Las exposiciones de arte que puedes ver ahora mismo en Madrid

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta un montaje especial dedicado al proceso de restauración y estudio técnico de 'Venus y Cupido', de Peter Paul Rubens, que permite descubrir cómo se ha llevado a cabo la intervención y conocer las distintas fases del trabajo realizado por el Área de Restauración del museo.

La restauración ha permitido profundizar en las técnicas y materiales empleados por Rubens, además de recuperar el equilibrio cromático y la sensación de profundidad de la obra, ocultos durante años por capas de barniz envejecido y alterado.

El Museo del Prado ha experimentado una profunda transformación a lo largo de los últimos 25 años. Ahora, una exposición repasa ese cuarto de siglo con obras incorporadas recientemente al museo, organizados de forma cronológica y temática para explicar la evolución de la colección y del propio Prado.

La muestra también analiza otros cambios clave en el museo, desde su labor editorial y formativa hasta el trabajo de restauración, comunicación y proyección internacional. A través de libros, materiales gráficos y varios vídeos, el recorrido muestra cómo el Prado se ha consolidado como una de las grandes instituciones museísticas del mundo.

El Museo del Prado presenta una exposición dedicada al arte de finales de la Edad Media, centrada en el uso de la técnica como forma de expresión en obras de lujo. La muestra reúne más de un centenar de piezas entre pinturas, esculturas, manuscritos o tejidos e incluye trabajos de maestros italianos como Ambrogio Lorenzetti, Gherardo Starnina o Lupo di Francesco.

La exposición explora la fuerte influencia de Italia en los reinos peninsulares durante ese periodo, fruto del intercambio artístico en el Mediterráneo. Junto a los nombres italianos, también se exhiben obras de autores locales que adaptaron esos modelos con propuestas propias, reflejando un paisaje cultural marcado por el mestizaje y la innovación estética.

El Museo Reina Sofía presenta la exposición 'La historia no se repite, pero rima', que pone en diálogo el Guernica (1937) de Pablo Picasso con 'African Guernica' (1967) del artista sudafricano Dumile Feni, mostrada por primera vez fuera de su país. La propuesta forma parte de un nuevo programa que confronta obras de distintos contextos para generar nuevas lecturas.

La pieza de Feni, creada en plena era del apartheid, comparte elementos visuales con la de Picasso para denunciar la violencia y la opresión. La exposición invita a comparar ambas obras y reflexionar sobre sus paralelismos y diferencias, ampliando la mirada con otras creaciones del artista sudafricano y subrayando cómo el arte puede resonar entre épocas y geografías distintas.

La Sección Oficial del festival PHotoESPAÑA presenta en COAM un proyecto de la artista y arquitecta Sonia Celma que parte de la escoliosis de su hija para reflexionar sobre el cuerpo, la arquitectura y la aceptación de la imperfección. La muestra convierte una experiencia personal en una exploración visual sobre la fragilidad y el vínculo materno.

La exposición establece un diálogo entre el cuerpo humano y la arquitectura clásica a través del Mausoleo romano de Fabara, cuya estructura conserva las huellas de una antigua fractura. Con ello, Celma invita a entender el cuerpo como una realidad cambiante y a contemplar la fragilidad como una oportunidad de transformación.

La Fundación Casa de México en España acoge una exposición colectiva de los artistas mexicanos Perla Krauze, Knut Pani, Cristóbal Ascencio, Flor Pandal y Andrea Bores, que explora la memoria como un proceso vivo y cambiante. A través de obras de distintas disciplinas, la muestra utiliza el color, la textura y la huella material para evocar territorios emocionales vinculados al paso del tiempo.

La exposición reúne a creadores de diferentes generaciones del arte contemporáneo mexicano y plantea el recuerdo como una reconstrucción constante del pasado. Las obras, realizadas con técnicas y materiales muy diversos, se articulan en torno a la idea de las capas o estratos, reflejando cómo la imagen y la memoria están en permanente transformación.

El Museo Lázaro Galdiano presenta una exposición dedicada a la fotógrafa Isabel Matoses (1930-1985), pionera de la fotografía experimental española durante la Transición. La muestra reúne por primera vez en un museo más de 70 imágenes de una autora cuya obra había permanecido durante décadas dispersa e inédita.

La exposición recupera la figura de una creadora autodidacta e independiente que defendió la fotografía como expresión artística y exploró nuevas posibilidades del medio. Su trabajo, marcado por la experimentación y la influencia del diseño, el grabado, el dibujo y el cine, contribuye a completar la historia de la fotografía española de las décadas de 1970 y 1980.

La Galería de las Colecciones Reales acoge una exposición que reinterpreta sus espacios y fondos a través de las intervenciones de los fotógrafos contemporáneos Bleda y Rosa, José Manuel Ballester, Teo Barba y Andrés Pachón. La muestra propone una nueva mirada sobre el arte y el patrimonio de la institución, poniendo en diálogo las colecciones históricas con la creación contemporánea para ofrecer nuevas formas de entender las narrativas oficiales.

