Las mejores exposiciones de Barcelona

La exposición de ProjecteSD está concebida como una pequeña retrospectiva y condensa 40 años de trabajo del artista Matt Mullican. Su obra se compone de signos, dibujos y esquemas que se repiten en diferentes formatos y es con esta simbología que ofrece su visión del mundo, una lectura que también comparte en conferencias y performances, a veces realtizades bajo hipnosis. Hijo de artistas, formado en CalArts junto a Baldessari y otros grandes representantes del arte de vanguardia, hay algo elemental y directo en sus proyectos, si bien de entrada pueden parecer complejos. Lo más nuevo, hecho expresamente para la galería, es una historia ficcionada dibujada en siete pizarras: todo empieza con Glenn, el alter ego de Mullican. También se expone una pieza clásica, 'The birth to death list', el relato vital escrito en una sábana que ha dado lugar a una nueva pieza conformada por las 269 palabras clave de esta lista. Mullican habla de todo, desde fisiología hasta razonamientos más conceptuales e incluso evoca figuras que están presentes en el imaginario pagano -Dios, ángeles y demonios-. Y leemos -si es que quiere el artista decirnos algo- como la percepción y comprensión del entorno está condicionada por los filtros del cerebro, como nos demuestra el artista con un ejercicio de color. En la galería también descubrimos sus trabajos fotográficos, ejercicios con collage y una proyección de los cuadernos recientemente cedidos al Smithsonian (aquí se muestran cuatro de ellos). El mun

Atrae por la colección de nombres, y por la forma como están dispuestas en el espacio las 130 obras que componen esta colectiva, una personal revisión del arte del siglo XX. Con obras de Alberti, Modest Cuixart, Joaquim Chancho, Julio González, Albert Gleizes, Juan Gris, Josep Guinovart, Joan Hernández Pijuan, Antoni Llena, Luis León, Alberto Magnelli, Maruja Mallo, Ramón Martí Alsina, André Masson, Joaquim Mir, Joan Mir, y Antonio Saura, Torres-García, entre otros.

Entre las obsesiones del coleccionista Arthur Walther está la fotografía vernacular, imágenes cotidianas propias de álbumes familiares de los que se encuentran en los mercados de pulgas (o los que venden los 'dealers' especializados). En Foto Colectania, la Walther Collection ha desembarcado con diferentes series que, prescindiendo de la autoría, el estilo, el momento y el lugar en que fueron tomadas, nos hablan del tipo, de la identidad. De los retratos hechos con daguerrotipo, en el momento en que la foto se usa en clave científica y policial (la serie de Thomas Cunningham); los retratos de August Sander, que con la serie 'Hombres del siglo XX' buscaba retratar los oficios con cierta objetividad; o la fotografía como herramienta para capturar juegos y escenas de la intimidad: Walther y Foto Colectania insisten en que los álbumes proyectados, de 1905 y 1934, son una delicia.En la muestra 'Estrcucturas de identitat' hay nombres propios, como Richard Avedon, Seydou Keïta y Thomas Ruff, y artistas menos conocidos como Hiroh Kikai, que durante dieciocho años retrató los fieles que entraban en el templo Asakusa, y Zanele Muholi, activista del movimiento lésbico y transexual en Sudáfrica. La elección se completa con fotos anónimas: presos, enfermos mentales, tarjetas de identificación de trabajadores.

