Cosas para hacer en Barcelona en mayo

¿De qué va? Pintor, poeta, crítico de arte, activista y agitador cultural. Todas las caras de Josep Maria de Sucre salen a la luz en la exposición que los Espais Volart de la Fundació Vila Casas dedican a esta polifacética (e injustamente olvidada) figura de nuestra cultura, coincidiendo con el 140.º aniversario de su nacimiento.

¿Por qué hay que ir? Desde los rostros expresivos y primitivistas que pintaba partiendo de la miseria y el sufrimiento humano que vivió ejerciendo de oficial criminalista en los Juzgados de Barcelona, hasta la numerosa documentación que lo sitúa como uno de los más importantes promotores e impulsores de la modernidad en Cataluña, la muestra profundiza en esta doble cara: del promotor artístico-social al pintor lleno de intensidad expresiva.

¿De qué va? Los Espais Volart de la Fundació Vila Casas transforman las más de seis décadas que Romà Vallès dedicó al arte en una exposición. Vallès fue una de las voces más destacadas del informalismo catalán y siempre apostó por la modernidad y la experimentación, alejándose de las modas. Bajo el comisariado de Conxita Oliver y Bel Vallès, la muestra nos permite descubrir facetas más desconocidas del artista, como su vertiente pedagógica, interesada en el arte infantil y en la educación visual.

¿Por qué hay que ir? A Romà Vallès (Barcelona, 1923-2015), la figuración se le quedaba corta para plasmar en el lienzo todo lo que él quería expresar. Pasó toda su trayectoria buscando ese “horizonte abstracto” que ahora sirve de título a la exposición que lo reivindica como una figura clave para la renovación de la vanguardia catalana de la segunda mitad del siglo XX. Desde su rechazo al academicismo en la Escola Superior de Belles Arts de Sant Jordi, pasando por sus primeras obras influidas por Cézanne y Picasso, hasta el momento crucial de 1955, cuando pinta su primera pieza abstracta tras un viaje decisivo a París.

¿De qué va? “Las esculturas deben estar al aire libre, en medio de la naturaleza”, pontificaba Joan Miró. La nueva muestra hace realidad este deseo con la apertura del histórico Jardí dels Xiprers de Montjuïc, un espacio que hasta ahora solo era visitable dentro de algunas actividades puntuales del programa de la Miró. El jardín, diseñado por J.C.N Forestier, e integrado dentro del trazado histórico de los Jardines de Laribal, ahora será una sala expositiva más y formará parte del recorrido de la colección. Por este motivo, se ha instalado la escultura Dona (1970), una pieza de bronce que, en este caso, es un ejemplar póstumo que se hizo en el año 1997 con la financiación de la Diputació de Barcelona y que se fundió en Verona, en la Fonderia Artistica Bonvicini. La obra de arte dialogará con el resto de piezas de la exposición, pero también con los cipreses del jardín, que simbolizan la conexión entre el cielo y la tierra, una idea que Miró trataba de plasmar en su arte.  

¿Por qué hay que ir? Esta relectura de la colección lleva el nombre de Joan Miró. Cercles, que hace referencia a los procesos de pensamiento y de creación del artista, pero también a una carpeta de trabajo de Miró, fechada en los años 50. En esta carpeta, que se expone por primera vez en la Fundació, Miró relacionaba imágenes del cosmos con formas circulares que el ser humano había dejado plasmadas en manifestaciones culturales de todo tipo. La carpeta también demuestra que Miró creaba siempre en relación al espacio: esta es, de hecho, la tesis de la exposición que se sostiene en las investigaciones de la artista e investigadora Marta Ricart, comisaria de la muestra junto con Montaner, y ganadora de la beca Pilar Juncosa 2016.

¿De qué va? “Si Gaudí estuviera vivo hoy, trabajaría con los materiales más innovadores posibles y, por lo tanto, seguro que le interesaría el arte digital”. Maria Bernat es la directora de Casa Batlló Contemporary, un nuevo espacio situado en la segunda planta de este emblemático edificio del Passeig de Gràcia que nació con un objetivo claro: fusionar el legado gaudiniano con el arte de vanguardia y las nuevas tecnologías. Ahora, el espacio se ha aliado con la Fundació Joan Miró para estrenar una exposición inmersiva que explora las conexiones entre la obra de Gaudí, Miró y Joaquim Gomis gracias al uso de la fotogrametría y la inteligencia artificial. 

¿Por qué hay que ir? La exposición lleva el título de Gaudí-Miró-Gomis: Deconstructed y cuenta con la participación del estudio creativo londinense Tomorrow Bureau. Ellos han sido los encargados de digitalizar una selección de esculturas de Joan Miró y de fotografías de Gomis, cruciales para entender la obra de Antoni Gaudí. El resultado son dos piezas de arte digital inmersivo: Miró – Unearthed, que revela detalles, texturas y secretos materiales invisibles al ojo humano de la obra de Joan Miró, y Gomis – Living Archive, que convierte las fotografías que Gomis hizo de la arquitectura gaudiniana en nuevas composiciones visuales y las acompaña de una atmósfera sonora inmersiva grabada por toda Cataluña. 

