Cosas para hacer en Barcelona en octubre

¿De qué va? La sala noble de La Pedrera acoge hasta el 24 de enero la exposición La vida secreta de las plantas. Anselm Kiefer en la Colección Grothe, que ofrece una inmersión en el universo del artista alemán a través de pinturas de gran formato, esculturas, vitrinas y libros de artista. Bajo el comisariado de Walter Smerling, la muestra propone un diálogo entre las formas orgánicas de la arquitectura de Gaudí y el uso característico que Kiefer hace de materiales como el plomo, la ceniza, la paja, la tierra, las plantas, el vidrio o los objetos encontrados, que gracias a la mirada y la mano del artista se convierten en obras de arte sobre los mitos, la destrucción, el renacimiento y el paso del tiempo.

¿Por qué hay que ir? Anselm Kiefer (Donaueschingen, 1945) es uno de los grandes nombres del arte contemporáneo y es conocido por su singular universo matérico signado por reflexiones sobre la memoria, la historia europea y las heridas del pasado, pero también por referencias constantes a la literatura, la mitología, la ciencia, la alquimia y el cosmos. Los visitantes podrán recorrer desde vitrinas inéditas hasta grandes constelaciones, procedentes principalmente de la prestigiosa Colección Grothe, entre las cuales hay obras que se exponen por primera vez en el Estado español, como el conjunto Opus Magnum, una serie de vitrinas concebidas como archivos de memoria con libros, ropas, rocas y elementos naturales que cuentan historias.

¿De qué va? Pintor, poeta, crítico de arte, activista y agitador cultural. Todas las caras de Josep Maria de Sucre salen a la luz en la exposición que los Espais Volart de la Fundació Vila Casas dedican a esta polifacética (e injustamente olvidada) figura de nuestra cultura, coincidiendo con el 140.º aniversario de su nacimiento.

¿Por qué hay que ir? Desde los rostros expresivos y primitivistas que pintaba partiendo de la miseria y el sufrimiento humano que vivió ejerciendo de oficial criminalista en los Juzgados de Barcelona, hasta la numerosa documentación que lo sitúa como uno de los más importantes promotores e impulsores de la modernidad en Cataluña, la muestra profundiza en esta doble cara: del promotor artístico-social al pintor lleno de intensidad expresiva.

¿De qué va? “Lo que me propongo es indagar en un posible, en una hipótesis”. Así resume Miquel García el trabajo que hay detrás de su exposición en la Fundació Arranz-Bravo. Bajo el título Alçar la pols, el artista plantea la posibilidad de que los castells catalanes y la muixeranga valenciana tengan su origen en la población esclava que llegó de África hacia la antigua Corona de Aragón contra su voluntad. 

¿Por qué hay que ir? El artista Miquel Garcia recoge esta pregunta y la transforma en una exposición donde confrontamos las representaciones de la negritud en nuestra casa. Desde un cómic de Massagran situado en África donde vemos un castell hecho por negros y blancos, a representaciones de los esclavos en la pintura española, pasando por una serie de carteles que convierten el humor negro en “humor blanco”, la muestra nos confronta con cómo hemos ignorado nuestro pasado esclavista y nos invita a abrir los ojos a las aportaciones culturales que la población africana hizo a la Corona de Aragón.

¿De qué va? Los Espais Volart de la Fundació Vila Casas transforman las más de seis décadas que Romà Vallès dedicó al arte en una exposición. Vallès fue una de las voces más destacadas del informalismo catalán y siempre apostó por la modernidad y la experimentación, alejándose de las modas. Bajo el comisariado de Conxita Oliver y Bel Vallès, la muestra nos permite descubrir facetas más desconocidas del artista, como su vertiente pedagógica, interesada en el arte infantil y en la educación visual.

¿Por qué hay que ir? A Romà Vallès (Barcelona, 1923-2015), la figuración se le quedaba corta para plasmar en el lienzo todo lo que él quería expresar. Pasó toda su trayectoria buscando ese “horizonte abstracto” que ahora sirve de título a la exposición que lo reivindica como una figura clave para la renovación de la vanguardia catalana de la segunda mitad del siglo XX. Desde su rechazo al academicismo en la Escola Superior de Belles Arts de Sant Jordi, pasando por sus primeras obras influidas por Cézanne y Picasso, hasta el momento crucial de 1955, cuando pinta su primera pieza abstracta tras un viaje decisivo a París.

¿De qué va? “Las esculturas deben estar al aire libre, en medio de la naturaleza”, pontificaba Joan Miró. La nueva muestra hace realidad este deseo con la apertura del histórico Jardí dels Xiprers de Montjuïc, un espacio que hasta ahora solo era visitable dentro de algunas actividades puntuales del programa de la Miró. El jardín, diseñado por J.C.N Forestier, e integrado dentro del trazado histórico de los Jardines de Laribal, ahora será una sala expositiva más y formará parte del recorrido de la colección. Por este motivo, se ha instalado la escultura Dona (1970), una pieza de bronce que, en este caso, es un ejemplar póstumo que se hizo en el año 1997 con la financiación de la Diputació de Barcelona y que se fundió en Verona, en la Fonderia Artistica Bonvicini. La obra de arte dialogará con el resto de piezas de la exposición, pero también con los cipreses del jardín, que simbolizan la conexión entre el cielo y la tierra, una idea que Miró trataba de plasmar en su arte.  

¿Por qué hay que ir? Esta relectura de la colección lleva el nombre de Joan Miró. Cercles, que hace referencia a los procesos de pensamiento y de creación del artista, pero también a una carpeta de trabajo de Miró, fechada en los años 50. En esta carpeta, que se expone por primera vez en la Fundació, Miró relacionaba imágenes del cosmos con formas circulares que el ser humano había dejado plasmadas en manifestaciones culturales de todo tipo. La carpeta también demuestra que Miró creaba siempre en relación al espacio: esta es, de hecho, la tesis de la exposición que se sostiene en las investigaciones de la artista e investigadora Marta Ricart, comisaria de la muestra junto con Montaner, y ganadora de la beca Pilar Juncosa 2016.

