Qué hacer en Barcelona en diciembre

Bad Gyal presentará su nuevo álbum, Más cara, con tres conciertos en el Palau Sant Jordi los días 20, 21 y 22 de marzo. Esta será la primera oportunidad de escuchar los nuevos temas de la cantante en directo, pero si os los perdéis, todavía tendréis otra ocasión de hacerlo, porque Alba Farelo actuará también en la próxima edición del Primavera Sound Barcelona, en el Parc del Fòrum.

El nuevo disco sale vía Interscope Records el 6 de marzo, e incluye algunos de los singles que ha sacado la catalana en los últimos meses, como Da me, Choque, Fuma y Última noche, la colaboración con Ozuna.

Con la locura desatada por el regreso de Oasis corremos el riesgo de olvidarnos de la serie de grupos que protagonizaron con ellos la era dorada del britpop y que no solo están en muy buena forma sino que, al contrario que los Gallagher, continúan ofreciendo música nueva. Es el caso de Blur, que hace dos años publicaron The Ballad of Darren; de Pulp, que después de 25 años de silencio este mes de junio han publicado More; y de Suede, que el 5 de septiembre de 2025 publicaron el décimo álbum de su discografía. 

Además, estos grupos tienen la gentileza de pasar de vez en cuando por Barcelona. Blur lo hicieron en el Primavera Sound de 2023; Pulp, en el de 2024; y Suede no han dejado de hacerlo, la última vez en Razzmatazz en 2022. Ahora regresan para presentar Antidepressants (2025), un trabajo oscuro que forma parte de la trilogía “en blanco y negro” que iniciaron con Autofiction (2022), y que ha recibido críticas excelentes en el Reino Unido. Si aquel era su álbum punk, este tiene sonoridades góticas y post-punk; lo presentarán el miércoles 26 de marzo de 2026 también en la sala Razzmatazz.

Cada vez sirve menos la excusa de que la música clásica es elitista o que no es para todo el mundo. Iniciativas como los conciertos de La Mercè, Clàssica a la Platja y Ciutat de Clàssica (estas dos últimas de Barcelona Obertura) acercan el género a la ciudadanía con propuestas muchas veces gratuitas que son una muy buena oportunidad tanto para melómanos como para neófitos o simples curiosos. 

El Barcelona Obertura Ciutat de Clàssica, que se celebra por séptima vez del 5 de marzo al 1 de abril, ofrece una programación mixta de 27 conciertos gratuitos y 25 de pago, en 29 espacios emblemáticos de la ciudad. Aparte de los tres grandes equipamientos de clásica –L'Auditori, el Palau de la Música y el Gran Teatre del Liceu– hay una veintena larga de escenarios repartidos por todos los distritos, como la Torre Bellesguard, el Palauet Albeniz y la Casa Vicens, entre los que se incorporan este año. 

La 39ª edición del Festival Folk Internacional Tradicionàrius se celebra del 16 de enero al 27 de marzo de 2026 en el C.A.T. y otros espacios. Con más de 50 conciertos, bailes y talleres de música de raíz, este año se centra en la diversidad lingüística del Pirineo, con proyectos de Occitània, el País Vasco, Aragón y los Països Catalans. Uno de los grandes atractivos del TRÀD39 será la presencia excepcional de tres formaciones orquestales: la OMAC, el Gran Conjunt de l’ESMUC y la Orquestra Colònies Escola Folk del Pirineu, que protagonizará la inauguración con 35 músicos para celebrar su 25º aniversario.

Por otro lado, el festival mantiene su fuerte arraigo popular con citas como los Foguerons de Sant Antoni en Gràcia, que incluirán conferencias, gloses y balls de bot a finales de enero; la Festa Major de Santa Eulàlia, con un concierto en la Plaça de Sant Jaume el 13 de febrero, y la 19ª edición del ciclo Folk als Mercats. Más información y entradas en la web del festival.

La 31.ª edición del Cicle de Cançó Barnasants reúne 59 conciertos en diversas salas de Cataluña, Baleares, l'Alguer y y Valencia con nombres como Carmen Consoli, Marc Parrot, Feliu Ventura y Fetus. Habrá seis producciones propias y más de 25 estrenos discográficos. El homenaje a Lluís Llach Llach – Gener 76. 50 anys abrirá el cartel con dos conciertos en el Palau de la Música, el 27 y 28 de enero, y la clausura correrá a cargo de la cantautora Montse Castellà, que celebra 30 años de carrera, el 10 de mayo en Amposta.

También se ha programado, el 24 de abril en el Casino l'Aliança del Poblenou, un homenaje a Robe Iniesta, líder y cantante de Extremoduro, que falleció recientemente y donde participarán diversos artistas. Más información y entradas en la web del festival.

