De un Macbeth sin palabras a 'El oficio de morir': las obras de teatro imprescindibles para exprimir el Festival de Otoño

Mariana Enríquez es todo un fenómeno literario no solo ya en su Argentina natal, sino en todo el mundo. Ha conseguido enganchar a lectores y lectoras de toda estirpe con su sutil mezcla de terror y cotidianidad. En 2016 publicó un libro con doce relatos que tituló Las cosas que perdimos en el fuego, con el que el dramaturgo y director uruguayo-brasileño Leonel Schmidt imaginó -tras leerlo durante la pandemia- esta obra que llega ahora a Madrid. De acuerdo con la autora, Schmidt eligió seis cuentos del libro (El chico sucio; La hostería; Bajo el agua negra; Verde, rojo, anaranjado; El patio del vecino y Las cosas que perdimos en el fuego) y creó el personaje de una antropóloga que serviría de nexo de unión entre las seis historias. Tras asistir al estreno el año pasado en Montevideo, Mariana Enríquez dijo que había encontrado "una mirada propia y un enorme respeto por los textos", y lo disfrutó mucho. Si es que puede usarse el verbo disfrutar cuando se trata de cosas tan siniestras como el asesinato de un niño, el feminicidio de una joven a la que su marido prendió fuego o el propio terror de la dictadura argentina y la brutalidad policial. Para generar físicamente esa sensación, el espectador se sienta muy cerca de la acción, rodeándola, hasta sentir el terror respirando a escasos centímetros.

Solo con el título de esta pieza podríamos entretenernos un buen rato, pues refleja un sentimiento de época que, sin duda, está íntimamente enlazado con el no future del punk de los años 70. Estamos en otro momento de hartazgo y pérdida, dominado por la violencia, la incertidumbre y la sensación de que el futuro, de existir, será bien jodido. Marco da Silva parece poner el foco de la responsabilidad de esta desembocadura de la historia en la que navegamos, en la toxicidad y capacidad destructiva de lo masculino. Con esta pieza, el nadador portugués reconvertido en bailarín y coreógrafo, continúa la exploración que empezó con dos piezas anteriores, Carcaça, de 2022; y Bisonte, de 2024, donde ya cuestionaba la masculinidad. En F*cking Future amplía el foco y celebra el cuerpo a partir de un recorrido por temas como la militarización, la virilidad y la violencia y su relación con el patriarcado. El escenario es como un ring de boxeo, con el público alrededor, y arriba ocho bailarines, entre ellos el propio da Silva, encarnan diversos arquetipos masculinos a través de los que el autor señala las zonas frágiles del sistema.

La creadora argentina Marina Otero irrumpió hace unos pocos años en el panorama europeo casi como un seísmo escénico al que todavía alguno le sigue buscando las causas y las consecuencias, porque hay algo de ella tan auténtico que despierta tanto la admiración como el recelo. Tras su trilogía Love me, Fuck me, Kill me, presenta este año en el Festival de Otoño un artefacto que ha llamado conferencia escénica, pero que seguro no tiene fácil etiqueta. Se trata de una conferencia que traiciona la teoría y se vuelve vómito catártico. La pregunta de la que surge todo sigue siendo la misma que cuando conocimos a esta menuda actriz y bailarina: ¿cómo transformar el dolor en una puesta en escena? La misma que se hizo ella hace diez años en Buenos Aires y que se vuelve a hacer ahora en Madrid, donde vive en la actualidad. Buscará la respuesta en este encuentro con el público, al que tratará de atraer hacia su herida abierta. Una performance que aborda el viejo tema del amor romántico a partir de su propia historia con un hombre árabe. Un episodio más de su proyecto vital, que es el mismo que su proyecto artístico, el que acabará cuando muera. Entretanto, piensa en voz alta los secretos de este oficio, el oficio de morir.

