Nuestras recomendaciones culturales

Caramelos, pósteres o cortinas de luces llaman la atención del público que acude a la exposición de Felix Gonzalez-Torres en el Museo Reina Sofía. Los visitantes pueden tocar, comer e incluso llevarse piezas; al hacerlo asoman algunas risas nerviosas provocadas por la emocionante sensación de transgredir lo prohibido. Y esa es solo una de las lecturas que la obra del artista, de origen cubano, ofrece. Esta es la primera gran exposición de Gonzalez-Torres en Madrid, ciudad a la que fue enviado de niño, en 1971, para alejarlo del régimen. Pasó muy poco tiempo aquí, pronto viajó a Puerto Rico y, después, a Nueva York. En 1991 volvió a Madrid y describió este regreso como una "dulce venganza", expresión que ahora titula esta individual. Felix Gonzalez-Torres supo utilizar lenguajes pop con una sencillez conceptual que logra conectar con casi cualquier persona. Sus obras, atravesadas por sus vivencias como hombre migrante, homosexual y seropositivo, invitan a menudo a interactuar con ellas, es decir, a involucrarse y activarse. Es el caso de la instalación sin título -no solía titular sus obras- que muestra miles de caramelos de menta dispuestos para el público o las pilas de copias ilimitadas, listas para llevar, con sutiles aunque demoledores mensajes impresos. A pesar de un montaje demasiado espacioso que desluce algunas piezas nos podemos emocionar con otras, como la instalación compuesta por una guirnalda de bombillas que delimita un espacio de baile para dos personas que...

Hay momentos de 'Bestias' en los que una se descubre encogida en la butaca. No por el impacto fácil ni por la violencia explícita, sino por la cercanía con la que Carla Novi obliga a mirar ciertas heridas. Su nueva pieza deja una extraña mezcla de angustia y ternura que acompaña bastante tiempo después de salir del teatro. Quienes hayan seguido el recorrido de la creadora mexicana reconocerán enseguida algunas constantes de su trabajo. Si en 'Luchadoras' ponía el foco en la violencia machista y en 'RarEs' exploraba las identidades disidentes a través del universo 'drag king', en esta nueva pieza la mirada se desplaza hacia un territorio más incómodo. Novi ya no pregunta qué ocurre con las víctimas, sino qué sucede con aquellos cuerpos que la sociedad decide señalar como monstruosos. La pregunta es arriesgada y, precisamente por eso, resulta estimulante. La historia parte de un preso condenado a cadena perpetua y de la relación con su hermana gemela, una exbailarina marcada por una lesión que truncó su carrera. Entre ambos se instala una especie de danza emocional hecha de reproches, recuerdos, humor inesperado y una ternura que aparece cuando menos se espera. La pieza, que podría haberse convertido en un discurso moral, acaba transitando un camino mucho más interesante, el de las contradicciones. Diana, la hermana de Nico le hace una propuesta: participar en un programa experimental donde la danza se usa para canalizar la agresividad. Detrás, un antropólogo escocés llamado...

Más allá de la mera estética o de su función primitiva de protección, las uñas pueden vincularse con la economía, también pueden desafiar las ideas hegemónicas sobre el género o, sencillamente, convertirse en modificaciones del cuerpo. Las obras de Ana Laura Aláez, Laure Prouvost, Lisa Jäger, María Alcaide, Mika Rottenberg, Pilar Albarracín, Rasmus Nilausen y Vinh Mai Nguyen nos proponen pensar sobre estos conceptos en 'Uñas'. Al entrar a The Ryder, nos recibe la obra de Mika Rottenberg, 'Finger', un dedo hiperrealista que gira en un lento e hipnótico movimiento, gracias al cual vemos desde distintos ángulos una larga uña sobre la que hay pintada una galaxia. Al aislar una parte del cuerpo y rotarla de forma antinatural, la artista cuestiona todo lo referente a la uña, desde su connotación de género hasta un sistema capitalista sostenido por lo que se espera de quienes portan uñas como esta. Ya en la planta baja, escuchamos quejidos procedentes de una vieja olla exprés entreabierta. Asoma también una mano con las uñas pintadas de rojo y, en la parte posterior, una mata de pelo negro. Se trata de una obra de Pilar Albarracín que los comisarios, Carmen Lael Hines y Roberto Majano, categorizan como de "horror doméstico", ya que representa el cuerpo de una mujer que ha terminado convirtiéndose en una olla exprés y de ella solo quedan el pelo, las uñas y los suspiros. Una forma tan dolorosa como humorística de representar el trabajo doméstico sexuado. En medio del espacio de la...