Cada artista centra su trabajo en un ámbito concreto de la Galería: Bleda y Rosa revisan el reinado de Carlos V; José Manuel Ballester explora la tradición pictórica vinculada a la monarquía; Teo Barba reflexiona sobre los Reales Sitios; y Andrés Pachón investiga los mecanismos de construcción de la imagen oficial en los retratos del siglo XIX. Integradas entre las colecciones, sus obras generan nuevas lecturas del patrimonio a través de la subjetividad, la intervención y la reinterpretación fotográfica.

La polaca Ewa Juszkiewicz es conocida por reinterpretar el retrato clásico europeo y cuestionar los modelos tradicionales de representación de la belleza femenina. Ahora, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza le dedica  una exposición monográfica.

A través de una técnica pictórica minuciosa y un enfoque provocador, Juszkiewicz deconstruye la imagen canónica de la mujer en la pintura histórica para ofrecer lecturas contemporáneas y subversivas. Su obra, que dialoga con el pasado desde una perspectiva crítica, se ha exhibido en instituciones como el Brooklyn Museum o el Centre Pompidou-Metz, y forma parte de importantes colecciones internacionales.

La Fundación Casa de México en España presenta 'Nube negra, una de las instalaciones más reconocidas de Carlos Amorales, y que transforma el espacio mediante 30.000 mariposas y polillas de papel negro que cubren paredes y techos, generando una sensación de movimiento colectivo y de fenómeno natural en expansión.

A través de esta impactante intervención, Amorales reflexiona sobre la belleza, la mortalidad y la percepción, combinando atracción y desasosiego en una misma experiencia visual. La instalación, expuesta desde 2007 en destacados museos de América Latina, convierte la repetición y la acumulación en un poderoso lenguaje artístico y simbólico.

La Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta una exposición dedicada a Blancha Sánchez Berciano (1948-2007), comisaria, gestora cultural y coleccionista considerada una figura clave en el origen de La Movida Madrileña.

La muestra revisa su trayectoria a través de documentos que ponen en valor su labor y su influencia en la cultura madrileña. La exposición recorre cerca de cuatro décadas de actividad profesional, desde su formación en varias ciudades europeas hasta su trabajo en galerías y centros culturales de referencia. También destaca su interés por el collage y la estética camp, dos elementos que marcaron su forma de entender la creación y la gestión cultural.

El artista mexicano Demián Flores protagoniza una exposición en el Instituto Cultural de México en España que revisita las imágenes del grabador del siglo XVI Theodor de Bry, conocido por sus representaciones del continente americano sin haberlo visitado nunca.

La muestra reúne cuarenta obras gráficas organizadas en tres series que dialogan con ese imaginario histórico europeo sobre el "Nuevo Mundo". A partir de ese material, Flores reinterpreta las imágenes originales para construir una nueva lectura del presente en México, donde la violencia contemporánea aparece como una forma de "conquista" moderna. 

El Museo del Prado presenta hasta el próximo octubre una exposición que reúne por primera vez los ocho cuadros realizados por Valeriano D. Bécquer entre 1866 y 1867 como parte de un encargo para el extinto Museo de la Trinidad.

Hermano del poeta Gustavo Adolfo Bécquer, Valeriano se consolidó como un importante pintor e ilustrador del Romanticismo español, reconocido por su mirada intimista y su interés por lo popular y lo tradicional.

El Museo del Prado presenta una exposición centrada en 'El año del hambre de Madrid' (1818), de José Aparicio, una obra que pasó de ser un fenómeno cultural en el siglo XIX a quedar prácticamente olvidada.

En su momento, el cuadro fue impulsado durante el reinado de Fernando VII, difundido por la prensa y convertido en un referente que trascendió la pintura para colarse en la literatura, la música y el teatro. Sin embargo, su éxito fue efímero y, con el tiempo, tanto la obra como su autor fueron relegados de la historia del arte oficial. 

En su propuesta como comisario para el Museo CA2M, el artista madrileño Antonio Ballester Moreno ha querido revisar cómo el paisaje como género artístico puede ir más allá de lo puramente estético para abordar temáticas antropológicas o sociales. 


'El cielo y la tierra' forma parte del ciclo de invitaciones que el centro realiza a artistas para que realicen una lectura sobre las colecciones del museo, la Colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid y la Colección Fundación ARCO. Las obras seleccionadas por Ballester Moreno conviven en el espacio museístico con piezas que el artista ha desarrollado, a modo de escenografías, en colaboración con familias y alumnado del CEIP Federico García Lorca de Móstoles. Un acto que subraya su interés por el arte como gesto educativo y lugar de encuentro intergeneracional.