¿De qué va? La belleza es un tema que nos obsesiona. Como una sombra o un elefante rosa que nos persigue allá donde vamos, pero que en realidad entendemos muy poco y que es difícil encajar dentro de un solo cajón. Quizá porque hay muchos donde colocarla. Esa es la intención de El culto a la belleza, una exposición en el CCCB que puede visitarse hasta el 8 de noviembre y que huye de encerrar la belleza en una única caja; y si lo hace, es a la manera del gato de Schrödinger: está viva y muerta al mismo tiempo y todas las posibilidades permanecen latentes.

¿Por qué hay que ir? Una muestra tan bella como inquietante que recorre la evolución de los ideales de belleza a lo largo de la historia, analiza cómo se han construido los cánones estéticos y reivindica los cuerpos y las bellezas excluidos de la norma. Pone en diálogo obras de arte, documentos, objetos históricos e instalaciones contemporáneas para abordar cuestiones como el estatus, la salud, la edad, el género o la raza. Presenta, entre otras, obras de William Hogarth, Angelica Dass, Laura Aguilar, Juno Calypso, Zed Nelson, Shirin Fathi, Narcissister, Ismael Smith, Isidre Nonell, Josep Masana, Colita, Sandra Gamarra, Esther Ferrer, Regina José Galindo, Maria Alcaide, Colectivo Ayllu, Lorenza Böttner, Marina Vargas, Arvida Byström, Harriet Davey o Renaissance Goo x Baum & Leahy.

¿De qué va? La nueva exposición gratis del museo: cerámica de Picasso y antiguedades de Chipre. Además de la iniciativa de Picasso Convida, el museo estrena una nueva exposición que siempre es gratis. Se llama Picasso Chipre. Encuentros con la cerámica del Mediterráneo y mezcla piezas del artista con antigüedades chipriotas para mostrar sus similitudes. 

¿Por qué hay que ir? Para descubrir por qué aunque Picasso nunca visitó Chipre, el artista se inspiró en objetos de ese país que vio en museos como el Louvre, y se dejó fascinar por el arte antiguo, su hibridación y su capacidad de mezclar el mundo humano y el natural. Esta muestra, gratuita con reserva previa, expone una selección de obras de toda Europa, así como del museo Picasso de Barcelona y del Departamento de Antigüedades de Chipre.

¿De qué va? En Señala un punto (fuera del perímetro de la sección de un árbol para indicar que viene del futuro), la nueva exposición de Lúa Coderch en Can Framis – Fundació Vila Casas (que puede visitarse hasta el 11 de octubre), el ojo deja de ser un instrumento de visión para convertirse en un espacio de apariciones. El recorrido comienza antes de entrar en la sala y se despliega dentro de esta cavidad simbólica: un interior habitado por visiones incompletas, espectros y formas que todavía no tienen nombre.

¿Por qué hay que ir? La muestra parte de una intuición sencilla pero inquietante: en un momento en el que parece que todo es visible, quizá lo que escasea no son las imágenes sino la capacidad de imaginarlas. Y frente a este agotamiento, Coderch no propone recuperar una mirada original, sino prestar atención a aquello que todavía no sabemos ver.

De qué va? El Centre d’Arts Santa Mònica acoge El asalto de la ilusión, que se puede visitar hasta el 27 de septiembre, una exposición coral que reúne trabajos de diversos artistas para analizar cómo el arte ha contribuido a construir aquello que entendemos como realidad. A través de una puesta en escena cambiante y llena de trampas visuales, la muestra conecta técnicas históricas de representación con problemáticas actuales como la posverdad, la manipulación mediática o la irrupción de la inteligencia artificial.

¿Por qué hay que ir? La exposición está concebida como un recorrido en constante movimiento. Espejos, velos y paredes móviles configuran un espacio que se transforma a medida que el visitante avanza, generando una sensación de inestabilidad que afecta directamente a la percepción. Pintura, fotografía, vídeo e instalación conviven en un mismo itinerario, poniendo de manifiesto cómo cada lenguaje construye una idea distinta de realidad.

¿De qué va? El proyecto de la artista Anna Moreno que revisita algunos de los proyectos utópicos de los años setenta impulsados por el arquitecto Ricardo Bofill. A través del cine, la instalación y la investigación artística, la exposición plantea una reflexión sobre las tensiones entre las aspiraciones utópicas de la arquitectura moderna y las realidades sociales y políticas que a menudo impidieron su materialización.

