Qué hacer en Madrid en noviembre

La muestra se centra en el marco cronológico existente entre la generación abstracta española de los cincuenta y la de los artistas nacidos en torno a mediados de los años sesenta, momento de la creación del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca (1966) por Fernando Zóbel, una figura esencial para entender el relato de esta exposición. Hay, no obstante, ejemplos de influencia anteriores, como el del ceramista Josep Llorens Artigas, que ya en los años veinte comenzó a trabajar en obras de enorme sencillez, o el de Joan Miró, que a partir de mediados de los años cuarenta trabajó, precisamente con Llorens Artigas, en piezas que aunaban cerámica y pintura.

Esta serie de fotografías digitales sobre danza, arquitectura contemporánea y paisajes crean un escenario teatral donde el espectador queda atrapado profundamente. James Welling (Hatford, 1951), que ha experimentado con distintos formatos fotográficos a lo largo de su carrera -polaroids, impresiones en gelatina de plata o digitales, fotogramas...-, fue considerado hace unos años como uno de los fotógrafos más influyentes del planeta por el prestigioso The New York Times y sus trabajos se encuentran en los más importantes museos internacionales.       

FIVER es la plataforma más importante de apoyo, producción, formación, archivo y difusión de danza audiovisual basada en España. Y ahora celebra su VI edición, ofreciendo una experiencia inmersiva en el mundo de la danza audiovisual con instalaciones, proyecciones y muestras de videodanza internacionales repartidas por diversos espacios de Naves Matadero y Cineteca Madrid. Algunas de ellas son 'Field' de Xabier Iriondo, 'You will fall again' de Alex Pachón y 'Kretir' de Shumpei Nemoto. Además de la obra del británico Billy Cowie, el artista homenajeado en esta edición, un realizador clave en la investigación y producción de danza para pantalla usando herramientas 3D que por primera vez presenta un monográfico de su obra en España.

Las esculturas e instalaciones de la artista iraní Nairy Baghramian, con claras referencias a la Historia del Arte y a la arquitectura moderna, con un marcado estilo minimalista y surrealista, actualizan formas y conceptos heredados para tratar nociones como funcionalidad, abstracción o feminismo. Son esculturas realizadas en acero, resinas, siliconas o cuero, adoptando en ocasiones formas orgánicas, y haciendo referencia a la fisiología humana o incluso la subjetividad, tratando temas como el diseño de interiores y los objetos decorativos.

Elena de la Rúa (Madrid, 1978) estudió Bellas Artes en Madrid, centrando su interés en la pintura. Al final de la carrera descubre la fotografía, cambia los pinceles por la cámara y estudia el Máster en fotografía de Efti. Su trabajo se centra en los últimos años en el miedo y la esperanza, las dos pasiones de la incertidumbre, y aborda temas como la proyección de futuro, la dimensión utópica, el pensamiento mágico, el optimismo, la razón y el desengaño. La artista madrileña ha comentado: "Parece que en estos días vivimos indefensos, vulnerables y amenazados por temores imaginados que nos acechan. Tal como explica el sociólogo Hugues Lagrange se trata una angustia reciclada social y culturalmente y un miedo derivativo que orienta su conducta tanto si hay una amenaza inmediatamente presente como si no. Es como un sedimento de una experiencia pasada de confrontación directa con la amenaza: una herida que sobrevive a aquel encuentro y se convierte en una conducta aun cuando ya no exista amenaza directa alguna, y que está relacionada con la ausencia de confianza en las defensas disponibles. (...) El historiador Lucien Febvre hablaba de la omnipresencia del temor a la oscuridad que empezaba al otro lado de la puerta de la choza y envolvía el mundo existente más allá de la granja. Pero la oscuridad ya no está fuera. La oscuridad se ha colado dentro de casa, en nuestras mentes". A partir de estas ideas se vertebra la exposición 'El miedo como herida', que se presenta en el marco de

El Museo Reina Sofía presenta una retrospectiva de Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923-1985), una de las figuras más significativas del arte español del siglo XX que comparte escenarios e ideas del arte cinético y se caracteriza por una poética basada en la luz y el color. La  exposición comienza con un conjunto de acuarelas abstractas relacionadas con la obra de Vassili Kandinsky y Paul Klee, que dan paso a una amplia representación de los gouaches de obras geométricas de expresividad contenida en el trazo y sensibilidad por la luz y el espacio. La muestra reúne alrededor de 170 obras: acuarelas, gouaches, relieves luminosos, collages, pinturas, móviles, esculturas y proyectos interdisciplinares, además de un apartado documental que abarca desde 1949 a principios de la década de 1980. Plásticos, luces, metales, esculturas, proyecciones en un arte moderno, abstracto y simbolista que se adelantó a su tiempo.