El Guitar BCN 2026 incluye tres noches en el Palau Sant Jordi, el recinto cubierto más grande de la ciudad. Los encargados de llenarlo serán Amaral, cerrando su gira Dolce Vita Tour en diciembre; el fenómeno hip-hop Hijos de la Ruina (Natos, Waor y Recycled J), que llevarán sus beats masivos en mayo; y la cantautora canaria Valeria Castro, que ha pasado del Auditori Fòrum al Sant Jordi en tiempo récord.

El festival empieza con Bebe en Razzmatazz (8 de enero), Duncan Dhu en el Palau de la Música (15 de enero) y Alcalá Norte, la banda del momento de la escena post-punk madrileña, en el Sant Jordi Club (24 de enero). El hermano pequeño del Sant Jordi también acogerá al dúo Marlena y a los granadinos La Plazuela, que presentarán su esperado segundo disco con su fusión de flamenco y electrónica. También en el Sant Jordi Club, Iván Ferreiro hará un repaso a su trayectoria, desde la época de Los Piratas hasta la actualidad.

¿De qué va? El Museu Tàpies acoge la muestra El moviment perpetu del mur, una exposición que explora el papel que la noción de muro desencadenó en la obra de Antoni Tàpies desde el contexto de la Segunda Guerra Mundial hasta las décadas posteriores, tanto a nivel simbólico como pictórico y físico.

¿Por qué hay que ir? Este proyecto se centra especialmente en la década de 1950, un período clave de transformación en la práctica artística de Tàpies. A través de este recorrido se plantean nuevas perspectivas sobre el desarrollo de su lenguaje pictórico y sobre la relación entre obra, espacio y espectador. La exposición toma como punto de partida cuatro exposiciones individuales que el artista realizó durante esta década —en las Galerías Layetanas de Barcelona (1950 y 1954), en la Galerie Stadler de París (1956) y en la Sala Gaspar de Barcelona (1960). Cada una de estas muestras presentaba grupos de obras distintos y también diferentes soluciones de montaje. El proyecto analiza cómo estos dispositivos expositivos —la iluminación, la disposición de las obras o el color de las paredes— pueden influir en la percepción y la interpretación de la pintura. Asimismo, explica cómo la obra de Tàpies fue interpretada por críticos, pensadores e historiadores del arte del momento, y cómo se conecta con debates presentes en el pensamiento artístico contemporáneo.

¿De qué va? El CCCB acogerá, hasta el 25 de mayo, la exposición "Rodoreda, un bosque", dedicada a la radicalidad literaria y al imaginario creativo de la escritora en lengua catalana más importante del siglo XX. Comisariada por la ensayista y crítica literaria Neus Penalba, la muestra pretende alejarse de los tópicos, a menudo edulcorados, que han rodeado su figura y mostrar la faceta más contemporánea de Rodoreda, donde la escritura transita entre el realismo y la fantasía para hablarnos de la inocencia, el deseo, el suicidio, el desarraigo, el escarnio o la metafísica.

¿Por qué hay que ir? La muestra se sirve de la metáfora del bosque para concebir el espacio expositivo. Las salas se conectan orgánicamente, utilizando este símil para explicar la trayectoria de la autora a través de un recorrido por las raíces literarias y la experiencia del desarraigo del exilio, los troncos marcados por la vivencia de la guerra, las ramas que dialogan con la cultura occidental y las copas que rozan el cielo y acogen pájaros. A través de esta estructura se despliegan más de 400 piezas entre obra plástica, instalaciones, documentos y audiovisuales, incorporando originales de la Fundación Mercè Rodoreda.

¿De qué va? El proyecto de la artista Anna Moreno que revisita algunos de los proyectos utópicos de los años setenta impulsados por el arquitecto Ricardo Bofill. A través del cine, la instalación y la investigación artística, la exposición plantea una reflexión sobre las tensiones entre las aspiraciones utópicas de la arquitectura moderna y las realidades sociales y políticas que a menudo impidieron su materialización.

¿Por qué hay que ir? El proyecto toma como eje central el film The Terminal Beach, que documenta el estado actual de un asentamiento nómada construido en 1979 en el desierto argelino por el estudio de Ricardo Bofill. Este proyecto, concebido dentro del periodo más experimental del arquitecto, quedó inconcluso y ejemplifica las contradicciones entre el sueño utópico y la realidad política y social de la época.

¿De qué va? Hasta el 28 de septiembre, el MACBA acoge Prisioneros del amor. Hasta el sol de la libertad, la primera exposición en España de los artistas Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme. La muestra reúne obras que recorren casi dos décadas de su trayectoria y reflexionan sobre la memoria, el exilio y las formas de resistencia frente a la opresión y el expolio de Palestina.

¿Por qué hay que ir? A través de voces, canciones, sonidos e imágenes, los artistas conectan experiencias personales con historias colectivas de lucha y, en una aparente paradoja, ponen el acento en la importancia de la alegría, del amor y de la imaginación colectiva como formas poderosas de resistencia, incluso —y sobre todo— en condiciones extremas.

