Cosas para hacer en Barcelona en octubre

¿De qué va? Miró realizó siete viajes a Estados Unidos entre los años 40 y los 60. “Durante aquellos viajes, Miró no hablaba inglés, y los artistas con los que entabló amistad no sabían castellano ni catalán. Por lo tanto, la conversación entre Miró y EE. UU. fue puramente artística”, dice Matthew Gale. Él es el comisario de la exposición Miró y los Estados Unidos que la Fundació Miró, en el marco de su 50.º aniversario, dedica a la relación del artista con ese país que, durante la dictadura franquista, era un faro de libertad creativa.

¿Por qué hay que ir? En la exposición no hay únicamente obras de Joan Miró, sino también de todos aquellos creadores con los que el artista mantuvo intercambios, admiraciones y conversaciones. La muestra investiga la reputación internacional de uno de los artistas más universales de nuestro país, revela las conexiones de Miró con figuras como Mark Rothko, Robert Motherwell, Lee Krasner o Helen Frankenthaler y confirma que la abstracción americana encontró en Miró a un precursor. También se dedica un espacio a los grabados del Atelier 17, el legendario taller de Stanley William Hayter en Nueva York, donde Miró coincidió con artistas como Alice Trumbull Mason o Louise Nevelson.

¿De qué va? El CCCB acogerá, hasta el 25 de mayo, la exposición "Rodoreda, un bosque", dedicada a la radicalidad literaria y al imaginario creativo de la escritora en lengua catalana más importante del siglo XX. Comisariada por la ensayista y crítica literaria Neus Penalba, la muestra pretende alejarse de los tópicos, a menudo edulcorados, que han rodeado su figura y mostrar la faceta más contemporánea de Rodoreda, donde la escritura transita entre el realismo y la fantasía para hablarnos de la inocencia, el deseo, el suicidio, el desarraigo, el escarnio o la metafísica.

¿Por qué hay que ir? La muestra se sirve de la metáfora del bosque para concebir el espacio expositivo. Las salas se conectan orgánicamente, utilizando este símil para explicar la trayectoria de la autora a través de un recorrido por las raíces literarias y la experiencia del desarraigo del exilio, los troncos marcados por la vivencia de la guerra, las ramas que dialogan con la cultura occidental y las copas que rozan el cielo y acogen pájaros. A través de esta estructura se despliegan más de 400 piezas entre obra plástica, instalaciones, documentos y audiovisuales, incorporando originales de la Fundación Mercè Rodoreda.

¿De qué va? El panafricanismo fue un movimiento impulsado hace más de un siglo por artistas e intelectuales de todo el mundo que se hacían la misma pregunta: ¿cómo sería el mundo si todos los pueblos africanos y sus diásporas se hermanaran? La nueva muestra del MACBA nos invita a hacer precisamente eso. Según Elvira Dyangani Ose, directora de la institución y comisaria de la muestra junto con Antawan I. Byrd, Adom Getachew y Matthew S. Witkovsky, las salas del museo se han llenado “del espíritu colaborativo del panafricanismo” y, a través de pinturas, libros, creaciones populares, música, fotografías y vídeos, nos invitan a imaginar un mundo mejor. 

¿Por qué hay que ir? Entrar en las salas del museo es como cambiar de mundo. No de país, ni de continente, ni siquiera de lengua. De hecho, la exposición profundiza en el impacto del panafricanismo en la historia catalana y española y nos revela la presencia de activistas negros en la Barcelona obrera o en el bando republicano de la Guerra Civil. La muestra, entonces, nos hace viajar a otro plano de la realidad que ha existido siempre. Más de quinientos objetos de un centenar de artistas e intelectuales, producidos en África, Europa, América del Norte y América del Sur, nos explican que la historia tiene muchas capas y que no todas aparecen en los libros o en la televisión. Hay relatos censurados y otros que nuestra mirada impregnada de blanquitud no ha sabido ver. Pero las banderas de la primera sala nos reciben con los brazos abiertos y parece que nos digan: ¡bienvenidos a Panáfrica!

¿De qué va? La exposición World Press Photo 2025, organizada por la Fundación Photographic Social Vision, se centra principalmente en los conflictos bélicos internacionales en Gaza, Ucrania, Líbano o Siria, la crisis medioambiental –como las inundaciones en Brasil–, los problemas relacionados con la migración en Irán o en la frontera entre Estados Unidos y México, y la polarización política, como el crecimiento de la extrema derecha en Alemania.

¿Por qué hay que ir? Como es habitual, la fundación ha organizado un amplio programa de visitas guiadas para el público general durante la semana, así como visitas privadas para empresas y centros educativos. Si queréis asistir, las entradas ya están disponibles en la página web de la exposición a partir de 8 euros, aunque hay descuentos disponibles.

