Las obras de teatro recomendadas de la cartelera de Barcelona

Es curioso, el teatro. Puedes tener un texto contrastado por 25 siglos de tradición, dos de los mejores intérpretes del país, unas posibilidades despampanantes, y lograrlo solo a medias. Porque la 'Ifigènia' de Alícia Gorina en el Teatre Lliure es eso, un montaje que promete, que exclama belleza, que solicita una mirada atenta, pero que termina en un hacha que todos saben dónde está y quieren desenterrar, actores y actrices subiendo y bajando escaleras y un coro que canta los pies de página.

El dramaturgo Albert Arribas ha fusionado las dos partes de la historia escrita por Eurípides en el siglo V a.C. 'Ifigenia en el Áulide' e 'Ifigenia entre los tauros', en una propuesta coherente, sintética, que se pone en marcha con el anuncio del sacrificio de la hija de Agamenón y Clitemnestra para que los barcos griegos puedan atacar a Troya para rescatar a Helena y termina con el reencuentro de Ifigenia con su hermano Orestes en territorio de los bárbaros, con el objetivo de regresar a Grecia. Nada que decir. El problema ocurre en medio, incluso antes, cuando el espectáculo comienza y tenemos un coro de cinco chicas que nos va ofreciendo información que no necesitamos, un cursillo acelerado de mitología griega.

Ferdinand Bruckner, a finales de los años 20 del siglo XX, ya sabía lo que le venía encima: el desencanto, la barbarie nazi. Primero escribió 'El mal de la juventud' y, poco después, 'Los criminales', una pieza muy moderna para su tiempo y que hoy nos llega con unas posibilidades técnicas que él ya debió imaginar. El primer acto, cuando nos mete en una escalera de vecinos, como Georges Perec en 'La vida, instrucciones de uso', es excepcional. Y cuando despliega todas las fechorías que se cometen, de piso en piso, de hogar en hogar, nos hipnotiza.

Levantar 'Els criminals' requiere un prodigio, un gran teatro. Y el montaje que ha ideado Jordi Prat i Coll en el TNC es estéticamente imbatible, con, de entrada, el perfil de un edificio con diferentes viviendas donde los intérpretes desarrollan todas las microtramas de este rompecabezas. Necesita, sin embargo, cierta proximidad, cierta amplificación, un zoom cinematográfico, para que el espectador no se pierda. Algo que la función no tiene.

Era muy fácil estrellarse contra 'El día del Watusi', contra una novela que es un sueño, un programa y una decepción, que está levantada en torno a una gran mentira y que provoca escalofríos tanto de estremecimiento como de gozo en el lector. El intento de Iván Morales de hacérsela suya y montarla ya habría merecido algunos elogios. Pero lo que ha conseguido con este equipo de intérpretes capitaneados por Enric Auquer no es de este mundo, una función catártica, que respeta la fuente sin dejarse vencer, para doblarla al lenguaje teatral utilizando todo lo que teatro permite: vivencia.

Morales ha construido una pieza inmersiva que rompe a mazazos la cuarta pared. Son algo más de cuatro horas, sí, pero sales del teatro preguntando cuándo la vuelven a poner. Y, quienes no conocen la novela, la mayoría de espectadores, con unas ganas terribles de paladearla. El mérito de todo esto radica en el punto de vista y una orquesta muy bien afinada.

“¿Qué es la vida?”, le pregunta Fujiko a Tetsuo. Llevan seis años en una residencia para personas mayores y ella tiene Alzheimer. Se acaba de despertar y no ha reconocido a su marido como tal. Dice que todavía no se han casado, que es su prometido y pide a la dirección del centro que pongan un biombo entre las dos camas, por pudor. Él intenta seguirle la corriente, no desquiciarla ni contradecirla. Por eso, cuando le lanza la pregunta, él le pide que la conteste ella. "La vida es el amor", le dice Fujiko.

Blai Bonet, en sus dietarios, dejó anotada una frase determinante: “En la tarde de la vida, seremos juzgados sobre el amor”. Y 'Lluna plena', la novela de Aki Shimazaki que Àlex Rigola ha adaptado al teatro, habla de ello. Porque Fujiko (Lluïsa Castell) y Tetsuo (Andreu Benito) han pasado toda la vida juntos, desde que les arreglaron la boda. Tuvieron dos hijos, sufrieron el trance de perder a una hija. Pero, ¿se han amado?

Jordi Casanovas ha vuelto a demostrar que, cuando se trata de llevar un caso judicial al teatro, por extremo que sea, él sabe cómo hacerlo y, además, entregarnos una obra impecable. Hace cinco años, estrenó en el desaparecido Teatro Kamikaze de Madrid 'Jauría', un texto protagonizado por María Hervás y dirigido por Miguel del Arco que dejó al público boquiabierto por cómo trataba los hechos de 'La Manada', esa noche de San Fermín en Pamplona en la que una chica fue violada por cinco hombres. Casanovas no se inventó nada. Utilizó únicamente el material público del juicio, como ya hizo en 'Ruz-Bárcenas', el duelo entre el antiguo tesorero del PP y el juez que instruyó su caso.

Ahora ha llegado al Romea el mismo montaje con un reparto totalmente distinto, capitaneado por Ángela Cervantes, que se mete en la piel de la víctima. No es fácil lo que hace. Debe dar credibilidad a una chica que los jueces, en primera instancia, solo creyeron a medias, pero que obligó al Congreso a cambiar el Código Penal. Y tiene que ser el cuerpo y la cara de una chica de la que, por suerte, no sabemos nada. No puede imitar, no puede hacer ver. Todo debe sacarlo de dentro. Y cómo lo hace.

'Màquina Hamlet', o 'La màquina Hamlet', como han decidido titularla en la Sala Atrium, es la cima del teatro posdramático del último cuarto del siglo XX. Una obra de solo nueve páginas en la que Heiner Müller destiló todo el conocimiento que había adquirido del texto clásico de Shakespeare después de cerca de treinta años de estudio, y de obsesión, aparte de verter en ella su biografía. Un ejercicio de depuración duro y espinoso que lo deja todo en manos del director de escena, obligado a interpretar cada una de las palabras del dramaturgo alemán, todas decisivas, ninguna arbitraria.

Marc Chornet ha decidido situarla en una habitación de hotel y contar con solo dos intérpretes (Xavier Torra Xuriguera y Anna Pérez Moya), y apostarlo todo al diseño de sonido, algo que ya hizo Bob Wilson en una de las más icónicas puestas en escena de la pieza, en los años 80. De ahí que ofrezca auriculares a los espectadores, que no recibirán instrucciones ni nada parecido, sino que los utilizarán para sumergirse más profundamente en la pieza.