Nuestras recomendaciones culturales

Hay historias que una conoce desde pequeña, aunque nadie se haya sentado nunca a contárselas de principio a fin. Soy canaria y el accidente de Los Rodeos forma parte de esa memoria colectiva con la que hemos crecido varias generaciones. Una tragedia que ocurrió antes de que yo pudiera recordarla, pero que siempre ha estado ahí. Sabía lo que había pasado aquel 27 de marzo de 1977, conocía la terrible cifra de 583 fallecidos y, aun así, salí de la función con la sensación de haber descubierto una historia completamente distinta. Y con algo que jamás habría imaginado al entrar al teatro: me había reído muchísimo. José Padilla ha conseguido algo bastante complicado. Ha encontrado una manera de acercarnos a una tragedia de semejante magnitud utilizando el humor con una inteligencia y una delicadeza que me parecieron extraordinarias. Y eso que el asunto se las trae. La colisión de dos Boeing 747 en una pista del aeropuerto de Tenerife podría haber dado lugar a un espectáculo solemne, cargado de explicaciones y testimonios dolorosos. Padilla elige otro camino. Nos invita a entender cómo ocurrió aquello y nos hace partícipes de una investigación que, por momentos, tiene el ritmo de un thriller. La obra está atravesada por una pregunta que termina convirtiéndose en una obsesión: ¿de qué está hecho un accidente? Para responderla, Padilla disecciona lo ocurrido antes, durante y después de aquella colisión, buscando las pequeñas grietas que permitieron que sucediera algo aparentemente...

La compañía Migratoria Teatro recupera en Nave 73 el conmovedor texto de Isidora Stevenson, dirigido por Romina Gutiérrez e interpretado por un Javier Ubilla extraordinario. Una propuesta que revisita la memoria del Chile de los noventa desde una mirada queer y que nos enfrenta a una de las experiencias más difíciles de imaginar: sobrevivir a la muerte de un hijo. Vi 'Hilda Peña' en octubre de 2021, en la ya desaparecida sala Nueve Norte de Madrid, y todavía recuerdo la inquietud que me produjo aquella función. Esa sensación de querer que alguien deje de hablar porque intuyes lo que viene y, al mismo tiempo, necesitar que siga contando. Me removí en la butaca unas cuantas veces. Cinco años después, saber que la compañía Migratoria Teatro recupera este montaje en Nave 73, tras su paso por el festival Chilescénicas, me produce una alegría enorme. Especialmente porque hay trabajos que merecen encontrar nuevos espectadores. Escrita por la dramaturga chilena Isidora Stevenson, 'Hilda Peña' nos traslada al Chile de los años noventa. Hilda es peluquera, vive humildemente y ha criado a un niño que un día apareció en su vida casi por casualidad. Mientras prepara el almuerzo, escucha en televisión la noticia de un tiroteo en un banco del barrio alto de Santiago. Todavía desconoce que su hijo está entre las víctimas. La tragedia se inspira en la masacre de Apoquindo de 1993, ocurrida durante los primeros años de la transición democrática chilena, cuando las heridas de la dictadura...

A mediados del siglo XIX surgió en Gran Bretaña un grupo de pintores, poetas y críticos que rechazaron el canon academicista imperante y apostaron por el arte que existió en Europa antes de Rafael de Urbino, considerado el precedente académico por excelencia. Este grupo se hizo llamar la 'Hermandad Prerrafaelita' y, aunque estuvo formado exclusivamente por hombres, muchas artistas de la época también sintieron curiosidad acerca de este planteamiento que desafiaba a la Academia. 'Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos (1850-1914)' ofrece una extraordinaria aproximación a algunas de estas artistas, no estudiadas hasta finales del siglo XX. A través de nueve secciones, la exposición nos presenta la obra de varias protagonistas prerrafaelitas como Joanna Boyce, Elizabeth Siddal, Anna Mary Howitt, Marie Spartali Stillman o Jemima Blackburn, entre otras muchas. En un momento en el que la Academia vetaba a las mujeres de las clases de anatomía o de dibujo de desnudo, el movimiento prerrafaelita ofrecía la libertad de lo inmediato y lo cotidiano. Los evocadores paisajes de Lady Waterford o los delicados dibujos de iconografía cristiana de Eleanor Vere Boyle son ejemplos de cómo la libertad creativa da lugar a bellísimas obras. Además, las prerrafaelitas expandieron el movimiento hacia otras áreas creativas, como las artes decorativas -donde encontraron nuevas oportunidades profesionales-, el diseño, la fotografía o la ilustración, donde la influencia de las prerrafaelitas fue...

