Cosas para hacer en Barcelona en mayo

CosmoCaixa acoge la exposición Extraterrestres. ¿Hay vida fuera de la Tierra? del 25 de febrero de 2025 al 30 de agosto de 2026: un libro abierto de gran rigor científico que resuelve y pone de manifiesto algunas de las dudas que existen sobre nuestro lugar en el cosmos, què significa vida, o la forma en que la literatura y el cine han construido un imaginario colectivo sobre los extraterrestres. La muestra ha contado con la ayuda y soporte de expertos y asesores científicos. Para ello, se vale de audiovisuales, interactivos, experiencias sensoriales inmersivas y algunos objetos y planos originales de la NASA u otras instituciones de prestigio. Por ejemplo, podréis ver escenografías con maquetas como la del rover Perseverance o la del helicóptero Ingenuity.

¿De qué va? Miró realizó siete viajes a Estados Unidos entre los años 40 y los 60. “Durante aquellos viajes, Miró no hablaba inglés, y los artistas con los que entabló amistad no sabían castellano ni catalán. Por lo tanto, la conversación entre Miró y EE. UU. fue puramente artística”, dice Matthew Gale. Él es el comisario de la exposición Miró y los Estados Unidos que la Fundació Miró, en el marco de su 50.º aniversario, dedica a la relación del artista con ese país que, durante la dictadura franquista, era un faro de libertad creativa.

¿Por qué hay que ir? En la exposición no hay únicamente obras de Joan Miró, sino también de todos aquellos creadores con los que el artista mantuvo intercambios, admiraciones y conversaciones. La muestra investiga la reputación internacional de uno de los artistas más universales de nuestro país, revela las conexiones de Miró con figuras como Mark Rothko, Robert Motherwell, Lee Krasner o Helen Frankenthaler y confirma que la abstracción americana encontró en Miró a un precursor. También se dedica un espacio a los grabados del Atelier 17, el legendario taller de Stanley William Hayter en Nueva York, donde Miró coincidió con artistas como Alice Trumbull Mason o Louise Nevelson.

¿De qué va? El CCCB acogerá, hasta el 25 de mayo, la exposición "Rodoreda, un bosque", dedicada a la radicalidad literaria y al imaginario creativo de la escritora en lengua catalana más importante del siglo XX. Comisariada por la ensayista y crítica literaria Neus Penalba, la muestra pretende alejarse de los tópicos, a menudo edulcorados, que han rodeado su figura y mostrar la faceta más contemporánea de Rodoreda, donde la escritura transita entre el realismo y la fantasía para hablarnos de la inocencia, el deseo, el suicidio, el desarraigo, el escarnio o la metafísica.

¿Por qué hay que ir? La muestra se sirve de la metáfora del bosque para concebir el espacio expositivo. Las salas se conectan orgánicamente, utilizando este símil para explicar la trayectoria de la autora a través de un recorrido por las raíces literarias y la experiencia del desarraigo del exilio, los troncos marcados por la vivencia de la guerra, las ramas que dialogan con la cultura occidental y las copas que rozan el cielo y acogen pájaros. A través de esta estructura se despliegan más de 400 piezas entre obra plástica, instalaciones, documentos y audiovisuales, incorporando originales de la Fundación Mercè Rodoreda.

¿De qué va? El panafricanismo fue un movimiento impulsado hace más de un siglo por artistas e intelectuales de todo el mundo que se hacían la misma pregunta: ¿cómo sería el mundo si todos los pueblos africanos y sus diásporas se hermanaran? La nueva muestra del MACBA nos invita a hacer precisamente eso. Según Elvira Dyangani Ose, directora de la institución y comisaria de la muestra junto con Antawan I. Byrd, Adom Getachew y Matthew S. Witkovsky, las salas del museo se han llenado “del espíritu colaborativo del panafricanismo” y, a través de pinturas, libros, creaciones populares, música, fotografías y vídeos, nos invitan a imaginar un mundo mejor. 

¿Por qué hay que ir? Entrar en las salas del museo es como cambiar de mundo. No de país, ni de continente, ni siquiera de lengua. De hecho, la exposición profundiza en el impacto del panafricanismo en la historia catalana y española y nos revela la presencia de activistas negros en la Barcelona obrera o en el bando republicano de la Guerra Civil. La muestra, entonces, nos hace viajar a otro plano de la realidad que ha existido siempre. Más de quinientos objetos de un centenar de artistas e intelectuales, producidos en África, Europa, América del Norte y América del Sur, nos explican que la historia tiene muchas capas y que no todas aparecen en los libros o en la televisión. Hay relatos censurados y otros que nuestra mirada impregnada de blanquitud no ha sabido ver. Pero las banderas de la primera sala nos reciben con los brazos abiertos y parece que nos digan: ¡bienvenidos a Panáfrica!

¿De qué va? La exposición World Press Photo 2025, organizada por la Fundación Photographic Social Vision, se centra principalmente en los conflictos bélicos internacionales en Gaza, Ucrania, Líbano o Siria, la crisis medioambiental –como las inundaciones en Brasil–, los problemas relacionados con la migración en Irán o en la frontera entre Estados Unidos y México, y la polarización política, como el crecimiento de la extrema derecha en Alemania.

