Arte y museos

Dicen que este es el año que Jaume Plensa "vuelve a casa". El MACBA le dedica una retrospectiva 22 años después de su última exposición en un museo de Barcelona, ​​y hace pocos días inauguraba 'Invisibles', en el Palacio de Cristal de Madrid. El artista de los rostros colosales, reconocido internacionalmente por su obra pública en todo el mundo, defiende que la escultura es la mejor manera de plantear preguntas. El arte ya es eso, un lugar lleno de interrogantes. 'Firenze II', un signo de interrogación de grandes dimensiones de aluminio y hierro, con la inscripción sueño en francés ('rêve'), marca el inicio del recorrido como un manifiesto. Hace de preludio una foto de su taller, con los utensilios y herramientas de trabajo, maquetas y apuntes preparatorios, que recubre la totalidad de los muros exteriores de la sala. Una vez dentro se suceden una veintena de piezas -quizás las menos conocidas, elaboradas a lo largo de 30 años-, que basculan por la abstracción con referencias a la literatura, la música y el arte, así como por la representación de la figura humana. En 'Islands III' cita sus referentes: de Goya a Broodthaers, pasando por Gaudí y Kahlo. En 'Prière', se reproduce de forma desordenada sobre unas bolas de hierro fundido el poema homónimo de Baudelaire.La suya es una escultura de contrastes, de luces y sombras, a menudo con una sonoridad sutil: entre la ligereza de la cortina 'Glückauf?', que recoge la Declaración Universal de Derechos Humanos, y la rotundidad de la

Cuesta de imaginar el transcurso de la pintura sin la existencia de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660). Maestro de maestros. Venerado por los grandes artistas, su influencia traspasa siglos y fronteras. Prueba son, por ejemplo, las diversas versiones de 'Las Meninas', uno de sus cuadros más emblemáticos, que Dalí y Picasso se empeñan en interpretar una y otra; también la perturbadora serie que Francis Bacon creó a partir del retrato del papa Inocencio X; o la famosa sentencia de Manet después de visitar Madrid: "Velázquez es el pintor de los pintores. No me ha sorprendido, me ha extasiado", con la que lo reivindica como referente de los impresionistas. Velázquez inicia su carrera en Sevilla, una de las ciudades más cosmopolitas de la Península Ibérica de la época. Con 24 años se traslada a Madrid y hasta su muerte trabaja como pintor de la corte de Felipe IV, uno de los principales coleccionistas de su tiempo. Durante estos años, pinta retratos del rey y de su familia, así como otras composiciones -paisajes, escenas mitológicas o religiosas para decorar las estancias y palacios. Tiene acceso a las colecciones reales, con pinturas de artistas flamencos, y viaja a Italia, donde descubre las obras de arte de la antigüedad, el Renacimiento italiano y algunos de los creadores europeos más interesantes del momento. El pintor barroco es uno de los símbolos del Museo del Prado, que tiene una política restrictiva en cuanto a préstamos: sólo puede haber siete obras del

El surrealismo floreció en la Francia de los años 20 y se fue expandiendo internacionalmente como un movimiento de vanguardia que pretendía agitar el arte, la literatura, los ambientes culturales e intelectuales y, también, la política. Unos aires de revuelta que, en el contexto de la Europa continental en plena escalada bélica, se desplazaron hacia la Gran Bretaña. Esta exposición pone el foco en uno de los momentos menos conocidos del grupo impulsado por André Breton y revela las conexiones de los artistas británicos de los años 30 y 40 con la red de creadores surrealistas más allá de París, cuando Londres se convirtió en capital del surrealismo.La fascinante biografía de la fotógrafa estadounidense Lee Miller sirve de guía e hilo conductor para ordenar cronológicamente el discurso. En vez de seguir explotando el relato de modelo y musa de Man Ray, que ya cansa; o de señora del artista y escritor Roland Penrose, que aún cansa más; la muestra reivindica la figura de Miller por ella misma, así como la vinculación e incidencia de su obra en la escena de la época. ¡Bravo!Con un montaje sin estridencias, sus fotos, atravesadas por una intensa mirada surrealista, brillan y conviven con emblemáticas piezas de Salvador Dalí, Dora Maar, Max Ernst, Eileen Agar, Yves Tanguy, Leonora Carrington y Francis Picabia, entre otros. Simultáneamente, se desgranan los principales episodios que marcaron aquellos años, como la "repentina invasión surrealista" de Cornualles, en 1936, o la primera

El historiador marxista Eric Hobsbawm desarrolló la expresión 'corto siglo XX' para referirse al momento entre el inicio de la Primera Guerra Mundial y la caída de la Unión Soviética, huyendo así de la periodización clásica, dada la relevancia de los hechos históricos que marcaron aquellos años. En esta misma línea discursiva, el MACBA enseña una muestra de su vasta colección formada por más de 5.000 obras. Un recorrido cronológico que comienza en 1929 con la Exposición Internacional de Barcelona y que transita por los diversos acontecimientos políticos, culturales y sociales de los últimos decenios hasta la actualidad: la Guerra Civil Española, las revueltas de Mayo del 1968, los procesos de gentrificación en las grandes ciudades, la lucha feminista, los debates en torno al poscolonialismo y la crítica al neoliberalismo y a la globalización. En el itinerario, narrado por décadas, se muestran de manera didáctica algunas de las piezas más emblemáticas de los fondos: 'Reserva de suizos muertos', de Christian Boltanski; 'La naturaleza de la ilusión visual', de Juan Muñoz, o el muro de 'Ensayos inflamatorios', de Jenny Holzer. Esta exposición permanente se plantea como una lectura abierta de la colección, que permitirá incorporar otras obras para ampliar y enriquecer el relato. Con esta nueva presentación, clara pero a la vez ambiciosa, ya no hay excusas para seguir colgándole al MACBA el sambenito de elitista.