¿De qué va? Una muestra que celebra la riqueza artística y la diversidad cultural de las islas del Pacífico. Hasta el 15 de febrero, el CaixaForum Barcelona acoge objetos que provienen de la prestigiosa colección del British Museum de Londres, pero también del Museo de América de Madrid y del Museu Etnològic i de Cultures del Món de Barcelona.

¿Por qué hay que ir? La muestra recorre el arte de la región a través de siete ámbitos temáticos como "Tejedores", "Guerreros" o "Viajeros" que ilustran sus formas de expresión y conocimientos, desde remos ceremoniales y figuras de gran valor espiritual hasta piezas de utilidad práctica, como una imponente armadura completa de fibra de coco de Kiribati, que demuestra el ingenio en el aprovechamiento de los recursos naturales.

¿De qué va? Isabel Steva Hernández, más conocida como Colita, fotografió a las mujeres de finales de los setenta y las publicó en un libro titulado Antifémina, que hizo junto con María Aurèlia Capmany. La publicación, considerada el primer libro gráfico abiertamente feminista de la Transición, causó mucho revuelo en el año 1977 porque planteaba temas que aún hoy están vigentes, como la prostitución, la cosificación de la mujer o la vejez femenina.

¿Por qué hay que ir? Ahora, el DHub recupera estas imágenes del libro (muchas de las cuales no se habían expuesto antes) y las pone a disposición del público en la exposición Colita. Antifémina, que refleja cómo vivían las mujeres en los años setenta. La muestra ya se pudo ver en 2024 en Madrid y llega ahora a Barcelona ampliada con 25 nuevas fotografías que se suman a las 10 secciones de la muestra correspondientes a los 10 capítulos del libro. En total, en el DHub se exponen 120 fotografías de las 172 de la publicación original.

De qué va? Helen Levitt fue, paradójicamente, una de las fotógrafas más famosas y a la vez más desconocidas del panorama fotográfico de Estados Unidos del siglo XX. Comparable a artistas como Henri Cartier-Bresson o Walker Evans —grandes inspiraciones para ella y, también, amigos—, la diferencia que le restó visibilidad fue que nunca se preocupó por hacer gala de su oficio y fue siempre muy celosa de su intimidad.

Por qué hay que ir? La Fundación Mapfre KBr abre el obturador para rendirle homenaje y revertir la falta de exposición de esta gran autora con la primera exposición de Helen Levitt (1913-2009) que parte de la totalidad de su obra y de sus archivos, solo recientemente abiertos a la consulta pública. Puede visitarse del 24 de septiembre al 1 de febrero.

¿De qué va? Bajo la mirada poética de Cristina Iglesias, una de las artistas más internacionales y respetadas de la escultura contemporánea, La Pedrera se convierte en un bosque laberíntico de paredes vegetales y lagos encantados.

¿Por qué hay que ir? La nueva exposición, organizada por la Fundació Catalunya La Pedrera, sigue la tendencia que ha unido las muestras de este edificio de Gaudí en los últimos meses: la de invitar a un creador a dialogar con el genio modernista a través de nuevos lenguajes artísticos. Esta vez, Iglesias ha transformado los espacios de Gaudí en un recorrido casi hipnótico por materiales, texturas y sombras que juegan con la idea de habitar el espacio. 

¿De qué va? La Fundació Joan Miró propone una exposición retrospectiva que repasa medio siglo de actividad, pero que también cuestiona cómo se ha construido su historia y qué papel puede desempeñar en el futuro. La muestra parte de una idea clave: la Fundació no comenzó realmente en 1975, sino que es el resultado de un recorrido más largo que se inicia mucho antes y que está estrechamente vinculado con la Transición y la apertura democrática.

¿Por qué hay que ir? El proyecto expositivo, comisariado por Blanca Arias, Martina Millà y Ramon Balcells, se despliega en siete ámbitos y ha sido concebido con un enfoque colaborativo, con la participación de artistas, comisarios e investigadores. El resultado es una mirada poliédrica que evita un único relato y pone en valor la pluralidad de voces que han formado parte de la Fundació a lo largo de los años. El relato incluye documentos de archivo, imágenes y obras clave, pero también propuestas contemporáneas creadas expresamente por cuatro artistas locales a partir del fondo documental del museo.

¿De qué va?

Han pasado dos años desde que el trágico naufragio de un pesquero sacudió a un pequeño pueblo marinero gallego. El duelo ha sido insoportable, pero los vecinos deciden que es el momento de recuperar su rondalla (la agrupación de música tradicional de la que forma parte gente de todas las edades) y volver a competir contra los pueblos vecinos en un concurso. Entre panderetas y gaitas, diversos personajes, grandes y pequeños, encontrarán de nuevo la ilusión de vivir.

¿Por qué tienes que verla?