¿Por qué hay que ir? Como es habitual, la fundación ha organizado un amplio programa de visitas guiadas para el público general durante la semana, así como visitas privadas para empresas y centros educativos. Si queréis asistir, las entradas ya están disponibles en la página web de la exposición a partir de 8 euros, aunque hay descuentos disponibles.

¿De qué va? Una muestra que celebra la riqueza artística y la diversidad cultural de las islas del Pacífico. Hasta el 15 de febrero, el CaixaForum Barcelona acoge objetos que provienen de la prestigiosa colección del British Museum de Londres, pero también del Museo de América de Madrid y del Museu Etnològic i de Cultures del Món de Barcelona.

¿Por qué hay que ir? La muestra recorre el arte de la región a través de siete ámbitos temáticos como "Tejedores", "Guerreros" o "Viajeros" que ilustran sus formas de expresión y conocimientos, desde remos ceremoniales y figuras de gran valor espiritual hasta piezas de utilidad práctica, como una imponente armadura completa de fibra de coco de Kiribati, que demuestra el ingenio en el aprovechamiento de los recursos naturales.

¿De qué va? Isabel Steva Hernández, más conocida como Colita, fotografió a las mujeres de finales de los setenta y las publicó en un libro titulado Antifémina, que hizo junto con María Aurèlia Capmany. La publicación, considerada el primer libro gráfico abiertamente feminista de la Transición, causó mucho revuelo en el año 1977 porque planteaba temas que aún hoy están vigentes, como la prostitución, la cosificación de la mujer o la vejez femenina.

¿Por qué hay que ir? Ahora, el DHub recupera estas imágenes del libro (muchas de las cuales no se habían expuesto antes) y las pone a disposición del público en la exposición Colita. Antifémina, que refleja cómo vivían las mujeres en los años setenta. La muestra ya se pudo ver en 2024 en Madrid y llega ahora a Barcelona ampliada con 25 nuevas fotografías que se suman a las 10 secciones de la muestra correspondientes a los 10 capítulos del libro. En total, en el DHub se exponen 120 fotografías de las 172 de la publicación original.

De qué va? Helen Levitt fue, paradójicamente, una de las fotógrafas más famosas y a la vez más desconocidas del panorama fotográfico de Estados Unidos del siglo XX. Comparable a artistas como Henri Cartier-Bresson o Walker Evans —grandes inspiraciones para ella y, también, amigos—, la diferencia que le restó visibilidad fue que nunca se preocupó por hacer gala de su oficio y fue siempre muy celosa de su intimidad.

Por qué hay que ir? La Fundación Mapfre KBr abre el obturador para rendirle homenaje y revertir la falta de exposición de esta gran autora con la primera exposición de Helen Levitt (1913-2009) que parte de la totalidad de su obra y de sus archivos, solo recientemente abiertos a la consulta pública. Puede visitarse del 24 de septiembre al 1 de febrero.

¿De qué va? Bajo la mirada poética de Cristina Iglesias, una de las artistas más internacionales y respetadas de la escultura contemporánea, La Pedrera se convierte en un bosque laberíntico de paredes vegetales y lagos encantados.

¿Por qué hay que ir? La nueva exposición, organizada por la Fundació Catalunya La Pedrera, sigue la tendencia que ha unido las muestras de este edificio de Gaudí en los últimos meses: la de invitar a un creador a dialogar con el genio modernista a través de nuevos lenguajes artísticos. Esta vez, Iglesias ha transformado los espacios de Gaudí en un recorrido casi hipnótico por materiales, texturas y sombras que juegan con la idea de habitar el espacio. 

¿De qué va? Una muestra inédita que liga la espiritualidad franciscana con la emergencia climática actual a través del trabajo del reconocido fotógrafo sudafricano Gideon Mendel. La exposición se puede visitar hasta el 25 de enero de 2026, y sirve como preludio de las celebraciones de 2026, año en que se conmemorarán los 800 años de la muerte de San Francisco de Asís, hecho que da un significado especial a la muestra.

¿Por qué hay que ir? Comisariada por la historiadora del arte Helena Alonso, la muestra propone un diálogo entre la composición poética de San Francisco y las imágenes contemporáneas de Mendel que documentan inundaciones e incendios en más de una decena de países. A través de una selección de 59 obras, el compromiso franciscano por la naturaleza y la mirada contemporánea al cambio climático se funden, y lo hacen cogiendo como base dos proyectos clave del fotógrafo sudafricano: 'Drowning World' (retratos de personas en sus comunidades inundadas en trece países, desde Pakistán hasta Brasil) y 'Burning World' (documentos gráficos sobre los efectos de incendios devastadores en California, Australia, Grecia o Canadá). 

¿De qué va?

Un director de cine vive distanciado de sus dos hijas desde su divorcio, cuando ellas eran niñas. Ahora, con la muerte de la madre, reaparece en sus vidas y llega con una propuesta para una de ellas, una actriz teatral que sufre ataques de ansiedad cada vez que tiene que salir al escenario: que sea la protagonista de su nueva película, un proyecto para Netflix con evidentes toques autobiográficos.

Alrededor de esta premisa, Valor sentimental propone una inteligente y profunda disección de la familia y todo lo que la puede conformar: los traumas, las cuentas pendientes, las heridas abiertas... En la historia de Gustav y sus hijas hay espacio para hablar del perdón, de la soledad, de las enfermedades mentales y del peso de la herencia. Y con la sombra alargadísima de Ingmar Bergman, que está presente en cada uno de los planos, de las decisiones de guion y del propio dibujo del protagonista masculino: es fácil reconocer rasgos del inmortal director de Fanny y Alexander y El séptimo sello en la figura del personaje que interpreta Stellan Skarsgård.

