Las exposiciones de arte que puedes ver ahora mismo en Madrid

El Museo del Prado ha experimentado una profunda transformación a lo largo de los últimos 25 años. Ahora, una exposición repasa ese cuarto de siglo con obras incorporadas recientemente al museo, organizados de forma cronológica y temática para explicar la evolución de la colección y del propio Prado.

La muestra también analiza otros cambios clave en el museo, desde su labor editorial y formativa hasta el trabajo de restauración, comunicación y proyección internacional. A través de libros, materiales gráficos y varios vídeos, el recorrido muestra cómo el Prado se ha consolidado como una de las grandes instituciones museísticas del mundo.

El Museo Reina Sofía presenta la exposición 'La historia no se repite, pero rima', que pone en diálogo el Guernica (1937) de Pablo Picasso con 'African Guernica' (1967) del artista sudafricano Dumile Feni, mostrada por primera vez fuera de su país. La propuesta forma parte de un nuevo programa que confronta obras de distintos contextos para generar nuevas lecturas.

La pieza de Feni, creada en plena era del apartheid, comparte elementos visuales con la de Picasso para denunciar la violencia y la opresión. La exposición invita a comparar ambas obras y reflexionar sobre sus paralelismos y diferencias, ampliando la mirada con otras creaciones del artista sudafricano y subrayando cómo el arte puede resonar entre épocas y geografías distintas.

La Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta una exposición dedicada a Blancha Sánchez Berciano (1948-2007), comisaria, gestora cultural y coleccionista considerada una figura clave en el origen de La Movida Madrileña.

La muestra revisa su trayectoria a través de documentos que ponen en valor su labor y su influencia en la cultura madrileña. La exposición recorre cerca de cuatro décadas de actividad profesional, desde su formación en varias ciudades europeas hasta su trabajo en galerías y centros culturales de referencia. También destaca su interés por el collage y la estética camp, dos elementos que marcaron su forma de entender la creación y la gestión cultural.

El Museo del Prado presenta hasta el próximo octubre una exposición que reúne por primera vez los ocho cuadros realizados por Valeriano D. Bécquer entre 1866 y 1867 como parte de un encargo para el extinto Museo de la Trinidad.

Hermano del poeta Gustavo Adolfo Bécquer, Valeriano se consolidó como un importante pintor e ilustrador del Romanticismo español, reconocido por su mirada intimista y su interés por lo popular y lo tradicional.

La exposición Italia di Moda llega por primera vez fuera de Italia al Instituto Italiano de Cultura de Madrid. El fotógrafo Andrea Varani y su musa e intérprete exclusiva, Ludmilla Voronkina Bozzetti, reúnen 49 fotografías en las que la moda se funde con los paisajes, la arquitectura y el patrimonio italiano, convirtiendo los vestidos de algunas de las grandes firmas del país en parte de cada escenario.

El proyecto nació de un viaje por las veinte regiones italianas, desde ciudades de arte y pueblos históricos hasta costas y paisajes naturales. En las imágenes, Voronkina Bozzetti se convierte en el hilo conductor de un recorrido que reivindica el Made in Italy más allá de la ropa: una mirada contemporánea a la cultura, la historia y la identidad de un país en la que cada fotografía funciona como un encuentro entre cuerpo, moda y territorio. La muestra cuenta con el patrocinio de la Camera Nazionale della Moda Italiana y Pitti Immagine.

En su propuesta como comisario para el Museo CA2M, el artista madrileño Antonio Ballester Moreno ha querido revisar cómo el paisaje como género artístico puede ir más allá de lo puramente estético para abordar temáticas antropológicas o sociales. 


'El cielo y la tierra' forma parte del ciclo de invitaciones que el centro realiza a artistas para que realicen una lectura sobre las colecciones del museo, la Colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid y la Colección Fundación ARCO. Las obras seleccionadas por Ballester Moreno conviven en el espacio museístico con piezas que el artista ha desarrollado, a modo de escenografías, en colaboración con familias y alumnado del CEIP Federico García Lorca de Móstoles. Un acto que subraya su interés por el arte como gesto educativo y lugar de encuentro intergeneracional.


Con unas originales y amplias cartelas, obras de Ibon Aranberri, John Baldessari o Ana Mendieta nos adentran en una escenografía que es obra y lugar de reflexión a la vez. Destaca la calidad de las piezas escogidas, que, además encajan a la perfección con la idea de Ballester Moreno y, de alguna forma, también con su producción artística a pesar de estar en muchos casos muy lejos de su estética. 