¿De qué va? “Si Gaudí estuviera vivo hoy, trabajaría con los materiales más innovadores posibles y, por lo tanto, seguro que le interesaría el arte digital”. Maria Bernat es la directora de Casa Batlló Contemporary, un nuevo espacio situado en la segunda planta de este emblemático edificio del Passeig de Gràcia que nació con un objetivo claro: fusionar el legado gaudiniano con el arte de vanguardia y las nuevas tecnologías. Ahora, el espacio se ha aliado con la Fundació Joan Miró para estrenar una exposición inmersiva que explora las conexiones entre la obra de Gaudí, Miró y Joaquim Gomis gracias al uso de la fotogrametría y la inteligencia artificial. 

¿Por qué hay que ir? La exposición lleva el título de Gaudí-Miró-Gomis: Deconstructed y cuenta con la participación del estudio creativo londinense Tomorrow Bureau. Ellos han sido los encargados de digitalizar una selección de esculturas de Joan Miró y de fotografías de Gomis, cruciales para entender la obra de Antoni Gaudí. El resultado son dos piezas de arte digital inmersivo: Miró – Unearthed, que revela detalles, texturas y secretos materiales invisibles al ojo humano de la obra de Joan Miró, y Gomis – Living Archive, que convierte las fotografías que Gomis hizo de la arquitectura gaudiniana en nuevas composiciones visuales y las acompaña de una atmósfera sonora inmersiva grabada por toda Cataluña. 

¿De qué va? La belleza es un tema que nos obsesiona. Como una sombra o un elefante rosa que nos persigue allá donde vamos, pero que en realidad entendemos muy poco y que es difícil encajar dentro de un solo cajón. Quizá porque hay muchos donde colocarla. Esa es la intención de El culto a la belleza, una exposición en el CCCB que puede visitarse hasta el 8 de noviembre y que huye de encerrar la belleza en una única caja; y si lo hace, es a la manera del gato de Schrödinger: está viva y muerta al mismo tiempo y todas las posibilidades permanecen latentes.

¿Por qué hay que ir? Una muestra tan bella como inquietante que recorre la evolución de los ideales de belleza a lo largo de la historia, analiza cómo se han construido los cánones estéticos y reivindica los cuerpos y las bellezas excluidos de la norma. Pone en diálogo obras de arte, documentos, objetos históricos e instalaciones contemporáneas para abordar cuestiones como el estatus, la salud, la edad, el género o la raza. Presenta, entre otras, obras de William Hogarth, Angelica Dass, Laura Aguilar, Juno Calypso, Zed Nelson, Shirin Fathi, Narcissister, Ismael Smith, Isidre Nonell, Josep Masana, Colita, Sandra Gamarra, Esther Ferrer, Regina José Galindo, Maria Alcaide, Colectivo Ayllu, Lorenza Böttner, Marina Vargas, Arvida Byström, Harriet Davey o Renaissance Goo x Baum & Leahy.

¿De qué va? La nueva exposición gratis del museo: cerámica de Picasso y antiguedades de Chipre. Además de la iniciativa de Picasso Convida, el museo estrena una nueva exposición que siempre es gratis. Se llama Picasso Chipre. Encuentros con la cerámica del Mediterráneo y mezcla piezas del artista con antigüedades chipriotas para mostrar sus similitudes. 

¿Por qué hay que ir? Para descubrir por qué aunque Picasso nunca visitó Chipre, el artista se inspiró en objetos de ese país que vio en museos como el Louvre, y se dejó fascinar por el arte antiguo, su hibridación y su capacidad de mezclar el mundo humano y el natural. Esta muestra, gratuita con reserva previa, expone una selección de obras de toda Europa, así como del museo Picasso de Barcelona y del Departamento de Antigüedades de Chipre.

¿De qué va? En Señala un punto (fuera del perímetro de la sección de un árbol para indicar que viene del futuro), la nueva exposición de Lúa Coderch en Can Framis – Fundació Vila Casas (que puede visitarse hasta el 11 de octubre), el ojo deja de ser un instrumento de visión para convertirse en un espacio de apariciones. El recorrido comienza antes de entrar en la sala y se despliega dentro de esta cavidad simbólica: un interior habitado por visiones incompletas, espectros y formas que todavía no tienen nombre.

¿Por qué hay que ir? La muestra parte de una intuición sencilla pero inquietante: en un momento en el que parece que todo es visible, quizá lo que escasea no son las imágenes sino la capacidad de imaginarlas. Y frente a este agotamiento, Coderch no propone recuperar una mirada original, sino prestar atención a aquello que todavía no sabemos ver.

¿De qué va? La Fundació Joan Miró propone una exposición retrospectiva que repasa medio siglo de actividad, pero que también cuestiona cómo se ha construido su historia y qué papel puede desempeñar en el futuro. La muestra parte de una idea clave: la Fundació no comenzó realmente en 1975, sino que es el resultado de un recorrido más largo que se inicia mucho antes y que está estrechamente vinculado con la Transición y la apertura democrática.

¿Por qué hay que ir? El proyecto expositivo, comisariado por Blanca Arias, Martina Millà y Ramon Balcells, se despliega en siete ámbitos y ha sido concebido con un enfoque colaborativo, con la participación de artistas, comisarios e investigadores. El resultado es una mirada poliédrica que evita un único relato y pone en valor la pluralidad de voces que han formado parte de la Fundació a lo largo de los años. El relato incluye documentos de archivo, imágenes y obras clave, pero también propuestas contemporáneas creadas expresamente por cuatro artistas locales a partir del fondo documental del museo.