¿Por qué hay que ir? El proyecto toma como eje central el film The Terminal Beach, que documenta el estado actual de un asentamiento nómada construido en 1979 en el desierto argelino por el estudio de Ricardo Bofill. Este proyecto, concebido dentro del periodo más experimental del arquitecto, quedó inconcluso y ejemplifica las contradicciones entre el sueño utópico y la realidad política y social de la época.

¿De qué va? Hasta el 28 de septiembre, el MACBA acoge Prisioneros del amor. Hasta el sol de la libertad, la primera exposición en España de los artistas Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme. La muestra reúne obras que recorren casi dos décadas de su trayectoria y reflexionan sobre la memoria, el exilio y las formas de resistencia frente a la opresión y el expolio de Palestina.

¿Por qué hay que ir? A través de voces, canciones, sonidos e imágenes, los artistas conectan experiencias personales con historias colectivas de lucha y, en una aparente paradoja, ponen el acento en la importancia de la alegría, del amor y de la imaginación colectiva como formas poderosas de resistencia, incluso —y sobre todo— en condiciones extremas.

¿De qué va? 17 de agosto de 2017. Una furgoneta embiste a decenas de personas que pasean por la Rambla de Barcelona. El caos y el pánico se apoderan de la ciudad. Inmediatamente, los Mossos d'Esquadra relacionan el ataque con la explosión del día anterior en una vivienda de Alcanar y, conscientes de que están ante un salvaje atentado terrorista, activan el dispositivo Cronos para capturar al conductor asesino, que en la huida matará a otro joven para robarle el coche. La madrugada siguiente, otros miembros de la misma célula yihadista atacan el paseo marítimo de Cambrils, dejando aún más víctimas. Abatidos los terroristas, el balance es de 16 muertos y más de 130 heridos, y un trauma social que todavía dura.

¿Por qué tienes que verla? Por la valentía al poner en imágenes uno de los hechos más impactantes y trascendentes para la sociedad catalana de este siglo. Centrada en la respuesta de los Mossos (Cronos es el nombre del dispositivo que se activaría ante un ataque terrorista consumado o en curso) pero también en la extraordinaria política comunicativa del cuerpo policial (de la que fueron responsables Patrícia Plaja y Marc Homedes, jefes de prensa de Mossos y Protección Civil respectivamente) y en la batalla política por el relato en el contexto del Procés y ante la inminencia del referéndum de independencia. 

El filme también se fija en la conmoción de los ciudadanos de Ripoll cuando descubren que los culpables eran jóvenes aparentemente integrados en la localidad. Uno de los grandes valores de la película es que evita caer en el morbo y es enormemente respetuosa con las víctimas. En el reparto brillan Enric Auquer, Mónica López, Diana Gómez y un Pablo Derqui magnífico en la piel del mayor Josep Lluís Trapero. Rodada en catalán, Cronos está dirigida por Fernando González Molina (3 metros sobre el cielo, Mi querida señorita) y escrita por Alberto Marini (El 47). 

¿Cuándo se estrena? El 4 de septiembre.

Dir.: Fernando G. Molina (España, 2026). 118 min.

¿De qué va? En un idílico barrio residencial estadounidense, un siniestro heladero transforma sus deliciosos productos en un aterrador detonante de violencia extrema que convierte a sus clientes más jóvenes en sádicas máquinas de matar.

¿Por qué tienes que verla? Películas como Cabin fever (2002) u Hostel (2005) y su secuela, situaron al cineasta Eli Roth en el mapa del cine de terror del cambio de siglo. Recuperando el espíritu del terror más explícito de los años 70 y 80, Roth apostaba por una combinación de gore salvaje y visceral con toneladas de humor negrísimo, y una puesta en escena deliberadamente incómoda para los espectadores. 

Ahora, con Dulce sabor a muerte, Roth se mantiene fiel a su manera de entender el género y propone un divertimento pasadísimo de vueltas que bebe de referentes como el giallo italiano y el slasher estadounidense de serie B, y que apuesta por la transgresión convirtiendo a los niños en terroríficas armas letales (ojo a la brutal secuencia de la masacre), siguiendo los pasos de la extraordinaria ¿Quién puede matar a un niño? (1976), de Chicho Ibáñez Serrador. Una burlesca fiesta de sangre no apta para público sensible.

¿Cuándo se estrena? El 4 de septiembre.

Dir.: Eli Roth (EE.UU., 2026). 86 min.

¿De qué va? Un joven músico de Mánchester se obsesiona con encontrar a la chica de sus sueños, después de que ella le haya dado un número de teléfono equivocado durante un encuentro casual. En su búsqueda por el campus universitario, el chico tendrá como cómplice a una estudiante de psicología, que le sugerirá enviar un mail a las 318 Emily matriculadas en la facultad. Esta no será, probablemente, la mejor de las ideas...