Un acto que subraya su interés por el arte como lugar de encuentro intergeneracional

Esta parte de la exposición cierra con la pieza de videoarte de Itziar Okariz 'Mear en espacios públicos o privados', un punto de partida para reflexionar sobre cómo el paisaje puede formar parte también de la construcción de género.


Sin embargo, es en el gran espacio abierto de la primera planta del museo donde la exposición alcanza uno de sus puntos álgidos y no solo por el imponente espacio, habitado por pájaros, estrellas, soles y lunas, fruto de la colaboración del artista con el alumnado y familias mostoleños, sino por las espléndidas piezas de Alberto Sánchez, Mike Kelley, Ángeles Marco, Patricia Esquivias, Jordi Teixidor o James Bishop, entre otros, que aportan diferentes visiones del paisaje y sus elementos, desde el color, la naturaleza o los materiales arquitectónicos.

Ballester Moreno ha sabido llevar con agilidad a su terreno el encargo de comisariar una muestra y, a la vez, devolver una mirada artística ligada a sus intereses y práctica sobre las colecciones del Museo CA2M.

Plátanos, latas de sopa Campbell y caballitos de pícaro. A partir de estos elementos del imaginario popular, el artista puertorriqueño Bernardo Medina construye una reflexión sobre la identidad, la cultura y la relación histórica entre Puerto Rico y Estados Unidos. 

Medina, representante del denominado "jíbaro pop" o "pop caribeño", reinterpreta iconos de la cultura de masas y referencias tradicionales para abordar cuestiones como la pertenencia, la dependencia cultural y la construcción de la identidad. A través de un lenguaje visual reconocible, la muestra combina símbolos cotidianos con una lectura crítica sobre las tensiones sociales y políticas del Caribe contemporáneo.

El Museo Nacional de Ciencias Naturales presenta la exposición 'Arte plumario: naturaleza, identidad y poder', que explora cómo las plumas han pasado de ser un simple material a convertirse en un importante símbolo cultural. A través de una selección de piezas, la muestra aborda su uso desde perspectivas como la ciencia, la historia, la antropología y el arte.

La exposición también analiza el impacto que la utilización de plumas tuvo sobre numerosas especies de aves y el surgimiento de los primeros movimientos de conservación. Además, incluye obras de la sombrerera Henar Iglesias, que reinterpreta el arte plumario tradicional con una mirada contemporánea e invita a reflexionar sobre su significado en la actualidad.

El Museo del Traje dedica una exposición retrospectiva a la reconocida diseñadora Teresa Helbig, con un recorrido por sus 30 años de trayectoria a través de vestidos icónicos, técnicas artesanales, fotografías, piezas audiovisuales y retratos que reflejan su universo creativo.

La muestra ofrece una mirada íntima a la obra de Teresa Helbig, poniendo el foco en la artesanía, la feminidad y el trabajo hecho a mano. Además, incluye vídeos del proceso de creación y entrevistas con la diseñadora que permiten descubrir la evolución de su carrera y la inspiración detrás de sus colecciones.

La plataforma artística barcelonesa ZEIT llega a Madrid con una exposición colectiva en LAZO que reúne a diez artistas en torno a una pregunta: ¿qué creemos hoy? La muestra reflexiona sobre cómo el paso del tiempo transforma nuestros valores, imágenes, instituciones y formas de relacionarnos.

Comisariada por Franziska Bach y Alex Romero, Mientras Tanto contará con Camille Châtelain, Catriel Hernández, Eric Moraes, Ladislas Chachignot, Lucía Cheves, Marcella Cappi, Margarita Gorcheva, Mariana Baertl, Sofía Bianchi y Yulia Bulashenko.

La Sala Picasso del Círculo de Bellas Artes acoge una exposición colectiva incluida en la primera edición de PHotoESPAÑA PRO Talento a bordo. La muestra reúne a 13 artistas españoles y neerlandeses que reflexionan sobre el presente y el futuro de la fotografía a través de propuestas que exploran nuevas formas de entender y reimaginar la imagen.

