Qué hacer en Barcelona en diciembre

Mucho antes que Angine de Poitrine, ya existían muchos grupos de rock instrumental que actuaban enmascarados (de Los Straitjackets a Glass Beams, passanndo por Los Tiki Phantoms). Desde 2001, los mexicanos Austin TV se han ganado un lugar en el olimpo de este tipo de grupos que rehúnen del ego y abrazan la fantasía y el misterio, tanto con sus músicas sugerentes y psicodélicas como con una puesta en escena que remite a los cómics y a la serie B.

Con el lema "tu cara no importa, importas tú" y un marcado espíritu indie, han tocado tanto en pequeños escenarios autogestionados de todo el mundo como ante públicos multitudinarios como el Vive Latino (México), Coachella (EE. UU.) y Rock al Parque (Colombia). Tras 10 años de pausa, en 2022 decidieron volver a los escenarios y ahora llegan a la Sala VOL, el 9 de junio, en una gira que incluye también Madrid, Valencia, Oviedo y San Sebastián.

El legado de los Beastie Boys es inconmensurable. Surgidos de la urgencia del punk y rápidamente volcados al hip-hop más gamberro y rupturista, pero también con un elevado sentido artístico, el trío de Brooklyn marcó época con ocho discos desde mediados de los 80 hasta 2012 cuando, desgraciadamente, la muerte de Adam Yauch puso fin a la trayectoria del grupo.

Desde entonces, Mike D no ha dejado la música, pero recientemente ha puesto en marcha un proyecto en solitario bajo su nombre que ya cuenta con dos singles, recién salidos del horno este mes de mayo de 2026: Switch up y What we got, que no decepcionarán a los fans de los Beastie Boys. Este nuevo camino tendrá su estreno en Barcelona el 16 de junio en La [2] de la Sala Apolo, en un concierto organizado por Primavera Tours y Caprichos de Apolo.

El Clotilde Fest regresa un año más con conciertos gratuitos en el Palau Robert durante el verano; con esta edición, ya serán ocho de música al aire libre en este edificio de Barcelona que cuenta con un jardín y exposiciones que merece la pena visitar.

Concretamente, las actuaciones tendrán lugar entre el 18 de junio y el 9 de julio, y están dirigidas principalmente a un público juvenil. En total, se harán cuatro noches de conciertos con artistas como Maria Jaume, Els Amics de les Arts y Suu, entre otros. 

El Sónar 2026 se celebrará del 18 al 20 de junio y será la primera vez que tendrá lugar íntegramente en la Fira Gran Via de l'Hospitalet, de manera que desaparece la separación entre Sónar de Dia y Sónar de Nit. Protagonizada por artistas como The Prodigy, Speedy J, Charlotte de Witte y Amelie Lens, entre muchos otros, esta edición también estrena nueva sede para el Sónar+D, en la Llotja de Mar, y vuelve Sónar Kids, la versión familiar del festival, que tendrá lugar el sábado 20 de junio en el Parc del Fòrum.

La 33.ª edición del festival de música, innovación y creatividad llega también después de la salida de los tres socios que fundaron Sónar en 1994 –Ricard Robles, Enric Palau y Sergi Caballero– y del CEO Ventura Barba, que se desvincularon del festival después de la edición de 2025, en la que un llamamiento al boicot a KKR produjo una serie de cancelaciones de artistas.

Se trata no solo de un cambio de formato, de horarios y ubicación. Con la nueva dirección del belga François Jozic, fundador de Brunch Electronik, el Sónar inicia también una nueva era.

El festival Mas i Mas nació en Barcelona hace más de veinte años para llenar el mes de agosto de música en directo, un mes en el que tradicionalmente la ciudad se vaciaba de actividad cultural. Durante todo este tiempo, ha ido creciendo y ahora encara la edición más ambiciosa –la 23ª–, con una cuarentena de conciertos durante seis meses –del 1 de abril al 6 de septiembre– en varias salas de Barcelona, las 1 y 3 del Jamboree –que és la sede del festival–, el Palau de la Música, la sala 2 de Razzmatazz, La Paloma y Paral·lel 62. 