¿Por qué tienes que verla? Si sois fans de clásicos de la comedia romántica británica como Cuatro bodas y un funeral (1993) o Notting Hill (1999), esta es vuestra película, por cierto también producida por Working Title. Ahora bien, aunque Buscando a Emily abrace el género, los tiempos han cambiado, y se impone un cambio de perspectiva respecto a las relaciones tóxicas y a las acciones que antes se consideraban románticas y ahora se ven, directamente, como muestras de acoso. 

Sobre todo ello reflexiona este filme dirigido a la Generación Z, lleno de calidez y referencias, con guiños a la emblemática escena musical de Mánchester, y con una pareja protagonista con mucha química formada por Angourie Rice y Spike Fearn.

¿Cuándo se estrena? El 11 de septiembre.

Dir.: Alicia MacDonald (Reino Unido, 2026). 111 min.

¿De qué va? Mientras transporta un órgano hasta el hospital de Raccoon City, un mensajero atropella accidentalmente a una mujer. Buscando ayuda por los alrededores de la carretera nevada que atravesaba, el joven llega hasta una casa aparentemente abandonada donde descubrirá la existencia de un peligro inimaginable.

¿Por qué tienes que verla? Si tras la sorprendente Barbarian (2022) llegó el fenómeno de Weapons (2025), es evidente que el hype se dispararía con el tercer largometraje de Zach Cregger, una de las nuevas voces del cine de terror que han llegado para renovar el género (como Kane Parsons en Backrooms o Curry Barker en Obsession). 

Nadie se esperaba que un cineasta con tanta personalidad hiciese una elección nada obvia para continuar su carrera: resetear una franquicia tan exitosa como la de Resident Evil, adaptación de los videojuegos de Capcom. Cregger asegura que pretende reproducir la misma experiencia del juego en el lenguaje cinematográfico, haciendo avanzar la trama como si el protagonista (un fantástico Austin Abrams, el yonqui de Weapons) fuese superando pantallas mientras intenta sobrevivir a los no-muertos. Aunque renueva completamente los personajes y tramas del videojuego, el cineasta sí hace inevitables guiños a elementos muy reconocibles para los gamers. En definitiva, una de las películas del año.

¿Cuándo se estrena? El 18 de septiembre.

Dir.: Zach Cregger (EE.UU., 2026). 95 min.

¿De qué va? Una abogada especialista en cobrar deudas recibe el encargo de recuperar mil millones de dólares robados por un capo de la mafia. Con un equipo encabezado por dos mercenarios exagentes encubiertos, el grupo se pondrá manos a la obra y diseñará un plan peligroso y lleno de ingenio que volverá loco al poderoso delincuente.

¿Por qué tienes que verla? Porque siempre tiene que haber tiempo para el entretenimiento ligero y, en eso, Guy Ritchie es un maestro. Siguiendo la línea de películas suyas como Operación Fortune (2023) u Operación U.N.C.L.E. (2015), el cineasta británico propone una aventura tan divertida como intrascendente, visualmente glamurosa y planteada como una película de atracos al estilo Misión imposible. Ritchie se pone en manos de una pareja protagonista con el atractivo y el carisma de Jake Gyllenhaal y Henry Cavill, que reproducen constantes de las clásicas buddy movies de los 80 y 90. Rodada en gran parte en Canarias, cuenta con Carlos Bardem como villano. En la zona gris es, en definitiva, una distracción desenfadada sin demasiadas pretensiones.  

¿Cuándo se estrena? El 18 de septiembre.

Dir.: Guy Ritchie (Reino Unido, 2026). 98 min.

¿De qué va? Tras fracasar repetidamente en sus persecuciones e intentos de caza del Correcaminos, y atribuyéndolo a que los productos diseñados por ACME Corporation son defectuosos, un desesperado Wile E. Coyote decide demandar a la compañía y contrata a un abogado. 

¿Por qué tienes que verla? Aunque es materialmente imposible evocar el espíritu desquiciado de los Looney Tunes, aquellos icónicos dibujos animados que marcaron a varias generaciones de niños, Coyote vs. ACME quiere ser un sentido homenaje a las peripecias del Correcaminos y el Coyote. Trasladadas a una mezcla de animación e imagen real al estilo de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? o Space Jam, la película que nos ocupa apuesta por la comedia judicial repleta de gags visuales y referencias a los cartoons originales. 

Con Will Forte y John Cena como protagonistas humanos, los resultados no consiguen recuperar aquella anarquía efervescente, pero el filme funciona como ejercicio de nostalgia y resulta divertido. Y ojo con la aparición de personajes animados haciendo cameos y de detalles ocultos en cada rincón de la pantalla... Los fanáticos de aquellos magistrales Looney Tunes os lo pasaréis en grande.