La película-abrazo de estas fiestas llega de la mano de un Daniel Sánchez Arévalo que conecta con el espíritu de su anterior y fantástica Primos (2011). Apartado del cine en los últimos seis años, el cineasta apuesta por un cine abiertamente popular en el mejor de los sentidos: humanismo y personajes con alma, honestidad y empatía, y un equilibrio perfecto entre drama y comedia. Una historia sencilla y confortable que toca temas como el duelo y la superación. Un relato coral con un grupo de actores que funciona como una orquesta, o como una rondalla, muy bien afinada: Javier Gutiérrez, María Vázquez, Tamar Novas, Carlos Blanco o los jóvenes Judith González y Fer Fraga. Una monada.

¿Cuándo se estrena? 1 de enero.

Dir. Daniel Sánchez Arévalo (España, 2025). 112 min

¿De qué va? Bajo el nombre artístico de Lightning & Thunder, el matrimonio formado por Mike y Claire Sardina pasó años formando un exitoso dúo tributo a la música de Neil Diamond y Patsy Cline. Pero más allá de su lucha persiguiendo un sueño y tratando de salir del circuito musical más marginal para poder pagar las facturas, la suya es una historia marcada por dramáticas circunstancias, encaradas con canciones, entusiasmo, amor y trajes de lentejuelas.

¿Por qué tienes que verla?

Ya conocíamos el talento musical de Hugh Jackman (presentando los Oscar de 2009 o actuando en Broadway en The Music Man o The Boy from Oz). También en el cine, en Los miserables o El gran showman. No es, pues, ninguna sorpresa que el actor australiano interprete los temas de Neil Diamond de forma tan competente. Sorprende un poco más ver a una felizmente recuperada Kate Hudson demostrando sus habilidades vocales. El magnífico trabajo de ambos, y su gigantesca química, son motivos más que suficientes para justificar la entrada de una película que, pese a sus excesos melodramáticos (basados en hechos reales), se convierte en una fiesta para fans de Neil Diamond. Song Sung Blue es, en definitiva, un homenaje al legado de un artista que, como Jackman afirma en el filme, fue mucho más que el autor de Sweet Caroline.

¿Cuándo se estrena? 9 de enero.

Dir.: Craig Brewer (EE. UU., 2025). 131 min.

¿De qué va?

En 1959 se daba el pistoletazo de salida a un movimiento cinematográfico que pasaría a la historia: aquella nueva ola de cineastas francófonos con nombres como François Truffaut, Claude Chabrol, Agnès Varda o Jacques Rivette. Y obviamente el de un Jean-Luc Godard que dirigía uno de los iconos de la Nouvelle Vague, Al final de la escapada, protagonizada por Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg.

¿Por qué tienes que verla?

Con una encantadora ligereza, a medio camino entre el sentido homenaje y la lección didáctica de historia del cine, Nouvelle Vague recrea con detalle, a modo de making of, el rodaje de Al final de la escapada. Rodada en el mismo blanco y negro y formato cuadrado de la original, Richard Linklater sigue demostrando su inspirada fiabilidad. Prácticamente encadenada a la muy notable y reciente Blue Moon, la nueva película de Linklater acierta al elegir al elenco: Guillaume Marbeck clava al Godard de ficción, Zoey Deutch está fantástica como Jean Seberg y Aubrey Dullin recrea la masculinidad de Belmondo. Una fiesta cinéfila y una celebración de la creatividad más transgresora y libre.

¿Cuándo se estrena? 9 de enero.

Dir.: Richard Linklater (Francia, 2025). 105 min.

¿De qué va?
Las memorias de la escritora y profesora Lidia Yuknavitch traducidas en imágenes por Kristen Stewart: el tortuoso camino de recuperación de una mujer que sufrió abusos sexuales por parte de su padre y que nadó (metafórica y literalmente) las turbias aguas de la adicción y la autodestrucción. Narrada en cuatro capítulos y de forma no lineal, sigue a una mujer que crece en un entorno marcado por la violencia, que escapa de su familia y pierde un hijo, pero que encuentra refugio en la literatura universitaria.

¿Por qué tienes que verla?
Por el retrato poderosamente feminista, íntimo y desacomplejado de una mujer que supera el abuso y las adicciones. Una película independiente y tremendamente arriesgada que muestra la desconexión de Kristen Stewart de la industria que un día la convirtió en musa adolescente gracias a Crepúsculo. Stewart debuta como directora con una historia durísima y visceral, sí, pero también profundamente inspiradora.

¿Cuándo se estrena? 9 de enero.

Dir.: Kristen Stewart (Reino Unido, 2025). 128 min.

¿De qué va?

Llorar en funerales, hacerse pasar por el novio de una mujer que se casa en secreto, convertirse en un periodista que entrevista a una antigua estrella olvidada... estos son algunos de los papeles que debe interpretar un actor estadounidense afincado en Tokio cuando acepta un trabajo peculiar: formar parte de una agencia de familias de alquiler, interpretando personajes en situaciones cotidianas de los clientes.