Él es el director de cine respetado y valorado, obsesivo y egocéntrico, a ratos cruel y sin filtros, emocionalmente distante, que trata de reconciliarse con las hijas que abandonó muchos años atrás.

¿Por qué la tienes que ver?

Por la expectación superada con nota que los fans de La peor persona del mundo teníamos ante la nueva propuesta del cineasta noruego Joachim Trier. Repitiendo con una magnífica Renate Reinsve y añadiendo al reparto a todo un descubrimiento como Inga Ibsdotter Lilleaas (ellas interpretan a las dos hermanas), Trier apuesta por un drama familiar con brillantes toques de humor: los guiños a la irrupción de las plataformas y su efecto en el arte hecho cine; las particularidades de las estrellas de Hollywood cuando se rebajan el sueldo para trabajar con maestros europeos; aquel DVD de La pianista de Haneke que el protagonista regala a su nieto de 6 años.

Ganadora del Gran Premio del Jurado del Festival de Cannes, Valor sentimental consigue que Joachim Trier se mantenga como uno de los grandes cineastas de nuestros tiempos. Buenísima.

¿Cuándo se estrena?

El 5 de diciembre.

Dir.: Joachim Trier (Noruega, 2025). 135 min.

¿De qué va?

Dos hermanos, a ambos lados de la ley. Estamos en la Sevilla de principios de los años 80, y uno de ellos sale de la cárcel. Necesitado de dinero, reúne a su antigua banda para seguir organizando atracos a entidades bancarias y joyerías. El encargado de la investigación y de capturarlo es un inspector de la policía que es, también, el hermano mayor del ladrón. Ambos comparten el trauma de haber visto morir a su padre antifranquista a manos de agentes de la Guardia Civil, un hecho que resulta capital en la trama. Y ambos compartirán ahora un reencuentro que nunca habrían imaginado vivir.

¿Por qué la tienes que ver?

El primer largometraje de Rafael Cobos, coguionista habitual de Alberto Rodríguez en títulos como La isla mínima, El hombre de las mil caras y la reciente serie Anatomía de un instante, comparte con ellas el uso de los códigos del thriller para explicar algunas de las claves del pasado reciente del país. Sofisticando y actualizando elementos del cine quinqui, Cobos dibuja una relación fraternal manchada por los traumas del pasado y por la violencia propia de un momento histórico en el que la democracia trataba de consolidarse, pero todavía se mantenían circunstancias y comportamientos de la dictadura, y en el que asomaba la especulación urbanística.

El retrato de una España en reconstrucción es uno de los grandes valores de Golpes, como también lo es su pareja protagonista, unos excelentes Jesús Carroza y Luis Tosar, y un reparto de secundarios poco (o nada) vistos en pantalla, como Carlos Bernardino (ahora en la serie La suerte), Cristalino (Segundo premio) y la debutante Teresa Garzón. Con la película, como también con su miniserie El hijo zurdo, Rafael Cobos se reivindica como una voz singular que va más allá de sus trabajos a la sombra de Alberto Rodríguez.

¿Cuándo se estrena?

El 5 de diciembre.

Dir.: Rafael Cobos (España, 2025). 102 min

¿De qué va?

Esta es la historia real de Jeffrey Manchester, un ladrón que fue condenado por el atraco de una cincuentena de establecimientos de McDonald's y que acabó escapándose de la cárcel, escondiéndose durante más de seis meses en una tienda de una popular cadena de venta de juguetes. La peripecia de este criminal de buen corazón, que robaba para alimentar a su familia, y la historia de amor que vivió durante su evasión, dan forma a esta humanista tragicomedia.

¿Por qué la tienes que ver?

Por la química extraordinaria entre Channing Tatum y Kirsten Dunst, pareja protagonista de esta mirada al lado oscuro del sueño americano. El regreso a la dirección de Derek Cianfrance (autor de Blue valentine y de Cruce de caminos) llega con una fábula sobre las segundas oportunidades y las posibilidades de redención de criaturas desesperadas. Tanto melancólica como llena de esperanza y optimismo, Roofman: Un ladrón en el tejado cuenta con un reparto de lujo que incluye a Peter Dinklage, el conocidísimo Tyrion Lannister de Juego de tronos.

¿Cuándo se estrena?

El 5 de diciembre.

Dir.: Derek Cianfrance (EE. UU., 2025). 126 min.

¿De qué va?

Un turista argentino de vacaciones en Fuerteventura y el encargado de un chiringuito frente a la playa. Dos personajes que difícilmente cruzarían sus caminos, pero lo hacen, y de qué manera. Uno se instala en una tumbona y se niega a irse cuando el otro le explica de la mejor de las maneras que es momento de cerrar el bar. Será entonces cuando nos daremos cuenta de que el encuentro quizá no es tan casual como parecía a primera vista.

¿Por qué la tienes que ver?

Probablemente, el gran gancho de Playa de lobos se encuentra en su insólita pareja protagonista, formada por Dani Rovira y Guillermo Francella (la estrella de la serie El encargado). En su choque de personalidades y en su batalla dialéctica se sustenta un relato concebido como duelo interpretativo y lleno de giros de guion inesperados.

