Lo mejor de la Noche de los Museos en Barcelona

¿De qué va? ¿Por qué este escultor desconocido de época románica ha recibido el sobrenombre de “el Picasso del siglo XII”? En los rostros geométricos con ojos expresivos del Maestro de Cabestany, y en la desproporción y los volúmenes impactantes de sus esculturas, reside todo aquello que desde el presente hemos sabido denominar modernidad. En pleno románico, las obras del Maestro de Cabestany poseían un estilo característico que lo diferenciaba de sus coetáneos. Por ello, aunque conocemos pocos detalles de la vida de esta figura, su trabajo ha sido reconocido desde la Toscana hasta el Mediodía francés, pasando por Cataluña y Navarra.

¿Por qué hay que ir? Con esta exposición, el MNAC rinde homenaje al escultor más célebre del románico catalán partiendo de la incorporación reciente de nuevas piezas al museo; concretamente, fragmentos que formaban parte de la portada de mármol del monasterio de Sant Pere de Rodes. Por tanto, la muestra se centra en la construcción del mito de la abadía de Rodes, un espacio único, destino de peregrinaje, vinculado a un paisaje ancestral y a la antigua Roma.

¿De qué va? Siguiendo una estrella fugaz es el título de la exposición del Monasterio de Pedralbes sobre el legado fotográfico de Khadija Saye, artista gambiano-británica que capturó la identidad, la memoria y la dimensión espiritual de la experiencia negra a través de la cámara. La muestra se puede visitar del 6 de febrero al 31 de mayo y es especialmente relevante porque es la primera exposición dedicada a la artista en España y la primera retrospectiva a escala mundial. Saye alcanzó reconocimiento internacional con Dwelling: in this space we breathe (Vivienda: en este espacio respiramos), presentada en el Pabellón de la Diáspora de la Bienal de Venecia de 2017, donde fue la participante más joven.

¿Por qué hay que ir? La exposición sigue la breve pero potente trayectoria de Saye, que murió trágicamente en el incendio de la torre Grenfell en 2017, donde vivía con su madre y donde ambas perdieron la vida, junto con setenta personas más. Una joven promesa que dejó una huella imborrable como artista y como persona comprometida con su comunidad. Hija de la diáspora, creció en un entorno multicultural en el barrio de Hammersmith (Londres), y sus obras muestran una búsqueda que une la experiencia íntima con cuestiones universales.

¿De qué va? Los colores de la ciudad compiten ahora con los del “maestro del color”, que aterriza en una exposición en el CaixaForum. La explosión cromática de Henri Matisse se podrá ver en este museo de la ciudad hasta el 16 de agosto en el marco de la exposición Chez Matisse. El legado de una nueva pintura, organizada en colaboración con el Centro Pompidou de París con el objetivo de mostrar al público barcelonés cómo el genio francés revolucionó el arte del siglo XX.

¿Por qué hay que ir? La muestra reúne cerca de un centenar de obras para explicar por qué su visión de la pintura fue (y en muchos casos, sigue siendo) un hogar acogedor para la modernidad y una influencia para generaciones de creadores posteriores. Ahora bien, en la exposición no hay solo obras de Matisse, sino que las 45 obras del pintor fauvista dialogan con 49 piezas de otros gigantes del arte como Picasso, Braque, Derain, Raoul Dufy, Le Corbusier o Sonia Delaunay. Uno de los grandes reclamos es la presencia de La Moulade, una pieza clave pintada en Colliure que marcó el nacimiento del movimiento fauve y que sirve como eje central de esta colección inédita en la ciudad.

¿De qué va? Entre finales del siglo XIX e inicios del XX, los Nabis querían restablecer la unidad del arte y allanaban el terreno para la modernidad venidera. Este movimiento, situado en la transición entre el modernismo y las primeras vanguardias, se caracterizaba por un diálogo constante entre la pintura, la arquitectura y las artes decorativas gracias al juego entre el color, la forma y el ritmo de las composiciones artísticas. Ahora, los Nabis entran en La Pedrera en la primera gran exposición monográfica en Barcelona de este movimiento.

¿Por qué hay que ir? La muestra reúne una amplia selección de obras de entre finales del siglo XIX e inicios del XX que nos permiten conocer los principios estéticos y conceptuales de este grupo artístico, que exploró el carácter decorativo de la pintura y encontró la manera de integrarla en la vida cotidiana.

¿De qué va? El Museu Tàpies acoge la muestra El moviment perpetu del mur, una exposición que explora el papel que la noción de muro desencadenó en la obra de Antoni Tàpies desde el contexto de la Segunda Guerra Mundial hasta las décadas posteriores, tanto a nivel simbólico como pictórico y físico.