¿De qué va? "Ahora que empezamos a hablar del tema, salen mujeres que han abortado de debajo de las piedras", dice la cineasta Marta Duran Lozano en un momento de Les culpables. Ella misma tomó la decisión de interrumpir su embarazo cuando tenía 17 años, y de aquellas vergüenzas y de aquellos silencios impuestos nace una película que transita entre la realidad y la representación de otras realidades: a partir de más de un centenar de testimonios de mujeres que vivieron hechos similares, seis chicas cuentan y escenifican experiencias propias y/o ajenas vinculadas con el aborto.

¿Por qué la tienes que ver? Impulsado por el Máster en Documental de Creación de la Pompeu Fabra, todo un sello de prestigio, este magnífico largometraje presenta un mosaico de voces que convergen en una misma vivencia que acaba siendo colectiva. A medio camino entre el documental y la puesta en escena, Les culpables apuesta, justamente, por acabar con la etiqueta, por quitarse de encima el peso de la culpa de tantas y tantas niñas, adolescentes y mujeres que no quisieron ser madres cuando un accidente o una imprudencia amenazaban con truncar sus vidas.

Testimonios que hablan de la falta de educación sexual, del uso de anticonceptivos, de las reglas irregulares que retrasaban las sospechas de un embarazo, de una cierta inconsciencia ("no pensaba que me podría pasar a mí"), de test hechos en el lavabo del instituto, de la autoanegación ("en aquel momento no me lo podía permitir"), de proyecciones ("durante un par de días fantaseé con tenerlo"), de shocks anímicos y miedos lógicos, de abortos clandestinos y legales.

Y, en muchos casos, de la falta de empatía de la pareja, de la familia y de profesionales de la salud. Todo ello hasta llegar a la decisión final, tomada en soledad y marcada por el tabú. "Siempre me pregunto por qué la gente no habla de ello", oiremos decir. Les culpables, y su directora en primera persona, lo hacen, abriendo la puerta a la sanación de un impacto emocional que comparten todas las mujeres que han abortado.

¿Cuándo se estrena? El 1 de octubre.

De qué va? Un poderoso magnate del petróleo provoca una catástrofe ecológica que incluso podría llegar a desencadenar una guerra nuclear. Un desastre pero también una oportunidad para darle la vuelta a los hechos y convertirse en salvador de la humanidad.

Por qué la tienes que ver? Descrita como una comedia de proporciones bíblicas, la nueva película del mexicano Alejandro González Iñárritu plantea una realidad preapocalíptica muy singular. Un entregado Tom Cruise, envejecido, calvo y tripón (no es nueva su afición a disfrazarse, recordadlo divertidísimo y transformadísimo en Tropic Thunder), hace toda una exhibición de recursos en una interpretación que los especialistas en la carrera de los Oscar pronostican que podría significar la primera estatuilla de su carrera tras tres nominaciones.

Acariciando un gatito, tal vez un guiño a los clásicos malos de las pelis de Bond, Cruise se convierte en la estrella de una función que también deja espacio para Sandra Hüller (Anatomía de una caída) y para recuperar a un John Goodman que vuelve al cine tras siete años de ausencia, poniéndose en la piel del dictatorial presidente de los Estados Unidos (¿otro guiño a nuestros días?).

Con la espectacularidad visual que supone haberla rodado en VistaVision, la apuesta de González Iñárritu por la sátira política puede recordar a la icónica ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964) de Stanley Kubrick, aunque la personalidad del director de Birdman y Amores perros asegura una mirada completamente insólita que a buen seguro polarizará las reacciones de críticos y espectadores.

Cuándo se estrena? El 2 de octubre.

Dir.: Alejandro González Iñárritu (EE. UU., 2026). 128 min.

De qué va? Naza es el término que utiliza el ejército israelí para denominar los daños colaterales. Un eufemismo, porque hablamos de miles de víctimas civiles en un genocidio retransmitido en directo a todo el mundo. Naza es, también, el título de una película que, durante 80 minutos, presenta los testimonios de una veintena de militares, expertos en inteligencia y funcionarios del estado de Israel. Desde una azotea de Tel Aviv, y con la cara tapada, cuentan a cámara muchas de las barbaridades cometidas por el gobierno de Netanyahu en nombre de vete a saber qué justicia.

Por qué la tienes que ver? Premio Especial del Jurado en el último Festival de Venecia, y probablemente la película-acontecimiento y el mayor impacto que se proyectó allí, este documental es un puñetazo en el estómago que debería convencer al más negacionista, al mayor defensor de las acciones cometidas por Israel contra el pueblo palestino.

Yuval Abraham y Rachel Szor, dos cineastas israelíes que ya codirigieron la muy relevante No other land (2024), entonces firmándola con los palestinos Basel Adra y Hamdan Ballal, han levantado un filme riguroso y documentado hasta el infinito. Ver cómo los testimonios dan detalles de la maquinaria asesina israelí pone los pelos de punta. La crueldad y la indecencia de las palabras que escuchamos indignarán al espectador, pero también lo dejarán emocionalmente devastado.

En un momento de Naza, se ve proyectado otro documental, el monumental Shoah (1985) de Claude Lanzmann, que explicaba el Holocausto judío cometido por el ejército nazi en primera persona: el paralelismo de genocidios está servido. Absolutamente imprescindible.

Cuándo se estrena? El 2 de octubre.

Dir.: Yuval Abraham & Rachel Szor (Reino Unido, 2026). 80 min.

De qué va? Jeff Horwitz, periodista de The Wall Street Journal, entra en contacto con Frances Haugen, ex-trabajadora de Facebook que le filtra miles de documentos internos que demuestran que la compañía de Mark Zuckerberg era perfectamente consciente de los efectos nocivos de sus redes sociales. Estas pruebas ayudan al reportero a completar una investigación que publicará en el periódico en septiembre de 2021 bajo el título de The Facebook files. Las revelaciones desencadenarán un escrutinio político y judicial sobre la empresa.