Gottfried Helnwein confunde, desafía y perturba con sus obras. El espectacular espacio de SOLO Independencia exhibe más de 40 obras del artista, algunas inéditas, realizadas en las últimas cuatro décadas. Pinturas y fotografías que invitan a adentrarse en el universo de Helnwein, nacido en 1948 en Viena y marcado profundamente por la posguerra europea y el imaginario nazi. Helnwein utiliza un lenguaje cercano y asequible, con presencia de figuras procedentes de la cultura popular, como Mickey o el Pato Donald, protagonistas de las primeras salas junto a personajes como Marylin Manson o el propio Hitler, quienes trastornan el carácter infantil de los dibujos animados creados por Walt Disney y producen un choque de sensaciones. El artista también bebe de la Historia del Arte y son claras las referencias a otros creadores, como por ejemplo Edward Hopper, Andrea Mantegna o Francisco de Goya, cuya influencia lleva a crear la serie 'The disasters of war', pinturas hiperrealistas donde aparecen escenarios catastróficos inspirados en sucesos reales, pero exagerados como si se tratasen de videojuegos o películas de acción; en estas piezas aparecen en primer plano figuras femeninas, similares a las del manga o el anime, en poses sugerentes. En la misma sala se encuentran obras de Toshio Saeki, Keiichi Tanaami o Ai Wei Wei que subrayan estas ideas de hipersexualidad, fragilidad y violencia, un completo homenaje a los 'Desastres de la guerra' de Goya desde el siglo XXI. La muestra...

Hay funciones de las que una sale pensando en la puesta en escena, en el texto o en una interpretación brillante. Y luego están las que te obligan a sentarte un rato antes de volver a casa porque todavía sigues removida por dentro. A mí me pasó con Soledad. Vida y obra de mi abuela, el unipersonal de Selu Nieto que puede verse estos días en el Teatro Lara. Selu toca lugares muy delicados. Habla de la depresión, del duelo, de la culpa, de la ansiedad y de esa generación de mujeres que nunca tuvieron tiempo para preguntarse cómo estaban porque siempre había una casa que atender y alguien a quien cuidar. Sobre el escenario aparece Soledad, la abuela del actor. Pero, en realidad, también aparece Yaya, mi abuela. Y sospecho que la de buena parte del público. Porque detrás de esa mujer andaluza que friega, cocina, se preocupa por todos y se olvida sistemáticamente de sí misma, reconocemos a tantas abuelas españolas que crecieron sin estudios, trabajando desde niñas y sosteniendo familias enteras con una fuerza que hoy sigue resultando difícil de comprender. Yo nací en Canarias y, sin embargo, todo ese costumbrismo que atraviesa la función me resultó profundamente familiar. Cambian algunos acentos, algunas comidas o ciertos nombres, pero el paisaje emocional es exactamente el mismo. Mientras escuchaba a Soledad hablar por teléfono, preguntar si habías comido o preocuparse por los suyos, era imposible no pensar en mi propia abuela. Cuando me vine a vivir a Madrid la llamaba todos...

En su propuesta como comisario para el Museo CA2M, el artista madrileño Antonio Ballester Moreno ha querido revisar cómo el paisaje como género artístico puede ir más allá de lo puramente estético para abordar temáticas antropológicas o sociales. 
 'El cielo y la tierra' forma parte del ciclo de invitaciones que el centro realiza a artistas para que realicen una lectura sobre las colecciones del museo, la Colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid y la Colección Fundación ARCO. Las obras seleccionadas por Ballester Moreno conviven en el espacio museístico con piezas que el artista ha desarrollado, a modo de escenografías, en colaboración con familias y alumnado del CEIP Federico García Lorca de Móstoles. Un acto que subraya su interés por el arte como gesto educativo y lugar de encuentro intergeneracional.
 Con unas originales y amplias cartelas, obras de Ibon Aranberri, John Baldessari o Ana Mendieta nos adentran en una escenografía que es obra y lugar de reflexión a la vez. Destaca la calidad de las piezas escogidas, que, además encajan a la perfección con la idea de Ballester Moreno y, de alguna forma, también con su producción artística a pesar de estar en muchos casos muy lejos de su estética. 
 Un acto que subraya su interés por el arte como lugar de encuentro intergeneracional Esta parte de la exposición cierra con la pieza de videoarte de Itziar Okariz 'Mear en espacios públicos o privados', un punto de partida para reflexionar sobre cómo el paisaje...