Arte y museos

Pablo Picasso y Paul Eluard, dos grandes artistas que, más allá del nombre, compartieron época, gustos artísticos y literarios e incluso opciones políticas. Se conocieron en 1935 y desde entonces sus vidas y sus obras se vieron íntimamente ligadas. Eluard fue quien presentó Picasso a Dora Maar, con quien mantuvo una relación desde el 1936 al 1944. La exposición se adentra en la constelación de amistades y en el ambiente intelectual que compartían ambos artistas a través de fotografías, cartas y dibujos que reconstruyen el panorama de la élite cultural de la Europa de entreguerras, pero también su implicación política común –Eluard convenció Picasso de afiliarse al partido comunista– ante los duros acontecimientos que estaban viviendo. La amistad entre Picasso y Eluard fue muy fructífera en muchos aspectos. Ambos artistas se admiraban mutuamente y seguían de cerca sus trayectorias. Se intercambiaron, regalaron y dedicaron cuadros y poemas. Pero además colaboraron estrechamente en más de una ocasión fusionando pintura y poesía. Las obras expuestas –muchas procedentes de la antigua colección del poeta– y muchos de los libros y manuscritos de la muestra –en gran parte inéditos– evidencian este trasvase plástico e intelectual. Su amistad se vio truncada por la muerte prematura de Eluard 1952, un hecho que marcó profundamente a Picasso. En definitiva, dos nombres fundamentales de la cultura mundial del siglo XX unidos por una gran amistad que revive inalterable. Picasso y Eluard s

El azar, siempre caprichoso, ha hecho que Àngels Ribé, la artista que firma la escultura 'Laberinto', a partir de la cual se vertebra 'En caída libre', haya sido distinguida con el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura, en octubre, pocos días después de la inauguración de la exposición. El acierto del comisario, João Laia, sin embargo, va más allá de esta casualidad que ahora puede convertirse en un reclamo para visitar la muestra, surgida de la 'Convocatoria de comisariado. Nuevas miradas sobre la Colección "la Caixa"'. Tomando como punto de partida la crisis estructural en la que vivimos, Laia articula una reflexión en torno a la inestabilidad ecológica, económica, política, social... El sinuoso laberinto de plástico amarillo de Ribé, presentado por primera vez en el castillo de Verderonne en 1969 y expuesto nuevamente el MACBA en 2011, funciona como un campo magnético a partir del cual orbitan trece obras, realizadas entre finales de los sesenta y la actualidad, de once artistas –Dara Birnbaum y Dan Graham, Andreas Gursky, Georg Baselitz o Rosemarie Trockel, entre otros–. La gran instalación en espiral, que transparenta los transeúntes que transitan desorientados, ejemplifica la angustia y el malestar del discurso curatorial y condiciona un recorrido circular, sin inicio ni final. En este bucle, destaca especialmente la pieza 'Ondas gravitacionales', a partir de la cual el poeta Eduard Escoffet se apodera del dispositivo de la audioguía para poner

¿Existe el arte plástico sonoro? Esta es la pregunta que formula -sólo el título ya plantea la duda- la última apuesta de la Fundación Miró. Es evidente que la pintura es, sobre todo, una cuestión visual. Sin embargo las artes no son campos cerrados y desde el siglo XIX y hasta la actualidad los artistas se han visto seducidos por la música, el sonido, y la han tomado como fuente de inspiración. A través de obras de artistas del nivel de Delaunay, Rolf Julius, Beuys y Joan Miró, la muestra comisariada por Arnau Horta analiza como la sonoridad ha dejado huella en el arte de los últimos siglos tanto en el ámbito visual, como el temático y conceptual. Ya sea como fuente de inspiración, con títulos tomados de términos musicales -fuga, nocturno, etc.-, incorporando el sonido a la obra de arte a través de mecanismos o grabaciones sonoras o bien empleando recursos visuales como pueden ser, por ejemplo, partituras y los gráficos de ondas sonoras. La exposición, muy interactiva, pide a menudo la intervención del espectador y nos demuestra que no sólo podemos sentir con los oídos sino que, en ocasiones, tenemos que hacer uso de todo el cuerpo. Pone el punto y final un ámbito dedicado al concepto de silencio con obras de John Cage y otros artistas que, del mismo modo que nos cuestionan la sonoridad del arte, ponen en duda la existencia del silencio.

A menudo, de manera incomprensible, se jerarquizan las obras plásticas según su técnica. El grabado y el dibujo son considerados artes menores ante la pintura o la escultura. Sin embargo, hay bocetos que superan de largo la capacidad expresiva de una pintura al óleo. Incluso dentro de estos géneros se crean nuevas jerarquías. No se valora igual una acuarela que una pintura ni un carboncillo que un pastel. Es por ello que la Fundación Mapfre, consciente del valor de esta última técnica, ha querido dedicarle toda una exposición que recoge una muestra de obras de primer nivel de algunos de los principales artistas internacionales. Bajo el título de 'Tocar el color. La renovación del pastel' repasa la historia y la evolución del género desde finales del siglo XVIII hasta el siglo XX. El comisario, Philippe Saunier, ha seleccionado obras que van de la sutilidad a la contundencia, de la delicadeza de los velados y los esfumados a la rotundidad del volumen y la textura, de la obra terminada a la frescura del apunte donde late todavía la fuerza de la idea. En este sentido vale la pena prestar atención, por ejemplo, a las obras 'Pastor guardando el rebaño' de Millet, un estudio de paisaje de Eugène Boudin, 'La segadora' de Pablo Gargallo o 'Estudio de manos' de Picasso, todas ellas de gran calidad. Además, la exposición presenta obras de artistas tan relevantes como Boldini, Renoir, Berthe Morisot o Odilon Redon. Aún así no olvida nombres menos conocidos como Degouve de Nuncques ni t