La mezcla de géneros y los cambios repentinos de estilo y tono, la ligereza y el sentido del humor, el desconcierto por el que apuesta, y la química entre los dos actores son suficientes elementos para generar interés. El director Javier Veiga (los más veteranos le recordaréis como presentador de El Club de la Comedia) hace una propuesta con aires de La huella, salvando las enormes distancias, y consigue una experiencia divertida y eficaz.

¿Cuándo se estrena?

El 5 de diciembre.

Dir.: Javier Veiga (España, 2025). 97 min.

¿De qué va?

En un futuro próximo, Brasil ve cómo su gobierno reubica a las personas mayores en colonias exclusivas para su convivencia. La voluntad es la de apartarlos de una sociedad concentrada en que las jóvenes generaciones se liberen de los cuidados de padres y abuelos para concentrarse en la productividad y el crecimiento económico. Neoliberalismo contra todos aquellos que ya no sirven para sus propósitos. En este contexto, una septuagenaria decide rebelarse contra su destino, y emprender un viaje en barco por el Amazonas para cumplir un último deseo antes de perder la libertad.

¿Por qué la tienes que ver?

Entre la fábula, la distopía, el relato fantástico y la road movie, El sendero azul supone toda una celebración de la vejez, en particular la femenina, y una oda a la libertad y al derecho a cumplir los sueños. El cineasta brasileño Gabriel Mascaro (Divino amor) apuesta por una aventura con ciertos elementos de realismo mágico y escenario tan espectacular como exótico que, de alguna manera, alerta sobre una hipótesis que produce terror porque, en el mundo que habitamos, podría convertirse en realidad.

En el magnífico resultado es fundamental la interpretación de la actriz Denise Weinberg, una sensacional Tereza, la mujer que planta cara, experimenta todo aquello que nunca había imaginado, conoce personajes muy peculiares (uno de ellos con la cara de Rodrigo Santoro, el emperador persa Jerjes de 300) y reivindica una vida plena más allá de la jubilación.

¿Cuándo se estrena?

El 12 de diciembre.

Dir.: Gabriel Mascaro (Brasil, 2025). 86 min.

¿De qué va?

Año 1943, en un pequeño pueblo del Pallars Sobirà pegado a la frontera con Francia, algunos vecinos dejan de lado el miedo y deciden ayudar a cientos de personas que cruzan los bosques huyendo de los nazis. La complicidad del franquismo con los planes de Hitler cierra toda puerta de esperanza para tanta gente en busca de refugio. Uno de estos vecinos es un agente de aduanas, desertor de la República, que encuentra cierta esperanza de redención participando en la red de pasadores que tratan de salvar judíos de una muerte segura.

¿Por qué la tienes que ver?

"Me gusta pensar que Frontera dialoga con el presente, porque también hoy hay muchísimas personas que intentan huir del horror y el hambre por tierra, mar y aire". Las palabras de la directora Judith Colell resumen bien los objetivos de una película que se puede leer en clave de actualidad, suponiendo un espejo entre pasado y presente. Con aires de cine clásico al estilo Casablanca, el film apuesta por el retrato de personajes que podríamos definir como perdedores, de la guerra y de la vida, que tratan de encontrar cierta salvación a sus miserias.

Y una de las subtramas de Frontera deviene de enorme interés: es en la relación llena de silencios y reproches entre el matrimonio protagonista, el agente de aduanas y su esposa, donde se desarrolla una profunda tesis sobre las ilusiones perdidas y sobre la muerte espiritual en una vida dominada por el terror. En este drama de época, Colell cuenta con un reparto magnífico encabezado por Miki Esparbé, Maria Rodríguez Soto, Bruna Cusí, Asier Etxeandia y un sorprendente Jordi Sánchez en la piel del alcalde franquista del pueblo.

¿Cuándo se estrena?

El 12 de diciembre.

Dir.: Judith Colell (España, 2025). 101 min.

¿De qué va?

Un año después de los hechos de Avatar: El sentido del agua, la guerra en el planeta Pandora contra los Mangkwan está lejos de terminar. Neytiri sobrevivió, pero su hijo murió, y, rota de dolor, navega en una oscuridad emocional que puede desembocar en tragedia para su pueblo, los Na'vi. Entre las novedades de este nuevo episodio de la franquicia, la atención se concentra en el Pueblo de Ceniza, una agresiva y destructiva tribu de los Na'vi. Y aparecerán los miembros del Clan Tlalin, un pacífico pueblo nómada que vive en el aire, en globos, máquinas voladoras o dentro de una interpretación completamente nueva del paisaje de Pandora.

¿Por qué la tienes que ver?

Por las mismas razones que convirtieron las dos anteriores entregas de Avatar en fenómenos de taquilla sin precedentes. James Cameron es el indiscutible Rey Midas de Hollywood, todo lo que toca se convierte en oro, o en un equivalente de miles de millones de dólares de recaudación en todo el mundo. Puro espectáculo con todos los recursos que ofrece la tecnología para dar vida al universo imaginado por el director de Terminator, en tres películas ya existentes y en dos más proyectadas.

