Nuestras recomendaciones culturales

Hay musicales que forman parte de la memoria colectiva incluso antes de verlos. 'Los Miserables' es uno de ellos. Da igual si has visto la película, si conoces la novela de Victor Hugo o si simplemente has escuchado alguna de sus canciones. Es uno de esos títulos que llevan décadas formando parte del imaginario colectivo y eso hace que una entre al Teatro Apolo con cierta cautela. Cuando una obra carga con tanto prestigio, siempre existe la duda de si el montaje estará a la altura de todo lo que una espera. En mi caso, esa duda desapareció bastante pronto. Hay un momento, al principio de la función, en el que dejé de intentar entender cómo estaba hecha para empezar, sencillamente, a vivirla. Me hizo gracia porque soy de las que, cuando va al teatro, no puede evitar fijarse en los detalles: cómo entra una escenografía, de dónde nace un cambio de luz o cómo resuelven un movimiento especialmente complejo. Aquí aguanté ese impulso apenas unos minutos. Después ya estaba completamente dentro de la historia. La producción dirigida por Víctor Conde consigue algo aparentemente sencillo, hacer que una maquinaria inmensa desaparezca. Todo fluye con una naturalidad asombrosa. Los cambios de escena llegan sin estridencias, la iluminación transforma los espacios casi sin que seas consciente y el ritmo nunca pierde el pulso. Hay espectáculos donde una termina admirando el mecanismo; aquí acabé olvidándome de él. Y creo que ese es el mejor elogio que puedo hacerle. Mientras avanzaba la...

Hay funciones que se miden por el silencio con el que termina el aplauso. Otras, por las conversaciones que provocan al encenderse las luces de la sala. Con 'Las que gritan' me ocurrió esto último. Apenas había salido del Teatro Maravillas cuando escuché a una espectadora resumir la experiencia con una frase espontánea: "¡La vida misma!". No creo que exista una definición más acertada de la propuesta de Antonio Rincón-Cano y José María del Castillo. La obra parte de una reunión familiar aparentemente sencilla. Tres hermanas acuden a la llamada de su madre, una mujer que, tras enviudar, ha decidido romper con la imagen que todos tenían de ella. Cambia las normas, se sube a una Harley, quiere lanzarse en paracaídas y, sobre todo, vivir sin pedir permiso. A partir de ahí comienza una sucesión de confesiones, reproches, recuerdos y reconciliaciones que cualquiera puede reconocer, porque todas las familias esconden conversaciones pendientes que nunca encuentran el momento adecuado para salir. La propuesta se mueve con comodidad entre la comedia y la emoción. El humor ocupa buena parte de la función y conecta de inmediato con el público. De hecho, pocas veces se escucha un patio de butacas tan entregado a la risa durante prácticamente toda la representación. Las carcajadas aparecen con naturalidad, sin forzar el chiste, gracias a situaciones reconocibles y a unos personajes que cualquiera podría identificar con alguien de su propia familia. Quizá ahí esté la principal fortaleza...

Un espectacular montaje en tono rosa chicle nos recibe en Alcalá 31. Al cruzar estas paredes rosadas viajamos en el tiempo a uno de los momentos más interesantes de la Historia del Arte nacional, la Movida. 'Mitologías modernas: Ouka Leele & Co' toma como punto de partida la obra 'Rapelle toi, Barbara!' realizada por Ouka Leele en 1987, una fotografía de la plaza de Cibeles que obligó a paralizar el tráfico del centro de Madrid para reflexionar sobre el mito de Atalanta e Hipómenes, los leones que tiran del carro de la diosa. El uso de las mitologías clásicas como elemento creativo es el eje vertebrador de la muestra, que reúne más de 100 piezas de artistas como El Hortelano, Ceesepe, Costus o Patricia Gadea, entre otros. Aún vigentes, los mitos siempre se han utilizado como herramienta para interpretar el presente. En el caso de la Movida, el uso de estas leyendas resulta más que interesante por el momento político y deshace prejuicios sobre el vacío de contenido del arte de los 80. La exposición dedica espacios individuales a Sigfrido Martín Begué, Carlos Franco, Ceesepe, El Hortelano y, por supuesto, a Ouka Leele. Las salas, señalizadas con carteles de neón, presentan a la entrada vídeos de entrevistas o reportajes de los artistas realizados en la época, donde, por ejemplo, podemos escuchar al propio Carlos Franco hablar sobre la figura de Proserpina que incluyó en el mural de la Casa de la Panadería, en la Plaza Mayor, o a Sigfrido Martín Begué hablar sobre si se...