¿Por qué tienes que verla?

Para contrastar el renacimiento de Brendan Fraser tras su Oscar por La ballena (2022). El intérprete no solo se defiende bien hablando japonés, sino que aporta honestidad y vulnerabilidad a un personaje perdido en una cultura a años luz de la suya. Rental family sirve también para conocer un tipo de empresas que existen en Japón desde los 80, pero que han crecido por la epidemia de soledad que impera en una sociedad cada vez más individualista. Una feel-good movie con todas las letras, no apta para cínicos.

¿Cuándo se estrena? 9 de enero.

Dir.: Hikari (Japón, 2025). 103 min.

¿De qué va?

Mientras intenta gestionar la extraña enfermedad de su hija, una terapeuta se hunde cada día más por las repetidas ausencias de su marido, el enfrentamiento abierto con su propio psicólogo y una mudanza obligada que la termina instalando en un hostal de mala muerte.

¿Por qué tienes que verla?

Sin duda, la exhibición de Rose Byrne es el gran reclamo. La actriz ha encontrado el mejor personaje de una carrera últimamente centrada en comedias como Platónico o Physical. La película y su directora, Mary Bronstein, proponen una insólita mirada, tan divertida como cruda y desquiciada, a las complejidades y culpas de la maternidad (en la línea de Mar Coll y Lynne Ramsay). Pero el as bajo la manga es la inmersión en la mente de una protagonista en pleno colapso emocional. Brilla una Rose Byrne en modo kamikaze, merecidísima ganadora del Oso de Plata en la pasada Berlinale.

¿Cuándo se estrena? 16 de enero.

Dir.: Mary Bronstein (EE. UU., 2025). 113 min.

¿De qué va?

Hamnet, y no Hamlet, adapta el libro homónimo de Maggie O'Farrell sobre William Shakespeare. El relato fabula sobre el proceso trágico y doloroso por el cual el autor y su mujer, Agnes, pasaron cuando uno de sus hijos murió por la peste. Fue entonces cuando, mientras Agnes se hundía en el dolor, Shakespeare se sumergió en el desarrollo de su obra más conocida, esta vez sí, Hamlet.

¿Por qué tienes que verla?

La crítica es prácticamente unánime al catalogar Hamnet como obra maestra y situarla como favorita para arrasar en los Oscar. El hecho de que adapte la novela superventas de Maggie O'Farrell (que aquí ejerce de coguionista) aumenta las expectativas. Más motivos: la belleza de las imágenes y el pulso narrativo de Chloé Zhao, que cuenta con Steven Spielberg en la producción y una fabulosa pareja protagonista formada por Paul Mescal y Jessie Buckley. Una de las mejores propuestas de la temporada.

¿Cuándo se estrena? 23 de enero.

Dir.: Chloé Zhao (Reino Unido, 2025). 125 min.

¿De qué va?

Inspirado libremente en la figura de Marty Reisman, prodigio del tenis de mesa de los años 50, el protagonista es un buscavidas que sueña con ser campeón del mundo con la pala. La arrogancia y el carisma del joven Marty, judío de clase trabajadora, lo convierten en un imán. Pasa de vender zapatos a luchar por el campeonato mundial, convenciendo a todos de que le presten el dinero necesario para viajar por medio mundo persiguiendo su sueño.

¿Por qué tienes que verla?

Los hermanos Safdie, iconos del cine indie (Good time, Diamantes en bruto), han separado sus caminos para presentar este año dos biopics deportivos atípicos. Aquí el foco está en Timothée Chalamet, quien vuelve a realizar un eléctrico tour de force en una película adrenalínica con la que Joshua Safdie se revela como un discípulo de la energía del joven Scorsese. Marty Supreme reconstruye una época (EE. UU., Japón, Egipto de los 50) y hace una interesantísima relectura del sueño americano.

¿Cuándo se estrena? 30 de enero.

Dir.: Joshua Safdie (EE. UU., 2025). 149 min.

¿De qué va?

Tras unos años viviendo en el campo, una mujer regresa con sus dos hijas a Taipéi para servir fideos en un bullicioso mercado nocturno. Problemas económicos, el funeral de su exmarido, el vínculo de su madre con el tráfico de personas y una relación sexual con su jefe tensarán la relación con su prole. En medio de todo, el abuelo señala la maldición de las mujeres zurdas.

¿Por qué tienes que verla?

Para descubrir la voz de una colaboradora habitual de Sean Baker: el director de Anora intercambia papeles y es aquí coguionista y productor del debut de Shih-Ching Tsou. La cineasta taiwanesa demuestra una potente mirada propia, apostando por una ternura apoyada en el punto de vista de una niña. Destaca también el uso del teléfono móvil como cámara, lo que facilita la inmersión en el frenético ambiente de los mercados taiwaneses. Un retrato colorista, cálido y luminoso.

