Cosas para hacer en Barcelona en mayo

Arte, ciencia y tecnología son los tres pilares fundamentales del IDEAL Centre d'Arts Digitals, y lo demuestran en la nueva exposición de Los últimos días de Pompeya, una propuesta que invita a los visitantes a ser parte de una de las tragedias más impactantes de la historia.

En esta ocasión, sin embargo, la exhibición no tiene lugar en el espacio habitual del IDEAL en el Poblenou, sino que se traslada a Montjuïc, concretamente al Palau Victòria Eugènia. Después de pasar por diferentes ciudades del mundo como Madrid, Londres o Beijing, y alcanzar los 850.000 visitantes, la experiencia de más de 2.000 m² se puede ver en Barcelona a partir del 20 de marzo, y hay entradas disponibles hasta el 29 de junio.

CosmoCaixa acoge la exposición Extraterrestres. ¿Hay vida fuera de la Tierra? del 25 de febrero de 2025 al 30 de agosto de 2026: un libro abierto de gran rigor científico que resuelve y pone de manifiesto algunas de las dudas que existen sobre nuestro lugar en el cosmos, què significa vida, o la forma en que la literatura y el cine han construido un imaginario colectivo sobre los extraterrestres. La muestra ha contado con la ayuda y soporte de expertos y asesores científicos. Para ello, se vale de audiovisuales, interactivos, experiencias sensoriales inmersivas y algunos objetos y planos originales de la NASA u otras instituciones de prestigio. Por ejemplo, podréis ver escenografías con maquetas como la del rover Perseverance o la del helicóptero Ingenuity.

¿De qué va? ¿Por qué este escultor desconocido de época románica ha recibido el sobrenombre de “el Picasso del siglo XII”? En los rostros geométricos con ojos expresivos del Maestro de Cabestany, y en la desproporción y los volúmenes impactantes de sus esculturas, reside todo aquello que desde el presente hemos sabido denominar modernidad. En pleno románico, las obras del Maestro de Cabestany poseían un estilo característico que lo diferenciaba de sus coetáneos. Por ello, aunque conocemos pocos detalles de la vida de esta figura, su trabajo ha sido reconocido desde la Toscana hasta el Mediodía francés, pasando por Cataluña y Navarra.

¿Por qué hay que ir? Con esta exposición, el MNAC rinde homenaje al escultor más célebre del románico catalán partiendo de la incorporación reciente de nuevas piezas al museo; concretamente, fragmentos que formaban parte de la portada de mármol del monasterio de Sant Pere de Rodes. Por tanto, la muestra se centra en la construcción del mito de la abadía de Rodes, un espacio único, destino de peregrinaje, vinculado a un paisaje ancestral y a la antigua Roma.

¿De qué va? La belleza es un tema que nos obsesiona. Como una sombra o un elefante rosa que nos persigue allá donde vamos, pero que en realidad entendemos muy poco y que es difícil encajar dentro de un solo cajón. Quizá porque hay muchos donde colocarla. Esa es la intención de El culto a la belleza, una exposición en el CCCB que puede visitarse hasta el 8 de noviembre y que huye de encerrar la belleza en una única caja; y si lo hace, es a la manera del gato de Schrödinger: está viva y muerta al mismo tiempo y todas las posibilidades permanecen latentes.

¿Por qué hay que ir? Una muestra tan bella como inquietante que recorre la evolución de los ideales de belleza a lo largo de la historia, analiza cómo se han construido los cánones estéticos y reivindica los cuerpos y las bellezas excluidos de la norma. Pone en diálogo obras de arte, documentos, objetos históricos e instalaciones contemporáneas para abordar cuestiones como el estatus, la salud, la edad, el género o la raza. Presenta, entre otras, obras de William Hogarth, Angelica Dass, Laura Aguilar, Juno Calypso, Zed Nelson, Shirin Fathi, Narcissister, Ismael Smith, Isidre Nonell, Josep Masana, Colita, Sandra Gamarra, Esther Ferrer, Regina José Galindo, Maria Alcaide, Colectivo Ayllu, Lorenza Böttner, Marina Vargas, Arvida Byström, Harriet Davey o Renaissance Goo x Baum & Leahy.

¿De qué va? La exposición Un mundo en lucha, que puede visitarse hasta el 12 de julio en Espais Volart de la Fundació Vila Casas (Barcelona), recupera la figura de Esther Boix y la presenta como una artista que hizo de la pintura un espacio desde el que proyectar una sensibilidad y una ideología capaces de superar las heridas de la posguerra y, a la vez, denunciar las estructuras que las perpetuaban.

¿Por qué hay que ir? La muestra recorre distintos momentos de su trayectoria y permite entender cómo su obra está profundamente conectada con su experiencia vital. Haber nacido en Llers y crecido en La Cellera de Ter la mantuvo muy vinculada al entorno rural, una presencia que aparece con frecuencia en sus pinturas a través de figuras de campesinos, mujeres del campo, escenas de café y otros fragmentos de vida cotidiana. Estos personajes y espacios no aparecen como un simple decorado, sino como una forma de dar valor a realidades a menudo silenciosas o poco representadas.