En este caso, el cineasta vuelve a apostar por el 3D, mantiene el mensaje ecologista de los anteriores films y apuesta por la idea de que solo la tolerancia y la convivencia entre especies diferentes nos hará sobrevivir. Ninguna duda, Avatar: Fuego y ceniza llega dispuesta a convertirse en la película del año.

¿Cuándo se estrena?

El 19 de diciembre.

Dir.: James Cameron (EE. UU., 2025). 195 min.

¿De qué va?

Una pareja celebra su primer aniversario pasando unos días en una cabaña aislada en medio de un bosque. Los planes románticos de ambos empezarán a verse perturbados por presencias y ruidos inexplicables. Como toda buena película de terror, no hace falta explicar nada más...

¿Por qué la tienes que ver?

Cualquiera diría que Osgood Perkins nació destinado a convertirse en una de las grandes voces del cine de terror contemporáneo. Hijo del mítico Anthony Perkins, el icónico Norman Bates de la Psicosis de Alfred Hitchcock, el director interpretó al personaje inmortalizado por su padre durante su infancia, en la primera secuela del clásico. Ya detrás de las cámaras, se graduó con la aterradora Longlegs (2024). Pero antes ya había firmado perlas poco conocidas como La enviada del mal (2015), y este año han llegado The monkey y esta Keeper, donde sigue dando cuerda a su talento para construir atmósferas espeluznantes y de mal rollo.

La puesta en escena que propone es de lo más inquietante, como también lo son muchas de las imágenes que apoyan una historia estremecedora que, a pesar de algunas trampas de guion y la sensación de no ser tan redonda como la de anteriores films de Perkins, sí que se desarrolla con plena eficacia. Huyendo de sustos demasiado fáciles, cabe destacar también el tour de force interpretativo de una Tatiana Maslany que se reveló hace una década con la serie Orphan black. Ideal para pasar un mal rato... en el mejor de los sentidos.

¿Cuándo se estrena?

El 19 de diciembre.

Dir.: Osgood Perkins (EE. UU., 2025). 99 min.

¿De qué va?

Tres episodios, tres encuentros familiares: en la primera, un hombre y una mujer recorren un largo trayecto en coche para visitar a su padre, que vive en un pueblo nevado en Estados Unidos. En la segunda, situada en Dublín, dos hermanas visitan a la madre para cumplir con una tradición que incluye tomar el té el mismo día cada año. Y en la tercera, un joven y su hermana se encuentran en París tras la muerte de sus padres, con la intención de hacer una última visita al piso donde vivieron y crecieron cuando eran pequeños.

¿Por qué la tienes que ver?

Porque es una película-abrazo, de aquellas donde uno se quedaría a vivir. Con la bandera de la sabiduría del gran Jim Jarmusch, todo un icono del cine indie gracias a clásicos como Bajo el peso de la ley y Extraños en el paraíso, este retrato irónico sobre las particularidades de las relaciones familiares, sobre sus silencios y sus incomodidades, está lleno de encanto y sentido del humor.

El cineasta domina la estructura de episodios independientes, y se muestra juguetón a la hora de usar running gags que atraviesan las tres historias: los patinadores, los Rolex, los brindis, los vestidos rojos... Es fundamental destacar también los reencuentros de Jarmusch con actores que conoce bien, como Adam Driver, Cate Blanchett y el grandísimo Tom Waits, y las incorporaciones a su universo de Vicky Krieps, Charlotte Rampling y los hermanos del tercer episodio, los excelentes Indya Moore y Luka Sabbat. Todo ello rema a favor de un largometraje precioso, emotivo, sutil y muy divertido.

¿Cuándo se estrena?

El 24 de diciembre.

Dir.: Jim Jarmusch (EE. UU., 2025). 110 min.

¿De qué va?

Un padre que planea expulsar de casa a un hijo que ya supera la treintena, otro que sufre cuando su hija decide buscarse la vida viajando a España, un director de cine narcisista, un vigilante nocturno que acaba en casa de una chica seductora mucho más joven, un narrador de partidos de fútbol, un millonario víctima de chantaje, un viudo que vuelve a encontrar el amor ante la perplejidad de sus hijos, un presidente de la nación a punto de dar un mensaje institucional, un empresario con una curiosa idea de la justicia social o un hombre que viaja a Italia persiguiendo sus orígenes familiares. Todos ellos y algunos más, hasta dieciséis personajes, sirven para hacer un retrato de las diferentes tipologías del hombre argentino.

¿Por qué la tienes que ver?

Fundamentalmente por el tour de force de Guillermo Francella, el mayor reclamo de una película que lo reúne con los creadores de su hit seriéfilo El encargado. Duprat y Cohn, también directores de films como Competencia oficial (2021) y El ciudadano ilustre (2016), apuestan por una serie de microrrelatos que tratan de ofrecer una mirada irónica y ácida en su disección de la argentinidad masculina. De alguna manera, esta serie de retratos que constantemente cambian de género y de tono, y que se acogen, más o menos, a los estereotipos, se inspiran en las películas episódicas italianas de los años 60 y 70.

Irregular y provocadora en su cuestionable punto de vista, refleja aspectos como la doble moral de las clases altas, las fantasías eróticas masculinas, las estafas a los turistas y la cancelación ante una denuncia por agresión sexual. En todo caso, Homo argentum es, por encima de todo, un regalo para su protagonista: Francella cambia de look, calvo o con pelo largo y coleta, con barba y sin, y ofrece una fiesta a sus múltiples fans.

