Exposiciones de fotografía imprescindibles en Madrid

La Sala Recoletos de Fundación MAPFRE alberga una exposición dedicada al fotógrafo dominicano afincado en México Alejandro Cartagena que explora temas como la migración, la vivienda, la frontera con Estados Unidos y la transformación urbana en México.

A lo largo de su trayectoria, Cartagena ha desarrollado una obra que se aleja del "momento decisivo" tradicional para apostar por series fotográficas y múltiples puntos de vista. Su trabajo ofrece una mirada crítica y humanista sobre los retos contemporáneos e invita al espectador a reflexionar desde distintas perspectivas.

Incluida en la programación del festival PHotoESPAÑA 2026, el Espacio Fundación Telefónica dedica una exposición a 'Los Americanos', la célebre serie que Robert Frank realizó durante su viaje por Estados Unidos en los años 50.

Considerado un pionero en la renovación del lenguaje fotográfico, Frank transformó la manera de mirar a través de la cámara con un trabajo que se ha convertido en una referencia clave del siglo XX. La muestra reúne por primera vez en España las 83 imágenes que componen íntegramente este proyecto, publicado en 1958 como uno de los libros más influyentes de la historia de la fotografía.

El exterior de la Nave 15 del Matadero acoge una conmovedora exposición de Estela de Castro que reúne 22 retratos pertenecientes a su proyecto 'The Animals', una serie que reivindica la fotografía como espacio de memoria y conciencia.

Durante dos años, la artista retrató a 122 animales en santuarios y centros de rescate, capturando con sobriedad y respeto la huella de vidas marcadas por la explotación o el abandono. En cada mirada hay una historia concreta, una presencia que interpela al espectador y lo invita a reconocer la individualidad de quienes suelen quedar fuera del foco social. Lejos de la espectacularidad o el artificio, De Castro apuesta por la calma y la cercanía como formas de resistencia. 

Fue una de las primeras mujeres que se pudo ganar la vida como fotógrafa, gracias una exposición individual que organizó el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1943. Sin embargo, la trayectoria de Helen Levitt arrancó en 1931, cuando comenzó a trabajar en un pequeño estudio de fotografía del Bronx. Los barrios más humildes de Nueva York son, a menudo, escenario de sus fotografías más conocidas. En esta muestra podemos ver estas imágenes y otras inéditas, así como los trabajos que realizó en México en 1941 y una excelente muestra de su obra en color, técnica que abordó a partir de la década de 1950. También se presenta el documental In the Street (1948), que codirigió.

Como curiosidad, Levitt siempre evitó explicar o comentar sus imágenes. Esto ha dado lugar a muchas interpretaciones y versiones, todas válidas, porque el verdadero valor de las fotografías de Levitt es la forma en que conecta con las personas.

Las salas de exposiciones temporales del Museo Nacional de Antropología acogen una muestra de la artista Agnes Essonti, integrada en la programación especial por el 150º aniversario de la institución.

La exposición gira en torno a la investigación de Essonti sobre la restitución de objetos expoliados y su dimensión espiritual, comunitaria y simbólica. A través de imágenes y piezas propias que dialogan con fondos del museo, la artista propone formas de comunicación más allá de la palabra y reflexiona sobre la identidad afrodescendiente y su vínculo con África central, territorio ancestral de referencia.

La arquitecta y fotógrafa Milena Villalta lleva a La Casa de la Arquitectura una exposición que documenta el impacto de la dana que el 29 de octubre de 2024 arrasó varias localidades de la Comunidad Valenciana.

La muestra utiliza la fotografía como testimonio del alcance del agua y de la vulnerabilidad del territorio ante fenómenos extremos. A través de sus imágenes, la exposición invita a reflexionar sobre la relación entre urbanismo y naturaleza, mostrando cómo la ocupación del suelo y la falta de planificación en algunos casos han amplificado los efectos de estas catástrofes.

El Museo del Prado acoge, hasta principios de julio, una exposición centrada en el impacto de la fotografía desde su aparición en el siglo XIX como disciplina artística y herramienta para representar la realidad.

A través de fondos propios, la muestra reúne imágenes vinculadas a artistas como los Madrazo, Dióscoro Puebla o Cecilio Pla, combinando obras de autores reconocidos con otras de carácter más desconocido o amateur. El recorrido propone una mirada a la vida y el trabajo de los creadores en sus entornos cotidianos, estudios y espacios de aprendizaje. 

La artista Laia Abril participa en PHotoESPAÑA 2026 con una instalación inédita centrada en la endometriosis, una enfermedad crónica que afecta a millones de personas y que, pese a su impacto, sigue siendo infradiagnosticada y poco investigada.