¿De qué va? Los colores de la ciudad compiten ahora con los del “maestro del color”, que aterriza en una exposición en el CaixaForum. La explosión cromática de Henri Matisse se podrá ver en este museo de la ciudad hasta el 16 de agosto en el marco de la exposición Chez Matisse. El legado de una nueva pintura, organizada en colaboración con el Centro Pompidou de París con el objetivo de mostrar al público barcelonés cómo el genio francés revolucionó el arte del siglo XX.

¿Por qué hay que ir? La muestra reúne cerca de un centenar de obras para explicar por qué su visión de la pintura fue (y en muchos casos, sigue siendo) un hogar acogedor para la modernidad y una influencia para generaciones de creadores posteriores. Ahora bien, en la exposición no hay solo obras de Matisse, sino que las 45 obras del pintor fauvista dialogan con 49 piezas de otros gigantes del arte como Picasso, Braque, Derain, Raoul Dufy, Le Corbusier o Sonia Delaunay. Uno de los grandes reclamos es la presencia de La Moulade, una pieza clave pintada en Colliure que marcó el nacimiento del movimiento fauve y que sirve como eje central de esta colección inédita en la ciudad.

¿De qué va? En Señala un punto (fuera del perímetro de la sección de un árbol para indicar que viene del futuro), la nueva exposición de Lúa Coderch en Can Framis – Fundació Vila Casas (que puede visitarse hasta el 11 de octubre), el ojo deja de ser un instrumento de visión para convertirse en un espacio de apariciones. El recorrido comienza antes de entrar en la sala y se despliega dentro de esta cavidad simbólica: un interior habitado por visiones incompletas, espectros y formas que todavía no tienen nombre.

¿Por qué hay que ir? La muestra parte de una intuición sencilla pero inquietante: en un momento en el que parece que todo es visible, quizá lo que escasea no son las imágenes sino la capacidad de imaginarlas. Y frente a este agotamiento, Coderch no propone recuperar una mirada original, sino prestar atención a aquello que todavía no sabemos ver.

¿De qué va? Mikel Adán Tolosa presenta en el espacio Rampa del Centre d’Art La Capella 'Perquè m’agrada viure aquí', un conjunto de esculturas florales hechas de mantequilla que cuestionan qué influencia ejerce el material en la representación. Esta exposición gratuita se puede visitar hasta el 5 de julio, de martes a sábado de 12 a 20 h, y domingos y festivos de 11 a 14 h.

¿Por qué hay que ir? El proyecto tiene su origen en un episodio menor de la biografía artística del escultor Manolo Hugué (1872-1945). Durante sus años de juventud, Hugué realizó una serie de esculturas, hoy desaparecidas, hechas con mantequilla y que, de hecho, fueron expuestas como reclamo publicitario de una mantequería.

El planteamiento inicial es, en apariencia, hacer convivir dos materialidades contrarias: la de la piedra y la de la mantequilla. Por un lado, la piedra, como el barro o el bronce, es un material que pertenece a los lenguajes clásicos de la escultura y que, al trabajarlo, obliga a tomar en consideración cuestiones inherentes como el peso o la gravedad. Por otro lado, la mantequilla introduce la fragilidad y el carácter efímero.

¿De qué va? Entre la contención y el exceso, entre el cálculo y la intuición, entre el "seny" y la "rauxa", el Disseny Hub Barcelona propone volver a mirar la arquitectura catalana no como una sucesión de estilos, sino como una conversación que atraviesa generaciones y que reaparece, con formas distintas, en la manera de habitar y dar forma al territorio.

¿Por qué hay que ir? Seny i rauxa. Noticia de la arquitectura catalana, que puede visitarse hasta el 6 de septiembre, reúne más de 500 piezas para construir un relato que atraviesa siglo y medio de arquitectura realizada en Cataluña. Pero el recorrido no sigue una cronología convencional ni una historia de nombres ilustres: la muestra busca conexiones, repeticiones y tensiones entre proyectos de momentos muy distintos para preguntarse si existe una continuidad profunda en la manera de construir en el país.

¿De qué va? Entre el 18 de junio y el 6 de septiembre, el centro KBr de Fundación Mapfre reúne dos exposiciones que dialogan desde lugares aparentemente alejados pero con una misma pregunta de fondo: ¿qué puede revelar una fotografía y hasta qué profundidad puede llegar? P

¿Por qué hay que ir? Por un lado, la primera retrospectiva europea de Minor White, una de las figuras más influyentes de la fotografía estadounidense del siglo XX; por otro, una revisión de la obra de Joaquín Tusquets de Cabirol, autor fundamental para entender una determinada mirada sobre la Cataluña de posguerra. Aquí podéis comprar una entrada conjunta.

¿De qué va? El Museu Tàpies acoge la muestra El moviment perpetu del mur, una exposición que explora el papel que la noción de muro desencadenó en la obra de Antoni Tàpies desde el contexto de la Segunda Guerra Mundial hasta las décadas posteriores, tanto a nivel simbólico como pictórico y físico.