¿Cuándo se estrena? El 18 de septiembre.

Dir.: Dave Green (EE.UU., 2025). 101 min.

¿De qué va? Ante una complicada situación en casa, una niña de 10 años encuentra refugio en una anciana cascarrabias que vive aislada en pleno Montseny y a la que todo el mundo tiene por bruja. Entre ambas comenzará una relación muy particular que se irá haciendo cada día más estrecha.

¿Por qué tienes que verla? Porque no hay tantos estrenos específicamente dirigidos a un público familiar. Esta adaptación de la novela juvenil homónima de Núria Albó (icónica desde que ganó el premio Barco de Vapor en 1984) acerca un tema tan delicado como el duelo perinatal a públicos de todas las edades, evitando infantilizar a su audiencia. A pesar del dolor que atraviesa la historia, Tanit adopta formas de luminoso coming-of-age y pone el foco en el vínculo de amistad y aprendizaje en la relación entre una niña y una anciana, a las que interpretan la sorprendente debutante Dolça Salvans y la veterana Isabel Rocatti (vista recientemente en Cowgirl). Dirigida por Pep Garrido y con banda sonora original de Clara Peya, esta película catalana y en catalán es una buena apuesta para compartir intergeneracionalmente.

¿Cuándo se estrena? El 18 de septiembre.

Dir.: Pep Garrido (España, 2025). 100 min.

¿De qué va? A 72 horas del día D, el capitán James Stagg, jefe del servicio meteorológico contratado por Winston Churchill, tiene que hacer el pronóstico del tiempo más trascendental de la historia. Porque de las condiciones climáticas que marquen los mapas dependerá que el general Dwight D. Eisenhower active un arriesgado plan antes de que los servicios de inteligencia alemanes descubran sus intenciones. La palabra de Stagg será clave, pues, para ordenar el Desembarco de Normandía, paso previo a la derrota nazi en la Segunda Guerra Mundial. 

¿Por qué tienes que verla? Por el duelo interpretativo entre Brendan Fraser y un extraordinario Andrew Scott. En un nuevo camino profesional después de su Oscar por La ballena (aunque el año que viene volverá al universo The mummy, la saga que lo lanzó a la fama), Brendan Fraser da vida a Eisenhower, quien después sería presidente de los Estados Unidos.

Pero es Andrew Scott (el Moriarty de la serie Sherlock, inolvidable también en Fleabag) quien se luce llevando el peso de la trama sobre sus espaldas.  Tiempo de victoria se basa en una aplaudida obra de teatro de David Haig, y eso se nota en su apuesta por largas escenas muy dialogadas que ponen el foco en el elenco interpretativo (también aparecen Kerry Condon y Damian Lewis, el pelirrojo de Homeland), pero el cineasta Anthony Maras es muy hábil a la hora de darle un look cinematográfico a su absorbente planteamiento, y hace un excelente uso de imágenes de archivo. Una fantástica propuesta para los interesados en la Historia en mayúsculas del siglo XX.

¿Cuándo se estrena? El 18 de septiembre.

Dir.: Anthony Maras (Reino Unido, 2026). 100 min.

¿De qué va? Acompañado de su antiguo perro de combate, un oficial retirado de las Fuerzas Especiales del Ejército intenta sobrevivir a los peligros de la naturaleza salvaje de Alaska tras sufrir un terrible accidente de aviación. Lobos, puentes destartalados y ríos con corrientes letales pondrán hasta el límite al militar y a su inseparable compañero peludo. 

¿Por qué tienes que verla? Con toda seguridad, la inclusión de esta película en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián y la anunciada visita de Brad Pitt a Euskadi abrirá informativos y activará a sus fans, multiplicando sus ganas de disfrutar con esta historia de la que el actor es protagonista total y absoluto. En su segunda colaboración con el director David Ayer tras Corazones de acero (2014), se nos promete una sobredosis de tensión. Más allá de la esencia survival de la película, el cineasta también se esfuerza en potenciar el profundo vínculo emocional entre el protagonista y Odín, el precioso pastor australiano que le acompaña en una peligrosa batalla contra los elementos. Un relato que promete espectacularidad, ataques de nervios y alguna que otra lagrimita. 

¿Cuándo se estrena? El 25 de septiembre.

Dir.: David Ayer (EE.UU., 2026). 101 min.

¿De qué va? Las vidas de tres hombres en la España de tres épocas diferentes (1932, 1937 y 2017) se interconectan a través de la sexualidad y el deseo, del dolor y la herencia. Un joven burgués a quien prohíben entrar al Casino de Granada por su orientación sexual, un soldado del ejército franquista enamorado del héroe republicano capturado al que vigila y, ocho décadas más tarde, un escritor con una relación traumática con su madre y con el abuelo por el que nunca preguntó. 