Inaugurarà el festival la vibrafonista californiana Sasha Berliner, el miércoles 1 de abril en el Jamboree, pero hay muchos otros nombres internacionales en el programa. Y el jazz es la columna vertebral del programa, por supuesto, pero hay más. Por ejemplo, el nigeriano Seun Kuti, representante del afrobeat, género del que su célebre padre Fela Kuti fue pionero, con su grupo Egypt80; esto será el 7 de mayo en Razzmatazz 2.

También estarán Ghost-Note, la banda de funk, jazz y hip-hop liderada por el batería y el percusionista de Snarky Puppy, Robert Sput Searight y Nate Werth, que llegan con un elenco de músicos que han trabajado con artistas como Prince, Snoop Dogg, Kendrick Lamar, Herbie Hancock y Erykah Badu, el 6 de julio en el Jamboree; y la cantante de soul y R&B brasileño-noruega Charlotte Dos Santos, el 16 de mayo también en el sótano de la plaza Reial. 

El Guitar BCN 2026 incluye tres noches en el Palau Sant Jordi, el recinto cubierto más grande de la ciudad. Los encargados de llenarlo serán Amaral, cerrando su gira Dolce Vita Tour en diciembre; el fenómeno hip-hop Hijos de la Ruina (Natos, Waor y Recycled J), que llevarán sus beats masivos en mayo; y la cantautora canaria Valeria Castro, que ha pasado del Auditori Fòrum al Sant Jordi en tiempo récord.

El festival empieza con Bebe en Razzmatazz (8 de enero), Duncan Dhu en el Palau de la Música (15 de enero) y Alcalá Norte, la banda del momento de la escena post-punk madrileña, en el Sant Jordi Club (24 de enero). El hermano pequeño del Sant Jordi también acogerá al dúo Marlena y a los granadinos La Plazuela, que presentarán su esperado segundo disco con su fusión de flamenco y electrónica. También en el Sant Jordi Club, Iván Ferreiro hará un repaso a su trayectoria, desde la época de Los Piratas hasta la actualidad.

¿De qué va? ¿Por qué este escultor desconocido de época románica ha recibido el sobrenombre de “el Picasso del siglo XII”? En los rostros geométricos con ojos expresivos del Maestro de Cabestany, y en la desproporción y los volúmenes impactantes de sus esculturas, reside todo aquello que desde el presente hemos sabido denominar modernidad. En pleno románico, las obras del Maestro de Cabestany poseían un estilo característico que lo diferenciaba de sus coetáneos. Por ello, aunque conocemos pocos detalles de la vida de esta figura, su trabajo ha sido reconocido desde la Toscana hasta el Mediodía francés, pasando por Cataluña y Navarra.

¿Por qué hay que ir? Con esta exposición, el MNAC rinde homenaje al escultor más célebre del románico catalán partiendo de la incorporación reciente de nuevas piezas al museo; concretamente, fragmentos que formaban parte de la portada de mármol del monasterio de Sant Pere de Rodes. Por tanto, la muestra se centra en la construcción del mito de la abadía de Rodes, un espacio único, destino de peregrinaje, vinculado a un paisaje ancestral y a la antigua Roma.

¿De qué va? Los colores de la ciudad compiten ahora con los del “maestro del color”, que aterriza en una exposición en el CaixaForum. La explosión cromática de Henri Matisse se podrá ver en este museo de la ciudad hasta el 16 de agosto en el marco de la exposición Chez Matisse. El legado de una nueva pintura, organizada en colaboración con el Centro Pompidou de París con el objetivo de mostrar al público barcelonés cómo el genio francés revolucionó el arte del siglo XX.

