió en sus viajes por el país. Sus imágenes nos retrotraen a un tiempo que parece lejano y a unos lugares que ya apenas se reconocen, presentando una España mísera, triste, reprimida y sumida en la pobreza; pero también un país con una gran riqueza cultural, de gentes abiertas, sencillas y trabajadoras que son el reflejo de la vida y las costumbres de una nación, de sus estas y sus ritos.

Anders Petersen es uno de los fotógrafos más reconocidos por su forma personal, directa y sincera de acercarse a los sujetos y a las situaciones que retrata. En 1967 descubrió en Hamburgo un bar llamado Café Lehmitz, que se convertiría en la base de su primer trabajo de autor. Un lugar de encuentro de personajes singulares que poco a poco fueron adquiriendo nombre junto al suyo. Petersen nos ha permitido acercarnos a la totalidad del trabajo sobre Café Lehmitz: los contactos, las historias, las relaciones. Hemos podido entender así la dimensión de su aventura: la experiencia única de un fotógrafo que descubre un universo extraordinario. Con esta exposición nos brinda la oportunidad de vivir desde dentro una noche en el Café Lehmitz acompañado por sus amigos, las situaciones y las emociones que les envuelven, ampliando así la visión del libro que apareció en 1978 y que desde entonces se ha convertido en un icono fotográfico.

En la última década, Teresa Margolles ha centrado su práctica artística en Ciudad Juárez (México), trágicamente conocida por las guerras entre cárteles de la droga, desapariciones y los brutales asesinatos de cientos de mujeres. Esta serie muestra a trabajadoras sexuales transgénero ocupando los restos de lo que antes fueron pistas de baile de clubes nocturnos, hoy demolidos. Teresa Margolles ha trabajado en estrecha colaboración con ellas, lo que le ha permitido ahondar en las complejidades y dificultades que estas mujeres experimentan en su día a día: exclusión, discriminación y un alto índice de muertes por crímenes de odio. Para estas fotografías, Teresa Margolles señalizó las pistas de baile con agua, remarcando su ubicación exacta. Las figuras se vuelven parte de un paisaje en el que las ruinas y la devastación son protagonistas. No obstante, ellas muestran su mejor cara, como reafirmándose a sí mismas en medio de la violencia y la destrucción.

Intervención de Rosa Barba (Agrigento, Italia, 1972) en el Palacio de Cristal del Retiro donde, siguiendo a Picabia, compone a la vez un sistema del que formamos parte y su diagrama: registra la incidencia de la luz solar en la arquitectura en cada sitio y momento determinados. Para ello, ha dispuesto cuadrantes hechos de acero donde quedan anotados los movimientos del sol, y ha realizado una réplica parcial del edificio. Ventanas, columnas y arcos tienen un equivalente en su intervención. No obstante, un examen más detenido revela que estamos, en realidad, ante un dispositivo cinematográfico. Aunque sus paneles mantienen los trazos y dimensiones de las ventanas, sus colores nos remiten a los filtros propios del cine. Sin embargo, la luz no procede de una lámpara, sino que es natural, desvelando el funcionamiento de la naturaleza en tanto que máquina, y a nosotros como engranajes de la misma.

En mayo de 2008 se inauguró el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid. Tras la incorporación de Ferran Barenblit como Director, el Centro se va perfilando como un equipamiento básico para la oferta cultural madrileña a través de sus exposiciones y actividades. El CA2M es un centro de arte vivo, que concentra su interés en el arte más actual. Acoge la Colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid, que reúne cerca de 1.500 obras de todas las disciplinas. Al mismo tiempo, desarrolla un ambicioso programa de exposiciones, mediación e investigación con el objetivo de posicionarlo entre los centros de arte más avanzados de Europa.

El Museo ABC cuenta con una superficie de más de 3.000 m2 para el desarrollo de sus actividades, distribuidas en seis plantas, dos de ellas subterráneas. Dispone de dos amplias salas de exposición, espacios multifuncionales, una planta destinada a trabajos de gestión, un depósito de obra, un laboratorio de restauración, almacenes, cafetería y tienda. Este centro de arte está especializado en el dibujo y la ilustración.

Con esta exposición, Marlborough plantea una visión pasada y presente de todos los artistas españoles de la galería madrileña, con obras antiguas y recientes de Antonio López, Luis Gordillo, Juan Genovés, Manolo Valdés o Martín Chirino que permiten rastrear su evolución. La exposición se celebra con motivo del 25 aniversario del espacio de Marlborough Madrid, proyectado por Richard Gluckman Architects en el año 1992 y que se inauguró con la exposición 'Francis Bacon. Pinturas 1981-1991'. Otros artistas presentes en la muestra serán Alberto Corazón, Lucio Muñoz, Soledad Sevilla, Blanca Muñoz o Hugo Fontela. 

Exposición colectiva comisariada por Gloria Picazo que parte de lo que ha supuesto la biblioteca como espacio que ha custodiado y sigue custodiando el conocimiento reunido y almacenado por la humanidad a través de los siglos. 'Bibliotecas insólitas' reúne en un mismo proyecto la idea de “biblioteca infinita”, insaciable, siempre cambiante y abierta a todo tipo de conocimientos, con aportaciones realizadas por artistas contemporáneos que, a partir de finales de la década de los sesenta y hasta la actualidad, han revisado la idea de biblioteca, de archivo y del libro como fuente inagotable de conocimiento. La selección de artistas presentes en el proyecto se ha realizado en base a su profundo interés por el libro y por las ediciones de artista, una modalidad que, a pesar de su aparente marginalidad, en todos ellos ocupa un lugar relevante en su discurso estético.

Los dueños de esta galería son una pareja hispano-alemana que promueve el arte abstracto y figurativo (la fotografía es uno de sus fuertes) y que ha tenido éxito en traer el arte contemporáneo europeo a España y enseñar a su vez lo que España crea al resto del mundo.

Esta muestra supone un recorrido por 40 años de arqueología española a través de las fotografías tomadas desde 1975 a la actualidad por José Latova Fernández-Luna, cuyo nombre aparece asociado a los proyectos arqueológicos más relevantes de nuestro país en la última generación de investigaciones. Más de cien fotografías, cuatro audiovisuales y numerosas publicaciones para plantear una reflexión sobre el papel que ocupa la fotografía arqueológica y su desarrollo en España como uno de los medios más eficaces de documentación. A través de estos materiales se logra documentar y reconstruir todo el proceso referente a una excavación arqueológica (descubrimientos, procesos, trabajos, gentes, técnicas, etc.); y reconstruir nuestro pasado a través de las historias articuladas por los arqueólogos en base a las fotografías tomadas en esas excavaciones.

Una exposición que propone un acercamiento al VIH, al sida, no tanto como epidemia médica, sino como cambio de paradigma visual, afectivo y económico. Toma como punto de partida la producción cultural en torno a la llamada crisis del sida en el sur de Europa y América Latina entre 1985 y 2016, con especial atención a Chile y España. Tras tres años de investigación y producción de materiales, no se plantea una “exposición de archivo”, sino que más bien el archivo se constituye en el mismo hecho de su exposición. Se propone un recorrido por parte de la historia reciente del cuerpo y su gestión política a partir de la clásica articulación naturaleza/cultura.