¿Por qué hay que ir? Este proyecto se centra especialmente en la década de 1950, un período clave de transformación en la práctica artística de Tàpies. A través de este recorrido se plantean nuevas perspectivas sobre el desarrollo de su lenguaje pictórico y sobre la relación entre obra, espacio y espectador. La exposición toma como punto de partida cuatro exposiciones individuales que el artista realizó durante esta década —en las Galerías Layetanas de Barcelona (1950 y 1954), en la Galerie Stadler de París (1956) y en la Sala Gaspar de Barcelona (1960). Cada una de estas muestras presentaba grupos de obras distintos y también diferentes soluciones de montaje. El proyecto analiza cómo estos dispositivos expositivos —la iluminación, la disposición de las obras o el color de las paredes— pueden influir en la percepción y la interpretación de la pintura. Asimismo, explica cómo la obra de Tàpies fue interpretada por críticos, pensadores e historiadores del arte del momento, y cómo se conecta con debates presentes en el pensamiento artístico contemporáneo.

De qué va? El Centre d’Arts Santa Mònica acoge El asalto de la ilusión, que se puede visitar hasta el 27 de septiembre, una exposición coral que reúne trabajos de diversos artistas para analizar cómo el arte ha contribuido a construir aquello que entendemos como realidad. A través de una puesta en escena cambiante y llena de trampas visuales, la muestra conecta técnicas históricas de representación con problemáticas actuales como la posverdad, la manipulación mediática o la irrupción de la inteligencia artificial.

¿Por qué hay que ir? La exposición está concebida como un recorrido en constante movimiento. Espejos, velos y paredes móviles configuran un espacio que se transforma a medida que el visitante avanza, generando una sensación de inestabilidad que afecta directamente a la percepción. Pintura, fotografía, vídeo e instalación conviven en un mismo itinerario, poniendo de manifiesto cómo cada lenguaje construye una idea distinta de realidad.

¿De qué va? La aparición de una extraña puerta en el sótano de una sala de exposición de muebles y la desaparición del paciente de una terapeuta parecen fenómenos relacionados que llevarán a la psicòloga a penetrar en un espacio desconocido para rescatarlo.

¿Por qué tienes que verla? El debut en el largometraje del jovencíssimo Kane Parsons (cumplirá 21 años este mes de junio) conecta directamente con los perturbadores vídeos virales que el cineasta sube a YouTube desde que tenía 16 años. Todo un prodigio de creatividad que proponía una leyenda urbana basada en un laberinto de espacios liminales (lugares vacíos que sirven de transición entre dos destinos), en este caso toda una serie de oficinas con paredes amarillentas. Inmersiva y desacomplejadamente terrorífica, nos encontramos ante una de las propuestas cinematográficas más estimulantes de los últimos años.

Con la producción de dos referentes como son James Wan y Osgood Perkins y con el apoyo de la prestigiosa productora A24, Backrooms se convierte en un punto de inflexión creativo de un género como el terror, que hoy suele ser el mejor marco para experimentar con narrativas conceptuales creativas e innovadoras. En su salto del mundo digital al cine, Kane Parsons cuenta con una magnífica pareja protagonista: Renate Reinsve (Valor sentimental) y Chiwetel Ejiofor (12 años de esclavitud).

¿Cuándo se estrena? El 5 de junio.

Dir.: Kane Parsons (EE. UU., 2026). 105 min.

¿De qué va? El padre Manuel ha puesto en marcha el procedimiento para colgar los hábitos y empezar una nueva vida. Pero, cuando ciertos episodios de su pasado comienzan a ver la luz, el sacerdote deberá enfrentarse a todo aquello que hizo y también a un entorno que lo protegió.

¿Por qué tienes que verla? Por el atrevimiento al abordar un tema como los abusos sexuales a menores y el encubrimiento sistemático dentro de la iglesia católica. Y por hacerlo de la manera en que lo hace. Acostumbrado a proponer historias que no suelen tocarse en la gran pantalla, en títulos como La herida (2013), Morir (2016) o La consagración de la primavera (2022), el cineasta Fernando Franco apuesta por ofrecer el punto de vista del abusador, interpretado por un excepcional Alberto San Juan, presente en todas las escenas de la película.

Con un reparto de secundarios de lujo (Luis Callejo, Ramón Barea, Pedro Casablanc, María Galiana, Miguel Rellán), La luz pone sobre la mesa un puñado de relevantes dilemas morales que inevitablemente provocarán encendidos debates en los espectadores.

¿Cuándo se estrena? El 5 de junio.

Dir.: Fernando Franco (España, 2026). 120 min.

¿De qué va? Atípico biopic sobre la legendaria actriz italiana que da título a la película, y centrada en la recta final de su vida profesional. Acabada la Primera Guerra Mundial y mientras Europa ve el inicio de los fascismos, la divina Duse ha dejado de ser la estrella que llenaba escenarios y vive inmersa en contradicciones personales que incluyen el crítico vínculo con su hija, la relación con el poeta Gabriele D'Annunzio o sus encuentros con Benito Mussolini.