¿De qué va? El Centro de Fotografía KBr de la Fundación MAPFRE presenta una colección de uno de los fotógrafos norteamericanos más reconocidos de todos los tiempos y una de las grandes influencias del fotoperiodismo y de la fotografía artística contemporánea: Walker Evans. La exposición puede visitarse del 26 de febrero al 24 de mayo.

¿Por qué hay que ir?"Mirar fijamente. Es una manera de educar el ojo, y más allá. Mirar fijamente, husmear, escuchar, espiar. Morir sabiendo algo. No estás aquí mucho tiempo". Esta es una de las frases más célebres del artista (procedente de una entrevista publicada en Art in America en 1971), que utilizó la cámara para retratar la vida de la gente de Estados Unidos de mediados del siglo XX y que es considerado uno de los pioneros de la fotografía documental.

¿De qué va? Del 6 de marzo al 17 de mayo, el CCCB acoge la exposición Tenemos diecisiete años. Un retrato colectivo en el CCCB, un espacio que reúne las obras de más de trescientos adolescentes que explican qué significa este número para ellos a través de la fotografía, el cine y la palabra.

¿Por qué hay que ir? En la exposición se pueden ver fotografías, filmaciones y textos en primera persona: miradas genuinas que se alejan de los prejuicios de los adultos y de los códigos habituales de representación de la adolescencia en la actualidad. Los autores son estudiantes de institutos de Cataluña, Lituania y Rumanía que han participado en talleres de creación fotográfica y artística para explorar otras maneras de retratarse y mostrarse.

¿De qué va? El Museo Picasso explora la huella revolucionaria e irreverente de Alfred Jarry en Ubú pintor. Alfred Jarry y las artes, una exposición que analiza la influencia decisiva del autor de Ubu roi en las vanguardias artísticas, el teatro moderno, la cultura visual del siglo XX y la creación contemporánea.

¿Por qué hay que ir? La muestra propone un recorrido amplio por el universo ubuesco, un imaginario grotesco, absurdo y subversivo que ha atravesado disciplinas y generaciones. A través de libros, revistas, ilustraciones, piezas teatrales, cine, pintura y obra contemporánea, la exposición reúne más de 200 piezas procedentes de colecciones internacionales, poniendo en diálogo la obra de Jarry con artistas clave de la modernidad.

Concebido como una figura fundamental para el nacimiento de las vanguardias, Alfred Jarry (1873–1907) fue mucho más que un dramaturgo: escritor, crítico de arte, editor y artista, defendió un arte marginal, deformador y antinormativo. El concepto de lo “ubuesco”, asociado a lo grotesco y al absurdo del poder, se convierte en un eje central de la exposición, que muestra cómo esta noción ha influido profundamente en el lenguaje artístico y político del siglo XX.

Uno de los núcleos principales del recorrido es el impacto de Ubu roi, obra que sacudió el panorama cultural de finales del siglo XIX y que generó una iconografía persistente del tirano ridículo y desmesurado. La muestra también recupera la relación de Jarry con las artes consideradas menores, como el teatro de títeres, reivindicando el arte popular y el arte “salvaje” como formas de resistencia cultural.

¿De qué va? Las exposiciones de fotografía siempre son interesantes, pero lo son aún más cuando las propuestas se salen de lo tradicional. Ornitografies: Revelant els traços de les aus en vol, del artista visual Xavi Bou en colaboración con la Galería SENDA (una de las más relevantes del arte contemporáneo en Barcelona), se podrá visitar de manera gratuita del 25 de febrero al 10 de abril en la zona de exposiciones del Hotel Eurostars Grand Marina 5*. La exposición es, además, una oportunidad perfecta para conocer el interior de este lujoso hotel.

¿Por qué hay que ir? La muestra presenta una selección de obras en las que Bou hace visibles los movimientos invisibles de la naturaleza. Mediante una técnica de cronofotografía digital, el artista registra el vuelo de las aves como una coreografía completa, revelando patrones que escapan a nuestra percepción habitual.

¿De qué va? El panafricanismo fue un movimiento impulsado hace más de un siglo por artistas e intelectuales de todo el mundo que se hacían la misma pregunta: ¿cómo sería el mundo si todos los pueblos africanos y sus diásporas se hermanaran? La nueva muestra del MACBA nos invita a hacer precisamente eso. Según Elvira Dyangani Ose, directora de la institución y comisaria de la muestra junto con Antawan I. Byrd, Adom Getachew y Matthew S. Witkovsky, las salas del museo se han llenado “del espíritu colaborativo del panafricanismo” y, a través de pinturas, libros, creaciones populares, música, fotografías y vídeos, nos invitan a imaginar un mundo mejor. 