¿Por qué tienes que verla? Por el histórico premio a Mejor Dirección en el Festival de Cannes, con larguísima ovación incluida, que supone un enorme salto adelante para los Javis (que compartieron galardón ex aequo con Pawel Pawlikowski). Los directores de La Mesías o La llamada se sitúan al frente de la creatividad del cine español con un ejercicio sobre la identidad, la memoria y los muertos en las cunetas, la libertad sexual y la represión, que toma su título de la obra homónima inacabada de Federico García Lorca. Las cuatro páginas que se conservan inspiran parte de La bola negra, así como la obra teatral La piedra oscura, del dramaturgo Alberto Conejero (que participa en el filme como coguionista). 

De hecho, Lorca es el eje conductor, narrativo y emocional, de los tres relatos que componen el rompecabezas planteado por los Javis. Con un poderoso mensaje contra los fascismos y la voluntad de explicar a las nuevas generaciones quién y por qué mataron al poeta, los Javis hacen todo un despliegue de recursos visuales y sensoriales. La película cuenta con un potentísimo reparto en el que brillan los debutantes Milo Quifes y Guitarricadelafuente (que también ha compuesto una canción original para el filme), Carlos González (el Bob Pop de Maricón perdido), Lola Dueñas, Glenn Close y una Penélope Cruz que interpreta a una cupletista y canta y baila subida a un tanque. Sin duda, una de las grandes películas del año.

¿Cuándo se estrena? El 25 de septiembre.

Dir.: Javier Calvo y Javier Ambrossi (España, 2026). 155 min.

Nos acaba de dejar el maestro de críticos Marcos Ordóñez, que defendía el género de la comedia como una “opción vital y moral”. Para mostrar las tensiones de la vida contemporánea resulta oportuno visitar el claustro de un instituto conflictivo o, mejor dicho, “de alta complejidad”, siguiendo la broma de los eufemismos que recorre la pieza.

De la dramaturga Eu Manzanares –Dopaland, El mestre i el mar– podemos esperar piezas atentas a las desigualdades de poder, y ahora apunta a las contradicciones del sistema educativo. A su lado, el prolífico director Nelson Valente –El loco y la camisa– vuelve a un terreno que domina, la comedia de situación y los grupos humanos llevados al límite.

Dos meses y medio después del estreno, ya sin el calor del Teatre Grec, la controversia de L'òpera de tres rals de Marta Pazos llega al Lliure más ligera. A pesar del rodaje, la épica de la caída de Mackie el Navaja sigue sin cortar lo suficiente. En la obra que inaugura el cincuentenario del teatro, el gris se impone: domina la escenografía y el vestuario, impregna también las palomas, leitmotiv visual que acentúa la monotonía. La vedette Marta Bernal recibe al público con desparpajo cabaretero, pero la promesa de romper la cuarta pared se desvanece cuando el espectáculo se cierra sobre sí mismo.

En la Fabià Puigserver, la cercanía refuerza el magnetismo plástico de la propuesta. Pazos lleva a Brecht y Weill hacia un universo entre el expresionismo alemán y el formalismo escénico de Robert Wilson, con maquillajes arlequinescos y cuerpos de dibujo animado. Las coreografías de Mabel Olea, basadas en la deformación y los movimientos de autómata, completan un lenguaje corporal exigente que el conjunto no siempre resuelve con precisión.

Si hay algún género teatral que todos los catalanes dominamos, nos dediquemos o no profesionalmente a la interpretación, es el de las comidas familiares. Cada uno conoce sus cosas, pero quien más quien menos domina la liturgia implícita de la ocasión, saca sus mejores armas para sobrevivir a la comida y hace las filigranas necesarias para abordar o evitar temas concretos. Como todo ello nos resulta familiar –nunca mejor dicho–, subirlo al escenario funciona de maravilla.

Y más si es con un reparto encabezado por Emma Vilarasau y Jordi Boixaderas, los padres de una familia convencional que han dado un giro a su vida y se han marchado de la ciudad para perseguir la fantasía eco con la que todo urbanita ha hecho castillos en el aire alguna vez. Les acompañan, con casi el mismo grado de protagonismo, Sara Espígul, Miranda Gas y Júlia Bonjoch, que son sus tres hijas, y Arnau Puig, Marc Bosch y Tai Fati, que hacen de parejas de las hijas. Y este elenco, precisamente, es uno de los principales aciertos del montaje. No solo porque todos ellos son profesionales excelentes y sólidos, sino porque es tan coral que resulta imposible decir quién es el protagonista de la historia.