¿Por qué tienes que verla? Por la siempre interesante visión del cineasta Pietro Marcello (Martin Eden), que aquí insiste con temas que suele tocar en su cine, como el vínculo entre arte y poder o el papel del artista ante tragedias como la guerra, la miseria y el dolor. En la película en concreto, plasmando la enorme agitación del periodo histórico en el que vive la Duse. Otra imbatible razón para ver este largometraje es la exhibición interpretativa de dos de las grandes damas del cine europeo: la italiana Valeria Bruni-Tedeschi (vista en 5 x 2 y La gran juventud) y la francesa Noémie Merlant (Un año, una noche y Retrato de una mujer en llamas).

¿Cuándo se estrena? El 12 de junio.

Dir.: Pietro Marcello (Italia, 2025). 125 min.

¿De qué va? Pese a los intentos del gobierno estadounidense de ocultar a la población la existencia de una especie alienígena que ha contactado con los humanos, una meteoróloga se convierte en el inesperado canal que los recién llegados usarán para revelarse a miles de millones de personas.

¿Por qué tienes que verla? Porque cada película que estrena Steven Spielberg es un acontecimiento en sí mismo que, sí o sí, debe llevar a cualquier aficionado al cine hasta la butaca de una sala. Con El día de la revelación, además, el maestro vuelve a hablar del posible contacto entre humanos y alienígenas, poniendo el foco, como siempre le ha interesado, en la derivada emocional de sus personajes.

Es una película emparentada con la fabulosa Encuentros en la Tercera Fase (1977), con la que tiene algunos elementos en común. Con guion del propio Spielberg y de David Koepp (su colaborador en Jurassic Park y en La guerra de los mundos), se basa en un artículo del The New York Times publicado en 2017 que hablaba de la existencia de un programa secreto del Pentágono dedicado a investigar fenómenos aéreos no identificados. Es aquí, en el choque entre aquellos que abogan por hacer pública la existencia de vida extraterrestre y quienes prefieren esconderlo, donde se encuentra la esencia de una película que cuenta con Emily Blunt, Josh O'Connor y Colin Firth al frente del reparto. Imprescindible.

¿Cuándo se estrena? El 12 de junio.

Dir.: Steven Spielberg (EE. UU., 2026). 145 min.

¿De qué va? Iván es un chico trans que se gana la vida en una planta envasadora de frutas y verduras cultivadas en invernaderos de Almería. Haddoum, hija de marroquíes y habituada a trabajos tan precarios como efímeros que la convierten en nómada constante, entra a trabajar allí. Cuando se encuentran, inevitablemente, se enamoran. Pero se encontrarán con obstáculos familiares, laborales y, obviamente, sociales que complicarán que su relación tenga ningún futuro.

¿Por qué tienes que verla? Por la interesantísima exploración de la experiencia trans con un director y guionista, por un lado, y un protagonista, por el otro, que pueden hablar de ello mejor que nadie. Con no tantos referentes, huyendo de intenciones panfletarias y tremendismos, y con la voluntad de transformar miradas, la ópera prima de Ian de la Rosa apuesta por construir una historia de amor clásica con ramas temáticas que apuntan a la explotación laboral y la lucha de clases, a la inmigración y al machismo.

Todo un hallazgo, sobre todo para quienes no habían visto el anterior trabajo del cineasta, el cortometraje Farrucas (2021). Iván & Hadoum, además, supone una excelente carta de presentación para su pareja protagonista, Silver y Herminia Loh, intérpretes que ponen en valor la necesidad de diversidad en los castings del cine español.

¿Cuándo se estrena? El 12 de junio.

Dir.: Ian de la Rosa (España, 2026). 101 min.

¿De qué va? En la España de 1970, cuando el franquismo todavía colea, un promotor deportivo intenta sacar adelante una idea marciana en aquel momento histórico: organizar el primer partido de fútbol jugado por mujeres. Para conseguirlo, va sumando a la causa a un grupo de chicas aficionadas y con talento con el balón. Ellas acabarán plantando cara a mil y un palos en las ruedas, y formarán parte de la primera selección española femenina de fútbol.

¿Por qué tienes que verla? En pleno auge del fútbol femenino, con la cuarta Champions ganada por el Barça todavía reciente, llega una película que reivindica a las primeras mujeres que se enfrentaron a un statu quo tremendamente machista para dedicarse a su pasión y representar a España. En tono de comedia dramática, este relato reivindica a aquellas pioneras que pusieron la primera piedra de lo que hoy es una realidad cada día más consolidada. Pura memoria histórica, en tiempos que señalaban a aquellas mujeres que no aceptaban su rol de amas de casa y madres de familias numerosas.

Dirigida por Marta Díaz de Lope Díaz (buscad sus anteriores y muy reivindicables Mi querida cofradía y Los buenos modales), la película cuenta con un conjunto de jóvenes actrices que forman parte de una más que prometedora nueva generación: destacan Sofía de Iznájar (Sigue mi voz), Leire Aguiar (Todos los lados de la cama) y Bruna Lucadamo (la hija de Aitana Sánchez-Gijón).

¿Cuándo se estrena? El 12 de junio.

Dir.: Marta Díaz de Lope Díaz (España, 2026). 106 min.