¿Por qué hay que ir? Entrar en las salas del museo es como cambiar de mundo. No de país, ni de continente, ni siquiera de lengua. De hecho, la exposición profundiza en el impacto del panafricanismo en la historia catalana y española y nos revela la presencia de activistas negros en la Barcelona obrera o en el bando republicano de la Guerra Civil. La muestra, entonces, nos hace viajar a otro plano de la realidad que ha existido siempre. Más de quinientos objetos de un centenar de artistas e intelectuales, producidos en África, Europa, América del Norte y América del Sur, nos explican que la historia tiene muchas capas y que no todas aparecen en los libros o en la televisión. Hay relatos censurados y otros que nuestra mirada impregnada de blanquitud no ha sabido ver. Pero las banderas de la primera sala nos reciben con los brazos abiertos y parece que nos digan: ¡bienvenidos a Panáfrica!

¿De qué va? La Fundació Joan Miró propone una exposición retrospectiva que repasa medio siglo de actividad, pero que también cuestiona cómo se ha construido su historia y qué papel puede desempeñar en el futuro. La muestra parte de una idea clave: la Fundació no comenzó realmente en 1975, sino que es el resultado de un recorrido más largo que se inicia mucho antes y que está estrechamente vinculado con la Transición y la apertura democrática.

¿Por qué hay que ir? El proyecto expositivo, comisariado por Blanca Arias, Martina Millà y Ramon Balcells, se despliega en siete ámbitos y ha sido concebido con un enfoque colaborativo, con la participación de artistas, comisarios e investigadores. El resultado es una mirada poliédrica que evita un único relato y pone en valor la pluralidad de voces que han formado parte de la Fundació a lo largo de los años. El relato incluye documentos de archivo, imágenes y obras clave, pero también propuestas contemporáneas creadas expresamente por cuatro artistas locales a partir del fondo documental del museo.

No hay duda de que Joel Joan es un actor súper dotado, seguramente uno de los mejores de su generación. Y esto se puede ver perfectamente en esta versión de L'oncle Vània que representa en el Romea, él solito, sin necesidad de nadie más, en un one-man-show memorable. Llena el espacio de una manera de la que pocos actores pueden presumir de poder hacer. Pero el reto que tenía por delante era algo grande, sobre todo porque tiene ante sí diversos elementos que juegan en su contra.

De entrada, tiene entre manos una obra de Txékhov que debe de ser el texto teatral más representado en Barcelona durante lo que llevamos de siglo XXI. Lo hemos visto de muchas y variadas maneras. Y algo que podría ir a su favor, que el público potencial conozca de memoria la historia, torpedea momentos que se suponen de gran intensidad, que él solo únicamente iguala durante la discusión central, cuando el profesor Serebriàkov anuncia que ha decidido vender la casa, cosa que provoca la revuelta de Vània. Interpreta ocho personajes pero no consigue que nos aferremos a ninguno.

La nit de les tríbades, de Per Olov Enquist, és uno de los montajes míticos del primer Lliure, el de Fabià Puigserver. Nos sitúa en Copenhague durante el ensayo de una obra de teatro, La més forta, con la presencia del autor, August Strindberg, y su esposa, la actriz Siri von Essen, de quien se está separando. En medio de los dos, está Marie-Caroline David, la otra actriz del montaje, lesbiana reconocida y con una historia común con la pareja. Mientras intentan levantar la obra, Strindberg mostrará su peor cara: machista, déspota, lo que hoy diríamos un abusador de manual.

Oriol Broggi ha decidido repasar un texto que no se representaba desde que Lluís Pasqual lo recuperó la temporada 1999-2000, y lo ha hecho en un escenario nuevo para La Perla 29, el Teatre de Sarrià, un espacio precioso que se ajusta como anillo al dedo a su propuesta, con un tempo diferente al de aquel Lliure con Anna Lizaran, Quim Lecina y Muntsa Alcañiz. No tenemos ni una Maria-Carolina desatada, ni un August fuera de sí, ni una Siri con ganas de juerga. Respectivamente, Cristina Arenas, Joan Marmaneu y Clara Mir están mucho más contenidos. Nadie alza la voz: la guerra es psicológica, verbal, precisa. 

Pau Vinyals debutó como autor con una obra, El gegant del pi, en la que buscaba los trapos sucios de su genealogía familiar justo en el momento en que decidía, con su pareja, la escenógrafa Judit Colomer, tener un hijo. Un gran ejercicio, tanto a nivel escénico como textual. Tendrament, pues, puede entenderse como la continuación de aquel proyecto, y la presencia en un rincón del hijo de ambos, proyectado en una pantalla mientras duerme, así nos lo podría confirmar.

Todo empieza con Colomer y Vinyals, en un escenario vacío, intentando montar una mesa de comedor. Enseguida vemos que él es el gracioso, el disléxico, el que carga las maderas. Y ella es la que ordena, pone las cosas en su sitio. Él es la figura pública. Ella la que se mantiene detrás. Durante buena parte de la obra, repetirán y ampliarán este esquema: una pareja joven que busca su lugar tratando de encajar su individualidad en este mundo dual.