Con unas originales y amplias cartelas, obras de Ibon Aranberri, John Baldessari o Ana Mendieta nos adentran en una escenografía que es obra y lugar de reflexión a la vez. Destaca la calidad de las piezas escogidas, que, además encajan a la perfección con la idea de Ballester Moreno y, de alguna forma, también con su producción artística a pesar de estar en muchos casos muy lejos de su estética. 


Un acto que subraya su interés por el arte como lugar de encuentro intergeneracional

Esta parte de la exposición cierra con la pieza de videoarte de Itziar Okariz 'Mear en espacios públicos o privados', un punto de partida para reflexionar sobre cómo el paisaje puede formar parte también de la construcción de género.


Sin embargo, es en el gran espacio abierto de la primera planta del museo donde la exposición alcanza uno de sus puntos álgidos y no solo por el imponente espacio, habitado por pájaros, estrellas, soles y lunas, fruto de la colaboración del artista con el alumnado y familias mostoleños, sino por las espléndidas piezas de Alberto Sánchez, Mike Kelley, Ángeles Marco, Patricia Esquivias, Jordi Teixidor o James Bishop, entre otros, que aportan diferentes visiones del paisaje y sus elementos, desde el color, la naturaleza o los materiales arquitectónicos.

Ballester Moreno ha sabido llevar con agilidad a su terreno el encargo de comisariar una muestra y, a la vez, devolver una mirada artística ligada a sus intereses y práctica sobre las colecciones del Museo CA2M.

Plátanos, latas de sopa Campbell y caballitos de pícaro. A partir de estos elementos del imaginario popular, el artista puertorriqueño Bernardo Medina construye una reflexión sobre la identidad, la cultura y la relación histórica entre Puerto Rico y Estados Unidos. 

Medina, representante del denominado "jíbaro pop" o "pop caribeño", reinterpreta iconos de la cultura de masas y referencias tradicionales para abordar cuestiones como la pertenencia, la dependencia cultural y la construcción de la identidad. A través de un lenguaje visual reconocible, la muestra combina símbolos cotidianos con una lectura crítica sobre las tensiones sociales y políticas del Caribe contemporáneo.

El Museo Nacional de Ciencias Naturales presenta la exposición 'Arte plumario: naturaleza, identidad y poder', que explora cómo las plumas han pasado de ser un simple material a convertirse en un importante símbolo cultural. A través de una selección de piezas, la muestra aborda su uso desde perspectivas como la ciencia, la historia, la antropología y el arte.

La exposición también analiza el impacto que la utilización de plumas tuvo sobre numerosas especies de aves y el surgimiento de los primeros movimientos de conservación. Además, incluye obras de la sombrerera Henar Iglesias, que reinterpreta el arte plumario tradicional con una mirada contemporánea e invita a reflexionar sobre su significado en la actualidad.

El Museo del Traje dedica una exposición retrospectiva a la reconocida diseñadora Teresa Helbig, con un recorrido por sus 30 años de trayectoria a través de vestidos icónicos, técnicas artesanales, fotografías, piezas audiovisuales y retratos que reflejan su universo creativo.

La muestra ofrece una mirada íntima a la obra de Teresa Helbig, poniendo el foco en la artesanía, la feminidad y el trabajo hecho a mano. Además, incluye vídeos del proceso de creación y entrevistas con la diseñadora que permiten descubrir la evolución de su carrera y la inspiración detrás de sus colecciones.

La Sala Picasso del Círculo de Bellas Artes acoge una exposición colectiva incluida en la primera edición de PHotoESPAÑA PRO Talento a bordo. La muestra reúne a 13 artistas españoles y neerlandeses que reflexionan sobre el presente y el futuro de la fotografía a través de propuestas que exploran nuevas formas de entender y reimaginar la imagen.

Mediante fotoesculturas, instalaciones y series experimentales, los participantes abordan cuestiones como la identidad, el territorio o la autoridad, poniendo el foco en la creatividad y los límites del medio fotográfico. El proyecto forma parte de la sección dedicada a los Países Bajos como país invitado de PHotoESPAÑA 2026, fomentando el diálogo entre creadores de ambos países.

La Fundación Casa de México en España presenta, dentro del festival PHotoESPAÑA, una exposición dedicada al trabajo que la fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz realizó para la campaña visual del Mundial de Fútbol de México 1986. Aquel encargo marcó un hito al convertir las fotografías en la primera identidad visual de una Copa del Mundo.

Para crear la serie, Leibovitz recorrió durante un año distintos enclaves de México, donde fusionó el fútbol con el paisaje, la historia y la riqueza cultural del país. El resultado fueron trece imágenes icónicas que proyectaron una visión monumental y humana de México y consolidaron la proyección internacional de una de las fotógrafas más influyentes de la historia.