Mediante fotoesculturas, instalaciones y series experimentales, los participantes abordan cuestiones como la identidad, el territorio o la autoridad, poniendo el foco en la creatividad y los límites del medio fotográfico. El proyecto forma parte de la sección dedicada a los Países Bajos como país invitado de PHotoESPAÑA 2026, fomentando el diálogo entre creadores de ambos países.

Caramelos, pósteres o cortinas de luces llaman la atención del público que acude a la exposición de Felix Gonzalez-Torres en el Museo Reina Sofía. Los visitantes pueden tocar, comer e incluso llevarse piezas; al hacerlo asoman algunas risas nerviosas provocadas por la emocionante sensación de transgredir lo prohibido. Y esa es solo una de las lecturas que la obra del artista, de origen cubano, ofrece.

Esta es la primera gran exposición de Gonzalez-Torres en Madrid, ciudad a la que fue enviado de niño, en 1971, para alejarlo del régimen. Pasó muy poco tiempo aquí, pronto viajó a Puerto Rico y, después, a Nueva York. En 1991 volvió a Madrid y describió este regreso como una "dulce venganza", expresión que ahora titula esta individual.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza dedica una gran exposición a la pintora y escultora sevillana Carmen Laffón, con unas 80 obras entre óleos, pasteles, carboncillos y esculturas. La muestra, comisariada por Paula Luengo, recorre más de seis décadas de trayectoria artística entre Madrid, Sevilla y Sanlúcar de Barrameda.

La exposición se organiza en torno a los grandes temas de la obra de Laffón, marcada por un universo figurativo muy personal. A través de géneros como la figura, el bodegón y el paisaje, la artista desarrolla motivos recurrentes como cestas, armarios, vides, minas de sal o la cal, convertidos en algunas de sus imágenes más reconocibles.

Organizada en colaboración con el British Museum, esta muestra recorre la vida e influencia de uno de los hombres más poderosos de su época. Bajo su reinado, entre los años 669 y 631 antes de Cristo, el imperio asirio experimentó la mayor de sus expansiones y bonanzas económicas. Además, Asurbanipal impulso las artes y las corrientes de pensamiento.

No obstante, también se conoce que ejerció la violencia y el terror para controlar sus territorios y vasallos. La exposición muestra las luces y las sombras de este curioso personaje histórico a través de objetos asirios procedentes de las colecciones del British, que han resultado cruciales para entender la importancia del reino de Asiria y la influencia de Asurbanipal en su tiempo.

La Casa Árabe acoge una exposición de la artista palestino-canadiense Rehab Nazzal, que reúne fotografías y piezas audiovisuales realizadas entre 2010 y 2026 durante un recorrido por los territorios palestinos ocupados. La muestra documenta paisajes, carreteras y escenas cotidianas para ofrecer un testimonio de la vida bajo la ocupación militar israelí.

Artista, investigadora y académica, Rehab Nazzal desarrolla una práctica que combina fotografía, vídeo, instalación y arte sonoro para abordar cuestiones como la ocupación militar, el colonialismo, la violencia medioambiental y los derechos humanos. Su obra, expuesta internacionalmente, propone una reflexión sobre la memoria, el territorio y la resistencia desde una perspectiva documental y crítica.

Casa de América acoge la exposición Democracia Americana del colectivo PSJM, distribuida entre la Galería Casa de América-ABANCA y las salas Guayasamín y Torres García. El proyecto, incluido en el contexto del 250 aniversario de la independencia de Estados Unidos, propone una lectura crítica de la historia y la realidad sociopolítica del país a través de lo que el grupo denomina "geometría social".

La muestra se articula en torno a 'American Colors' y 'American Democracy', series basadas en datos estadísticos y resultados electorales convertidos en composiciones visuales minimalistas. Casa de América El trabajo aborda temas como desigualdad racial, pobreza o evolución del sistema democrático estadounidense, combinando arte, sociología e infografía para invitar a reflexionar sobre las dinámicas políticas contemporáneas.

La planta 5 de CentroCentro acoge una exposición dedicada a la artista granadina María Lara, conocida como "pintora secreta" porque su obra apenas tuvo difusión pública durante años. La muestra reúne cerca de 40 pinturas y dibujos realizados en los últimos veinticinco años, en los que ha desarrollado una investigación artística marcada por la depuración formal y la intensidad estética.