Según Tiago Rodrigues, el mundo está separado en dos hemisferios: el posible y el imposible. El primero sería Occidente o, mejor dicho, todos esos lugares que pueden permitirse el lujo de no vivir permanentemente en estado de guerra. El otro correspondería a todos esos rincones que están sometidos a las bombas. En medio estarían los trabajadores humanitarios, todos aquellos que, proviniendo de lo "posible", trabajan en lo "imposible". ¿La razón? Un trabajo como cualquier otro, dicen los personajes del director y dramaturgo portugués. Pero es algo más que eso.

Hace un par de años, el propio Rodrigues trajo este mismo espectáculo, que ahora ha estrenado La Perla 29, al festival Temporada Alta. En Barcelona, es Cristina Genebat quien se ha encargado de dirigirlo, en lo que supone su debut con la batuta.  

Carlo Goldoni escribió en el siglo XVIII la Trilogia della villeggiatura con la intención de reírse de los veraneantes, de los burgueses y nobles venecianos que dejaban su casa en verano para trasladarse a otro lugar y tirar, literalmente, la casa por la ventana. Había quienes se lo podían permitir. Pero había otros que no. Y la compañía Els Pirates ha cogido el clásico, ha dejado en cuatro intérpretes una obra que pide doce personajes, la ha desnudado de toda escenografía, ha vestido a los actores y a las actrices de manera bastante decente y ha reescrito levemente el texto para llevar la comedia hasta nuestros días.

Lo mejor es cómo la compañía asume el desafío que supone que los intérpretes tengan que hacerse suyos dos o tres personajes. Porque se puede romper la cuarta pared tirando pintura a la platea o, simplemente, dirigiéndose a ella, diciendo la verdad, porque la magia aparece, pero puede ser una magia barata de teatro de proximidad, igualmente maravillosa. Magia, al fin y al cabo.

La aparición de un viejo conocido en una casa que llega para provocar un cataclismo de proporciones diversas es uno de los motores recurrentes del teatro, desde Oncle Vània a Göteborg. Y Lucy Kirkwood utiliza el mismo cebo en Els fills para hacernos zambullir en una obra de gran alcance ideológico y moral sobre la responsabilidad de las generaciones más mayores respecto a las que vienen detrás. Todo lo que plantea es tan vigente que da pavor y no hay nada sobrante en esta obra.

Todo empieza con la llegada de la Rose (Emma Vilarasau) al hogar de la Hazel (Mercè Arànega) y Robin (Jordi Boixaderas). Los tres son físicos, se conocen de toda la vida, pero hace cerca de 40 años que no se ven. No sabremos el motivo de la visita de la vieja amiga hasta el final y será importante. El mundo de la función es un lugar que acaba de sufrir un accidente nuclear y, por lo tanto, podríamos decir que estamos ante una pieza de cariz apocalíptico, de una apocalipsis concreta, incluso cotidiana. Pero Kirkwood es suficientemente hábil para presentarnos tres personajes séniores (están jubilados), con cartas escondidas y una relación íntima para mojar pan.

Convertir en obra de teatro el libro Dones valentes de Txell Feixas no era algo fácil. Sobre todo porque era imposible traer al Lliure en carne y hueso a las auténticas Hiyam, Khadija y Benchymer, ni tampoco a la propia narradora, sino que la directora, Glòria Balañà, debía utilizar actrices para ponerse en su piel. La dramaturgia de Aina Tur logra salvar el escollo a través de algo tan poco valorado como es la honestidad, dejando claro desde el principio el juego; que estamos ante una especie de ejercicio de teatro documental sin los protagonistas reales de la historia.

En escena, tenemos a cuatro actrices (Marwa Bakhat, Agnès Jabbour, Manar Taljo e Iria del Río) y un actor (Moha Amazian) que navegarán de Afganistán al Líbano, pasando por Gaza, Siria, el Kurdistán... Con el objetivo de explicar la historia de nueve mujeres que lo han sobrevivido todo, desde parir a una niña en un país que no quiere mujeres a estar sometida durante cuatro años a los esbirros del Estado Islámico. Relatos duros, sin concesiones, que los intérpretes nos acercarán sin olvidar en ningún momento su papel de médiums, también de mujeres con sus circunstancias.

'Ànima' podía haberse desarrollado como todos los musicales de época, con príncipes azules, bellas durmientes, un sesgo de género maloliente y todo el azúcar que quisierais. Y, de hecho, el musical que ha estrenado el TNC, ambientado en los años 30 del siglo pasado, en EEUU, parece que tiene que ir por ahí. Porque tenemos a nuestra protagonista, Greta (Paula Malia), que se va de su pueblo para probar suerte en Hollywood, y dejar atrás la pobreza y una vida planificada. ¿La salvará un hombre caritativo? No, una historia creada en el 2024 no puede ser como 'Cantando bajo la lluvia'.

