Lo mejor de la Noche de los Museos en Barcelona

¿De qué va? Pintor, poeta, crítico de arte, activista y agitador cultural. Todas las caras de Josep Maria de Sucre salen a la luz en la exposición que los Espais Volart de la Fundació Vila Casas dedican a esta polifacética (e injustamente olvidada) figura de nuestra cultura, coincidiendo con el 140.º aniversario de su nacimiento.

¿Por qué hay que ir? Desde los rostros expresivos y primitivistas que pintaba partiendo de la miseria y el sufrimiento humano que vivió ejerciendo de oficial criminalista en los Juzgados de Barcelona, hasta la numerosa documentación que lo sitúa como uno de los más importantes promotores e impulsores de la modernidad en Cataluña, la muestra profundiza en esta doble cara: del promotor artístico-social al pintor lleno de intensidad expresiva.

¿De qué va? Los Espais Volart de la Fundació Vila Casas transforman las más de seis décadas que Romà Vallès dedicó al arte en una exposición. Vallès fue una de las voces más destacadas del informalismo catalán y siempre apostó por la modernidad y la experimentación, alejándose de las modas. Bajo el comisariado de Conxita Oliver y Bel Vallès, la muestra nos permite descubrir facetas más desconocidas del artista, como su vertiente pedagógica, interesada en el arte infantil y en la educación visual.

¿Por qué hay que ir? A Romà Vallès (Barcelona, 1923-2015), la figuración se le quedaba corta para plasmar en el lienzo todo lo que él quería expresar. Pasó toda su trayectoria buscando ese “horizonte abstracto” que ahora sirve de título a la exposición que lo reivindica como una figura clave para la renovación de la vanguardia catalana de la segunda mitad del siglo XX. Desde su rechazo al academicismo en la Escola Superior de Belles Arts de Sant Jordi, pasando por sus primeras obras influidas por Cézanne y Picasso, hasta el momento crucial de 1955, cuando pinta su primera pieza abstracta tras un viaje decisivo a París.

¿De qué va? “Las esculturas deben estar al aire libre, en medio de la naturaleza”, pontificaba Joan Miró. La nueva muestra hace realidad este deseo con la apertura del histórico Jardí dels Xiprers de Montjuïc, un espacio que hasta ahora solo era visitable dentro de algunas actividades puntuales del programa de la Miró. El jardín, diseñado por J.C.N Forestier, e integrado dentro del trazado histórico de los Jardines de Laribal, ahora será una sala expositiva más y formará parte del recorrido de la colección. Por este motivo, se ha instalado la escultura Dona (1970), una pieza de bronce que, en este caso, es un ejemplar póstumo que se hizo en el año 1997 con la financiación de la Diputació de Barcelona y que se fundió en Verona, en la Fonderia Artistica Bonvicini. La obra de arte dialogará con el resto de piezas de la exposición, pero también con los cipreses del jardín, que simbolizan la conexión entre el cielo y la tierra, una idea que Miró trataba de plasmar en su arte.  

¿Por qué hay que ir? Esta relectura de la colección lleva el nombre de Joan Miró. Cercles, que hace referencia a los procesos de pensamiento y de creación del artista, pero también a una carpeta de trabajo de Miró, fechada en los años 50. En esta carpeta, que se expone por primera vez en la Fundació, Miró relacionaba imágenes del cosmos con formas circulares que el ser humano había dejado plasmadas en manifestaciones culturales de todo tipo. La carpeta también demuestra que Miró creaba siempre en relación al espacio: esta es, de hecho, la tesis de la exposición que se sostiene en las investigaciones de la artista e investigadora Marta Ricart, comisaria de la muestra junto con Montaner, y ganadora de la beca Pilar Juncosa 2016.

¿De qué va? “Si Gaudí estuviera vivo hoy, trabajaría con los materiales más innovadores posibles y, por lo tanto, seguro que le interesaría el arte digital”. Maria Bernat es la directora de Casa Batlló Contemporary, un nuevo espacio situado en la segunda planta de este emblemático edificio del Passeig de Gràcia que nació con un objetivo claro: fusionar el legado gaudiniano con el arte de vanguardia y las nuevas tecnologías. Ahora, el espacio se ha aliado con la Fundació Joan Miró para estrenar una exposición inmersiva que explora las conexiones entre la obra de Gaudí, Miró y Joaquim Gomis gracias al uso de la fotogrametría y la inteligencia artificial. 

¿Por qué hay que ir? La exposición lleva el título de Gaudí-Miró-Gomis: Deconstructed y cuenta con la participación del estudio creativo londinense Tomorrow Bureau. Ellos han sido los encargados de digitalizar una selección de esculturas de Joan Miró y de fotografías de Gomis, cruciales para entender la obra de Antoni Gaudí. El resultado son dos piezas de arte digital inmersivo: Miró – Unearthed, que revela detalles, texturas y secretos materiales invisibles al ojo humano de la obra de Joan Miró, y Gomis – Living Archive, que convierte las fotografías que Gomis hizo de la arquitectura gaudiniana en nuevas composiciones visuales y las acompaña de una atmósfera sonora inmersiva grabada por toda Cataluña. 