Seis horas de teatro, sí. Seis horas de hombres hablando sobre derechos, libertades, homosexualidad y compasión, exactamente. Ese es el reto de L'herència: querer entrar en este mundo levantado por Matthew López y no tener intención de marcharse. Seis horas en las que nos adentraremos en las vidas de Eric Glass, Toby Darling, Walter Poole, Adam MacDowell y Henry Wilcox, viajaremos a los años 80, a Nueva York, en plena brutal epidemia del sida, y volveremos a nuestro tiempo, al final del segundo mandato de Barack Obama y al primero de Donald Trump, en un viaje de ida y vuelta que nos hará soltar alguna lágrima. Porque quizás no sepamos nada de todo aquello, o quizás lo hayamos olvidado.

“¿Qué es un artista?” se pregunta el propio Oscar Wilde a través de la voz y el cuerpo de Àngels Gonyalons en un prefacio que nos advierte que los textos no son morales o inmorales: solo están o bien o mal escritos. El autor será el narrador de su propia historia y, estos días en el Romea, lo hace a través de una de las mejores dicciones de Catalunya.

El despliegue de talento de Gonyalons es de nota, hace casi todos los papeles: también es Dorian Gray, el protagonista obsesionado con su belleza y juventud; Basyl Hayward, el pintor encargado de retratarlo, Sybil Vane, actriz y el primer gran amor de Dorian; y también Lord Henry, amigo y mala influencia para Dorian.

2025 ha sido, sin duda, el año de Roc Bernadí y de Albert Salazar. Hace unos meses, uno triunfaba con El día de la marmota en el Coliseum y el otro con L'herència en el Lliure. A finales de año les ha tocado compartir escenario y ser, respectivamente, Eddie y Mickey, los hermanos de sangre que creó Willy Russell a principios de los años 80 del siglo pasado; una tragedia griega con todas las de la ley pasada por el tamiz contemporáneo de la diferencia de clases, muy británico y muy de aquella época, inicios del thatcherismo.

El letrista y compositor británico trasladó a la Inglaterra de su tiempo lo que podría haber escrito Esquilo hace 25 siglos. En gran medida, Germans de sang es una Orestíada, con dos hermanos gemelos separados al nacer, cuyo destino hace que, realmente, nunca vivan alejados el uno del otro. Russell fue muy moderno en su época narrando el final cronológico de la historia justo al principio, con la muerte de Eddie y Mickey. La función comienza con los hermanos tendidos en el suelo y su madre cantando ya el hit del musical, No pot ser veritat (Tell me it's not true).

Lo que hace Cristina Clemente en Dones de ràdio es extremadamente complicado, al alcance de muy pocos autores: una comedia a partir de una situación trágica sin perder ni una pizca de sensibilidad por el camino. Sabe que no puede burlarse del cáncer de mama, ni del drama que atraviesan millones de mujeres. Pero puede crear una situación, unos mecanismos, que provoquen esa cosa tan extraña que es reír, o al menos esbozar una sonrisa, mientras lloras.

Y todo esto es posible porque cuenta con un director que se toma muy en serio el teatro y que sabe olfatear los éxitos, que sabe subrayar frases y mover las piezas como un ajedrecista, incluso quien tiene la idea de colocar una gran roca en medio del escenario, sobre la cual girarán sus criaturas. Sergi Belbel, maestro de Clemente, ha asumido el texto como si se tratara de Yasmina Reza o de Neil Simon, como si fuera un clásico contemporáneo, cosa de la que no tengo ninguna duda que Dones de ràdio acabará siendo: con el tirón que tiene la autora en Europa y América Latina, ya deben de estar peleándose por adaptarla.

La aparición de un viejo conocido en una casa que llega para provocar un cataclismo de proporciones diversas es uno de los motores recurrentes del teatro, desde Oncle Vània a Göteborg. Y Lucy Kirkwood utiliza el mismo cebo en Els fills para hacernos zambullir en una obra de gran alcance ideológico y moral sobre la responsabilidad de las generaciones más mayores respecto a las que vienen detrás. Todo lo que plantea es tan vigente que da pavor y no hay nada sobrante en esta obra.

Todo empieza con la llegada de la Rose (Emma Vilarasau) al hogar de la Hazel (Mercè Arànega) y Robin (Jordi Boixaderas). Los tres son físicos, se conocen de toda la vida, pero hace cerca de 40 años que no se ven. No sabremos el motivo de la visita de la vieja amiga hasta el final y será importante. El mundo de la función es un lugar que acaba de sufrir un accidente nuclear y, por lo tanto, podríamos decir que estamos ante una pieza de cariz apocalíptico, de una apocalipsis concreta, incluso cotidiana. Pero Kirkwood es suficientemente hábil para presentarnos tres personajes séniores (están jubilados), con cartas escondidas y una relación íntima para mojar pan.

