Cine

El parisino Christophe Honoré a menudo celebra el estilo de vida libre, romántico y urbano. Su último trabajo es el retrato franco y conmovedor de un año en la vida de Jacques (Pierre Deladonchamps), escritor de 39 años afectado por el VIH. Y aunque 'Vivir deprisa, amar despacio' resulta incompleta a ratos, acaba convirtiéndose en un film rico en texturas, que se siente verdadero y real. Estamos en 1993. Suenan Massive Attack y Ride. En el cine proyectan 'Juego de lágrimas' y 'El piano'. Honoré evoca la flamante historia de Jacques con Arthur (Vincent Lacoste), un joven bretón que acaba de salir del armario, y también nos muestra la amistad con su vecino Mathieu (Denis Podalydès) y la relación con Marco, el antiguo amante. Jacques tiene un hijo, cuya madre siempre se refiere a la vida 'compartimentada' de Jacques, un dato que va ganando sentido a medida que avanza la película. Sin saturar de referencias cronológicas, 'Vivir deprisa, amar despacio' funciona como una instantánea de un momento concreto de Francia y su cultura sexual gay (conecta con '120 pulsaciones por minuto' y, de hecho, cita los encuentros de los activistas Act Up) . La actitud hacia el sexo y el cuerpo es honesta, pero sobre todo propone un retrato sobre cómo las vidas se entrecruzan (o no), cómo las ambiciones y los deseos colisionan, y sobre cómo son las diferentes formas de amor posibles. En resumen, una peli fresca, emocionante y cautivadora.

No quiero arrebataros la emoción de descubrir 'Dolor y gloria' por primera vez, y aún así no me puedo resistir a decir que esta es una de las películas más bonitas he visto en mucho tiempo. Quizás en su faceta más crepuscular, Pedro Almodóvar firma un filme autobiográfico, con ecos de 'La ley del deseo' y de 'La mala educación', donde Antonio Banderas interpreta a su alter ego, perfectamente caracterizado, con el pelo grisáceo y rebelde peinado hacia arriba, con zapatos deportivos y polos de colores llamativos. Y también con una hipocondría neurótica, un dolor muscular constante que lo deja tieso y lo acalambra, que le produce espasmos, que le oprime la glotis, que hace que se atragante. Es decir, un personaje prisionero de su propia decadencia.A partir de aquí, los efluvios del recuerdo nos acarician como una brisa de primavera entre las cortinas de una ventana abierta. La película empieza con la imagen de unas lavanderas que canturrean mientras hacen la colada junto al río y poco a poco el torbellino del pasado se derrama sobre el presente. Vemos el nacimiento del deseo en ese niño que cae fulminado en un ataque de fiebre cuando ve a un joven albañil lavándose desnudo entre los geranios de un patio encalado. Vemos a la madre que zurce calcetines con un huevo de madera en una estación de tren, de noche, mientras el hijo duerme y fuera, en el pueblo, se celebran las fiestas mayores con fuegos artificiales.Todos estos fantasmas acuden de repente a la mente como una lluvia de p

En 1932, unos meses después de la proclamación de la República, Buñuel volvía a España para rodar el documental 'Las Hurdes', también conocido como 'Tierra sin pan', en la región más miserable de Extremadura, de paisaje estéril y embarrado, donde los niños morían en las calles, donde la lucha diaria por la supervivencia se afrontaba con uñas y dientes. Es una de las películas más ásperas de su filmografía, con una serie de momentos terroríficos. Aquellos hombretones del pueblo que arrancan de un tirón la cabeza de los pollos colgados de una cuerda. Aquella familia que llora al recién nacido amortajado. La agonía del asno aniquilado por un panal de abejas, chillando abatido a un cielo plúmbeo inclemente. Cuando Fermín Solís publicó la novela gráfica 'Buñuel en el laberinto de las tortugas', hace un par de años, fue como si atravesara el corazón de 'Las Hurdes'. Era una especie de cuaderno de rodaje soñado, con sabor a tierra y raíz, pero también lleno de fantasía. El personaje de Buñuel, disfrazado de monja, con sus alucinaciones de gallinas criminales y sus visiones marianas, flotaba entre las nieblas del tiempo. Ahora, Salvador Simó ha transformado la obra de Solís en una cinta de animación tristísima, empapada de desolación. Es una película que sangra por dentro. Podríamos definirla como un 'making of' imposible, como la fantasmagoría de un lugar tan olvidado que es como si nunca hubiera existido, como la búsqueda de unas imágenes monstruosas, irreales, que se reactivan c