¿Cuándo se estrena?

El 25 de diciembre.

Dir.: Gastón Duprat y Mariano Cohn (Argentina, 2025). 98 min.

En el teatro donde trabajan Joan (Carreras), Laura (Conejero) y Pere (Arquillué) ya no actúan humanos. Ellos tres, antiguos actores, vestidos de operarios con mono naranja, se dedican a encender y apagar los robots que hacen el trabajo que ellos hacían antes, pero sin equivocarse nunca, ni quedarse en blanco, ni perder el texto. Son perfectos y, según parece, el público los prefiere. Joan, Laura y Pere se encuentran en una especie de camerino infecto y cada cuarto de hora suben a escena para colocarse como figurantes durante las pausas. Este es el mundo que ha creado el autor y director uruguayo Gabriel Calderón para tratar de repetir el éxito que consiguió con Història d'un senglar, un monólogo en el que deconstruía el Ricard III de Shakespeare a partir de un actor, Joan Carreras, que desgarraba el personaje.

Ahora no es Shakespeare la referencia, sino el teatro clásico español, sobre todo La vida es sueño de Calderón de la Barca. Todos los que están en este camerino de cuarta se saben la letra de memoria, y piensan que solo ellos pueden dar vida a Segismundo y Rosaura. El teatro, sin embargo, les queda lejos, arrinconados y sin salida posible más allá de permanecer cerca de la escena. Se sienten despojos. Pero Daniela (Brown) no piensa lo mismo. Irrumpe en escena al principio de la función, como surgida de la nada, con sus compañeros dormidos. Y volverá al poco tiempo, una espectadora que se ha colado y que quiere pertenecer a la compañía. Ella es diferente, viste diferente. Tiene entusiasmo, pero cada vez que Pere o Joan acometen el clásico español se duerme.

Hace apenas un año que Luigi Mangione mató a tiros, en el centro de Nueva York, al empresario Brian Thompson, consejero delegado de United Healthcare, la principal aseguradora médica de los EE. UU. O al menos es lo que las pruebas dicen, incluido un manifiesto en el cual el hombre acusaba a las empresas del ramo de "parásitos" y criticaba duramente el sistema sanitario norteamericano, casi del todo en manos privadas. Todavía no ha sido juzgado y Carol López ha decidido montar una obra con estudiantes recién licenciados del Institut del Teatre sobre el caso. La apuesta era, de entrada, arriesgada.

La puesta en escena de López es lo mejor del espectáculo. La directora sitúa la acción en diferentes planos para ofrecer una visión poliédrica del caso: un equipo de periodistas serios, otro de sensacionalistas, la policía de Manhattan, el consejo de administración de United Healthcare, la mujer del asesinado y, silentes, los activistas que reivindican el crimen y a su "héroe". El objetivo es que el espectador saque conclusiones. Hay, claro, un sesgo, y aquí toca remar a favor de las tesis de Mangione. Una nueva bofetada al American way of life. 

Para levantar La corona d'espines, Xavier Albertí no ha necesitado nada más que una mesa y una gran puerta. El director ocupa la inmensidad de la Sala Gran con muy poco. Porque lo confía todo a la palabra de Josep Maria de Sagarra y a una compañía de actores y actrices cuya misión es hacer llegar el verso grácil, precioso y preciso del poeta hasta la última fila, para dejar a los espectadores embelesados, como en un ensueño.

El público, ni siquiera el del TNC, no está muy acostumbrado a escuchar obras de estas características. No por lo que se cuenta, sino por el cómo. Porque el qué es bien sencillo: la coyuntura de un matrimonio entre familias a finales del siglo XVIII en Solsona, pero en plena Revolución Francesa, con una mayordoma de por medio que hace y deshace, y que durante veinte años ha guardado un secreto que acabará confesando. Es en la manera de hacer llegar la historia donde se encuentra la dificultad, en la pericia de Sagarra y en el entrenamiento que requieren los intérpretes para traspasar el texto a los espectadores.

Glorious! podría ser perfectamente una obra dadaísta, incluso daliniana, porque el planteamiento que hace el autor, el británico Peter Quilter, el de una mujer que no afina ni una nota, pero que recibe las felicitaciones de casi todo el mundo y llega a cantar en el Carneggie Hall, es absurdo, de traca. Si no supiéramos que la historia de Florence Foster Jenkins es real, que ocurrió en el Nueva York de los años 40 del siglo pasado, no nos la creeríamos. En Londres se estrenó en el West End en 2005 y estuvo meses en cartel. Es una buena comedia blanca que fácilmente cuenta con la complicidad del público.

En el Poliorama, dirigida por Paco Mir, cuenta con una Madame Florence de altura, Marta Ribera, que sabe muy bien lo que se hace. La actriz es una primera espada del musical y para cantar tan mal como le exige su personaje hay que saber. Y mucho. A su lado tiene a Ramon Gener, su pianista, y a Santi Millán, su marido. Y es aquí quizás donde empiezan los problemas, porque ni uno ni otro abandonan en ningún momento un registro que podríamos llamar televisivo. Uno a menudo no sabe dónde meterse en su papel de mercenario que acepta el trabajo por dinero (tocaba en un restaurante detrás del bufé de las coles). El otro, extremado en los gestos, en el movimiento, fuera de registro.

