Arte y museos

Decir Tàpies es invocar las letras T -como la inicial de su apellido y del nombre de su compañera Teresa-, o cruces, que también pueden girarse y convertirse en X de formas y tamaños diversos. Decir Tàpies es, a la vez, apelar a pies, calcetines, zapatos, huellas. Tàpies también es silla, ojos y gafas, o enigmáticas letras y cifras entre huesos, cráneos y un puñado de objetos cotidianos. A principios de los años 90, poco después de inaugurar la fundación que lleva su nombre, el artista desarrolló un conjunto de obras a partir del textil sintético que utilizaba para cubrir y proteger el suelo de los estudios de Campins y Barcelona. Tàpies recuperó material de desecho y transformó viejas telas, arañadas, rasgadas, pisadas y con salpicaduras, en lienzos idóneos para desplegar, con barniz, collage y pintura plástica, su particular repertorio icónico. Impulsado por el interés constante en la búsqueda de materiales y técnicas, decidió trabajar por primera vez con estas ropas de uso industrial que son especialmente frágiles, con fuerza irregularidades y ondulaciones; un soporte en el que representó toda una serie de imágenes, lugares comunes de su producción, que quedaron estampadas como un manifiesto o un testamento artístico. En 1991, Manuel Borja-Villel, entonces director de la Fundación, reunió cerca de una veintena de estas obras en la exposición 'Certeses sentides', con la idea de mostrar la firme convicción del artista con su arte. Ahora, 28 años después, el espacio recuper

La trayectoria creativa de Max Beckmann (Leipzig, 1884 - Nueva York, 1950) es consecuencia directa de su complejo periplo vital, marcado de manera trágica por el estallido de la Primera Guerra Mundial, y, posteriormente, por el ascenso del nazismo en Alemania y el exilio permanente. La obra de Beckmann no acaba de encajar en ninguna de las etiquetas que suelen servir para ordenar y clasificar los artistas del siglo pasado. Cierto es que sus primeros trabajos, a pesar de ser algo eclécticos, están cerca del expresionismo y, también, de la nueva objetividad, que pide compromiso social. Pero el artista se esforzó por no integrarse en ninguno de estos movimientos y decidió ir por libre, proponiendo una pintura personal, de corte realista y atendiendo la actualidad del momento que le tocó vivir, rellena, eso sí, de simbolismo y alegorías. Entre trazos gruesos y una paleta bastante generosa, aparecen de manera recurrente máscaras, disfraces, personajes circenses de todo tipo, así como escenas de sofisticación y naturalezas muertas que desbordan la composición para mostrar la experiencia de la expatriación, como en el caso del tríptico 'Carnaval' (1943) y 'Mascarada' (1948).La exposición, que reúne 49 piezas –entre ellas principalmente pintura, una decena de litografías y dos esculturas de bronce–, se divide en dos partes. La primera, muy breve, dedicada a los inicios hasta la consagración definitiva, en 1913. De este periodo destaca 'Jugadores de rugby' (1929) y la dulce 'Quappi co

Hay artistas que trascienden épocas y modas, con una obra capaz de cautivarnos 600 años después. Este es, sin duda, el caso de Bartolomé de Cárdenas, conocido como el Bermejo por su aspecto físico. Existen pocos datos sobre su biografía. Dicen que nació en Córdoba, alrededor del 1445, y que, muy probablemente, murió en Barcelona el 1501. Entre las numerosas incógnitas que le rodean, se sabe que desarrolló su carrera profesional de manera itinerante, por los diferentes territorios de la Corona de Aragón, y que, a pesar de su personalidad difícil, fue el pintor más cotizado y admirado de la época. Como judío converso, sufrió la intolerancia y la persecución religiosa del momento, y llegó a ser excomulgado por incumplimiento de contrato. Su primera obra documentada es la espectacular 'San Miguel triunfando sobre el demonio con el donante Antoni Joan' (1468), realizada en Valencia y donde revela su principal referente: la pintura flamenca. Destaca especialmente el dominio que demuestra de la entonces innovadora pintura al óleo, a partir de la cual despliega una rica y luminosa gama cromática. Además, consigue reproducir texturas, materiales, brillos y transparencias con un realismo alucinante: piedras preciosas, metales y sedas que parece que se puedan palpar. Entre la veintena de obras que se han conservado y que se presentan en esta muestra antológica, sobresale la 'Piedad Desplà' (1490), un encargo del archidiácono barcelonés Lluís Desplà para su capilla privada, en la catedra

Más que mostrar, 'La realidad transformada' se esfuerza en explicar y acercar la obra del poliédrico Josep Guinovart (1927-2007). Con aires de retrospectiva pero huyendo del clásico recorrido cronológico, la exposición, que ocupa todas las salas de los Espacios Volart, se adentra en el rico universo Guinovart. Propone nuevas lecturas y formas de mirar la producción de uno de los artistas destacados de la vanguardia plástica catalana de la segunda mitad del siglo XX que conjugó, sin despeinarse, el realismo, la abstracción, el expresionismo, y el informalismo, todo reinventándose de manera incesante. Se incluyen unas ochenta piezas, entre pintura, obra gráfica, escultura o instalación, a partir de las cuales se van desengranando las constantes en su trabajo; los diversos temas, de lo más local a lo universal, que se convierten en lugares comunes en el lenguaje de en Guino. Sobresale especialmente Agramunt y sus raíces, la conexión con Marruecos, el contacto con la naturaleza y la tierra, la importancia de la materia y la investigación incansable de materiales, los minotauros, o su compromiso político y social. Es precisamente la iconografía la que va marcando el ritmo del itinerario, que sugiere múltiples vaivenes a partir de obras significativas de diferentes etapas creativas, entre la primera época, alrededor de 1948, y hasta el 2006. Esta ambiciosa exposición demuestra la vigencia del legado del creador y actualiza las palabras del autodenominado trabajador de la pintura: "