Y eso que tenemos todo el universo Disney por delante, el del nacimiento del imperio, el de la creación de 'Blancanieves', el primer largometraje animado y en color de la historia. El sueño de Greta es trabajar para el gran Walter (Oriol Burés). No lo conseguirá a la primera, como ya podíamos esperar. El argumento, sin embargo, irá adquiriendo toques de comedia de enredos, más allá de la historia de formación y superación de una mujer que lo tiene todo en contra. E incluso reiremos. En esta complejidad se encuentra el punto a favor de 'Ànima'. Y una dirección escénica de Gara Roda que sabe sacarle jugo a un giratorio capaz de transformar la escena en pocos instantes.

¿De qué va? Un Frankenstein solitario pide ayuda a la doctora Euphronius para conseguir una compañera de vida. Resucitar a una joven asesinada y convertirla en una novia que no encaja en ningún molde será el primer paso para que la relación monstruosa se convierta en una sanguinaria peripecia criminal que acabará en revolución social.

¿Por qué tienes que verla? Por la relectura transgresora y feminista que propone de un clásico del cine de terror como La novia de Frankenstein (1935). La icónica Elsa Lanchester, con aquel peinado rematado por un mechón blanco que es todo un símbolo de la cultura pop, es ahora sustituida por la actriz del momento, una Jessie Buckley recién aterrizada de Hamnet. Dirigida por la también intérprete Maggie Gyllenhaal, la película hace una propuesta narrativa arriesgada: sitúa la trama en el Chicago de los años 30, añade números musicales y convierte al monstruo de Frankenstein (interpretado por Christian Bale) y a su novia en peligrosos émulos de Bonnie & Clyde (o de los Sailor y Lula de Corazón salvaje de David Lynch, o del Joker y Harley Quinn). Junto a la pareja protagonista, el film cuenta con un reparto de lujo: Penélope Cruz, Annette Bening y Jake Gyllenhaal, hermano de la directora. La película de monstruos más inesperada que no sabías que necesitabas.

¿Cuándo se estrena? 6 de marzo.

Dir.: Maggie Gyllenhaal (EE. UU., 2026). 126 min.

¿De qué va? Con la intención de parar los pies a una constructora que quiere destruir un bosque y acabar con el hábitat natural de todo tipo de animales, una niña aprovecha una tecnología desarrollada por un grupo de científicos e inserta su mente en el cuerpo de un castor robótico. Esto le permite introducirse en el mundo de las criaturas salvajes y tratar de organizar a la fauna contra los planes agresivos de los promotores inmobiliarios.

¿Por qué tienes que verla? Porque este 2026 apunta a una revitalización de Pixar, no solo con Hoppers, sino también con la quinta entrega de Toy Story (que llegará a las salas el 19 de junio). En este caso, la productora hija de Disney propone una aventura delirante y divertidísima que tiene ciertas semejanzas con Avatar desde una óptica gráfica de guiño cómplice. De hecho, nada mejor que la definición de Pete Docter, el director de Pixar Animation Studios: “Es como una mezcla de Avatar, Misión: Imposible y la serie documental Planeta Tierra. Es un thriller de acción, comedia y espionaje en el que el humor, la emoción y la aventura saltan de la pantalla de manera sorprendente”. Le tomamos la palabra.

¿Cuándo se estrena? 6 de marzo.

Dir.: Daniel Chong (EE. UU., 2026). 105 min.

¿De qué va? En medio del caos posterior a la caída de la Unión Soviética, un tal Vladímir Putin vive un ascenso fulgurante al poder con la ayuda de un hábil asesor de imagen. Mientras la población rusa se encuentra, de repente, gestionando el libre mercado, la privatización, el consumo y unas nuevas élites económicas y políticas, Putin pisa el acelerador y se lanza de directo a convertirse en el nuevo líder del país.

¿Por qué tienes que verla? Por el prestigio de los nombres vinculados a la película: desde el director francés Olivier Assayas hasta su coguionista a la hora de adaptar el libro de Giuliano da Empoli, el novelista Emmanuel Carrère (autor de El adversario, que también hace un cameo). Pasando por la magnífica pareja protagonista: Jude Law (no tenemos pruebas, pero sí pocas dudas, de la satisfacción del Putin real al saber que lo interpretaba el atractivo actor británico) y un Paul Dano que da vida a Vadim Baranov, narrador del film e figura ficticia inspirada en Vladislav Surkov, uno de los ideólogos de la transición al capitalismo de la Rusia comunista. El gran interés de El mago del Kremlin reside en la mirada que propone sobre las decisiones de Putin en conflictos como la Segunda Guerra de Chechenia o la invasión de Crimea, en ciertas licencias históricas, en un ligero toque de sátira y en la relación entre la historia reciente de Rusia y los cambios geopolíticos globales.