Por qué la tienes que ver? Por el impacto en nuestras vidas de la historia que se cuenta. Este perfecto complemento de la fabulosa La red social (esta, “complemento”, es la palabra que sus responsables utilizan y no “secuela”, porque en realidad cambia el foco de la original) refleja una investigación periodística real sobre cómo las grandes tecnológicas, propietarias de Facebook, Instagram, TikTok y X, han impulsado la extrema derecha, la polarización salvaje y la desinformación, y también han afectado a la salud mental de los adolescentes, y no solo.

En manos de un reconocido idealista como Aaron Sorkin, El precio de la red es, también, un homenaje al periodismo de verdad, cada vez menos frecuente. Quien fuera creador de la serie El ala oeste de la Casa Blanca es un seguro de vida para no perderse la película, como lo es también el recuerdo de aquella La red social (2010) que él mismo escribió y que dirigió David Fincher. Otro poderoso reclamo es su trío protagonista: Jeremy Allen White (toda una estrella gracias a The Bear), Mikey Madison (ganadora del Oscar a Mejor Actriz por Anora) y un Jeremy Strong (ganador de todos los premios por Succession) que hereda el personaje de Zuckerberg de Jesse Eisenberg. De alguna manera, El precio de la red es el Todos los hombres del presidente (1976) de nuestros días.

Cuándo se estrena? El 9 de octubre.

Dir.: Aaron Sorkin (EE. UU., 2026). 112 min.

De qué va? Cuando solo tenía 14 años, Lucila vio cómo su madre huía de una realidad que la ahogaba y abandonaba México para buscarse la vida en Madrid. Años más tarde seguirá sus pasos junto a su hermano pequeño, pero hay demasiadas heridas abiertas y la joven decide tomar su propio camino e instalarse en Barcelona, donde seguirá encontrando los mil y un obstáculos que tienen que superar tantos y tantos migrantes que llegan a Europa cada día.

Por qué la tienes que ver? Para conocer el lado creativo del actor Diego Luna, muchísimo más que el Cassian Andor del universo Star Wars. Su interesante carrera como cineasta (en películas como Abel o series como Todo va a estar bien, en Netflix) lo lleva a su película más madura: un relato sobre la migración y el desarraigo, el racismo y el clasismo, pero sobre todo una historia sobre la ausencia materna y las consecuencias emocionales que conlleva.

En este sentido, la protagonista de Ceniza en la boca es una mujer joven que perdió demasiado pronto la inocencia, y que se ha dedicado a los cuidados (de su hermano pequeño, primero, y después de los bebés y ancianos de los que se hace cargo al llegar a España) sin que ella se haya sentido cuidada nunca.

En este sensible retrato humano brilla la joven actriz mexicana Anna Díaz, que carga con todo el peso de la narración a las espaldas. Rodada en parte en Barcelona, y con más presencia del catalán que muchas películas españolas situadas en Cataluña, Ceniza en la boca se convierte en cine social y político desde la intimidad y la empatía.

Cuándo se estrena? El 9 de octubre.

Dir.: Diego Luna (México-España, 2026). 97 min.

De qué va? Después de sobrevivir a un escape room mortal, Edu, Marina, Vicky y Rai se reencuentran cinco años más tarde en un local de moda instalado en el antiguo parque de atracciones de Montjuïc. Enseguida se darán cuenta de que su encuentro tal vez no es tan casual. Un viejo túnel del terror los pondrá de nuevo en peligro, y los hará plantar cara a sus propias contradicciones vitales.

Por qué la tienes que ver? Con más de 200.000 espectadores en sus cuatro temporadas en los escenarios (en los cines catalanes también funcionó muy bien), Escape room fue todo un éxito que se repitió con su segunda entrega, que llevó a los teatros a 162.000 personas. Adaptar las funciones al cine encaja perfectamente con la voluntad de Joel Joan de hacer películas comerciales en catalán. La fórmula es inteligente y mucho más que eficaz: mezclar la comedia alocada y el terror ligero, con el espíritu Scooby-Doo e, incluso, de las viejas parodias de Abbott y Costello.

Con un excelente trabajo en la dirección artística y el diseño de decorados, y repitiendo la química del póquer protagonista (el mismo Joel Joan, Ivan Massagué, Mònica Pérez y Paula Vives), Escape room 2 mantiene también la capacidad de reírse de si misma y de seguir haciendo mofa del movimiento independentista desde dentro (no hace falta recordar la implicación personal y la ideología de Joel Joan), como ya pasaba en la original. Una divertida opción para seguir creyendo que es posible hacer un cine en catalán pensado para el gran público.

Cuándo se estrena? El 9 de octubre.

Dir.: Hèctor Claramunt (España, 2026). 88 min.

De qué va? La visita de unos vecinos especialmente ruidosos cuando se sueltan sexualmente convierte una agradable noche de vino y queso (y un jamón que no es jamón) en una bomba de relojería que amenaza la estabilidad de sus anfitriones, un matrimonio de larga duración que no parece pasar por su mejor momento.

Por qué la tienes que ver? “Deberíamos estar siempre enamorados. Y, justamente por esta razón, no deberíamos casarnos nunca”. Con esta cita de Oscar Wilde, que pertenece a una de sus obras, empieza la versión estadounidense de la catalana Sentimental (2020), con la que Cesc Gay autoadaptaba su obra teatral Los vecinos de arriba. El cineasta barcelonés ha visto cómo su exitoso texto ha viajado por los escenarios de medio mundo y cómo aterrizaba en varias cinematografías: se han hecho remakes en Italia, Francia, Suiza, Rusia, la República Checa o Corea del Sur, antes de llegar a Hollywood.