El Real Jardín Botánico presenta 'Crónicas de Piedra y Pluma', una exposición de arte contemporáneo taiwanés que reúne las obras de Pu-Chun Teng y Mia Liu, y que propone un diálogo entre la tradición artística oriental y las corrientes occidentales a través de un recorrido de carácter espiritual y reflexivo.

A través de fotografía, instalación y otras disciplinas, ambos artistas exploran la memoria, la naturaleza y el paisaje desde perspectivas complementarias. Mientras Mia Liu desarrolla un lenguaje poético centrado en la fragilidad y el recuerdo, Pu-Chun Teng reinterpreta el paisajismo clásico oriental con composiciones monumentales inspiradas en la costa de Taiwán.

El Real Jardín Botánico, en su Paseo de Carlos III, acoge una exposición dedicada al paisaje arbóreo y floral de Buenos Aires a través del proyecto 'Buenos Aires en Flor', de la fotógrafa Karina Azaretzky y el arquitecto Jorge Bayá Casal.

La muestra reúne quince imágenes organizadas por núcleos cromáticos que destacan la diversidad botánica de la capital argentina, como jacarandás, lapachos, tipas o ceibos, y su impacto en la identidad visual de la ciudad. Las fotografías muestran el diálogo entre la exuberancia de la floración y la arquitectura urbana a lo largo de las estaciones.

El Museo Lázaro Galdiano acoge 'Bunny', la primera gran exposición individual en España de la fotógrafa estadounidense Talia Chetrit, dentro del festival PHotoESPAÑA 2026. La muestra propone un recorrido por su universo íntimo, donde la puesta en escena y la vulnerabilidad cuestionan los límites de la fotografía contemporánea.

La exposición reúne retratos, fotografías escenificadas y naturalezas muertas que mezclan pasado y presente en una misma secuencia visual. En su obra, Chetrit explora lo íntimo, como la familia, los amigos o el erotismo, desde una mirada ambigua y performativa, donde la fotografía oscila entre documento y ficción, y entre objeto artístico y experiencia física.

Caramelos, pósteres o cortinas de luces llaman la atención del público que acude a la exposición de Felix Gonzalez-Torres en el Museo Reina Sofía. Los visitantes pueden tocar, comer e incluso llevarse piezas; al hacerlo asoman algunas risas nerviosas provocadas por la emocionante sensación de transgredir lo prohibido. Y esa es solo una de las lecturas que la obra del artista, de origen cubano, ofrece.

Esta es la primera gran exposición de Gonzalez-Torres en Madrid, ciudad a la que fue enviado de niño, en 1971, para alejarlo del régimen. Pasó muy poco tiempo aquí, pronto viajó a Puerto Rico y, después, a Nueva York. En 1991 volvió a Madrid y describió este regreso como una "dulce venganza", expresión que ahora titula esta individual.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza dedica una gran exposición a la pintora y escultora sevillana Carmen Laffón, con unas 80 obras entre óleos, pasteles, carboncillos y esculturas. La muestra, comisariada por Paula Luengo, recorre más de seis décadas de trayectoria artística entre Madrid, Sevilla y Sanlúcar de Barrameda.

La exposición se organiza en torno a los grandes temas de la obra de Laffón, marcada por un universo figurativo muy personal. A través de géneros como la figura, el bodegón y el paisaje, la artista desarrolla motivos recurrentes como cestas, armarios, vides, minas de sal o la cal, convertidos en algunas de sus imágenes más reconocibles.

Organizada en colaboración con el British Museum, esta muestra recorre la vida e influencia de uno de los hombres más poderosos de su época. Bajo su reinado, entre los años 669 y 631 antes de Cristo, el imperio asirio experimentó la mayor de sus expansiones y bonanzas económicas. Además, Asurbanipal impulso las artes y las corrientes de pensamiento.

No obstante, también se conoce que ejerció la violencia y el terror para controlar sus territorios y vasallos. La exposición muestra las luces y las sombras de este curioso personaje histórico a través de objetos asirios procedentes de las colecciones del British, que han resultado cruciales para entender la importancia del reino de Asiria y la influencia de Asurbanipal en su tiempo.

El artista asturiano Avelino Sala protagoniza en CentroCentro una exposición que recorre su obra como un ejercicio de resistencia crítica y poética, explorando tensiones entre fragilidad y amenaza, símbolos heredados y nuevos imaginarios.

Sala (Gijón, 1972), artista y editor de la revista 'Sublime', combina la crítica social con la poética visual, abordando temas como migraciones, crisis ambiental y paradojas del capitalismo. 

La Casa Árabe acoge una exposición de la artista palestino-canadiense Rehab Nazzal, que reúne fotografías y piezas audiovisuales realizadas entre 2010 y 2026 durante un recorrido por los territorios palestinos ocupados. La muestra documenta paisajes, carreteras y escenas cotidianas para ofrecer un testimonio de la vida bajo la ocupación militar israelí.