Los trabajos de Lara se centran en las posibilidades del color, la luz y la composición, alejándose de la representación o la narrativa. A través de franjas horizontales y verticales, campos cromáticos y estructuras aparentemente sencillas, la artista construye obras que trasladan percepciones sensoriales y mentales al plano físico de la pintura.

La fotógrafa bilbaína Bego Antón presenta en Casa de América una exposición dedicada al universo del Musical Canine Freestyle, disciplina en la que mujeres y perros realizan coreografías conjuntas al ritmo de la música. La muestra forma parte de la Sección Oficial de PHotoESPAÑA 2026.

El trabajo recorre distintos estados de Estados Unidos, desde Nueva York hasta Arizona, para retratar la conexión entre personas y animales durante las actuaciones. A través de imágenes de vestuarios, movimientos sincronizados y escenas cotidianas, Antón explora el vínculo emocional que sostiene estas coreografías y ese estado de compenetración total que sus protagonistas llaman the pink bubble.

La Casa de la Arquitectura acoge una exposición dedicada a la revitalización del patrimonio construido en España durante las últimas cinco décadas, mostrando cómo la arquitectura puede ir más allá de la conservación para generar nuevos valores.

La muestra reúne 80 obras de distintas generaciones de arquitectos y arquitectas en todo el país, con proyectos de escalas y usos diversos (culturales, educativos, urbanos o residenciales). Se organiza en ocho líneas temáticas —como Vanguardia, Comunidad, Ciudad o Paisaje— que reflejan distintos enfoques sobre la relación entre patrimonio, territorio y sociedad.

La artista Gema Polanco presenta den el Museo Nacional de Artes Decorativas la instalación 'Toda mi casa es un altar', que transforma el espacio del museo en un entorno íntimo donde lo doméstico y lo sagrado se mezclan a través de tapices, banderas, collages, trajes y amuletos.

Concebida como una intervención site specific, la exposición dialoga con la arquitectura y las colecciones del museo, expandiendo la fotografía hacia lo corporal, lo textil y lo sensorial. El trabajo de Polanco, influido por la artesanía y la cultura popular, convierte objetos cotidianos en elementos simbólicos y propone un recorrido donde la casa se transforma en refugio, ritual y espacio de memoria.

La exposición 'American Latinos 1935–1945', comisariada por Alberto Ferreras, reúne cerca de 300 fotografías de comunidades hispanas en Estados Unidos durante las décadas de 1930 y 1940, procedentes en gran parte de la Biblioteca del Congreso.

El proyecto, que ya ha pasado por Nueva York y Lisboa, retrata la vida cotidiana de familias españolas, mexicanas o puertorriqueñas en distintos puntos del país. A través de imágenes de autores clave de la fotografía social como Dorothea Lange o Russell Lee, la muestra propone un recorrido inmersivo que combina fotografía, música y narración para reflexionar sobre la identidad y las relaciones culturales entre América y España.

Un espectacular montaje en tono rosa chicle nos recibe en Alcalá 31. Al cruzar estas paredes rosadas viajamos en el tiempo a uno de los momentos más interesantes de la Historia del Arte nacional, la Movida. 'Mitologías modernas: Ouka Leele & Co' toma como punto de partida la obra 'Rapelle toi, Barbara!' realizada por Ouka Leele en 1987, una fotografía de la plaza de Cibeles que obligó a paralizar el tráfico del centro de Madrid para reflexionar sobre el mito de Atalanta e Hipómenes, los leones que tiran del carro de la diosa. El uso de las mitologías clásicas como elemento creativo es el eje vertebrador de la muestra, que reúne más de 100 piezas de artistas como El Hortelano, Ceesepe, Costus o Patricia Gadea, entre otros.

Aún vigentes, los mitos siempre se han utilizado como herramienta para interpretar el presente. En el caso de la Movida, el uso de estas leyendas resulta más que interesante por el momento político y deshace prejuicios sobre el vacío de contenido del arte de los 80. La exposición dedica espacios individuales a Sigfrido Martín Begué, Carlos Franco, Ceesepe, El Hortelano y, por supuesto, a Ouka Leele. Las salas, señalizadas con carteles de neón, presentan a la entrada vídeos de entrevistas o reportajes de los artistas realizados en la época, donde, por ejemplo, podemos escuchar al propio Carlos Franco hablar sobre la figura de Proserpina que incluyó en el mural de la Casa de la Panadería, en la Plaza Mayor, o a Sigfrido Martín Begué hablar sobre si se consideraba un artista moderno.