¿Cuándo se estrena? 30 de enero.

Dir.: Shih-Ching Tsou (Taiwán, 2025). 108 min.

¿De qué va?

¿Qué habría pasado si la popularísima serie Aída hubiera continuado unas temporadas más, multiplicando la necesidad de su protagonista, Carmen Machi, de abandonar la producción? ¿Y si sus compañeros la hubieran presionado para renovar? Mientras la temporada termina, la actriz solo quiere que los guionistas escriban un final para su personaje.

¿Por qué tienes que verla?

Por el ingenioso giro de guion que rompe cualquier expectativa ante el regreso de una serie histórica. Lejos de ser un episodio extra, ofrece una divertidísima muestra de autoficción en la que todos los actores se ríen de sí mismos. La película recoge las críticas que recibió la serie en su momento por chistes racistas u homófobos y los actualiza disparando hacia el MeToo, la cultura de la cancelación y el comportamiento de las celebrities. Recomendable tanto para fans como para curiosos de las bambalinas del éxito.

¿Cuándo se estrena? 30 de enero.

Dir.: Paco León (España, 2026). 100 min.

La duda siempre es un gran aliado cuando te metes en jardines espinosos. Y no está muy de moda, sobre todo cuando hablamos de una manera de hacer teatro directa, política, que pretende despertar conciencias, donde casi nunca hay grises. En Tallar-se el peu amb una motoserra, Bàrbara Mestanza duda cuando nos plantea el caso del intento de suicidio de un director de escena acusado de haber abusado o violado a trece mujeres. Ella es Mae, la periodista que destapó el caso. La acompañan en escena la subdirectora del diario, Glòria (Rosa Boladeras), y la hija del director (Júlia Molins). Ambas harán que Mae dude, primero porque cometió algún error en su investigación. Y segundo porque quizá fue víctima, también, de un caso análogo.

Mestanza también ha escrito y dirigido una obra que es un punto de inflexión. Sobre todo porque ha querido levantar una ficción basada en hechos reales, lejos de la autoficción que ha marcado su trayectoria como creadora, con puntos punzantes y reveladores como Sucia. La directora y dramaturga ha querido resumir en dos horas muchos de los casos que han salpicado la escena catalana en los últimos tiempos y es imposible no vislumbrar en Ricard Roig, el acusado, trazas de la acusación contra Joan Ollé: la muerte repentina (Ollé murió de un ataque al corazón), el manifiesto de los 300 profesionales que lo defendían, etc. Pero este es solo un punto de partida, una inspiración.

En casa de Lola (Mamen Duch) y Gerard (Albert Ribalta) hay, teóricamente, dos locas, dos mujeres, Llum (Carme Pla) y la Oltra (Marta Pérez), que acaban de salir de un psiquiátrico. También están Bibiana (Àgata Roca) y Miquel (Jordi Rico). Pero, al acabar la función, no sabemos muy bien si alguno de los seis personajes se encuentra bien de verdad. Hay unos cuantos deprimidos, un par de alcohólicos y otro que lo mide todo con dinero. Las que han pasado por el frenopático parecen las más cuerdas, aunque una cuente historias increíbles y la otra esté como ausente.

Nelson Valente es un maestro a la hora de retratar familias estrambóticas, pasadas de rosca, que, una vez se reúnen, parecen estar dispuestas a detonar una bomba en cualquier momento. Las T de Teatre debieron querer esto después del cierto experimento que supuso La dona fantasma, donde también contaron con un autor y director argentino, Mariano Tenconi, a la batuta. En Avui no ploraré, Roca, Duch, Pla y Pérez, con Rico y Ribalta, dos colaboradores habituales, explotan su lado más extremo en una comedia muy televisiva, de intervenciones cortas, con un giratorio que, en su intento de mostrar al instante diferentes espacios, quizá llega a marear un poco.

A cierta edad, quién no se ha preguntado qué habría sucedido si no hubiera dado aquel paso, si no se hubiera echado atrás. Tanto en las relaciones sentimentales como en muchas otras cosas. ¿Nuestra vida habría sido mejor? Pues esto es lo que se plantea Paula (Maria Molins), ya madura, cuando está a punto de enfrentarse a un reto mayúsculo. No sabe qué ocurrió la última noche del viaje de fin de curso en Göteborg, en el último curso de bachillerato, cuando se fue sola a un concierto de Depeche Mode y dejó a Sergi (Roger Coma). Después de tres días de acercamiento, discutieron y no se volvieron a ver nunca más.

Göteborg comienza con Paula irrumpiendo en el piso de Sergi, casi 33 años después de aquella noche que no recuerda. Él está solo, leía y va en pijama. Ella carga una bolsa con su diario de adolescente y una botella de schnapps. Quiere rememorar aquel viaje, ante lo cual Sergi duda. No lo ve claro, pero cederá. Y lo reconstruirán con la aparición de ambos de jóvenes, interpretados por unos solventes Berta Rabascall y Jan Mediavilla, que reproducirán ante nuestros ojos aquellos días suecos.