¿De qué va? La llegada de una tablet digital a casa pone en alerta a Woody, Buzz, Jessie y toda la pandilla. La recién llegada Lilypad podría cambiar para siempre el espacio lúdico de la pequeña Bonnie, y nuestros juguetes favoritos no están dispuestos a caer en el baúl de los recuerdos.

¿Por qué tienes que verla? Por la evidente curiosidad que despierta una nueva entrega de una de las sagas más importantes de la historia del cine (de animación o no). Con la noticia del rodaje de cada uno de los Toy Story hemos levantado la ceja, pensando si estaría a la altura del anterior. Y, de momento, los responsables de Pixar no han errado. Veremos qué pasa con esta quinta parte, que plantea la transformación de las maneras de jugar de los niños una vez se ha abierto la puerta a la tecnología. No deja de ser paradójico que sea justamente Pixar quien lo haga, ya que Toy Story, que acaba de cumplir 30 años, fue el primer largometraje de animación completamente realizado por ordenador.

Con Andrew Stanton (director de Buscando a Nemo y Wall-E) al mando, la película plantea aquello que se vive en tantas casas: los niños están cada vez más enganchados a las pantallas, y los padres (cuyas preocupaciones se trasladan aquí a los juguetes de toda la vida) se plantean qué límites deben poner. Presuponiendo la magia habitual de la casa, Toy Story 5 también cambia el protagonismo de los juguetes, y pone el foco en la sheriff Jessie.

¿Cuándo se estrena? El 17 de junio.

Dir.: Andrew Stanton (EE. UU., 2026). 102 min.

¿De qué va? Nora ha superado un cáncer de mama y, con el miedo presente de una posible recaída, trabaja como investigadora médica estudiando las posibilidades del cuerpo humano a la hora de alargar la vida de las células. En este contexto, la protagonista solo siente unas enormes ganas de vivir, y decide romper con su pareja de toda la vida y dejarse llevar cuando se le presenta la oportunidad de liarse con un chico veinte años más joven que ella.

¿Por qué tienes que verla? Porque mantiene todo lo que la faceta de creadora de Aina Clotet ya demostraba en la excelente serie Això no és Suècia (de la cual, por cierto, pronto rodará la segunda temporada). Con Viva, la cineasta, coproductora y guionista soluciona un complejo y radical rompecabezas: de entrada, consigue un difícil equilibrio en su singular mezcla de comedia y tragedia. Por otro lado, propone un marco distópico (pero muy verosímil) en la trama, situada en una Barcelona que vive inmersa en una sequía extrema. Y ofrece un puñado de escenas tan viscerales como divertidas o dramáticas.

Más allá de esto, Viva también demuestra el talento interpretativo de Clotet, con el aval del premio revelación que se llevó de Cannes tras presentar la película en la sección Semana de la Crítica, y la fuerza de un reparto que escapa de lugares comunes: desde la confirmación de Marc Soler a una sorprendente Lloll Bertran que cambia radicalmente de imagen.

¿Cuándo se estrena? El 19 de junio.

Dir.: Aina Clotet (España, 2026). 112 min.

¿De qué va? Tras el éxito de la Revolución Francesa, el rey Luis XVI, su esposa María Antonieta y sus hijos, son encarcelados en la Tour du Temple, un castillo de París donde la familia real espera un destino escrito: la guillotina. Unas últimas semanas que aíslan al monarca y a los suyos, quienes, por primera vez en sus vidas, experimentarán un trato alejado del privilegio y la riqueza.

¿Por qué tienes que verla? Ganadora de tres premios David di Donatello, esta nueva mirada a uno de los hechos más relevantes de la historia de Francia tiene una pareja protagonista formada por Mélanie Laurent y Guillaume Canet, y está dirigida por el italiano Gianluca Jodice (El poeta y el espía). El cineasta ofrece un retrato íntimo de unos personajes vulnerables que toman conciencia y ganan dignidad ante la proximidad de la muerte. Con una puesta en escena más bien austera, que huye del ostentoso "brilli-brilli" propio de la realeza (aunque cuenta con un magnífico diseño de producción), Los últimos días de María Antonieta se acerca más al drama carcelario que a la epopeya histórica.

¿Cuándo se estrena? El 26 de junio.

Dir.: Gianluca Jodice (Francia, 2026). 101 min.

¿De qué va? Un cantante que se gana la vida actuando en fiestas privadas conoce en una boda a un amigo de los novios, antigua estrella de una boy band en decadencia. Le hace subir al escenario, despliegan una inesperada química y se lo pasan en grande haciendo bailar a los invitados. Después continúan la fiesta en una inesperada sesión musical nocturna. Meses después, el primero se sorprende al descubrir que el segundo ha vuelto a las listas de éxitos con un tema suyo, y comenzará su batalla para que el mundo reconozca su autoría.

¿Por qué tienes que verla? Porque la trayectoria de su director y guionista, el irlandés John Carney, nos dice que sus películas son infaliblemente reconfortantes y encantadoras. Para dibujar esta nueva carta de amor a los músicos y al poder de una canción, el director de la maravillosa Once (2006) y de las estupendas Begin again (2013) y Sing Street (2016), y creador de la serie Modern love (2019-21), cuenta con una pareja tan carismática como la formada por Paul Rudd y Nick Jonas.