¿Cuándo se estrena? 6 de marzo.

Dir.: Olivier Assayas (Francia, 2025). 156 min.

De qué va? Tras pasar quince años entre rejas, un ladrón sale de la cárcel con un único objetivo: recuperar el dineral que robó en un atraco y que está enterrado en un lugar secreto. El problema es que el único que sabe la ubicación del tesoro es su hermano, que no la recuerda porque ha desarrollado un trastorno mental que, entre otras cosas, hace que se crea que es John Lennon. La aventura de los dos hermanos en busca del dinero les hará topar con un puñado de personajes, cada cual más estrafalario que el anterior.

¿Por qué tienes que verla? Por la exhibición de recursos interpretativos y el carisma de Mads Mikkelsen, inolvidable en éxitos como Otra ronda o Casino Royale. Le acompaña en el reparto Nicolaj Lie Kaas, con quien ya había trabajado en Jinetes de la justicia (2020), la anterior película de Anders Thomas Jensen, también director de este film que propone una mezcla de géneros cautivadora: thriller y sátira negrísima, drama intenso y comedia negra, violencia y ternura. Y, sobrevolándolo todo... el espíritu de los Beatles.

¿Cuándo se estrena? 6 de marzo.

Dir.: Anders Thomas Jensen (Dinamarca, 2025). 116 min.

¿De qué va? El atractivo líder de un club londinense de motoristas queer y fetichistas, un macho alfa con todas las letras, se fija en un joven introvertido de vida monótona que aún vive con sus padres. Muy pronto, el chico quedará fascinado por un mundo absolutamente desconocido para él y se embarcará en una relación de absoluta sumisión con el motorista.

¿Por qué tienes que verla? Aunque la premisa argumental dé pie a pensar en un drama retorcido y oscuro, la sordidez del mundo que retrata recibe aquí un tratamiento sorprendente. Porque Pillion (término que alude al asiento trasero de una moto y que, entre los moteros gais, se refiere a quien se sienta en él con una connotación de sumisión) hace saltar por los aires los prejuicios y las dinámicas de poder. Hablamos de entornos BDSM, pero desde una perspectiva mucho más tierna y luminosa de lo que se podría esperar. Obviamente, no es una película para todo el mundo, por el mundo que retrata y por la incomodidad que pueden generar algunas escenas de alto voltaje sexual. Pero sí es una mirada insólita y muy atractiva —obra y gracia del debutante Harry Lighton— a temas como el deseo, los vínculos y la identidad. Otra buena razón para verla es su magnífica pareja protagonista: Alexander Skarsgård y Harry Melling.

¿Cuándo se estrena? 6 de marzo.

Dir.: Harry Lighton (Reino Unido, 2025). 106 min.

¿De qué va? Presionado por las altas instancias del país, una estrella del cine egipcio debe aceptar a regañadientes protagonizar una película política favorable al gobierno. Ante las posibles represalias si se niega, el hombre ve que este trabajo le puede abrir el camino para convertirse en una persona poderosa. No contento con eso, también se liará con la esposa del general del ejército que supervisa el proyecto.

¿Por qué tienes que verla? Para completar la trilogía del cineasta sueco de origen egipcio Tarik Saleh, tras las aplaudidas El Cairo confidencial (2017), galardonada en Sundance, y Conspiración en El Cairo (2022), premiada en Cannes. Todas ellas están protagonizadas por el mismo actor, Fares Fares. El hecho de que Saleh provenga del mundo del documental convierte sus películas políticas en radiografías afinadas y críticas del régimen egipcio y de sus juegos de poder. En este caso, utiliza las herramientas del thriller para ofrecer, en realidad, una sátira mordaz que dispara con acierto y sentido del humor.

¿Cuándo se estrena? 13 de marzo.

Dir.: Tarik Saleh (Suecia, 2025). 127 min.

¿De qué va? Fatima tiene 17 años, vive en los suburbios de París, es musulmana, buena estudiante, sueña con dedicarse profesionalmente al fútbol y también es lesbiana. Al umbral de la vida adulta, se emancipa de su familia tradicional y se abre al mundo, a nuevos amigos y nuevos amores, mientras se pregunta cómo superar las contradicciones profundas entre su fe, sus sentimientos y sus elecciones vitales.

¿Por qué tienes que verla? Porque es una de las películas europeas del año desde que se presentó en el Festival de Cannes, donde su protagonista, Nadia Melliti, se llevó el premio a la mejor interpretación dando vida a una joven que compagina tres vidas diferentes: en casa, en la calle y por la noche. Los conflictos íntimos de la Fatima de ficción son los de la escritora Fatima Daas, autora de la galardonada novela autobiográfica La última, la más pequeña (publicada por Angle Editorial). Mientras Nadia Melliti se erige como una de las estrellas emergentes del cine francés, la directora Hafsia Herzi se confirma como una de las grandes creadoras europeas actuales. Todo ello al servicio de un relato que reflexiona sobre el choque entre la religión, por un lado, y el deseo y la identidad, por el otro.