2025 ha sido, sin duda, el año de Roc Bernadí y de Albert Salazar. Hace unos meses, uno triunfaba con El día de la marmota en el Coliseum y el otro con L'herència en el Lliure. A finales de año les ha tocado compartir escenario y ser, respectivamente, Eddie y Mickey, los hermanos de sangre que creó Willy Russell a principios de los años 80 del siglo pasado; una tragedia griega con todas las de la ley pasada por el tamiz contemporáneo de la diferencia de clases, muy británico y muy de aquella época, inicios del thatcherismo.

El letrista y compositor británico trasladó a la Inglaterra de su tiempo lo que podría haber escrito Esquilo hace 25 siglos. En gran medida, Germans de sang es una Orestíada, con dos hermanos gemelos separados al nacer, cuyo destino hace que, realmente, nunca vivan alejados el uno del otro. Russell fue muy moderno en su época narrando el final cronológico de la historia justo al principio, con la muerte de Eddie y Mickey. La función comienza con los hermanos tendidos en el suelo y su madre cantando ya el hit del musical, No pot ser veritat (Tell me it's not true). 

Pep Cruz y Marissa Josa ya se pusieron en la piel de Luca y Concetta hace quince años, en Natale in casa Cupiello de Eduardo de Filippo en la Biblioteca de Catalunya. Una astracanada navideña, una comedia que tira hacia la tragedia, un monumento al pueblo, una zambullida en una familia napolitana, los Cupiello, donde los hombres no las ven ni venir y las mujeres tiran del carro con abnegación. Una pieza sublime del gran autor napolitano, que ahora Oriol Broggi ha decidido volver a levantar, con los mismos protagonistas y buena parte de aquel reparto. ¿El resultado? Bastante óptimo.

Todo, en esta obra, tiene el volumen de la carcajada desatada, bien subrayada en las transiciones entre actos, donde los intérpretes rompen la cuarta pared e invitan al público a bailar, a café, a pastas, entre gritos y un italiano muy extraño. "¡Aquí todos quieren parecer italianos, pero hay cuatro de Girona!", estalla Cruz en la previa del tercer acto... La trama, sin embargo, va por otro lado. Porque los Cupiello bordean el naufragio: tienen un hijo gandul, con el que no saben qué hacer, y una hija "bien casada" con un empresario local que está tentando a la suerte fuera del matrimonio.

En el teatro donde trabajan Joan (Carreras), Laura (Conejero) y Pere (Arquillué) ya no actúan humanos. Ellos tres, antiguos actores, vestidos de operarios con mono naranja, se dedican a encender y apagar los robots que hacen el trabajo que ellos hacían antes, pero sin equivocarse nunca, ni quedarse en blanco, ni perder el texto. Son perfectos y, según parece, el público los prefiere. Joan, Laura y Pere se encuentran en una especie de camerino infecto y cada cuarto de hora suben a escena para colocarse como figurantes durante las pausas. Este es el mundo que ha creado el autor y director uruguayo Gabriel Calderón para tratar de repetir el éxito que consiguió con Història d'un senglar, un monólogo en el que deconstruía el Ricard III de Shakespeare a partir de un actor, Joan Carreras, que desgarraba el personaje.

Ahora no es Shakespeare la referencia, sino el teatro clásico español, sobre todo La vida es sueño de Calderón de la Barca. Todos los que están en este camerino de cuarta se saben la letra de memoria, y piensan que solo ellos pueden dar vida a Segismundo y Rosaura. El teatro, sin embargo, les queda lejos, arrinconados y sin salida posible más allá de permanecer cerca de la escena. Se sienten despojos. Pero Daniela (Brown) no piensa lo mismo. Irrumpe en escena al principio de la función, como surgida de la nada, con sus compañeros dormidos. Y volverá al poco tiempo, una espectadora que se ha colado y que quiere pertenecer a la compañía. Ella es diferente, viste diferente. Tiene entusiasmo, pero cada vez que Pere o Joan acometen el clásico español se duerme.

Cuando L'amor venia amb taxi baja el telón, cuando la compañía ha encontrado una solución a una de las tramas de la obra, cuando la función está en lo más alto, a pesar de llevar casi dos horas y media en el teatro, nos asalta una chispa de tristeza, porque nos habríamos quedado una hora más contemplando un espectáculo redondo, divertido, riguroso, musicalmente delicioso, y con unas interpretaciones de aúpa. Habríamos querido preguntar a la compañía de la parroquia de Nuestra Señora de la Luz qué obra harán el año que viene, si piensan ensayar los martes, como siempre, quién hará de protagonista, si el tramoyista tendrá, finalmente, un papel, qué ha pasado con los que se iban a ir a Sevilla. Como en las mejores obras, estos personajes pasarán a formar parte de nuestras vidas. 