Tras descubrir el laberíntico cartel de La Mercè 2026 y saber quiénes serán los pregoneros de la fiesta, ya conocemos las actuaciones musicales de esta edición, que se celebra del 23 al 27 de septiembre. En total, hay 109 conciertos en dieciséis escenarios por toda la ciudad, con estilos musicales de todo tipo: desde la prestigiosa Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya hasta el pop más descarado de Svetlana, y propuestas más festivas como La Pegatina y Els Catarres. Este año, además, hay cinco producciones exclusivas que se han creado expresamente para la fiesta mayor de Barcelona. A continuación, todos los detalles y la lista completa con los conciertos, las ubicaciones y los horarios.

Aparte de grandes nombres, la programación también apuesta por el talento local y la tradición. La iniciativa Música Mercè, bajo la dirección artística de Gisela Sais, propone conciertos para reivindicar la rumba catalana de Sabor de Gràcia, el flamenco de María Terremoto y La Barcelona Flamenca, la canción de autor de Luísa Sobral y Nacho Vegas, el rock latinoamericano de Aterciopelados y la psicodelia de Arp Frique, entre otros. Esta propuesta busca conectar la tradición popular con la experimentación.

Disfrutemos de los iconos primigenios del rock mientras sigan en pie. The Damned, la banda fundacional del punk-rock británico –su abracadabrante Damned Damned Damned (febrero del 1977) se publicó diez meses antes que el disco de los Sex Pistols– tocará en Razzmatazz 2 el próximo 26 de septiembre a las 20.30 h.

The Damned llegan en un momento dulce: en plena reivindicación del punk original, celebran cincuenta años de carrera con la formación original casi estable –el carismático Dave Vanian y su majestuosa presencia y vozarrón intactos– y lo hacen con el vigoroso nuevo disco Not Like Everybody Else (2026), un puñado de versiones de clásicos sesenteros del rock inglés.

La 36.ª edición de L’Hora del Jazz – Memorial Tete Montoliu se celebra del 12 de septiembre al 17 de octubre con una programación que lleva el jazz catalán a Barcelona y a diversos municipios del territorio. Organizado por la Asociación de Músicos de Jazz y Música Moderna de Cataluña (AMJM), el festival reúne a 65 músicos y músicas en 17 conciertos que combinan actuaciones gratuitas al aire libre con citas en salas y espacios culturales de toda Cataluña.

La plaza de la Vila de Gràcia sigue siendo el corazón del festival, con seis conciertos gratuitos repartidos los días 13, 20 y 27 de septiembre. En ella actúan las formaciones de Rai Castells Quintet, Marta Garrett 'Assanhado 4tet', Anggie Obin Quintet, el proyecto Avui ha vingut en John, un homenaje al centenario de John Coltrane, Cristopher Perez Quartet y Eva Verde & Danilo Tarso.

Un total de 45 artistas tocarán en 45 salas del territorio entre el 18 de septiembre y el 30 de octubre para celebrar el 150º aniversario de Estrella Damm. La iniciativa, bautizada como Directes Estrella Damm 150, es la excusa perfecta para ver a algunos de los mejores artistas del panorama actual, como Miki Núñez, Svetlana, Queralt Lahoz, Al·lèrgiques al Pol·len, Macaco… y artistas sorpresa que se han anunciado a última hora como Dorian, La Pegatina y Balkan Paradise Orchestra.

Este nuevo ciclo está impulsado por Damm y la Asociación de Salas de Conciertos de Catalunya (ASACC) con la vocación de apoyar y dar visibilidad a las salas de conciertos de proximidad. Para esta ocasión tan especial, el circuito se amplía a todos los Països Catalans e incluye salas de las Islas Baleares (donde tocará Joe Crepúsculo), Andorra (con la actuación de Ketekalles) o la Comunitat Valenciana, donde los mallorquines Fades ofrecerán su concierto en Castelló.

El Guitar BCN 2026 continúa en verano con conciertos de Danny Elfman presentando sus composiciones para pel·lículas de Tim Burton (4 de julio, Auditori del Fòrum), el famoso actor Jeff Goldblum al frente de su the Mildred Snitzer Orchestra (5 de julio, Luz de Gas), el guitarrista Eric Johnson (6 de julio, Razzmatazz 2) y la ex cantante de Mecano Ana Torroja (16 de julio, Palau de la Música).

Después de las vacaciones, también hay conciertos de Fito Páez (3 de septiembre, Palau de la Música), Alex Ubago (17 de septiembre, Palau de la Música), Perotá Chingó (25 de septiembre, Paral·lel 62), Riopy (30 de septiembre, Paral·lel 62), Álvaro García (17 de octubre, Razz 3), Valeria Castro (30 de octubre, Palau Sant Jordi), Jorge Drexler (31 d'octubre, Palau Sant Jordi), Buhos (14 de noviembre, Palau de la Música), Pastora (10 de diciembre, Apolo) y Amaral (18 de diciembre, Palau Sant Jordi).