Además, Letras robadas tiene un mensaje punzante, al plantear el tema de la propiedad intelectual cuando la inteligencia artificial está poniendo en cuestión normas de todo tipo. Tan divertida como emotiva, Letras robadas vuelve a hacernos tener ganas de pisar Dublín, escenario de muchos de los filmes de John Carney.

¿Cuándo se estrena? El 26 de junio.

Dir.: John Carney (Irlanda, 2026). 96 min.

Quién diría que un espectáculo que empieza por el final tendría un inicio tan animado. Los hermanos Llorenç i Robert González comienzan el montaje con un número musical muy cabaretero donde hacen de músicos, de cantantes y de bailarines de claqué. En casa, de pequeños, debieron de armar mucho jaleo, porque se requiere mucha práctica para hacerlo todo bien a la vez.

Marc Artigau ha escrito y dirigido para los hermanos González un texto que reflexiona con alegría sobre una de las relaciones humanas más tiernas y complejas que existen: la fraternal. Y lo hace a través de escenas independientes que forman un recorrido extenso desde la infancia, con una litera con sábanas de las tortugas ninja y pósters culers, hasta la vejez, con los actores caracterizados con rebequitas y boinas de lana. Todo ello haciendo alusiones a hermanos que forman parte del imaginario popular: Hansel y Gretel, los Jackson Five, los Kennedy, Raúl y Fidel Castro o los hermanos Lumière, pero también incorporando un cuento de Quim Monzó y un poema musical de Verdaguer. Un popurrí de referencias.

El patio de butacas se convierte en una aula magna de universidad y, al ritmo frenético de un partido de frontón, los espectadores van cambiando de facultad: de la de ciencias a la de letras. Mientras el profesor de física cuàntica, Pere (Joan Carreras), nos revela que 'L’últim àtom' no existe, la de lingüística, Sara (Mia Esteve), intenta explicarnos cómo determinar un mundo indeterminado. Dos caras de una misma moneda, que harà de hilo conductor durante toda la función: la incapacidad para definir la realidad.

Los dos docentes son una pareja separada que tienen en común una hija desaparecida desde hace muchos años. Tantos, que el sistema està a punto de darla por muerta. En este juego de duda constante entre si lo que vemos es real o no, completan el reparto haciendo múltiples personajes Carles Pedragosa, Carme Milán y el regidor Ruben Ametllé. Todos ellos espléndidos, con el añadido de que este último, aparte de hacer el trabajo de regiduría (quedan al descubierto los “top” que indican cuándo tiene que entrar una luz, un sonido, un cambio de escena), también tiene que decir el texto de la actriz Lara Segur, a la que por lo que parece le sentó mal la cena, y también un par de letras del nombre y el apellido. Nos encanta la faceta más traviesa de Jordi Oriol.

No era fácil llevar Permagel a escena con una forma que fuese teatral. Victoria Szpunberg y Albert Pijuan podrían haber tirado por el camino más corto y hacer como la autora, Eva Baltasar, y empezar por el preludio del final y seguir la prosa hasta el capítulo de cierre. Pero afortunadamente se han complicado la vida y han deshecho la novela para rehacerla, para darle la vuelta, con añadidos de presentación de los personajes y una línea temporal clara. Para, en definitiva, transformar un artefacto literario en un artefacto teatral.

Maria Rodríguez Soto asume el reto de encarnar a esta mujer a punto de cumplir los 40, lesbiana, solitaria, con instintos suicidas, tía, hermana e hija. Tampoco es nada sencillo meterse en esta piel, dentro de este mundo, y salir victoriosa. ¿Cómo se interpreta a alguien que quiere matarse, que no soporta a la familia, que no encaja, pero que adora a la sobrina? ¿Cómo se mantiene la mirada, la respiración, cuando te pintas una raya en el brazo por donde querrías que pasara la cuchilla de afeitar? ¿Cuando escarneces a madre y hermana?

Lorca, el hombre, es una metáfora triste de lo que es España. Nacido en 1898 y asesinado en 1936, entre la gran derrota colonial y la guerra más cruel. El autor es, seguramente, el mejor y más influyente del siglo XX al sur de los Pirineos y es el único de su estirpe en Europa, la de los genios, de la que debemos estar orgulloso, cuyos huesos permanecen todavía enterrados en una cuneta. Acercarse a su figura, a lo que fue, siempre es problemático. Y Juan Diego Botto lo sabía.

Pero después de ver 'Una noche sin luna' podemos afirmar que nunca nadie, al menos en lo que llevamos de siglo XXI, se había aproximado al Lorca hombre con el tacto, la soltura, el conocimiento y el saber estar del actor. Porque esta obra es una lección de interpretación bestial, de cómo un ser humano se transforma en otro y nos deja boquiabiertos desde el minuto 1 al minuto 105, a esa hora y tres cuartos en que Botto camina hacia Lorca y Lorca pasa a la piel de Botto y de cada uno de los espectadores.