En manos de Olivia Wilde a la dirección y de la pareja Rashida Jones-Will McCormack en el guion, La invitación amplía el universo escrito por Gay y presenta una agridulce comedia, ligera y profunda a partes iguales, sobre rutinas y toxicidades en el mundo de la pareja. A ratos, parece hacer un guiño a ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1965) y al cine de Woody Allen: de hecho, la película está dedicada a una tal Diane... Keaton, en quien una estupenda Olivia Wilde parece inspirarse para componer uno de los cuatro personajes protagonistas.

Los otros tres son Seth Rogen, Edward Norton y Penélope Cruz, y todos ellos, entregadísimos, funcionan como un reloj suizo. Si habéis disfrutado con Sentimental o Los vecinos de arriba, no sufráis: con La invitación encontraréis nuevas perspectivas y un trayecto narrativo que va un poco más allá, para servirnos una de las comedias más inteligentes llegadas del cine estadounidense en los últimos tiempos.

Cuándo se estrena? El 16 de octubre.

Dir.: Olivia Wilde (EE. UU., 2026). 108 min.

De qué va? Promesa del kárate desde jovencita, Sandra Sánchez tiene que dejar el deporte durante unos cuantos años para ayudar en los cuidados de su madre enferma. Convencida de su potencial y a pesar de su edad, vuelve a entrenarse con el objetivo de lograr grandes metas. Preparada por Jesús del Moral, Sánchez conseguirá abrirse paso hasta llegar a competir por el campeonato del mundo en la modalidad de kata, y formar parte de la delegación española en los Juegos Olímpicos de Tokio de 2020, celebrados en el año 21 por culpa de la pandemia.

Por qué la tienes que ver? Por la apuesta de hacer un biopic a la americana de factura muy cuidada, poniendo el foco en una leyenda del deporte español que tal vez no ha sido tan mediática como otras: campeona del mundo y medalla de oro en las Olimpiadas, Sandra Sánchez y su entrenador (y pareja en la vida real) Jesús del Moral participaron activamente en la preparación de esta película, convirtiendo a la actriz protagonista en, casi, una karateka de nivel tras año y medio de duro entrenamiento.

Quien se pone en la piel de la protagonista es Andrea Ros, intérprete con una interesante carrera paralela como divulgadora de temas vinculados a la maternidad (podéis seguirla en @madremente y en el podcast La vida secreta de las madres), en una épica historia de superación, de amor y de amistad con la gran rival de la deportista, la japonesa Kiyou Shimizu.

Cuándo se estrena? El 30 de octubre.

Dir.: Aritz Moreno (España, 2026). 110 min.

De qué va? Tras romper con cinco años de intensa relación sentimental, Leo y Lorea viven ahora las consecuencias emocionales de la ruptura: la tristeza, la búsqueda de una improbable luz al final del túnel, ese dolor en el alma que no parece querer irse nunca. Paralelamente, él transita las responsabilidades familiares y el descubrimiento de antiguos secretos de largo alcance enterrados, mientras ella encuentra una inesperada amistad que tendrá mucho de inspiradora y transformadora. Seguir adelante es, sin embargo, la gran lucha que ambos tienen que encarar tras el desamor.

Por qué la tienes que ver? Por la lucidez a la hora de hablar de una experiencia que, quien más quien menos, todos conocemos de primera mano. En su primer largometraje tras el merecido éxito de la serie Yo, adicto, el cineasta Javier Giner vuelve a contar con unos espectaculares Oriol Pla y Marina Salas para ofrecer un drama tan demoledor como lleno de esperanza sobre el desértico camino hasta la reconstrucción personal tras tocar fondo.

Y en medio del caos de una ruptura amorosa, el entorno solo ofrece precariedad y soledad. Dos historias cruzadas de supervivencia emocional en una película llena de melancolía que añade un evidente posicionamiento político en asuntos como la falta de oportunidades laborales, los cuidados a las personas mayores o los derechos LGTBIQ+. Por encima de todo, Esta soledad emociona por su carga de verdad y por una preciosa conclusión. Excelente, el debut en el cine de Giner.

Cuándo se estrena? El 30 de octubre.

Dir.: Javier Giner (España, 2026). 110 min.

De qué va? Una inexplicable masacre sacude una pequeña comunidad de Corea del Sur y pone en alerta a la policía local. El jefe de la investigación y una joven agente esperan refuerzos para enfrentarse a una amenaza que no acaban de comprender, mientras un grupo de cazadores sale en busca de los aparentes culpables de la matanza, sean quienes sean y vengan de donde vengan.

Por qué la tienes que ver? El director de The Yellow Sea (2010) o El extraño (2016) propone su obra más ambiciosa a todos los niveles. Poniendo el foco en los grandes blockbusters estadounidenses sin perder su sello de autor, el coreano Na Hong-jin apuesta por el cine de género: la acción y la ciencia ficción se emparentan de forma tan espectacular como sorprendente y vertiginosa, haciendo un guiño al kaiju eiga (o cine de monstruos) japonés, y añadiendo toques de humor en una montaña rusa que lleva de la mano al espectador para servirle dos horas y media de pura diversión.

Y ojo con la muy particular intervención en el proyecto de dos estrellas como Michael Fassbender y Alicia Vikander. Hope es todo un insólito espectáculo convertido en película de culto desde su paso por el Festival de Cannes. A buen seguro no os dejará indiferentes.

Cuándo se estrena? El 30 de octubre.

Dir.: Na Hong-jin (Corea del Sur, 2026). 160 min.

Hubo un tiempo en que un espectador podía cruzar todo el Paral·lel saltando de cómico en cómico y no hacía falta pisar suelo. En la rica tradición que va de los Santpere a Capri, nos queda activo el último rey de la comedia –y por muchos años– el gran Joan Pera. Aspirante polémico incluso con sus éxitos (un Escape room ambientado en un campo de exterminio), Joel Joan vuelve para reclamar la corona con la nueva Bons i dolents, una comedia efectista cosida con testosterona y un punto de gamberrismo.