The Phantom of the Opera, seguramente el éxito más rotundo de Andrew Lloyd Webber, es un musical de gran exigencia vocal y musical. No puede interpretarlo cualquier cantante y/o actor. Y de ahí que debamos aplaudir la producción que ha llegado al Tívoli, porque no solo Daniel Diges y Ana San Martín son unos fantásticos Fantasma y Christine Daaé, sino que el resto del reparto sabe estar a la altura de una partitura que es casi operística, con un Miquel Tejada que dirige con mucha solvencia la orquesta.

La historia ya la conocen (lleva 40 años ininterrumpidos en la cartelera londinense, tiene versiones cinematográficas...), pero habla de un teatro parisino, en el siglo XIX, poseído por una especie de “fantasma”, que no es sino un genio frustrado, desfigurado, que se enamora de una corista, Christine, y que hará todo lo posible para que sea ella quien estrene su obra maestra. Una versión menos edulcorada de La bella y la bestia.

Cuando L'amor venia amb taxi baja el telón, cuando la compañía ha encontrado una solución a una de las tramas de la obra, cuando la función está en lo más alto, a pesar de llevar casi dos horas y media en el teatro, nos asalta una chispa de tristeza, porque nos habríamos quedado una hora más contemplando un espectáculo redondo, divertido, riguroso, musicalmente delicioso, y con unas interpretaciones de aúpa. Habríamos querido preguntar a la compañía de la parroquia de Nuestra Señora de la Luz qué obra harán el año que viene, si piensan ensayar los martes, como siempre, quién hará de protagonista, si el tramoyista tendrá, finalmente, un papel, qué ha pasado con los que se iban a ir a Sevilla. Como en las mejores obras, estos personajes pasarán a formar parte de nuestras vidas.

La Cubana ha conseguido crear un icono a través de un mecanismo que llevan explotando muchos años, que no es otro que hablar de teatro desde un escenario. Llevan 40 años dedicándose a esto. Y lo llevan a cabo, además, ejecutando un homenaje brillante a toda la gente tocada por el veneno del teatro, todos los aficionados que, semana tras semana, se reúnen para montar una obra que representarán un día. Eso es L'amor venia amb taxi, la inmersión en una compañía amateur que, tras hacer Els pastorets, decide enfrentarse al último éxito de Rafael Anglada, la pieza que da título al montaje.

Que a Las Huecas les gusta plantearse grandes temas ya lo sabíamos. Que les gusta disfrazarse, también. Pero que llegarían a clonarse para levantar su tercer espectáculo, no. Tampoco serían capaces de disparar a sangre, sin contemplaciones, contra todas y cada una de ellas mismas, hasta el punto de poner en duda su existencia como colectivo. El talento de Andrea Pellejero, Julia Barbany, Esmeralda Colette y Núria Corominas no tiene límites, al menos a nivel creativo.

'De l'amistat' no engaña. Va de eso. Cuatro artistas con nombre y apellido analizan si son amigas de verdad. Se conocieron antes de formar a un colectivo, pero siempre han trabajado juntas. ¿Es auténtica esta fraternidad?, se preguntan. Detrás, parece que no hay más que la experiencia personal. Pero hay mucha tela extra y, sobre todo, una nueva crítica al sistema. ¿Es la amistad lo único que queda libre de toda normativización?

El Pumarejo, sala underground de referencia del área metropolitana de Barcelona, está cerrado desde agosto de 2025. La causa fue la exigencia de unas obras por parte del Ayuntamiento de l'Hospitalet de Llobregat que iba acompañada de una suspensión inmediata de su actividad. A través de un crowdfunding, la asociación cultural que lo gestiona pudo realizar las obras. Una vez terminadas, el Ayuntamiento requirió nuevos trabajos, de manera que el espacio continúa cerrado y no se sabe cuándo podrá volver a abrir.

Como tiene que hacer frente al alquiler del local, a los suministros y a otros gastos sin poder realizar ninguna actividad y, por tanto, sin ingresos, la asociación que lo gestiona ha lanzado una llamada de socorro en forma de un evento benéfico para tratar de salvarlo. Bajo el nombre elocuente de S.O.S. Pumarejo ha organizado un evento benéfico en las salas 2 y 3 de Razzmatazz este 14 de diciembre, desde las 17 horas hasta la medianoche.

Actuarán de manera desinteresada –es decir, sin cobrar– artistas y colectivos que han formado parte de la historia de El Puma, como Tarta Relena, Orquesta del Caballo Ganador (con miembros de Za!, Los Sara Fontan y Esperit!), Asia, Dame Area, St. Frances y habrá DJ sets de Meritxell de Soto, Marina Herlop, Polyglot, Latineo, Me Siento Extraña y Jokkoo. Además, DICE ha renunciado a la comisión de venta de las entradas, que cuestan 20 euros (con posibilidad de pagar más, quien lo quiera, y de una fila cero de 5 euros).

Formadas en el Camp de Tarragona en 2013 con un estilo propio que bautizaron como folk calentó, Roba Estesa culminan una trayectoria de más de una década con L'última estesa, dos conciertos de despedida el 11 y 12 de diciembre de 2025, en la sala Paral·lel 62. Dejan atrás cuatro álbumes de estudio –el último, el magnífico De lo bo lo millor (2024)–, un EP y centenares de conciertos.