El Clotilde Fest regresa un año más con conciertos gratuitos en el Palau Robert durante el verano; con esta edición, ya serán ocho de música al aire libre en este edificio de Barcelona que cuenta con un jardín y exposiciones que merece la pena visitar.

Concretamente, las actuaciones tendrán lugar entre el 18 de junio y el 9 de julio, y están dirigidas principalmente a un público juvenil. En total, se harán cuatro noches de conciertos con artistas como Maria Jaume, Els Amics de les Arts y Suu, entre otros. 

Las noches de los viernes en La Pedrera se llenan de jazz con una nueva edición del Talents Jazz, el ciclo que da visibilidad a las nuevas generaciones de músicos de la escena local. Del 29 de mayo al 31 de julio, la azotea del emblemático edificio de Gaudí acoge once conciertos protagonizados por artistas del Conservatori del Liceu, el Taller de Músics Escola Superior d'Estudis Musicals (ESEM) y la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC).

El festival se ha consolidado como una plataforma para descubrir proyectos emergentes, conectar a jóvenes músicos con profesionales consolidados y dar impulso a las futuras voces del jazz, en un formato de proximidad que combina música en directo y una vista espectacular de Barcelona. Este año, además, llega con una novedad destacada: la creación de la Big Band Talents Jazz, formada por alumnado de los tres centros participantes.

La entrada general, de 42 euros, incluye el acceso al desván del edificio, el concierto y una copa de cava.

Seguro que cuando pensáis en música australiana os vienen a la cabeza nombres como Nick Cave, INXS, The Church, The Go-Betweens y Kylie Minogue, pero tal como pasa aquí, el país de los canguros también cuenta con una escena independiente rica, variada y vibrante. Con el objetivo de darla a conocer, la sala Heliogàbal de Barcelona acoge el 27 de junio un triple concierto con artistas de Australia que tienen vínculos con Catalunya: John Kennedy y los Nuevos Originales, Murray and The Movers y Peter Loveday.

John Kennedy, que actualmente vive en Sitges, inició su trayectoria musical entre Brisbane y Sydney al frente de formaciones como JFK and the Cuban Crisis y John Kennedy’s Love Gone Wrong. Después de años de girar por todo el mundo defendiendo un estilo propio que él mismo bautiza como urban and western, actúa bajo el nombre de John Kennedy y Los Nuevos Originales acompañado de Paco Peñaranda.

Desde Sydney, Lizzie Mack y Murray Cook fusionan el carácter australiano con el Americana: un viaje sonoro que transita por el country, el blues pantanoso y los sonidos de raíz. Como curiosidad histórica, Cook es conocido por haber sido uno de los miembros fundadores del famoso grupo de música infantil The Wiggles.

Cierra el cartel Peter Loveday, un cantautor que dio sus primeros pasos con la banda de Brisbane Birds Of Tin antes de instalarse en Londres para fundar Tiny Town. Su vínculo con Barcelona es de largo recorrido, ya que la ciudad es ahora su residencia actual y el centro de su actividad artística. Su último trabajo discográfico, The man who loved flowers (2026), cuenta con la colaboración de David McClymont, exmiembro de la mítica banda escocesa Orange Juice.

Barcelona celebrará la Fiesta del Tour de Francia del 26 de junio al 5 de julio con más de 60 actividades. Habrá propuestas de todo tipo para vivir el Grand Départ, es decir, la salida del Tour, en todos los distritos. Y, sobre todo, habrá conciertos gratis en la plaza de la Catedral y en la plaza Margarida Xirgu (Montjuïc), con actuaciones de Doctor Prats, Suu, Sexenni, 31 FAM, Sidonie, Ladilla Rusa o Joan Garriga, entre otros.

Esta gran fiesta para dar el pistoletazo de salida del Tour de Francia 2026 incluirá la presentación de los equipos (que provocarán estas afectaciones en la ciudad), exposiciones temáticas y la instalación de 10 maillots gigantes en los distritos.

La celebración terminará con las primeras etapas del Tour: la contrarreloj por equipos del 4 de julio por las calles de Barcelona y la llegada de la segunda etapa a Montjuïc el 5 de julio.

Así que, para que no te pierdas ningún concierto, a continuación te dejamos una lista donde los puedes consultar. La entrada es completamente libre y gratuita, y no hace falta realizar reserva previa.

El dembow más crudo y sin filtros de Tokischa hará parada en Barcelona este verano. La dominicana actua el 1 de julio en Razzmatazz, dentro de una gira que también pasará por Madrid el día antes.

Con un estilo que desafía cualquier etiqueta, Tokischa se ha convertido en un fenómeno global gracias a la mezcla de dembow, trap latino y unas letras que oscilan entre la provocación y la crítica social. Su estilo rompe normas y juega con los límites, conectando con una generación que busca referentes más libres y sin filtros.

Diferentes colaboraciones que ha realizado con artistas reconocidas como Rosalía, Madonna y Arca han ayudado han demostrado su capacidad y han hecho crecer su trayectoria. Con su álbum debut, 'Amor & droga' (2026), ha acabado de consolidar una identidad propia.