Esta vez lo hace solo, sin Hèctor Claramunt. Solo en la autoría del texto, quiero decir, porque en escena lo acompañan la socarronería etílica de Agnès Busquets, el reloj cómico acelerado de Oriol Casals –siempre puntual en el gag–, además de Nesa Vidaurrázaga y de Ana Gago, que arrastra la sexualización de su personaje. En la dirección, el fértil Nelson Valente (Primera llei de Newton), hábil para controlar el ritmo de una obra en un único espacio, en tiempo real sin frenos.

El coronavirus puso en cuestión pilares fundamentales que dábamos por sentados; uno de ellos, el teatro. Entre videollamadas con amigos regadas de vino nació en 2020 en Temporada Alta la obra Bouvetøya. Entonces era una reivindicación del aquí y ahora, indispensable en el teatro. Ahora, pocos años más tarde, en plena celebración de los 50 años del Teatre Lliure, han pasado tantas cosas que la pandemia ha quedado atrás.

Ivan Benet, Cristina Genebat, Julio Manrique y Sergi Pompermayer escriben colaborativamente un cuento distópico donde un grupo de artistas ha perdido el norte y el juicio a causa de una nueva gran crisis, y emprende un viaje hacia la remota isla Bouvet, muy cerca de la Antártida. El grupo está formado, precisamente, por ellos y algunos de sus inestimables compañeros de trayectoria artística (Mireia Aixalà, Ivan Benet, Cristina Genebat, Xavier Ricart, Marc Rodríguez y Andrew Tarbet), de manera que la complicidad está servida.

La pandemia no nos hizo mejores, pero sí que hizo madurar el teatro de Josep Maria Miró (El principio de Arquímedes, La majordoma). De la ciudad al pueblo, su escritura ganó músculo y mediante estructuras menos previsibles arraigó con fuerza en la tradición. El cadell es su texto más ambicioso y, por extensión, de todo nuestro panorama escénico actual.

La obra explora el ocaso de una masía durante el siglo XX, tal como hizo Rodoreda con los burgueses de Mirall trencat. Hay una oscuridad en el retrato que remite a Víctor Català, jerarquías y violencias con el sabor del mejor drama rural de Guimerà. La oralidad viva del catalán huye de la folclorización para generar una pieza de estructura literaria muy compleja y, al mismo tiempo, de una teatralidad que galopa. Todo un acontecimiento.

Dos meses y medio después del estreno, ya sin el calor del Teatre Grec, la controversia de L'òpera de tres rals de Marta Pazos llega al Lliure más ligera. A pesar del rodaje, la épica de la caída de Mackie el Navaja sigue sin cortar lo suficiente. En la obra que inaugura el cincuentenario del teatro, el gris se impone: domina la escenografía y el vestuario, impregna también las palomas, leitmotiv visual que acentúa la monotonía. La vedette Marta Bernal recibe al público con desparpajo cabaretero, pero la promesa de romper la cuarta pared se desvanece cuando el espectáculo se cierra sobre sí mismo.

En la Fabià Puigserver, la cercanía refuerza el magnetismo plástico de la propuesta. Pazos lleva a Brecht y Weill hacia un universo entre el expresionismo alemán y el formalismo escénico de Robert Wilson, con maquillajes arlequinescos y cuerpos de dibujo animado. Las coreografías de Mabel Olea, basadas en la deformación y los movimientos de autómata, completan un lenguaje corporal exigente que el conjunto no siempre resuelve con precisión.

Si hay algún género teatral que todos los catalanes dominamos, nos dediquemos o no profesionalmente a la interpretación, es el de las comidas familiares. Cada uno conoce sus cosas, pero quien más quien menos domina la liturgia implícita de la ocasión, saca sus mejores armas para sobrevivir a la comida y hace las filigranas necesarias para abordar o evitar temas concretos. Como todo ello nos resulta familiar –nunca mejor dicho–, subirlo al escenario funciona de maravilla.

Y más si es con un reparto encabezado por Emma Vilarasau y Jordi Boixaderas, los padres de una familia convencional que han dado un giro a su vida y se han marchado de la ciudad para perseguir la fantasía eco con la que todo urbanita ha hecho castillos en el aire alguna vez. Les acompañan, con casi el mismo grado de protagonismo, Sara Espígul, Miranda Gas y Júlia Bonjoch, que son sus tres hijas, y Arnau Puig, Marc Bosch y Tai Fati, que hacen de parejas de las hijas. Y este elenco, precisamente, es uno de los principales aciertos del montaje. No solo porque todos ellos son profesionales excelentes y sólidos, sino porque es tan coral que resulta imposible decir quién es el protagonista de la historia.

Seis horas de teatro, sí. Seis horas de hombres hablando sobre derechos, libertades, homosexualidad y compasión, exactamente. Ese es el reto de L'herència: querer entrar en este mundo levantado por Matthew López y no tener intención de marcharse. Seis horas en las que nos adentraremos en las vidas de Eric Glass, Toby Darling, Walter Poole, Adam MacDowell y Henry Wilcox, viajaremos a los años 80, a Nueva York, en plena brutal epidemia del sida, y volveremos a nuestro tiempo, al final del segundo mandato de Barack Obama y al primero de Donald Trump, en un viaje de ida y vuelta que nos hará soltar alguna lágrima. Porque quizás no sepamos nada de todo aquello, o quizás lo hayamos olvidado.

“¿Qué es un artista?” se pregunta el propio Oscar Wilde a través de la voz y el cuerpo de Àngels Gonyalons en un prefacio que nos advierte que los textos no son morales o inmorales: solo están o bien o mal escritos. El autor será el narrador de su propia historia y, estos días en el Romea, lo hace a través de una de las mejores dicciones de Catalunya.

