Arte y museos

Hace poco más de cien años, la máxima abstracción de Malevich, representada en la obra 'Cuadrado negro sobre fondo blanco', abrió la caja de los truenos. Desde entonces, a lo largo del siglo XX, se anunció de manera recurrente la muerte y desaparición de la pintura. Cuando despertamos de la letanía de malos presagios, sin embargo, la pintura todavía estaba aquí. A partir de los 80, resurgió de sus cenizas para reivindicarse como un medio capaz de renovarse y hibridarse con otras disciplinas: se metamorfoseó y tomó nuevas formas más allá del lienzo, superando la geometría del bastidor. El CaixaForum ha buceado en los fondos de su colección, integrada por más de un millar de piezas de las cuales casi la mitad son obra pictórica, para demostrar y celebrar con una exposición la vigencia y evolución de la pintura contemporánea durante los últimos treinta años. 'La pintura. Un reto permanente' recorre las diferentes mutaciones de esta expresión artística, poniendo especial énfasis en la abstracción, la materia y la pintura expandida. Del imponente 'Curved plane', de Robert Mangold, a las telas dobladas, de Ángela de la Cruz, pasando por la monocromía con billetes de banco triturados de Ignasi Aballí o la gran instalación con todo tipo de materiales y texturas de Jessica Stockholder. La proyección 'Au revoir', de Michael Snow, os dejará clavados en la silla. Sobre tela, escultura, fotografía, collage, vídeo o performance, ¡la pintura está presente y más viva que nunca!

Hace casi un siglo, el 15 de mayo de 1926, el crítico Joaquim Folch y Torres dedicaba una página de la 'Gaceta de les Arts' a Antoni Fabrés (Barcelona, ​​1854 - Roma, 1938) con motivo del donativo de gran parte de la obra del pintor al Museo de Barcelona. Entre las muchas florecillas, el historiador escribe: "Nos llega Fabrés a Barcelona, ​​de 72 años, cubierto de gloria y dignidad, con obras esparcidas por innumerables museos, con dos Grandes Premios de Honor internacionales y con más medallas de las que le cabrían en el pecho si fuera capaz de colgarselas". Fabrés, queda claro, alcanzó en vida un gran éxito y sabemos que su pintura fue aclamada y alabada en las ciudades donde residió: de Barcelona a Roma, pasando por París y Ciudad de México, para terminar, de nuevo, a la capital italiana. El paso del tiempo relegó, sin embargo, su trabajo al ostracismo y la historiografía le endosa la etiqueta de orientalista sin profundizar en el resto de temáticas que cultivó, como el paisajismo o un retrato de gran expresividad que gira del refinamiento burgués a la denuncia social. Ahora, el MNAC saca a la luz su legado, que ha sido estudiado y restaurado, y quiere reubicar la obra del pintor. Esta muestra monográfica, montada de manera brillante como un salón de arte apretado de cuadros, presenta 147 obras y un puñado de documentos que fijan los pasos de un creador versátil, maestro, entre otros, de Diego Rivera.

Entre muchas otras cosas, Picasso es una especie de figura paterna para los artistas que han llegado después. Abrió puertas creativas, descubrió nuevas sendas estéticas y temáticas; volvió a los clásicos y recuperó seres mitológicos y rituales ancestrales mientras se proyectaba en las vanguardias. Después de todo, Picasso, el artista más prolífico y polifacético del siglo XX, ha sido consagrado como un lugar común o punto de partida para varias generaciones. Como todos los padres se puede venerar, emular, honrar, criticar y, siguiendo Freud, también repudiar o, incluso, matar. En 2014 el Museo Picasso acogió la exposición 'Post Picasso: reacciones contemporáneas', donde exploraba como el pintor ha sido fuente de inspiración para otros. 'En el nombre del padre' revisita de nuevo el legado picassiano a partir del trabajo de una decena de artistas que se enfrentan, indagan o cuestionan, a través de prácticas y lenguajes diversos, la herencia recibida. Se trata de una muestra desigual que obliga a transitar por diferentes espacios del museo. De la marca Picasso, que resaltan Elo Vega y Rogelio López Cuenca, a la pintura de Miquel Barceló para el cartel de la última corrida celebrada en la Monumental, pasando por la obra 'Guernica. Picasso comunista', de Daniel G. Andújar, en la que se exponen los informes que el FBI elaboró ​​cuando el artista se afilió al Partido Comunista. Como corolario, entre las salas de la colección, destaca el vídeo de la performance 'Compases, silencios

"El científico pionero debe tener (una) imaginación creativa artísticamente". Esta reveladora cita es del físico alemán Max Planck, considerado el padre de la teoría cuántica, y abre la puerta a los planteamientos que defienden que la creación artística y la creación de conocimiento científico no divergen tanto como podría parecer en un primer momento. Artistas y científicos se enfrentan constantemente a preguntas similares –sobre la propia existencia, la posibilidad de describir la naturaleza, definir la realidad– y buscan encontrar respuestas que se acaban materializando, eso sí, de formas diversas.'Cuántica' es una propuesta expositiva arriesgada y muy ambiciosa que, con un montaje exquisito, pretende explicar y acercar las teorías de la física a partir de un recorrido doble. Diez proyectos artísticos acompañan y ejemplifican desde diferentes prácticas multidisciplinares el itinerario científico que incluye nueve trabajos de investigación en el laboratorio, a través de preguntas en torno a las consecuencias filosóficas y las aplicaciones tecnológicas de algunos principios cuánticos básicos: ¿existe el azar?, ¿podemos saber con certeza?, ¿cuánta cuántica hay en nuestra vida?La verdad, cuesta no sentirse abrumada por la avalancha de información y la complejidad del tema, pero conviene no asustarse ante tantos interrogantes. Ya lo explicó el físico danés Niels Bohr: "Si la mecánica cuántica no te deja completamente confuso, es que no lo entiendes".