Arte y museos

Más que mostrar, 'La realidad transformada' se esfuerza en explicar y acercar la obra del poliédrico Josep Guinovart (1927-2007). Con aires de retrospectiva pero huyendo del clásico recorrido cronológico, la exposición, que ocupa todas las salas de los Espacios Volart, se adentra en el rico universo Guinovart. Propone nuevas lecturas y formas de mirar la producción de uno de los artistas destacados de la vanguardia plástica catalana de la segunda mitad del siglo XX que conjugó, sin despeinarse, el realismo, la abstracción, el expresionismo, y el informalismo, todo reinventándose de manera incesante. Se incluyen unas ochenta piezas, entre pintura, obra gráfica, escultura o instalación, a partir de las cuales se van desengranando las constantes en su trabajo; los diversos temas, de lo más local a lo universal, que se convierten en lugares comunes en el lenguaje de en Guino. Sobresale especialmente Agramunt y sus raíces, la conexión con Marruecos, el contacto con la naturaleza y la tierra, la importancia de la materia y la investigación incansable de materiales, los minotauros, o su compromiso político y social. Es precisamente la iconografía la que va marcando el ritmo del itinerario, que sugiere múltiples vaivenes a partir de obras significativas de diferentes etapas creativas, entre la primera época, alrededor de 1948, y hasta el 2006. Esta ambiciosa exposición demuestra la vigencia del legado del creador y actualiza las palabras del autodenominado trabajador de la pintura: "

Desde hace unos años, el MNAC ha optado por investigar y divulgar la obra de los artistas de posguerra y segundas vanguardias catalanas. La exposición redescubre figuras singulares, como Mari Chordà, Aurelia Muñoz, Jordi Galí, junto con otros, digamos, clásicas, como Antoni Miralda, Zush / Evru y Carles Santos. Asimismo, se muestran trabajos inéditos o poco conocidos, algunos de los cuales pasarán a formar parte de la colección permanente del museo. ¡Esto sí que es ciertamente revolucionario!

Dicen que este es el año que Jaume Plensa "vuelve a casa". El MACBA le dedica una retrospectiva 22 años después de su última exposición en un museo de Barcelona, ​​y hace pocos días inauguraba 'Invisibles', en el Palacio de Cristal de Madrid. El artista de los rostros colosales, reconocido internacionalmente por su obra pública en todo el mundo, defiende que la escultura es la mejor manera de plantear preguntas. El arte ya es eso, un lugar lleno de interrogantes. 'Firenze II', un signo de interrogación de grandes dimensiones de aluminio y hierro, con la inscripción sueño en francés ('rêve'), marca el inicio del recorrido como un manifiesto. Hace de preludio una foto de su taller, con los utensilios y herramientas de trabajo, maquetas y apuntes preparatorios, que recubre la totalidad de los muros exteriores de la sala. Una vez dentro se suceden una veintena de piezas -quizás las menos conocidas, elaboradas a lo largo de 30 años-, que basculan por la abstracción con referencias a la literatura, la música y el arte, así como por la representación de la figura humana. En 'Islands III' cita sus referentes: de Goya a Broodthaers, pasando por Gaudí y Kahlo. En 'Prière', se reproduce de forma desordenada sobre unas bolas de hierro fundido el poema homónimo de Baudelaire.La suya es una escultura de contrastes, de luces y sombras, a menudo con una sonoridad sutil: entre la ligereza de la cortina 'Glückauf?', que recoge la Declaración Universal de Derechos Humanos, y la rotundidad de la

Cuesta de imaginar el transcurso de la pintura sin la existencia de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660). Maestro de maestros. Venerado por los grandes artistas, su influencia traspasa siglos y fronteras. Prueba son, por ejemplo, las diversas versiones de 'Las Meninas', uno de sus cuadros más emblemáticos, que Dalí y Picasso se empeñan en interpretar una y otra; también la perturbadora serie que Francis Bacon creó a partir del retrato del papa Inocencio X; o la famosa sentencia de Manet después de visitar Madrid: "Velázquez es el pintor de los pintores. No me ha sorprendido, me ha extasiado", con la que lo reivindica como referente de los impresionistas. Velázquez inicia su carrera en Sevilla, una de las ciudades más cosmopolitas de la Península Ibérica de la época. Con 24 años se traslada a Madrid y hasta su muerte trabaja como pintor de la corte de Felipe IV, uno de los principales coleccionistas de su tiempo. Durante estos años, pinta retratos del rey y de su familia, así como otras composiciones -paisajes, escenas mitológicas o religiosas para decorar las estancias y palacios. Tiene acceso a las colecciones reales, con pinturas de artistas flamencos, y viaja a Italia, donde descubre las obras de arte de la antigüedad, el Renacimiento italiano y algunos de los creadores europeos más interesantes del momento. El pintor barroco es uno de los símbolos del Museo del Prado, que tiene una política restrictiva en cuanto a préstamos: sólo puede haber siete obras del