¿De qué va? La belleza es un tema que nos obsesiona. Como una sombra o un elefante rosa que nos persigue allá donde vamos, pero que en realidad entendemos muy poco y que es difícil encajar dentro de un solo cajón. Quizá porque hay muchos donde colocarla. Esa es la intención de El culto a la belleza, una exposición en el CCCB que puede visitarse hasta el 8 de noviembre y que huye de encerrar la belleza en una única caja; y si lo hace, es a la manera del gato de Schrödinger: está viva y muerta al mismo tiempo y todas las posibilidades permanecen latentes.

¿Por qué hay que ir? Una muestra tan bella como inquietante que recorre la evolución de los ideales de belleza a lo largo de la historia, analiza cómo se han construido los cánones estéticos y reivindica los cuerpos y las bellezas excluidos de la norma. Pone en diálogo obras de arte, documentos, objetos históricos e instalaciones contemporáneas para abordar cuestiones como el estatus, la salud, la edad, el género o la raza. Presenta, entre otras, obras de William Hogarth, Angelica Dass, Laura Aguilar, Juno Calypso, Zed Nelson, Shirin Fathi, Narcissister, Ismael Smith, Isidre Nonell, Josep Masana, Colita, Sandra Gamarra, Esther Ferrer, Regina José Galindo, Maria Alcaide, Colectivo Ayllu, Lorenza Böttner, Marina Vargas, Arvida Byström, Harriet Davey o Renaissance Goo x Baum & Leahy.

¿De qué va? La nueva exposición gratis del museo: cerámica de Picasso y antiguedades de Chipre. Además de la iniciativa de Picasso Convida, el museo estrena una nueva exposición que siempre es gratis. Se llama Picasso Chipre. Encuentros con la cerámica del Mediterráneo y mezcla piezas del artista con antigüedades chipriotas para mostrar sus similitudes. 

¿Por qué hay que ir? Para descubrir por qué aunque Picasso nunca visitó Chipre, el artista se inspiró en objetos de ese país que vio en museos como el Louvre, y se dejó fascinar por el arte antiguo, su hibridación y su capacidad de mezclar el mundo humano y el natural. Esta muestra, gratuita con reserva previa, expone una selección de obras de toda Europa, así como del museo Picasso de Barcelona y del Departamento de Antigüedades de Chipre.

¿De qué va? En Señala un punto (fuera del perímetro de la sección de un árbol para indicar que viene del futuro), la nueva exposición de Lúa Coderch en Can Framis – Fundació Vila Casas (que puede visitarse hasta el 11 de octubre), el ojo deja de ser un instrumento de visión para convertirse en un espacio de apariciones. El recorrido comienza antes de entrar en la sala y se despliega dentro de esta cavidad simbólica: un interior habitado por visiones incompletas, espectros y formas que todavía no tienen nombre.

¿Por qué hay que ir? La muestra parte de una intuición sencilla pero inquietante: en un momento en el que parece que todo es visible, quizá lo que escasea no son las imágenes sino la capacidad de imaginarlas. Y frente a este agotamiento, Coderch no propone recuperar una mirada original, sino prestar atención a aquello que todavía no sabemos ver.

¿De qué va? El proyecto de la artista Anna Moreno que revisita algunos de los proyectos utópicos de los años setenta impulsados por el arquitecto Ricardo Bofill. A través del cine, la instalación y la investigación artística, la exposición plantea una reflexión sobre las tensiones entre las aspiraciones utópicas de la arquitectura moderna y las realidades sociales y políticas que a menudo impidieron su materialización.

¿Por qué hay que ir? El proyecto toma como eje central el film The Terminal Beach, que documenta el estado actual de un asentamiento nómada construido en 1979 en el desierto argelino por el estudio de Ricardo Bofill. Este proyecto, concebido dentro del periodo más experimental del arquitecto, quedó inconcluso y ejemplifica las contradicciones entre el sueño utópico y la realidad política y social de la época.

¿De qué va? Hasta el 28 de septiembre, el MACBA acoge Prisioneros del amor. Hasta el sol de la libertad, la primera exposición en España de los artistas Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme. La muestra reúne obras que recorren casi dos décadas de su trayectoria y reflexionan sobre la memoria, el exilio y las formas de resistencia frente a la opresión y el expolio de Palestina.

¿Por qué hay que ir? A través de voces, canciones, sonidos e imágenes, los artistas conectan experiencias personales con historias colectivas de lucha y, en una aparente paradoja, ponen el acento en la importancia de la alegría, del amor y de la imaginación colectiva como formas poderosas de resistencia, incluso —y sobre todo— en condiciones extremas.

¿De qué va? La Fundació Joan Miró propone una exposición retrospectiva que repasa medio siglo de actividad, pero que también cuestiona cómo se ha construido su historia y qué papel puede desempeñar en el futuro. La muestra parte de una idea clave: la Fundació no comenzó realmente en 1975, sino que es el resultado de un recorrido más largo que se inicia mucho antes y que está estrechamente vinculado con la Transición y la apertura democrática.

¿Por qué hay que ir? El proyecto expositivo, comisariado por Blanca Arias, Martina Millà y Ramon Balcells, se despliega en siete ámbitos y ha sido concebido con un enfoque colaborativo, con la participación de artistas, comisarios e investigadores. El resultado es una mirada poliédrica que evita un único relato y pone en valor la pluralidad de voces que han formado parte de la Fundació a lo largo de los años. El relato incluye documentos de archivo, imágenes y obras clave, pero también propuestas contemporáneas creadas expresamente por cuatro artistas locales a partir del fondo documental del museo.