Artista, investigadora y académica, Rehab Nazzal desarrolla una práctica que combina fotografía, vídeo, instalación y arte sonoro para abordar cuestiones como la ocupación militar, el colonialismo, la violencia medioambiental y los derechos humanos. Su obra, expuesta internacionalmente, propone una reflexión sobre la memoria, el territorio y la resistencia desde una perspectiva documental y crítica.

La exposición 'El gran azul', organizada por la Sala Canal de Isabel II y ubicada en el parque de Santander, reúne una selección de fotografías de Álvaro Herrero López-Beltrán que exploran la conexión emocional entre el ser humano y el océano.

A través de imágenes de ecosistemas marinos y especies emblemáticas, el fotógrafo combina documentación y mirada artística para transmitir la belleza y fragilidad del mundo submarino. Sus trabajos, realizados en expediciones por distintos lugares del planeta, invitan a reflexionar sobre la conservación de los océanos y la convivencia entre especies.

Casa de América acoge la exposición Democracia Americana del colectivo PSJM, distribuida entre la Galería Casa de América-ABANCA y las salas Guayasamín y Torres García. El proyecto, incluido en el contexto del 250 aniversario de la independencia de Estados Unidos, propone una lectura crítica de la historia y la realidad sociopolítica del país a través de lo que el grupo denomina "geometría social".

La muestra se articula en torno a 'American Colors' y 'American Democracy', series basadas en datos estadísticos y resultados electorales convertidos en composiciones visuales minimalistas. Casa de América El trabajo aborda temas como desigualdad racial, pobreza o evolución del sistema democrático estadounidense, combinando arte, sociología e infografía para invitar a reflexionar sobre las dinámicas políticas contemporáneas.

La planta 5 de CentroCentro acoge una exposición dedicada a la artista granadina María Lara, conocida como "pintora secreta" porque su obra apenas tuvo difusión pública durante años. La muestra reúne cerca de 40 pinturas y dibujos realizados en los últimos veinticinco años, en los que ha desarrollado una investigación artística marcada por la depuración formal y la intensidad estética.

Los trabajos de Lara se centran en las posibilidades del color, la luz y la composición, alejándose de la representación o la narrativa. A través de franjas horizontales y verticales, campos cromáticos y estructuras aparentemente sencillas, la artista construye obras que trasladan percepciones sensoriales y mentales al plano físico de la pintura.

El Centro Cultural Llibreria Blanquerna acoge una exposición dedicada a Isabel Steva 'Colita' que reúne por primera vez el reportaje completo que realizó durante la manifestación del 26 de junio de 1977 en Barcelona, considerada la primera gran protesta LGTBI+ celebrada en España.

La muestra forma parte de la programación de PHotoESPAÑA. La exposición reúne cuarenta fotografías que retratan la fuerza colectiva, la tensión policial y la carga emocional de aquella jornada histórica durante la Transición. Con su mirada cercana y documental, Colita captó un momento clave en la lucha por los derechos y la visibilidad del colectivo LGTBI+, convirtiendo las Ramblas de Barcelona en símbolo de cambio social y memoria democrática.

Una reflexión sobre el bienestar urbano frente a los modelos de crecimiento basados en la cuantificación. El recorrido de la exposición 'Bienestar en la ciudad' toma como punto de partida la vida cotidiana y las relaciones que sostienen las urbes, organizando la muestra en torno a ocho acciones fundamentales como nacer, comer, dormir o caminar.

La exposición propone una experiencia física de unos dos mil pasos que atraviesa distintos espacios temáticos, desde el análisis del cuerpo en la ciudad hasta la arqueología del bienestar o la planificación de barrios sostenibles, con proyectos internacionales y referencias históricas. En conjunto, la muestra defiende que el diseño urbano es clave para construir entornos más saludables, donde la calidad de vida y el cuidado se convierten en el centro del proyecto de ciudad.

La Casa de México en España acoge una exposición colectiva  que reúne el trabajo de siete fotógrafos mexicanos, entre ellos Humberto Ríos. La muestra explora la fotografía como un medio que va más allá de lo documental para generar imágenes ambiguas, abiertas a la interpretación y la reflexión.

La propuesta pone el foco en la mirada y la percepción, con obras que juegan con la manipulación técnica y la suspensión del tiempo. En el caso de Ríos, su trabajo investiga la relación entre memoria, instante y percepción, creando imágenes que parecen situarse entre lo real y lo imaginado.

La fotógrafa bilbaína Bego Antón presenta en Casa de América una exposición dedicada al universo del Musical Canine Freestyle, disciplina en la que mujeres y perros realizan coreografías conjuntas al ritmo de la música. La muestra forma parte de la Sección Oficial de PHotoESPAÑA 2026.