El despliegue de talento de Gonyalons es de nota, hace casi todos los papeles: también es Dorian Gray, el protagonista obsesionado con su belleza y juventud; Basyl Hayward, el pintor encargado de retratarlo, Sybil Vane, actriz y el primer gran amor de Dorian; y también Lord Henry, amigo y mala influencia para Dorian.

2025 ha sido, sin duda, el año de Roc Bernadí y de Albert Salazar. Hace unos meses, uno triunfaba con El día de la marmota en el Coliseum y el otro con L'herència en el Lliure. A finales de año les ha tocado compartir escenario y ser, respectivamente, Eddie y Mickey, los hermanos de sangre que creó Willy Russell a principios de los años 80 del siglo pasado; una tragedia griega con todas las de la ley pasada por el tamiz contemporáneo de la diferencia de clases, muy británico y muy de aquella época, inicios del thatcherismo.

El letrista y compositor británico trasladó a la Inglaterra de su tiempo lo que podría haber escrito Esquilo hace 25 siglos. En gran medida, Germans de sang es una Orestíada, con dos hermanos gemelos separados al nacer, cuyo destino hace que, realmente, nunca vivan alejados el uno del otro. Russell fue muy moderno en su época narrando el final cronológico de la historia justo al principio, con la muerte de Eddie y Mickey. La función comienza con los hermanos tendidos en el suelo y su madre cantando ya el hit del musical, No pot ser veritat (Tell me it's not true).

Lo que hace Cristina Clemente en Dones de ràdio es extremadamente complicado, al alcance de muy pocos autores: una comedia a partir de una situación trágica sin perder ni una pizca de sensibilidad por el camino. Sabe que no puede burlarse del cáncer de mama, ni del drama que atraviesan millones de mujeres. Pero puede crear una situación, unos mecanismos, que provoquen esa cosa tan extraña que es reír, o al menos esbozar una sonrisa, mientras lloras.

Y todo esto es posible porque cuenta con un director que se toma muy en serio el teatro y que sabe olfatear los éxitos, que sabe subrayar frases y mover las piezas como un ajedrecista, incluso quien tiene la idea de colocar una gran roca en medio del escenario, sobre la cual girarán sus criaturas. Sergi Belbel, maestro de Clemente, ha asumido el texto como si se tratara de Yasmina Reza o de Neil Simon, como si fuera un clásico contemporáneo, cosa de la que no tengo ninguna duda que Dones de ràdio acabará siendo: con el tirón que tiene la autora en Europa y América Latina, ya deben de estar peleándose por adaptarla.

La aparición de un viejo conocido en una casa que llega para provocar un cataclismo de proporciones diversas es uno de los motores recurrentes del teatro, desde Oncle Vània a Göteborg. Y Lucy Kirkwood utiliza el mismo cebo en Els fills para hacernos zambullir en una obra de gran alcance ideológico y moral sobre la responsabilidad de las generaciones más mayores respecto a las que vienen detrás. Todo lo que plantea es tan vigente que da pavor y no hay nada sobrante en esta obra.

Todo empieza con la llegada de la Rose (Emma Vilarasau) al hogar de la Hazel (Mercè Arànega) y Robin (Jordi Boixaderas). Los tres son físicos, se conocen de toda la vida, pero hace cerca de 40 años que no se ven. No sabremos el motivo de la visita de la vieja amiga hasta el final y será importante. El mundo de la función es un lugar que acaba de sufrir un accidente nuclear y, por lo tanto, podríamos decir que estamos ante una pieza de cariz apocalíptico, de una apocalipsis concreta, incluso cotidiana. Pero Kirkwood es suficientemente hábil para presentarnos tres personajes séniores (están jubilados), con cartas escondidas y una relación íntima para mojar pan.

ACTUALIZACIÓN: El concierto de Oques Grasses del lunes 5 de octubre en el Estadi Olímpic se aplaza al jueves 8 a causa de las afectaciones por la lluvia

Después de 14 años sobre los escenarios, Oques Grasses se despide de su público, y lo hará con cuatro grandes conciertos que pretenden pasar a la historia. El grupo creado en la comarca de Osona se convertirá en la primera banda que canta en catalán en actuar en el Estadio Olímpico, y lo hará para decir su adiós definitivo.

Oques Grasses ha anunciado a través de sus redes sociales que celebrará sus últimos conciertos el 5, el 7, el 9 y el 10 de octubre de 2026 en el recinto barcelonés, uno de los más grandes del Estado. Aunque no se sabe la razón —o razones— de la decisión, la banda ha escrito en Instagram que “las cosas bonitas a veces tienen que acabar para recordarlas siempre así.”

De un niño de La Boca en Buenos Aires, Argentina, improvisando con 13 años en torneos de freestyle a convertirse en una de las figuras más importantes de la escena urbana argentina. Con tan solo 24 años, el rapero y compositor Trueno ya cuenta con dos Grammys Latinos: a mejor fusión/interpretación urbana por Traky funky (2024) y el otro a mejor canción de rap/hiphop por Fresh (2025).

Dos meses después de estrenar Turr4zo (abril de 2026), su cuarto álbum de estudio, donde mezcla el trap y el hiphop para hablar de la identidad, el éxito y el barrio; iniciaba el Turr4zo World Tour en Londres, una gira que le llevó hasta Japón y aterriza en España con tres fechas: el 13 de octubre en el Palau Sant Jordi en Barcelona, el 16 de octubre en el Campo de Fútbol de Tasagaya en Tenerife y, por último, el 21 de octubre en el Movistar Arena de Madrid.

The Lemon Twigs tocarán este jueves 15 de octubre en la Sala Paral·lel 62 para presentar Look for your mind!, el sexto trabajo de estudio de estos hermanos prodigio obsesionados con el mundo retro.