Glorious! podría ser perfectamente una obra dadaísta, incluso daliniana, porque el planteamiento que hace el autor, el británico Peter Quilter, el de una mujer que no afina ni una nota, pero que recibe las felicitaciones de casi todo el mundo y llega a cantar en el Carneggie Hall, es absurdo, de traca. Si no supiéramos que la historia de Florence Foster Jenkins es real, que ocurrió en el Nueva York de los años 40 del siglo pasado, no nos la creeríamos. En Londres se estrenó en el West End en 2005 y estuvo meses en cartel. Es una buena comedia blanca que fácilmente cuenta con la complicidad del público.

En el Poliorama, dirigida por Paco Mir, cuenta con una Madame Florence de altura, Marta Ribera, que sabe muy bien lo que se hace. La actriz es una primera espada del musical y para cantar tan mal como le exige su personaje hay que saber. Y mucho. A su lado tiene a Ramon Gener, su pianista, y a Santi Millán, su marido. Y es aquí quizás donde empiezan los problemas, porque ni uno ni otro abandonan en ningún momento un registro que podríamos llamar televisivo. Uno a menudo no sabe dónde meterse en su papel de mercenario que acepta el trabajo por dinero (tocaba en un restaurante detrás del bufé de las coles). El otro, extremado en los gestos, en el movimiento, fuera de registro.

The Phantom of the Opera, seguramente el éxito más rotundo de Andrew Lloyd Webber, es un musical de gran exigencia vocal y musical. No puede interpretarlo cualquier cantante y/o actor. Y de ahí que debamos aplaudir la producción que ha llegado al Tívoli, porque no solo Daniel Diges y Ana San Martín son unos fantásticos Fantasma y Christine Daaé, sino que el resto del reparto sabe estar a la altura de una partitura que es casi operística, con un Miquel Tejada que dirige con mucha solvencia la orquesta.

La historia ya la conocen (lleva 40 años ininterrumpidos en la cartelera londinense, tiene versiones cinematográficas...), pero habla de un teatro parisino, en el siglo XIX, poseído por una especie de “fantasma”, que no es sino un genio frustrado, desfigurado, que se enamora de una corista, Christine, y que hará todo lo posible para que sea ella quien estrene su obra maestra. Una versión menos edulcorada de La bella y la bestia.

Pasa muy de vez en cuando que un grupo consiga capturar tan bien el espíritu de los tiempos con un primer disco sólido, un sonido definido y efectivo, lleno de referencias que invitan a desatar la imaginación y que además contenga un hit tras otro. Esto es lo que han conseguido Alcalá Norte con su disco homónimo de 2024, que en solo dos años se ha convertido ya en un clásico contemporáneo y en punta de lanza no solo del revival postpunk sino de toda la efervescente escena de rock de guitarras que florece en Madrid de unos años para aquí. 

Ahora cierran la Gira Cañón con los conciertos más grandes que han dado nunca, como los tres de la Riviera, en Madrid, y el del Sant Jordi Club del sábado 24 de enero, dentro del Guitar BCN, mientras trabajan en un segundo disco de espíritu continuista (si algo funciona, ¿para qué cambiarlo?). El cantante y letrista Álvaro Rivas, algo apesadumbrado tras la eliminación del Real Madrid en la Copa del Rey, nos habla del momento del grupo, de las nuevas canciones y de sus lecciones de "catalanismo". 

Hay artistas que ya son auténticos iconos de la música catalana, y uno es, sin duda, Lluís Llach. En enero de 2026 se cumplen 50 años de sus ya históricos conciertos en el Palacio de los Deportes de Barcelona, y para conmemorarlo, medio siglo después, el Palau de la Música revivirá aquel momento con el concierto Llach–Gener 76.

Los días 27 y 28 de enero de 2026, a las 20 h, el auditorio acogerá esta producción propia del Barnasants, que también inaugurará la 31.ª edición del ciclo de la canción de autor. Con idea original, guion y dirección de Fermí Puig, Carles Girbau y Xavier Pintanel, el espectáculo pretende reproducir el espíritu vivido durante la actuación de Llach en 1976 e incluye el repertorio original íntegro de los conciertos del artista los días 15, 16 y 17 de enero del mismo año.

Bad Gyal, Amaia, Oques Grasses, Morad, Lluís Llach… Estos son solo algunos de los artistas que se unirán para ofrecer un concierto multitudinario en Barcelona en apoyo a Palestina.

El 29 de enero, el Palau Sant Jordi acogerá el Concierto-Manifiesto X Palestina, un acto que supondrá la culminación de la campaña de movilización Act X Palestine, promovida por las principales organizaciones palestinas de derechos humanos, ayuda humanitaria y culturales, así como por una amplia red de organizaciones europeas.