El trabajo recorre distintos estados de Estados Unidos, desde Nueva York hasta Arizona, para retratar la conexión entre personas y animales durante las actuaciones. A través de imágenes de vestuarios, movimientos sincronizados y escenas cotidianas, Antón explora el vínculo emocional que sostiene estas coreografías y ese estado de compenetración total que sus protagonistas llaman the pink bubble.

El Museo de América acoge en la Sala La Tapada un proyecto fotográfico de Antonio López Díaz que aborda la discriminación que sufren las mujeres trans indígenas en distintos territorios de América.

La muestra combina fotografía y relato para visibilizar tanto la violencia estructural como las formas de resistencia que atraviesan estas comunidades. El proyecto también recupera la memoria de identidades de género diversas presentes en muchas sociedades indígenas antes de la colonización, como los muxes zapotecos o los nadleeh navajos, posteriormente borradas o reprimidas por los sistemas coloniales. 

La Casa de la Arquitectura acoge una exposición dedicada a la revitalización del patrimonio construido en España durante las últimas cinco décadas, mostrando cómo la arquitectura puede ir más allá de la conservación para generar nuevos valores.

La muestra reúne 80 obras de distintas generaciones de arquitectos y arquitectas en todo el país, con proyectos de escalas y usos diversos (culturales, educativos, urbanos o residenciales). Se organiza en ocho líneas temáticas —como Vanguardia, Comunidad, Ciudad o Paisaje— que reflejan distintos enfoques sobre la relación entre patrimonio, territorio y sociedad.

La artista Gema Polanco presenta den el Museo Nacional de Artes Decorativas la instalación 'Toda mi casa es un altar', que transforma el espacio del museo en un entorno íntimo donde lo doméstico y lo sagrado se mezclan a través de tapices, banderas, collages, trajes y amuletos.

Concebida como una intervención site specific, la exposición dialoga con la arquitectura y las colecciones del museo, expandiendo la fotografía hacia lo corporal, lo textil y lo sensorial. El trabajo de Polanco, influido por la artesanía y la cultura popular, convierte objetos cotidianos en elementos simbólicos y propone un recorrido donde la casa se transforma en refugio, ritual y espacio de memoria.

La Sala de los Borbones de la Galería de las Colecciones Reales acoge una exposición dedicada a los relojes reunidos por la monarquía española a lo largo de los siglos. La muestra reúne piezas adquiridas por los reyes para decorar sus palacios, permitiendo conocer la evolución de estos objetos tanto en su diseño estético como en sus avances técnicos.

El recorrido pone especial atención en el gusto de Fernando VII e Isabel II, responsables de enriquecer la colección con relojes singulares fabricados por los mejores artesanos de su época. A través de estos objetos, la exposición muestra cómo la medición del tiempo fue perfeccionándose y cómo los estilos artísticos y tecnológicos se reflejaron en estas piezas únicas.

La exposición 'American Latinos 1935–1945', comisariada por Alberto Ferreras, reúne cerca de 300 fotografías de comunidades hispanas en Estados Unidos durante las décadas de 1930 y 1940, procedentes en gran parte de la Biblioteca del Congreso.

El proyecto, que ya ha pasado por Nueva York y Lisboa, retrata la vida cotidiana de familias españolas, mexicanas o puertorriqueñas en distintos puntos del país. A través de imágenes de autores clave de la fotografía social como Dorothea Lange o Russell Lee, la muestra propone un recorrido inmersivo que combina fotografía, música y narración para reflexionar sobre la identidad y las relaciones culturales entre América y España.

Casa Árabe celebra su 20º aniversario con una exposición fotográfica organizada junto a Agencia EFE, que repasa dos décadas de relaciones entre España y el mundo árabe. La muestra recorre a través de imágenes la evolución de este vínculo y el papel de la institución como puente cultural y diplomático.

Desde su creación en 2006, Casa Árabe ha funcionado como un espacio de diálogo entre ambas orillas, con sedes en Madrid y Córdoba. A lo largo de estos años, ha impulsado encuentros, actividades culturales y proyectos educativos que han contribuido a mejorar el entendimiento mutuo y a proyectar una imagen más actual del mundo árabe en España y viceversa.

Luis Pérez Calvo presenta 'Cromos del artista', un recorrido por la iconografía popular española de los años 60, 70 y 80 a través de dibujo, collage, pintura y cerámica. Su trabajo se nutre de la vida urbana y de las conexiones personales que conforman su universo creativo.

La muestra reúne una selección de piezas y un mural creado para la ocasión, donde la nostalgia se mezcla con la ironía y lo cotidiano se transforma en memoria colectiva. Con referencias al cómic, la publicidad y la cultura popular, el artista ofrece un homenaje vibrante a la creatividad y a la resistencia cultural.