¿Por qué hay que ir? Este proyecto se centra especialmente en la década de 1950, un período clave de transformación en la práctica artística de Tàpies. A través de este recorrido se plantean nuevas perspectivas sobre el desarrollo de su lenguaje pictórico y sobre la relación entre obra, espacio y espectador. La exposición toma como punto de partida cuatro exposiciones individuales que el artista realizó durante esta década —en las Galerías Layetanas de Barcelona (1950 y 1954), en la Galerie Stadler de París (1956) y en la Sala Gaspar de Barcelona (1960). Cada una de estas muestras presentaba grupos de obras distintos y también diferentes soluciones de montaje. El proyecto analiza cómo estos dispositivos expositivos —la iluminación, la disposición de las obras o el color de las paredes— pueden influir en la percepción y la interpretación de la pintura. Asimismo, explica cómo la obra de Tàpies fue interpretada por críticos, pensadores e historiadores del arte del momento, y cómo se conecta con debates presentes en el pensamiento artístico contemporáneo.

De qué va? El Centre d’Arts Santa Mònica acoge El asalto de la ilusión, que se puede visitar hasta el 27 de septiembre, una exposición coral que reúne trabajos de diversos artistas para analizar cómo el arte ha contribuido a construir aquello que entendemos como realidad. A través de una puesta en escena cambiante y llena de trampas visuales, la muestra conecta técnicas históricas de representación con problemáticas actuales como la posverdad, la manipulación mediática o la irrupción de la inteligencia artificial.

¿Por qué hay que ir? La exposición está concebida como un recorrido en constante movimiento. Espejos, velos y paredes móviles configuran un espacio que se transforma a medida que el visitante avanza, generando una sensación de inestabilidad que afecta directamente a la percepción. Pintura, fotografía, vídeo e instalación conviven en un mismo itinerario, poniendo de manifiesto cómo cada lenguaje construye una idea distinta de realidad.

¿De qué va? El Palau Robert presenta Mako, un proyecto expositivo impulsado por Casa Asia y la Fundación J. Llorens Artigas que rinde homenaje a la diseñadora y ceramista japonesa Mako Artigas. La exposición puede visitarse del 13 de marzo al 7 de junio y ofrece una mirada amplia a más de cincuenta años de trayectoria artística, marcada por la sensibilidad, la materia y el color.

¿Por qué hay que ir? La exposición reúne una selección representativa de su trabajo: desde los primeros tejidos estampados (1959-1970), vinculados a la fábrica familiar en Japón y a sus etapas en Cataluña y París, hasta los dibujos para firmas como Kenzo, Dior, Courrèges o Paco Rabanne. A estas piezas se suman cerámicas de gres y porcelana creadas en las últimas décadas, donde el gesto se vuelve más íntimo y la forma más esencial.

¿De qué va? El CCCB acogerá, hasta el 25 de mayo, la exposición "Rodoreda, un bosque", dedicada a la radicalidad literaria y al imaginario creativo de la escritora en lengua catalana más importante del siglo XX. Comisariada por la ensayista y crítica literaria Neus Penalba, la muestra pretende alejarse de los tópicos, a menudo edulcorados, que han rodeado su figura y mostrar la faceta más contemporánea de Rodoreda, donde la escritura transita entre el realismo y la fantasía para hablarnos de la inocencia, el deseo, el suicidio, el desarraigo, el escarnio o la metafísica.

¿Por qué hay que ir? La muestra se sirve de la metáfora del bosque para concebir el espacio expositivo. Las salas se conectan orgánicamente, utilizando este símil para explicar la trayectoria de la autora a través de un recorrido por las raíces literarias y la experiencia del desarraigo del exilio, los troncos marcados por la vivencia de la guerra, las ramas que dialogan con la cultura occidental y las copas que rozan el cielo y acogen pájaros. A través de esta estructura se despliegan más de 400 piezas entre obra plástica, instalaciones, documentos y audiovisuales, incorporando originales de la Fundación Mercè Rodoreda.

¿De qué va? El proyecto de la artista Anna Moreno que revisita algunos de los proyectos utópicos de los años setenta impulsados por el arquitecto Ricardo Bofill. A través del cine, la instalación y la investigación artística, la exposición plantea una reflexión sobre las tensiones entre las aspiraciones utópicas de la arquitectura moderna y las realidades sociales y políticas que a menudo impidieron su materialización.

¿Por qué hay que ir? El proyecto toma como eje central el film The Terminal Beach, que documenta el estado actual de un asentamiento nómada construido en 1979 en el desierto argelino por el estudio de Ricardo Bofill. Este proyecto, concebido dentro del periodo más experimental del arquitecto, quedó inconcluso y ejemplifica las contradicciones entre el sueño utópico y la realidad política y social de la época.

¿De qué va? Del 6 de marzo al 17 de mayo, el CCCB acoge la exposición Tenemos diecisiete años. Un retrato colectivo en el CCCB, un espacio que reúne las obras de más de trescientos adolescentes que explican qué significa este número para ellos a través de la fotografía, el cine y la palabra.

¿Por qué hay que ir? En la exposición se pueden ver fotografías, filmaciones y textos en primera persona: miradas genuinas que se alejan de los prejuicios de los adultos y de los códigos habituales de representación de la adolescencia en la actualidad. Los autores son estudiantes de institutos de Cataluña, Lituania y Rumanía que han participado en talleres de creación fotográfica y artística para explorar otras maneras de retratarse y mostrarse.