Caramelos, pósteres o cortinas de luces llaman la atención del público que acude a la exposición de Felix Gonzalez-Torres en el Museo Reina Sofía. Los visitantes pueden tocar, comer e incluso llevarse piezas; al hacerlo asoman algunas risas nerviosas provocadas por la emocionante sensación de transgredir lo prohibido. Y esa es solo una de las lecturas que la obra del artista, de origen cubano, ofrece. Esta es la primera gran exposición de Gonzalez-Torres en Madrid, ciudad a la que fue enviado de niño, en 1971, para alejarlo del régimen. Pasó muy poco tiempo aquí, pronto viajó a Puerto Rico y, después, a Nueva York. En 1991 volvió a Madrid y describió este regreso como una "dulce venganza", expresión que ahora titula esta individual. Felix Gonzalez-Torres supo utilizar lenguajes pop con una sencillez conceptual que logra conectar con casi cualquier persona. Sus obras, atravesadas por sus vivencias como hombre migrante, homosexual y seropositivo, invitan a menudo a interactuar con ellas, es decir, a involucrarse y activarse. Es el caso de la instalación sin título -no solía titular sus obras- que muestra miles de caramelos de menta dispuestos para el público o las pilas de copias ilimitadas, listas para llevar, con sutiles aunque demoledores mensajes impresos. A pesar de un montaje demasiado espacioso que desluce algunas piezas nos podemos emocionar con otras, como la instalación compuesta por una guirnalda de bombillas que delimita un espacio de baile para dos personas que...

Hay momentos de 'Bestias' en los que una se descubre encogida en la butaca. No por el impacto fácil ni por la violencia explícita, sino por la cercanía con la que Carla Novi obliga a mirar ciertas heridas. Su nueva pieza deja una extraña mezcla de angustia y ternura que acompaña bastante tiempo después de salir del teatro. Quienes hayan seguido el recorrido de la creadora mexicana reconocerán enseguida algunas constantes de su trabajo. Si en 'Luchadoras' ponía el foco en la violencia machista y en 'RarEs' exploraba las identidades disidentes a través del universo 'drag king', en esta nueva pieza la mirada se desplaza hacia un territorio más incómodo. Novi ya no pregunta qué ocurre con las víctimas, sino qué sucede con aquellos cuerpos que la sociedad decide señalar como monstruosos. La pregunta es arriesgada y, precisamente por eso, resulta estimulante. La historia parte de un preso condenado a cadena perpetua y de la relación con su hermana gemela, una exbailarina marcada por una lesión que truncó su carrera. Entre ambos se instala una especie de danza emocional hecha de reproches, recuerdos, humor inesperado y una ternura que aparece cuando menos se espera. La pieza, que podría haberse convertido en un discurso moral, acaba transitando un camino mucho más interesante, el de las contradicciones. Diana, la hermana de Nico le hace una propuesta: participar en un programa experimental donde la danza se usa para canalizar la agresividad. Detrás, un antropólogo escocés llamado...

En su propuesta como comisario para el Museo CA2M, el artista madrileño Antonio Ballester Moreno ha querido revisar cómo el paisaje como género artístico puede ir más allá de lo puramente estético para abordar temáticas antropológicas o sociales. 
 'El cielo y la tierra' forma parte del ciclo de invitaciones que el centro realiza a artistas para que realicen una lectura sobre las colecciones del museo, la Colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid y la Colección Fundación ARCO. Las obras seleccionadas por Ballester Moreno conviven en el espacio museístico con piezas que el artista ha desarrollado, a modo de escenografías, en colaboración con familias y alumnado del CEIP Federico García Lorca de Móstoles. Un acto que subraya su interés por el arte como gesto educativo y lugar de encuentro intergeneracional.
 Con unas originales y amplias cartelas, obras de Ibon Aranberri, John Baldessari o Ana Mendieta nos adentran en una escenografía que es obra y lugar de reflexión a la vez. Destaca la calidad de las piezas escogidas, que, además encajan a la perfección con la idea de Ballester Moreno y, de alguna forma, también con su producción artística a pesar de estar en muchos casos muy lejos de su estética. 
 Un acto que subraya su interés por el arte como lugar de encuentro intergeneracional Esta parte de la exposición cierra con la pieza de videoarte de Itziar Okariz 'Mear en espacios públicos o privados', un punto de partida para reflexionar sobre cómo el paisaje...