Un espectacular montaje en tono rosa chicle nos recibe en Alcalá 31. Al cruzar estas paredes rosadas viajamos en el tiempo a uno de los momentos más interesantes de la Historia del Arte nacional, la Movida. 'Mitologías modernas: Ouka Leele & Co' toma como punto de partida la obra 'Rapelle toi, Barbara!' realizada por Ouka Leele en 1987, una fotografía de la plaza de Cibeles que obligó a paralizar el tráfico del centro de Madrid para reflexionar sobre el mito de Atalanta e Hipómenes, los leones que tiran del carro de la diosa. El uso de las mitologías clásicas como elemento creativo es el eje vertebrador de la muestra, que reúne más de 100 piezas de artistas como El Hortelano, Ceesepe, Costus o Patricia Gadea, entre otros.

Aún vigentes, los mitos siempre se han utilizado como herramienta para interpretar el presente. En el caso de la Movida, el uso de estas leyendas resulta más que interesante por el momento político y deshace prejuicios sobre el vacío de contenido del arte de los 80. La exposición dedica espacios individuales a Sigfrido Martín Begué, Carlos Franco, Ceesepe, El Hortelano y, por supuesto, a Ouka Leele. Las salas, señalizadas con carteles de neón, presentan a la entrada vídeos de entrevistas o reportajes de los artistas realizados en la época, donde, por ejemplo, podemos escuchar al propio Carlos Franco hablar sobre la figura de Proserpina que incluyó en el mural de la Casa de la Panadería, en la Plaza Mayor, o a Sigfrido Martín Begué hablar sobre si se consideraba un artista moderno.

Ouka Leele ocupa el espacio central, con la obra 'Rapelle toi, Barbara!'. En su sala se muestra una selección de piezas entre las que destacan algunas de la emblemática serie 'Peluquería', 'El Beso' o un bellísimo retrato de Ceesepe realizado en 1984.

En la planta superior encontramos obras de Guillermo Pérez Villalta, Costus, Patricia Gadea, Pablo Sycet o Julio Juste, entre otros, que también utilizaron o se inspiraron en figuras mitológicas para reflejar la efervescencia cultural de la capital, un Madrid que estaba habitado por jóvenes artistas conscientes del momento histórico que vivían y que, más adelante, se terminarían convirtiendo ellos mismos en mitos modernos.

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Incluida en la programación del festival PHotoESPAÑA 2026, el Espacio Fundación Telefónica dedica una exposición a 'Los Americanos', la célebre serie que Robert Frank realizó durante su viaje por Estados Unidos en los años 50.

Considerado un pionero en la renovación del lenguaje fotográfico, Frank transformó la manera de mirar a través de la cámara con un trabajo que se ha convertido en una referencia clave del siglo XX. La muestra reúne por primera vez en España las 83 imágenes que componen íntegramente este proyecto, publicado en 1958 como uno de los libros más influyentes de la historia de la fotografía.

El Reina Sofía dedica una exposición a la artista catalana Aurèlia Muñoz, una figura clave del arte textil contemporáneo cuya obra explora el impacto de las crisis postindustriales en los ecosistemas. A lo largo del recorrido, se muestra cómo su trabajo combina técnicas tradicionales con enfoques actuales, ampliando los límites del tejido y la artesanía hacia territorios más conceptuales y experimentales.

La muestra repasa más de cinco décadas de trayectoria, desde sus primeros collages y bordados de inspiración surrealista hasta sus innovadoras estructuras de macramé, esculturas-cometa e instalaciones con papel hecho a mano. También incluye piezas inéditas, maquetas y dibujos poco conocidos, ofreciendo una visión completa de un legado artístico singular.

La Galería de las Colecciones Reales presenta una exposición dedicada a Fernando Brambila, que reúne por primera vez un amplio conjunto de sus obras. El pintor, especializado en vistas topográficas, paisajes y perspectivas urbanas, desarrolló gran parte de su trabajo en la representación de los Reales Sitios.

La muestra destaca su serie de vistas encargadas por Fernando VII entre 1821 y 1833, concebidas para los palacios reales y fundamentales en la construcción de la imagen visual de estos espacios. A través de dibujos, pinturas y estampas, la exposición subraya su papel en la difusión de una memoria colectiva del patrimonio real español.

La artista francesa Raphaëlle Peria presenta en la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes un proyecto que transforma la fotografía de paisaje en una obra de carácter casi escultórico. La muestra se centra en el paisaje de Las Médulas, un territorio marcado por la explotación minera romana y las transformaciones posteriores, incluidas las provocadas por incendios recientes. A través de intervenciones manuales sobre las propias imágenes (como raspados, borrados y dibujos) la artista convierte la fotografía en un espacio de memoria y mutación.

Residente en la Casa de Velázquez, Peria combina registro visual y gesto plástico para explorar la superposición de tiempos en el paisaje, incorporando incluso elementos como el oro para evocar su pasado minero y proponer una lectura poética del territorio.