El año Guinovart arrancaba a finales del 2017 coincidiendo con el décimo aniversario de la muerte del artista y culmina en 2019 con dos muestras (en la Joan Prats i la Fundación Vila Casas) que reivindican la figura de un creador en reinvención constante. Guino, como le llamaban los amigos, defendía transgredir los límites de la pintura y moverse por estilos, procesos y materiales, siempre con la naturaleza presente.En la galería Joan Prats, con la que trabajó durante tres décadas, revisitan la obra de entre 1975 y 1985 y recuerdan que el año 79 fue brillante para Josep Guinovart, con exposiciones en Nueva York, París y Barcelona por triplicado (en la Fundación Miró y en las galerías Joan Prats y Trece). Es una década marcada por el informalismo, de creación de piezas híbridas (son pintura, escultura o instalación?, si es que hay que poner alguna etiqueta). Destacan los fragmentos de uralita intervenidos -les ata troncos, aplica el color que haría Guino tan reconocido- y las cartografías, vistas cenitales de poblados realizados con barro, resultado de su reciente descubrimiento de Argelia. La tierra, la africana, la de Agramunt que interiorizó de niño y el paraje de Castelldefels, donde tenía el estudio, se evoca a través del color tostado y la inclusión de elementos naturales, como semillas o copos de paja. El Guinovart inédito se encuentra en una pequeña colección de cuadros en collage que parece brotar de dentro, tal como sugería el artista en una entrevista -esto ha inspi

El MNAC ha optado por investigar y divulgar la obra de los artistas de posguerra y segundas vanguardias catalanas. La exposición redescubre figuras singulares, como Mari Chordà, Aurelia Muñoz, Jordi Galí, junto con otros, digamos, clásicas, como Antoni Miralda, Zush / Evru y Carles Santos. Asimismo, se muestran trabajos inéditos o poco conocidos, algunos de los cuales pasarán a formar parte de la colección permanente del museo.

La exposición del CCCB es alucinante, un camino de entrada a la mente del genio, laberíntica como la orgía de máscaras de 'Eyes wide shut', como las trincheras sinuosas donde los soldados de 'Senderos de gloria' hundían las botas en el barro hasta las rodillas, orando y arrastrándose por no ser ejecutados. Desde sus inicios como fotógrafo en la revista 'Look' o como documentalista de la vida del boxeador Walter Cartier hasta todos los proyectos que dejó inacabados, se extiende un recorrido electrizante, a ratos infernal, a ratos satírico, a ratos puro artefacto pop.

El historiador marxista Eric Hobsbawm desarrolló la expresión 'corto siglo XX' para referirse al momento entre el inicio de la Primera Guerra Mundial y la caída de la Unión Soviética, huyendo así de la periodización clásica, dada la relevancia de los hechos históricos que marcaron aquellos años. En esta misma línea discursiva, el MACBA enseña una muestra de su vasta colección formada por más de 5.000 obras.

El pintor barroco es uno de los símbolos del Museo del Prado, que tiene una política restrictiva en cuanto a préstamos: sólo puede haber siete obras del artista fuera de la pinacoteca a la vez y, de manera excepcional, están ahora en Barcelona. Siete pinturas que sirven como referencia para ordenar temáticamente esta exposición única en la ciudad que propone mirar y leer la obra de Velázquez en un contexto amplio, más allá del tradicional discurso de las escuelas nacionales. A partir de un montaje exquisito, se crean vinculaciones, resaltando los intereses estilísticos comunes, entre una cincuentena de pinturas esenciales de algunos de sus coetáneos, como Ribera, Rubens, Zurbarán o Van Dyck. ¡Todo un festín!

La vida de Charlotte Salomon fue corta pero intensa y estuvo marcada por el amor, la muerte y una historia familiar de sufrimiento. El arte fue un refugio para superar el pasado y para asumir un presente condicionado por su deportación a Auschwitz, donde moriría en 1943. El Monestir de Pedralbes, siguiendo con la apuesta por la divulgación e investigación sobre mujeres silenciadas, da voz a una artista y su época y muestra una parte de los 782 gouaches que conforman 'Vida? O teatro?', la obra de la artista judía.

La exposición de La Pedrera reúne una amplia y cuidada selección de obras de arte contemporáneo de más de una cuarentena de artistas internacionales que apostaron por una transformación profunda del rol del espectador a través de la participación y su interacción con el obra de arte. La participación del público, la puerta abierta al azar, la inmaterialidad, la apertura al espacio, la desmaterialización... todo eso está presente en el corpus creativo de los años 50 y 60, en las obras de artistas como Marina Apollonio, Alberto Biasi, Pol Bury, Alexander Calder, Enrico Castellani, Marcel Duchamp, Jean Tinguely, Victor Vasarely, entre muchos otros.