Sentarse a ver 'El caballero de Olmedo' tiene algo incómodo desde el principio. Sabemos cómo termina. Lo sabemos incluso aunque nunca hayamos visto la obra. Lo de "que de noche le mataron" forma parte de ese imaginario del teatro clásico que reconocemos casi antes de saber de dónde viene. Y Lope, además, nos va dejando las pistas delante de los ojos. El amor, los celos, la fiesta, los disfraces, las canciones. Todo parece avanzar hacia un sitio que conocemos y, aun así, una espera el momento en que aquello va a torcerse de verdad. Esa tensión es una de las cosas que más me han interesado de la propuesta de Laila Ripoll, que se enfrenta por primera vez a una producción propia de la CNTC desde que asumió su dirección artística. La obra, estrenada este verano en Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, abre ahora la temporada del Teatro de la Comedia en Madrid, y lo hace desde una lectura muy marcada por el Romanticismo, por las sombras, por el miedo y por esa sensación de que la tragedia lleva un rato rondando el escenario aunque los personajes todavía no quieran verla. Desde mi punto de vista, ese es uno de los grandes aciertos de la puesta en escena. Ripoll consigue que el final pese desde mucho antes de que llegue. Es curioso porque conocemos el desenlace, pero la representación consigue devolverle cierta incertidumbre. También ayuda mucho el trabajo visual. El vestuario de Almudena R. Huertas tiene una elegancia que sitúa la acción en ese territorio algo...

¿Cómo resuena el colonialismo en el presente? Esta parece ser la pregunta a la que La Chola Poblete, Niño de Elche y Pedro G. Romero han respondido en esta propuesta, donde cada artista ha contestado a su manera, desde su práctica, su estilo y sus experiencias, sin buscar un diálogo formal. El trabajo de La Chola Poblete se centra en este alter ego que la artista ha construido, una mezcla de iconografía cristiana, deidades andinas, elementos que honran los orígenes indígenas de su familia, iconos pop y cuestionamientos políticos y 'queer'. Parece mucho que procesar, pero en obras como 'María & papas lays' se aglutinan varios de estos temas. Se trata de una instalación presidida por una escultura realizada en pan, que alude al cuerpo de Cristo, atravesada por unas varillas de hierro, relacionadas con el martirio como sufrimiento, pero también como espectáculo. Las patatas, uno de los símbolos de la cocina andina, están relacionadas con las políticas colonialistas de extracción de este alimento y, a la vez, con uno de los emblemas del capitalismo, las patatas fritas. Dibujos, proclamas, grafitis y 'stencils' realizados por La Chola envuelven las dos salas en las que tiene lugar la exposición, un marco totalmente contemporáneo desde el que Niño de Elche y Pedro G. Romero se proponen investigar sobre la historia del mantón de Manila desde el sonido y la escritura. La serie 'Sadopítna, o sea, antípodas, puesto del revés y boca abajo' consta de varios textos que acompañan a...

Hay musicales que forman parte de la memoria colectiva incluso antes de verlos. 'Los Miserables' es uno de ellos. Da igual si has visto la película, si conoces la novela de Victor Hugo o si simplemente has escuchado alguna de sus canciones. Es uno de esos títulos que llevan décadas formando parte del imaginario colectivo y eso hace que una entre al Teatro Apolo con cierta cautela. Cuando una obra carga con tanto prestigio, siempre existe la duda de si el montaje estará a la altura de todo lo que una espera. En mi caso, esa duda desapareció bastante pronto. Hay un momento, al principio de la función, en el que dejé de intentar entender cómo estaba hecha para empezar, sencillamente, a vivirla. Me hizo gracia porque soy de las que, cuando va al teatro, no puede evitar fijarse en los detalles: cómo entra una escenografía, de dónde nace un cambio de luz o cómo resuelven un movimiento especialmente complejo. Aquí aguanté ese impulso apenas unos minutos. Después ya estaba completamente dentro de la historia. La producción dirigida por Víctor Conde consigue algo aparentemente sencillo, hacer que una maquinaria inmensa desaparezca. Todo fluye con una naturalidad asombrosa. Los cambios de escena llegan sin estridencias, la iluminación transforma los espacios casi sin que seas consciente y el ritmo nunca pierde el pulso. Hay espectáculos donde una termina admirando el mecanismo; aquí acabé olvidándome de él. Y creo que ese es el mejor elogio que puedo hacerle. Mientras avanzaba la...

Hay momentos de 'Bestias' en los que una se descubre encogida en la butaca. No por el impacto fácil ni por la violencia explícita, sino por la cercanía con la que Carla Novi obliga a mirar ciertas heridas. Su nueva pieza deja una extraña mezcla de angustia y ternura que acompaña bastante tiempo después de salir del teatro. Quienes hayan seguido el recorrido de la creadora mexicana reconocerán enseguida algunas constantes de su trabajo. Si en 'Luchadoras' ponía el foco en la violencia machista y en 'RarEs' exploraba las identidades disidentes a través del universo 'drag king', en esta nueva pieza la mirada se desplaza hacia un territorio más incómodo. Novi ya no pregunta qué ocurre con las víctimas, sino qué sucede con aquellos cuerpos que la sociedad decide señalar como monstruosos. La pregunta es arriesgada y, precisamente por eso, resulta estimulante. La historia parte de un preso condenado a cadena perpetua y de la relación con su hermana gemela, una exbailarina marcada por una lesión que truncó su carrera. Entre ambos se instala una especie de danza emocional hecha de reproches, recuerdos, humor inesperado y una ternura que aparece cuando menos se espera. La pieza, que podría haberse convertido en un discurso moral, acaba transitando un camino mucho más interesante, el de las contradicciones. Diana, la hermana de Nico le hace una propuesta: participar en un programa experimental donde la danza se usa para canalizar la agresividad. Detrás, un antropólogo escocés llamado...