Para cerrar la etapa, plantean estos conciertos como un encuentro colectivo "cargado de emoción y de agradecimiento". Es por eso que contarán con todas las personas que han formado parte de la banda y también con algunas colaboraciones, como la de Alosa. 

Mientras nos distraemos con grandes campañas de marketing digital, hay artistas que siguen entendiendo la música como un proceso sobre todo orgánico. Como Júlia Colom, que ha trabajado en su segundo disco en silencio, alejada del ruido mediático, y de ahí que el resultado, Paradís, nos sorprenda, tan bien acabado, con un equilibrio tan natural entre su esencia mallorquina y una estética entre pop y electrónica que la conecta con el mundo actual.

Moviéndose a través de referencias que van desde la canción popular al k-pop, pasando por Maria del Mar Bonet, Colom ha sumado once piezas a su repertorio, impresionistas, oníricas, mediterráneas, que hablan de islas, de búsquedas y de incertidumbres, con espacio para explorar sentimientos complejos como hace con picardía en Gelosies, canción hermana de Enveja de Miramar (2023). El disco se presenta en concierto en el ciclo Sit Back de L’Auditori, el 11 de diciembre.

Hace cinco años que Carlota Flâneur avanza en su carrera en solitario –antes había tenido el grupo The Architokes– con una propuesta estética muy clara y luminosa. Su hit instantáneo Generation of the young flesh (2020) y la versión de Tyler the Creator See you again (2021) nos atraparon por su frescura, y después llegó su primer álbum Uncertainty (2022). La mano de Ferran Palau en la producción daba a la música indie con un punto naif de Flâneur un acabado moderno e irresistible.

Tres años más tarde presenta What my body wants (2025), su tercer larga duración, esta vez con la producción de Emili Bosch (del grupo electrónico b1n0). Para descubrir cómo suenan las nuevas canciones tendréis que acercaros a La Cinc de l'Apolo el viernes 12 de diciembre, la veréis en el nuevo ciclo de conciertos Afers que propone encuentros entre artistas locales y del resto de Europa, en este caso la danesa-japonesa Mina Okabe.

Es inevitable no darse cuenta de que, la misma semana en que toca Burning en L’Hospitalet, han muerto, con 18 horas de diferencia, dos instituciones del rock español: Jorge Martínez, factótum de Ilegales y coetáneo y amigo de Burning, y Robe Iniesta, alma de Extremoduro. Y no queremos hacer de agoreros con el incombustible Johnny Cifuentes, cantante y teclista del mito madrileño; al contrario: solo destacamos el valor que tiene que un tipo de setenta años, leyenda viva del rock español, siga al pie del cañón después de cincuenta años.

Burning tocarán en Salamandra para celebrar su cincuenta aniversario, que se dice pronto: solo queda Cifuentes de la formación original, y por un camino –tan azaroso y lleno de drogas como el de los Stones de principios de los setenta, pero con mucho menos dinero– se quedaron el icónico guitarrista Pepe Risi y el cantante Toño Martín. Ir a ver a Cifuentes y a sus solventes acompañantes trasciende el ejercicio de nostalgia: con doce discos a sus espaldas desde 1979, los de La Elipa fueron pioneros o creadores en España de estilos como el rock urbano o la new wave más afilada. Y viene con un zurrón lleno con algunas de las mejores canciones de la historia del rock en castellano. 

Marc Vilajuana y Alejandro Narés son Gregotechno, un excitante proyecto que combina el canto gregoriano con la música techno y que este miércoles 17 de diciembre, en la sala Paral·lel 62, presenta un espectáculo más que curioso. Dividido en dos caras, como las de un disco de vinilo, harán una CARA A a las 18.30 h y una CARA B a las 21 h.

En la primera parte del espectáculo, Cant, se pasará el corto Inania, que documenta el road trip que hicieron para grabar el EP del mismo nombre de cantos gregorianos en varios espacios de la España vaciada (ermitas, un monasterio, una cantera, un castillo) y que ganó el premio al mejor cortometraje en el festival In-edit.

En la segunda parte, Club, el dúo promete una orgía techno: "Una explosión electrónica que transformará la sala en un espacio de pulsión y baile". Se pueden comprar entradas para la primera y la segunda sesión por separado a 15 euros, o bien para las dos a 26 euros. También existe la posibilidad de comprar una entrada doble más el vinilo por 50 euros.

Tras un gran éxito en México y Estados Unidos con su gira Greatest Hits Tour, Mónica Naranjo se prepara para llevar este proyecto a España, con conciertos en ciudades como Sevilla, Valencia, Madrid y Barcelona. La gira, que conmemora los 30 años de trayectoria de la artista, ha llenado recintos al otro lado del Atlántico con más de 50.000 espectadores y varias fechas con entradas agotadas, consolidando su recorrido como uno de los más relevantes en la escena musical actual.

El espectáculo recoge algunos de los éxitos más conocidos de su carrera, interpretados con los arreglos originales y acompañados de una producción escénica de gran formato. Con una trayectoria iniciada en los años noventa y una voz inconfundible, Mónica Naranjo se ha convertido en una figura destacada dentro de la música en español. El tour pasará por varios escenarios emblemáticos y en Barcelona tendrá lugar el 19 de diciembre en el Palau Sant Jordi.