Brian y Michael D'Addario, hijos del compositor Ronnie D'Addario, debutaron de adolescentes con Do Hollywood (4AD, 2016) y unas ideas musicales clarísimas, y enseguida llamaron la atención de los fans del indie y el rock. Con cada publicación, la crítica musical se ha ido enamorando del dúo y de su virtuosismo, un pastiche delicioso donde se reconoce la influencia de tótems como los Beatles, los Beach Boys o los Byrds, pero que, sin que te des cuenta, te transporta a un espacio completamente nuevo. Una fantasía musical que bebe de los 60 y los 70 sin parecer nunca una imitación.

Del 16 al 25 de octubre, Barcelona celebra una nueva edición de Ciutat Flamenco, el festival organizado por el Taller de Músics que este año llega a su 33.ª edición con una programación dedicada a reivindicar el talento flamenco creado en Cataluña. Diferentes espacios de la ciudad acogen estrenos, espectáculos de danza, conciertos y nuevas propuestas escénicas.

La programación se inaugura con el estreno en Cataluña de Guacamayo, de José Maldonado, una pieza que fusiona flamenco y pintura. Además, llega por primera vez al territorio Más que baile, de Ana Morales, Premio Nacional de Danza 2022. También pasan por el festival artistas como Yoel Vargas, Esperanza Garrido, Jordi Latorre, Lorena Oliva y Víctor Franco. Y se mantiene su apuesta por el talento emergente con Districte Flamenco, con tres piezas de pequeño formato de jóvenes creadores.

El Pony Pisador ofrecerá un último concierto en Barcelona este 2026 en una velada que promete ser una fiesta. Y es que, además del espectáculo propio de la banda, con el humor, el ritmo y el virtuosismo imprevisible que los caracterizan, contará con unos invitados de lujo del mundo del folk y de la canción catalana: Alosa, Les Anxovetes, la Balkan Paradise Orchestra, La Baula, La Cosina, Germà Negre, Joan Garriga, Trèvol, Magalí Sare y Mar Pujol.

Un concierto que saltará de las canciones de marineros a las danzas catalanas y de la música celta a la mediterránea, pasando por el yodel, el canto gutural y las referencias a El señor de los anillos o los Monty Python. Será este viernes 16 de octubre a las 20 h en la sala La Paloma, dentro del ciclo Directes Estrella Damm 150.

Los neoyorquinos The Strokes, unos de los principales exponentes del retorno al rock de guitarras a principios de los 2000 grácias al éxito de su debut Is this it? (2001), volverán a actuar en Barcelona 23 años después de su último concierto en un recinto cerrado, ya que después de pisar los escenarios de Razzmatazz en 2002 y del Pavelló Olímpic de la Vall d'Hebron en 2003, solo los hemos visto en formato festival, en dos ediciones de Primavera Sound, los años 2015 y 2022. 

Será el próximo 20 de octubre en el Palau Sant Jordi, en la única fecha que ofrecerán en España. Esta vez, Julian Casablancas y compañía presentarán el nuevo disco Reality awaits, seis años después del anterior The new abnormal (2020). De momento ya han sacado una primera canción, Going shopping, donde sorprende el uso –sutil, eso sí–, del autotune. Este disco, grabado en Costa Rica y en otras partes del mundo, otra vez con Rick Rubin en la producción, se publica el 25 de junio.

Los fans del indie están de enhorabuena. Band of Horses celebran veinte años del álbum Everything all the time con una gira que incluye dos únicas fechas en el Estado. La primera será en Barcelona, este miércoles 21 de octubre a las 20.30 h en Razzmatazz. Un concierto sin teloneros y con todo el espacio necesario para repasar uno de sus trabajos más icónicos, además de otros hitos de su trayectoria.

El pasado 20 de marzo, Band of Horses ya publicaron una edición remasterizada de Everything all the time, incluyendo notas del productor, el EP de la gira de 2005 y algunos temas inéditos, como una maqueta de The funeral. La gira An evening with Band of Horses – Celebrating 20 years of 'Everything all the time' reivindica un legado que, para muchos, va más allá del indie rock para ser toda una celebración generacional. Los temas de Band of Horses marcaron una era no solo por haber sonado en decenas de películas y series, sino también por el sello inconfundiblemente 'millennial' de la banda: letras profundas y honestas que captan la ansiedad de una época, y una música conmovedora, con cadencia de himno y un aire onírico que evoca la esperanza de aquellos primeros años 2000.

El cantante irlandés Niall Horan, exmiembro de One Direction, hará parada en Barcelona con su gira Dinner Party Live On Tour, en el único concierto en España el 25 de octubre en el Palau Sant Jordi. El tour también pasará por otras grandes ciudades europeas como Londres, Dublín o París.

La gira presentará Dinner party (2026), su cuarto disco, que se publica el 5 de junio. Un trabajo íntimo y cálido que refleja una etapa más madura de Horan, marcada por la nostalgia y la reflexión del pasado, el disfrute del presente y una mirada hacia el futuro.

Fontaines D.C. es uno de los nombres que más expectativa genera del panorama actual. Tras su éxito en el Primavera Sound 2025, el grupo vuelve a la ciudad el 24 de octubre para presentar el álbum Dopamine chamber en el Sant Jordi Club.

Desde su debut en 2019 con Dogrel, los irlandeses han sido la niña de los ojos de la crítica. De unos inicios del post-punk más crudo, han ido abriendo su sonido hacia una grandiosidad casi pop, sin dejar de lado la agresividad y el compromiso político que los caracterizan. Es tal vez por eso, esa capacidad de crear himnos de la mano del letrista Grian Chatten y acompañados de una música que lo hace brillar, que hay quien considera que Fontaines D.C. ponen música a la actualidad como nadie.