La vida y la obra de Gloria Fuertes toman la Casa del Lector (en Matadero) con una exposición imprescindible que recorre su trayectoria vital y creativa a través de poemas y fotografías personales, trazando también un retrato del siglo XX.

Fuertes habló de todo lo que importa: amor, guerra, injusticia, libertad, miedo y humor, siempre con un lenguaje directo y cercano que sigue conectando con cualquier generación. La exposición también se adentra en sus textos más íntimos —sus "autobios"—, donde reflexiona sobre por qué escribe y comparte recuerdos y emociones sin filtros. 

El artista brasileño Marlon de Azambuja lleva a La Casa Encendida una instalación escultórica que transforma el espacio en un territorio vivo, donde la materia y la arquitectura dialogan con el pensamiento, invitando al visitante a atravesar, respirar y habitar la obra en lugar de limitarse a observarla. La obra reflexiona sobre el acto de "fundar" y el concepto de museo, planteándolo como un lugar sensible y situado que acoge experiencias y formas de pensamiento más cercanas y participativas.

Marlon de Azambuja, nacido en la ciudad de Porto Alegre en 1978 y afincado en París, trabaja con instalación, escultura, vídeo, fotografía y dibujo para cuestionar la relación entre espectador, espacio y arquitectura. Sus intervenciones, precisas y contenidas, buscan desvelar lo que la arquitectura oculta bajo su aparente neutralidad y abrir nuevas lecturas críticas sobre la ciudad y los sistemas que organizan nuestra percepción del mundo.

La artista Laia Abril participa en PHotoESPAÑA 2026 con una instalación inédita centrada en la endometriosis, una enfermedad crónica que afecta a millones de personas y que, pese a su impacto, sigue siendo infradiagnosticada y poco investigada.

A través de imágenes que muestran cuerpos fragmentados y testimonios visuales del dolor, la exposición cuestiona los sesgos históricos de la medicina en torno al cuerpo femenino y la tendencia a minimizar sus síntomas. Abril conecta el presente con el pasado, recordando cómo durante siglos se patologizaron estos dolores bajo diagnósticos como la "histeria", denunciando una herencia de desatención e incomprensión médica que aún persiste.

La arquitecta y fotógrafa Milena Villalta lleva a La Casa de la Arquitectura una exposición que documenta el impacto de la dana que el 29 de octubre de 2024 arrasó varias localidades de la Comunidad Valenciana.

La muestra utiliza la fotografía como testimonio del alcance del agua y de la vulnerabilidad del territorio ante fenómenos extremos. A través de sus imágenes, la exposición invita a reflexionar sobre la relación entre urbanismo y naturaleza, mostrando cómo la ocupación del suelo y la falta de planificación en algunos casos han amplificado los efectos de estas catástrofes.

La Sala Recoletos de Fundación MAPFRE alberga una exposición dedicada al fotógrafo dominicano afincado en México Alejandro Cartagena que explora temas como la migración, la vivienda, la frontera con Estados Unidos y la transformación urbana en México.

A lo largo de su trayectoria, Cartagena ha desarrollado una obra que se aleja del "momento decisivo" tradicional para apostar por series fotográficas y múltiples puntos de vista. Su trabajo ofrece una mirada crítica y humanista sobre los retos contemporáneos e invita al espectador a reflexionar desde distintas perspectivas.

La exposición del Museo Nacional de Artes Decorativas pone el foco en las aportaciones de varias investigadoras estadounidenses entre los siglos XIX y XX a la transformación del espacio doméstico. A través de sus propuestas, se plantea un cambio de mirada que integra el papel de las mujeres como organizadoras del hogar dentro del nuevo contexto económico y social de la época.

La muestra revisa cómo estas ideas influyeron en la concepción moderna de la vivienda. Figuras como Catharine Beecher, Christine Frederick y Lillian Gilbreth entendieron la casa como un espacio productivo que debía optimizar el trabajo doméstico. Sin cuestionar el hogar como ámbito femenino, apostaron por racionalizarlo mediante diseño, organización y mecanización, anticipando planteamientos del Movimiento Moderno.

La artista peruana Andrea Canepa firma la segunda intervención en la lona que cubre el Palacio de Cristal del Retiro durante su restauración. La propuesta traslada al icónico edificio su investigación sobre los fardos textiles de la cultura Paracas y los rituales de envoltura funeraria, conectando esa tradición ancestral con la arquitectura de hierro y vidrio del palacio.

En su obra, Canepa genera un relato visual en movimiento a medida que el público rodea el edificio. A través de instalaciones y tejidos pensados como experiencias temporales y habitables, la artista reflexiona sobre memoria e identidad colectiva, cuestionando las formas en que los objetos, los espacios y las estructuras culturales influyen en cómo miramos y habitamos el mundo.