Van Morrison volverá a rugir en Barcelona casi diez años después de su última visita. El concierto del "León de Belfast", que se celebrará el 3 de julio de 2026 en el Auditori del Fòrum, se enmarca en la nueva edición del Festival de Jazz de Barcelona, que celebra 60 años y se suma a un programa que se alarga hasta finales de noviembre, donde destacan Marco Mezquida, Andrea Motis, Pat Metheny, Marcus Miller, Michel Camilo, la Barcelona Jazz Orquestra, Branford Marsalis y el proyecto jazzístico de Ramon Mirabet.

El norirlandés, de 80 años, es famoso por discos como Astral weeks (1968) y Moondance (1970), pero no deja de publicar nueva música. Este 2026 ha lanzado Somebody tried to sell me a bridge (2026), un álbum de blues que incluye colaboraciones con Elvin Bishop, Taj Mahal y Buddy Guy. Tan esquivo con el público como serio con su música, Morrison es una leyenda viva del soul y alternará canciones de su nuevo trabajo con clásicos de su famoso cancionero.

Dale, Don, dale. El cantante puertorriqueño Don Omar, estrella del reggaetón conocida mundialmente por esta canción y otras como Danza kuduro, Dile, Bandoleros (con Tego Calderón) y Salió el sol actuará en Barcelona este verano en un concierto en el Estadi Olímpic Lluís Companys el 23 de julio, dentro del Cook Music Fest Special Edition, tras la espectacular demanda de entradas para fechas anunciadas anteriormente como las de Tenerife y de Sevilla, los días 16 e 18, respectivamente.

Omar llega tras el éxito de la gira norteamericana Back to Reggaeton en América del Norte, y promete una gran fiesta con las canciones más emblemáticas, con visuales y la presencia de otros artistas.

El icono del pop británico Steven Patrick Morrissey regresa a Barcelona. El cantante actuará el 25 de julio en el Poble Espanyol dentro del ciclo Barts Festival, en un concierto que llega más de una década después de su última visita a la ciudad. Unos días más tarde, también pasará por Madrid, el 29 de julio.

El exlíder de The Smiths continúa así con la gira de presentación de su decimocuarto álbum Make-up is a Lie (2026). Pero sin dejar de lado grandes himnos que han definido su trayectoria y el pop británico, tanto con el grupo con This charming man o There is a light that never goes out; como en solitario con Everyday is like sunday o First of the gang to die. Esperemos que no haya imprevistos de última hora y pueda dormir bien para que no pase como en Valencia.

El festival Mas i Mas nació en Barcelona hace más de veinte años para llenar el mes de agosto de música en directo, un mes en el que tradicionalmente la ciudad se vaciaba de actividad cultural. Durante todo este tiempo, ha ido creciendo y ahora encara la edición más ambiciosa –la 23ª–, con una cuarentena de conciertos durante seis meses –del 1 de abril al 6 de septiembre– en varias salas de Barcelona, las 1 y 3 del Jamboree –que és la sede del festival–, el Palau de la Música, la sala 2 de Razzmatazz, La Paloma y Paral·lel 62. 

Inaugurarà el festival la vibrafonista californiana Sasha Berliner, el miércoles 1 de abril en el Jamboree, pero hay muchos otros nombres internacionales en el programa. Y el jazz es la columna vertebral del programa, por supuesto, pero hay más. Por ejemplo, el nigeriano Seun Kuti, representante del afrobeat, género del que su célebre padre Fela Kuti fue pionero, con su grupo Egypt80; esto será el 7 de mayo en Razzmatazz 2.

También estarán Ghost-Note, la banda de funk, jazz y hip-hop liderada por el batería y el percusionista de Snarky Puppy, Robert Sput Searight y Nate Werth, que llegan con un elenco de músicos que han trabajado con artistas como Prince, Snoop Dogg, Kendrick Lamar, Herbie Hancock y Erykah Badu, el 6 de julio en el Jamboree; y la cantante de soul y R&B brasileño-noruega Charlotte Dos Santos, el 16 de mayo también en el sótano de la plaza Reial. 

El Guitar BCN 2026 incluye tres noches en el Palau Sant Jordi, el recinto cubierto más grande de la ciudad. Los encargados de llenarlo serán Amaral, cerrando su gira Dolce Vita Tour en diciembre; el fenómeno hip-hop Hijos de la Ruina (Natos, Waor y Recycled J), que llevarán sus beats masivos en mayo; y la cantautora canaria Valeria Castro, que ha pasado del Auditori Fòrum al Sant Jordi en tiempo récord.

El festival empieza con Bebe en Razzmatazz (8 de enero), Duncan Dhu en el Palau de la Música (15 de enero) y Alcalá Norte, la banda del momento de la escena post-punk madrileña, en el Sant Jordi Club (24 de enero). El hermano pequeño del Sant Jordi también acogerá al dúo Marlena y a los granadinos La Plazuela, que presentarán su esperado segundo disco con su fusión de flamenco y electrónica. También en el Sant Jordi Club, Iván Ferreiro hará un repaso a su trayectoria, desde la época de Los Piratas hasta la actualidad.