Más de una veintena de artistas como Lluís Llach y Yerai Cortés, y otros internacionales como Tinariwen —que llegarán desde Malí— y Zaho de Sagazan —que lo hará desde Francia— subirán al escenario del Palau. Entre los nombres del cartel también se encuentran voces palestinas como las de Zeyne y Lina Makoul.

Dejando de lado los álbumes que ha publicado con Anímic, Ferran Palau ya va por el octavo bajo su nombre. Este último, Aniversari feliç, que sale el 24 de enero, representa un punto de inflexión. Las diez nuevas canciones conservan su estilo pausado y minimalista que, como el de El Petit de Cal Eril, en algún momento se denominó pop metafísico, pero en esta ocasión renuncia a la base rítmica de bajo y batería e incorpora instrumentos de cuerda y viento.

Con la ayuda inestimable de su inseparable primo Jordi Matas (guitarra, bajo y pianito), y las incorporaciones de Bruna González (violonchelo), Marcel·lí Bayer (flauta travesera y clarinete) y Vicent Pérez (trombón), la guitarra, el ukelele y la voz de Palau tienen en esta ocasión un acompañamiento más pastoral e incluso amable, que funciona como un antídoto muy sano en la época de la batalla constante por la atención. La presentación oficial del disco será el viernes 30 de enero en L'Auditori, dentro del ciclo Sit Back.

Como ya es tradición en el mes de febrero, el Paranimfo del edificio histórico de la Universitat de Barcelona se transforma en el escenario de Els Vespres de la UB en su versión invernal (hay dos a lo largo del año, la de verano, en julio, y la de invierno). Ya hace once años que este magnífico espacio abre las puertas al público –con entrada gratuita que es necesario reservar– para ofrecer propuestas musicales singulares de la escena emergente.

En esta duodécima edición, Els Vespres contarán con Alba Careta i Henrio, Amaia Miranda, Cristina López Gómez y Meritxell Neddermann, que actuarán, en este orden, los cuatro jueves de febrero a las 20 h. Aprovechad que abren puertas media hora antes para ir temprano y admirar la suntuosidad del espacio, el más solemne de la institución. Las invitaciones se deben solicitar a través de la web del ciclo, que las va poniendo a disposición del público, escalonadamente, los días 20, 22, 27 y 29 de enero. vanguardista, tal como ha plasmado en sus álbumes In the backyard of the castle (2020) y Suelta (2023).

El Guitar BCN 2026 incluye tres noches en el Palau Sant Jordi, el recinto cubierto más grande de la ciudad. Los encargados de llenarlo serán Amaral, cerrando su gira Dolce Vita Tour en diciembre; el fenómeno hip-hop Hijos de la Ruina (Natos, Waor y Recycled J), que llevarán sus beats masivos en mayo; y la cantautora canaria Valeria Castro, que ha pasado del Auditori Fòrum al Sant Jordi en tiempo récord.

El festival empieza con Bebe en Razzmatazz (8 de enero), Duncan Dhu en el Palau de la Música (15 de enero) y Alcalá Norte, la banda del momento de la escena post-punk madrileña, en el Sant Jordi Club (24 de enero). El hermano pequeño del Sant Jordi también acogerá al dúo Marlena y a los granadinos La Plazuela, que presentarán su esperado segundo disco con su fusión de flamenco y electrónica. También en el Sant Jordi Club, Iván Ferreiro hará un repaso a su trayectoria, desde la época de Los Piratas hasta la actualidad.

El mítico doble cartel de Ella Fitzgerald y Duke Ellington en el Palau de la Música el 25 de junio de 1966 fue la semilla del Festival de Jazz de Barcelona, que nació ese mismo otoño. Casi sesenta años después, celebramos su 57ª edición, que se inaugura precisamente con un homenaje a la gran dama del jazz, la First Lady of song, como la llaman los entendidos. Será el viernes 10 de octubre de 2025, también en el Palau de la Música, por supuesto, con el concierto The moment of truth de la Barcelona Jazz Orquestra y Tricia Boutté a la voz.

La programación, que se prolongará durante seis meses, hasta marzo de 2026, incluye figuras internacionales como Snarky Puppy, Laurie Anderson, Tigran Hamasyan, Chucho Valdés Royal Quartet, Chris Thile y Janis Siegel (cantante del grupo vocal The Manhattan Transfer). Pero también grandes formaciones y artistas de aquí, como La Vella Dixieland, que protagoniza el Retrat d’Artista; Andrea Motis cantando Amy Winehouse con los Barcelona Gospel Messengers; Marco Mezquida con la fadista portuguesa Lina_; Omar Sosa con la Liceu Big Band, y la Sant Andreu Jazz Band con un repertorio centrado en Ellington.