A través de imágenes que muestran cuerpos fragmentados y testimonios visuales del dolor, la exposición cuestiona los sesgos históricos de la medicina en torno al cuerpo femenino y la tendencia a minimizar sus síntomas. Abril conecta el presente con el pasado, recordando cómo durante siglos se patologizaron estos dolores bajo diagnósticos como la "histeria", denunciando una herencia de desatención e incomprensión médica que aún persiste.

Organizada junto a la Fondation Cartier Bresson de París y con obras cedidas por The Richard Avedon Foundation, la exposición 'In the American West', reúne el célebre trabajo que el fotógrafo realizó entre 1979 y 1984 recorriendo el oeste de Estados Unidos para retratar a sus habitantes. El proyecto retrata a mineros, vaqueros, granjeros o feriantes sobre fondos blancos que enfatizan sus rasgos y expresiones, alejándose de la imagen idealizada del Oeste americano.

Richard Avedon, uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX, destacó tanto por su trabajo en moda para revistas como 'Vogue' o 'Harper’s Bazaar' como por sus proyectos centrados en cuestiones sociales y políticas.

En el marco de la Sección Oficial de PHotoESPAÑA, la Nave 0 de Matadero Madrid acoge la exposición 'Ofertorio', de Greta Alfaro, que reflexiona sobre cómo las ideas de sacrificio, transformación y entrega han pasado de los rituales tradicionales a los actuales modelos de consumo y producción de imágenes.

A través de una propuesta simbólica y contemporánea, la artista convierte el espacio en una especie de templo moderno donde mirar y consumir se transforman en actos centrales. La exposición plantea cómo seguimos ofreciendo y transformando la materia hoy en día, implicando al espectador en esa relación entre deseo, cuerpo e imagen.

El dúo Lake Verea rinde homenaje al arquitecto Luis Barragán en esta muestra, que reúne fotografías realizadas entre 2006 y 2013, acompañadas de esferas de vidrio (un elemento característico de su universo) que invitan a observar el espacio desde múltiples perspectivas.

La exposición explora el uso del gran angular y el ojo de pez como recursos poéticos para reinterpretar la arquitectura moderna mexicana. A través de una mirada íntima y experimental, Lake Verea construye nuevas narrativas visuales que cuestionan la autoría y amplían las formas de mirar y representar el espacio.

El espacio World Gallery de B Travel & CATAI alberga estos días la exposición 'Tonga Soa, Madagascar', de la fotógrafa Katy Gómez Catalina. La muestra reúne 38 imágenes de gran formato que retratan la isla africana como un territorio detenido en el tiempo, combinando naturaleza, vida cotidiana y la huella humana en un entorno frágil y fascinante.

A través de su mirada, la autora recorre comunidades locales, paisajes casi intactos y escenas cotidianas que van desde la infancia en los pueblos hasta la pesca tradicional o la búsqueda de oro. Con una trayectoria internacional reconocida y premiada, Gómez Catalina convierte el viaje en relato visual, ofreciendo un retrato íntimo y crítico de Madagascar como un “paraíso herido”.

En el marco de PHotoESPAÑA 2026 , el Espacio Cultural Serrería Belga alberga la exposición 'Azkarate vs Azkarate', que pone en diálogo el archivo histórico de la fotoperiodista Isabel Azkarate con nuevas imágenes tomadas con un smartphone. La muestra recorre más de 40 años de trayectoria, evidenciando la coherencia de una mirada centrada en lo humano y en la observación de la vida cotidiana.

Considerada la primera mujer fotoperiodista vasca, Azkarate desarrolló su estilo en los años 80 entre Barcelona y Nueva York, influida por la fotografía de calle y autores como Lisette Model o Diane Arbus. La exposición confronta pasado y presente para mostrar cómo su forma de mirar sigue vigente, manteniendo su interés por lo espontáneo, lo marginal y lo cotidiano desde una perspectiva directa y sin artificios.

El fotógrafo Ziyi Le, ganador del Premio Leica Oskar Barnack 2023 en la categoría Revelación, reúne en Leica Gallery una serie de retratos íntimos y directos sobre identidad, dudas existenciales y la búsqueda de sentido en el presente.

El proyecto nació de un momento personal de vacío del propio artista, que encontró a los protagonistas a través de la red social Weibo, capturando un estado de ánimo colectivo más que rostros individuales. Imágenes sobrias, empáticas y cargadas de honestidad que funcionan casi como un espejo generacional.