Ouka Leele ocupa el espacio central, con la obra 'Rapelle toi, Barbara!'. En su sala se muestra una selección de piezas entre las que destacan algunas de la emblemática serie 'Peluquería', 'El Beso' o un bellísimo retrato de Ceesepe realizado en 1984.

En la planta superior encontramos obras de Guillermo Pérez Villalta, Costus, Patricia Gadea, Pablo Sycet o Julio Juste, entre otros, que también utilizaron o se inspiraron en figuras mitológicas para reflejar la efervescencia cultural de la capital, un Madrid que estaba habitado por jóvenes artistas conscientes del momento histórico que vivían y que, más adelante, se terminarían convirtiendo ellos mismos en mitos modernos.

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Incluida en la programación del festival PHotoESPAÑA 2026, el Espacio Fundación Telefónica dedica una exposición a 'Los Americanos', la célebre serie que Robert Frank realizó durante su viaje por Estados Unidos en los años 50.

Considerado un pionero en la renovación del lenguaje fotográfico, Frank transformó la manera de mirar a través de la cámara con un trabajo que se ha convertido en una referencia clave del siglo XX. La muestra reúne por primera vez en España las 83 imágenes que componen íntegramente este proyecto, publicado en 1958 como uno de los libros más influyentes de la historia de la fotografía.

La Galería de las Colecciones Reales presenta una exposición dedicada a Fernando Brambila, que reúne por primera vez un amplio conjunto de sus obras. El pintor, especializado en vistas topográficas, paisajes y perspectivas urbanas, desarrolló gran parte de su trabajo en la representación de los Reales Sitios.

La muestra destaca su serie de vistas encargadas por Fernando VII entre 1821 y 1833, concebidas para los palacios reales y fundamentales en la construcción de la imagen visual de estos espacios. A través de dibujos, pinturas y estampas, la exposición subraya su papel en la difusión de una memoria colectiva del patrimonio real español.

La artista francesa Raphaëlle Peria presenta en la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes un proyecto que transforma la fotografía de paisaje en una obra de carácter casi escultórico. La muestra se centra en el paisaje de Las Médulas, un territorio marcado por la explotación minera romana y las transformaciones posteriores, incluidas las provocadas por incendios recientes. A través de intervenciones manuales sobre las propias imágenes (como raspados, borrados y dibujos) la artista convierte la fotografía en un espacio de memoria y mutación.

Residente en la Casa de Velázquez, Peria combina registro visual y gesto plástico para explorar la superposición de tiempos en el paisaje, incorporando incluso elementos como el oro para evocar su pasado minero y proponer una lectura poética del territorio.

El artista brasileño Marlon de Azambuja lleva a La Casa Encendida una instalación escultórica que transforma el espacio en un territorio vivo, donde la materia y la arquitectura dialogan con el pensamiento, invitando al visitante a atravesar, respirar y habitar la obra en lugar de limitarse a observarla. La obra reflexiona sobre el acto de "fundar" y el concepto de museo, planteándolo como un lugar sensible y situado que acoge experiencias y formas de pensamiento más cercanas y participativas.

Marlon de Azambuja, nacido en la ciudad de Porto Alegre en 1978 y afincado en París, trabaja con instalación, escultura, vídeo, fotografía y dibujo para cuestionar la relación entre espectador, espacio y arquitectura. Sus intervenciones, precisas y contenidas, buscan desvelar lo que la arquitectura oculta bajo su aparente neutralidad y abrir nuevas lecturas críticas sobre la ciudad y los sistemas que organizan nuestra percepción del mundo.

La artista peruana Andrea Canepa firma la segunda intervención en la lona que cubre el Palacio de Cristal del Retiro durante su restauración. La propuesta traslada al icónico edificio su investigación sobre los fardos textiles de la cultura Paracas y los rituales de envoltura funeraria, conectando esa tradición ancestral con la arquitectura de hierro y vidrio del palacio.

En su obra, Canepa genera un relato visual en movimiento a medida que el público rodea el edificio. A través de instalaciones y tejidos pensados como experiencias temporales y habitables, la artista reflexiona sobre memoria e identidad colectiva, cuestionando las formas en que los objetos, los espacios y las estructuras culturales influyen en cómo miramos y habitamos el mundo.