¿Cuándo se estrena? 13 de marzo.

Dir.: Hafsia Herzi (Francia, 2025). 106 min.

¿De qué va? Un cineasta (Leonardo Sbaraglia) en plena crisis creativa intenta encontrar la inspiración ante la página en blanco y comienza a escribir sobre un alter ego evidente: otra directora de cine (Bárbara Lennie) que ha dejado las películas por la publicidad. Alimentándose de la realidad en un ejercicio de autoficción que no duda en vampirizar todo lo que le rodea, el guion que desarrolla hablará de la muerte, el duelo, la pérdida, la amistad y la angustia. Las historias del uno y la otra —ficción y realidad situadas en espacios temporales diferentes— se irán alternando con paralelismos vitales que cuestionan los límites morales de la creación artística.

¿Por qué tienes que verla? De entrada, la disfrutaréis si sois seguidores del cine de Pedro Almodóvar. Muchas de sus obsesiones, tanto temáticas como estéticas, forman parte de esta historia con la que el cineasta manchego parece desnudarse casi tanto como en Dolor y gloria (2019). Tomando como punto de partida una canción de Chavela Vargas que comparte título con el film (la añorada cantante mexicana estará muy presente en el relato), Almodóvar propone un triple salto mortal: el personaje de Leonardo Sbaraglia no deja de ser él mismo, como lo es también el personaje de Bárbara Lennie sobre el que escribe el protagonista. Con un reparto de lujo (Victoria Luengo, Milena Smit, Aitana Sánchez-Gijón, Quim Gutiérrez), Amarga Navidad es, sobre todo, una reflexión sobre hasta qué punto la libertad creativa puede justificar la falta de escrúpulos a la hora de convertir a los seres queridos en criaturas de ficción manipulables. Caiga quien caiga.

¿Cuándo se estrena? 20 de marzo.

Dir.: Pedro Almodóvar (España, 2026). 110 min.

¿De qué va? Cuando, en plena reunión con la dirección de la escuela, una pareja de clase media se entera de que su hijo enseña los genitales a sus compañeros, empieza a planear un cambio de centro educativo. De la pública a la privada y, si de paso eso beneficia los propósitos laborales del padre... miel sobre hojuelas. A partir de aquí, la peripecia de Alicia y Gonzalo pasará por una serie de situaciones que despertarán mil y una contradicciones entre sus valores y sus decisiones.

¿Por qué tienes que verla? Progenitores que proyectan en sus hijos sus frustradas aspiraciones de ascenso social, pequeñas miserias cotidianas, conflictos de clase, chats de padres irritantes y discusiones triviales que esconden prejuicios. Temas muy serios tratados en forma de comedia divertidísima, con un guion jugoso y punzante escrito a cuatro manos entre el director Víctor García León (Vete de mí, Los europeos) y Borja Cobeaga. El reparto está en estado de gracia: Marián Álvarez e Israel Elejalde son los atribulados padres, y un brillantísimo Juan Diego Botto interpreta al superior del padre, un tipo adinerado que les calienta la cabeza para que apunten al niño a una carísima escuela de élite. Los padres y madres que nos leáis os veréis identificados en más de una escena. Y reiréis mucho.

¿Cuándo se estrena? 27 de marzo.

Dir.: Víctor García León (España, 2026). 101 min.

¿De qué va? Un nuevo vecino se instala en el piso de enfrente de Marc y Eudald, una pareja estable desde hace seis años. Este hecho aparentemente trivial provoca una especie de clic que despierta dudas y ciertos traumas del pasado que Marc ya creía superados. Este es el punto de partida de una dramedy rodada en catalán, el nuevo largometraje de David Moragas tras la notable A Stormy Night (2020).

¿Por qué tienes que verla? Por la delicadeza y la verosimilitud del retrato de los protagonistas y de los conflictos emocionales que los atraviesan. Además, David Moragas hace un ejercicio interesantísimo: huye de los clichés e integra a una pareja queer en una trama que nunca pone el foco en los estereotipos habituales de aceptación de la propia sexualidad. El cineasta cuenta con un trío protagonista excelente: Lluís Marquès y Quim Àvila como los amantes, con el contrapunto magnífico de Bruna Cusí, reciente ganadora del Gaudí por Frontera. Además, el drama de Un altre home está empapado de un cierto sentido del humor que equilibra la propuesta, con una frase recurrente (“creo que deberíamos follar”) convertida en la solución ideal para todos los males.

¿Cuándo se estrena? 27 de marzo.

Dir.: David Moragas (España, 2026). 100 min.