Vuelve al Festival de Otoño uno de los coreógrafos más aclamados del panorama internacional actual, el griego Christos Papadopoulos. Su particular visión de la danza contemporánea pasó por Madrid en 2021 con la pieza Larsen C, después de que en 2020 se tuviera que cancelar, por imperativo pandémico, la presentación de otra de sus piezas, Ion. Ahora llega en todo su esplendor y con mucha rabia detrás, impulsando un trabajo en el que Papadopoulos mira a su adolescencia, a su pueblo natal, Nemea, frente a la indignación que le provoca un presente de corrupción, guerras, destrucción del medio ambiente y ascenso de la extrema derecha. Vuelve a esa etapa de su vida para recuperar un cierto anhelo de vivir, un impulso entonces inquebrantable, la sensación de que todo era posible y de que había un futuro que se podía desear y merecer. El título de esta pieza refleja, así, el contraste entre aquella ingenuidad de juventud y la realidad que se ha impuesto, pero lo que expresa, según las propias palabras del creador griego, es "la euforia de estar vivo". Diez bailarines en escena, plenos de juventud, de valentía. Un acto de resistencia, una vía de esperanza que ensalza el poder que esconde la acción común.

En un panorama teatral abonado a la repetición de fórmulas y a la comodidad de una tradición que rara vez se cuestiona profundamente, la compañía ÉSKATON abre una grieta capaz de remover ciertos cimientos, al menos a la hora de perseguir una poética propia basada en el estudio crítico de la historia del arte, la filosofía y la religión y que se va dibujando poco a poco a través de sus primeros trabajos, Cicuta contagiosa y Ejercicios militares para confundir éxtasis con agonía. Vinculados personal y profesionalmente a la sala Réplika (donde está sucediendo el verdadero teatro contemporáneo en Madrid), George Marinov y Miguel Deblas, integrantes de la agrupación, han contado en Häxan con el acompañamiento artístico de Macarena Bielski, Sara Manubens y Marina Otero. La pieza es el resultado del estudio crítico que los condujo al filme mudo homónimo que estrenó el danés Benjamin Christensen en 1922, donde se habla del fenómeno de la brujería en la época inquisitorial y que influyó en la aparición del llamado falso documental. Entre teatro, coreografía y performance, ÉSKATON indaga y se pregunta sobre los cuerpos que hoy se encuentran atravesados por los mismos mecanismos de poder que en el siglo XV.

Destacamos esta propuesta porque supone también un ejemplo de que en este Festival de Otoño caben también la música y la poesía, y porque una vez que la aclamada compañía La Tristura se ha diluido como tal, sus componentes siguen ofreciendo experiencias apetecibles y muy nutritivas intelectualmente. En este caso, Violeta Gil, poeta y escritora, autora de Antes de que tiréis mis cosas (poemario con el que también giró en directo unido a la música de Abraham Boba) y la novela Llego con tres heridas (Caballo de Troya, 2022), se sube al escenario junto al músico Marcos Nadie para dar vuelo a los versos de su último libro, Andábamos maravillados. "Siento cada día que estoy llegando a un agotamiento del amor / y lo único que me alivia es pensar en mis amigas y su existencia", dice en uno de estos poemas. Este concierto poético es también una conversación sobre el amor y la amistad, un cuestionamiento de las formas contemporáneas de creación, una celebración de la posibilidad del encuentro. Porque Violeta y Marcos pertenecen a dos generaciones distintas (se conocieron en el último espectáculo de La Tristura, Así hablábamos, que se estrenó en el CDN el año pasado) y son esos nuevos lazos y puentes los que generan nuevas formas de mirar y de crear.

Todavía queda el recuerdo en la mente de muchos de cuando la compañía de Emma Dante irrumpió en Madrid, en el Teatro Valle-Inclán, con la obra Bestias de escena. Fue en 2018. Llega ahora al Festival de Otoño con su compañía Sud Costa Occidentale para contarnos un cuento, a la vez, serio y cómico, y en lengua napolitana. Un cuento extraído de los clásicos relatos del siglo XV de Giambattista Basile (autor de cuentos de hadas míticos, como el que luego se conocería popularmente como La bella durmiente) que habla de un rey que, en mitad de una jornada de caza, tiene una apretura fisiológica y dada la urgencia, termina limpiándose el culo con lo que le pilla a mano, una gallina que él cree muerta. Pero no está muerta. Lo que sucede es que el animal se le termina metiendo dentro y, a través del cuerpo del rey, empezará a poner huevos de oro, para desgracia del gobernante, que no puede soportar los dolores de semejante puesta, aunque la familia y la corte está encantada con el tesoro repentino. Alegoría grotesca sobre la hipocresía y la avaricia que Emma Dante aprovecha, a través de su lenguaje escénico físico y profundamente enraizado a la tradición de la comedia del arte, para zarandear a los espectadores a base de burla y crueldad, pavanas barrocas y música de Franco Battiato.