¿Por qué hay que ir? La muestra reúne cerca de un centenar de obras para explicar por qué su visión de la pintura fue (y en muchos casos, sigue siendo) un hogar acogedor para la modernidad y una influencia para generaciones de creadores posteriores. Ahora bien, en la exposición no hay solo obras de Matisse, sino que las 45 obras del pintor fauvista dialogan con 49 piezas de otros gigantes del arte como Picasso, Braque, Derain, Raoul Dufy, Le Corbusier o Sonia Delaunay. Uno de los grandes reclamos es la presencia de La Moulade, una pieza clave pintada en Colliure que marcó el nacimiento del movimiento fauve y que sirve como eje central de esta colección inédita en la ciudad.

¿De qué va? Entre finales del siglo XIX e inicios del XX, los Nabis querían restablecer la unidad del arte y allanaban el terreno para la modernidad venidera. Este movimiento, situado en la transición entre el modernismo y las primeras vanguardias, se caracterizaba por un diálogo constante entre la pintura, la arquitectura y las artes decorativas gracias al juego entre el color, la forma y el ritmo de las composiciones artísticas. Ahora, los Nabis entran en La Pedrera en la primera gran exposición monográfica en Barcelona de este movimiento.

¿Por qué hay que ir? La muestra reúne una amplia selección de obras de entre finales del siglo XIX e inicios del XX que nos permiten conocer los principios estéticos y conceptuales de este grupo artístico, que exploró el carácter decorativo de la pintura y encontró la manera de integrarla en la vida cotidiana.

¿De qué va? El Museu Tàpies acoge la muestra El moviment perpetu del mur, una exposición que explora el papel que la noción de muro desencadenó en la obra de Antoni Tàpies desde el contexto de la Segunda Guerra Mundial hasta las décadas posteriores, tanto a nivel simbólico como pictórico y físico.

¿Por qué hay que ir? Este proyecto se centra especialmente en la década de 1950, un período clave de transformación en la práctica artística de Tàpies. A través de este recorrido se plantean nuevas perspectivas sobre el desarrollo de su lenguaje pictórico y sobre la relación entre obra, espacio y espectador. La exposición toma como punto de partida cuatro exposiciones individuales que el artista realizó durante esta década —en las Galerías Layetanas de Barcelona (1950 y 1954), en la Galerie Stadler de París (1956) y en la Sala Gaspar de Barcelona (1960). Cada una de estas muestras presentaba grupos de obras distintos y también diferentes soluciones de montaje. El proyecto analiza cómo estos dispositivos expositivos —la iluminación, la disposición de las obras o el color de las paredes— pueden influir en la percepción y la interpretación de la pintura. Asimismo, explica cómo la obra de Tàpies fue interpretada por críticos, pensadores e historiadores del arte del momento, y cómo se conecta con debates presentes en el pensamiento artístico contemporáneo.

De qué va? El Centre d’Arts Santa Mònica acoge El asalto de la ilusión, que se puede visitar hasta el 27 de septiembre, una exposición coral que reúne trabajos de diversos artistas para analizar cómo el arte ha contribuido a construir aquello que entendemos como realidad. A través de una puesta en escena cambiante y llena de trampas visuales, la muestra conecta técnicas históricas de representación con problemáticas actuales como la posverdad, la manipulación mediática o la irrupción de la inteligencia artificial.

¿Por qué hay que ir? La exposición está concebida como un recorrido en constante movimiento. Espejos, velos y paredes móviles configuran un espacio que se transforma a medida que el visitante avanza, generando una sensación de inestabilidad que afecta directamente a la percepción. Pintura, fotografía, vídeo e instalación conviven en un mismo itinerario, poniendo de manifiesto cómo cada lenguaje construye una idea distinta de realidad.

¿De qué va? El Palau Robert presenta Mako, un proyecto expositivo impulsado por Casa Asia y la Fundación J. Llorens Artigas que rinde homenaje a la diseñadora y ceramista japonesa Mako Artigas. La exposición puede visitarse del 13 de marzo al 7 de junio y ofrece una mirada amplia a más de cincuenta años de trayectoria artística, marcada por la sensibilidad, la materia y el color.

¿Por qué hay que ir? La exposición reúne una selección representativa de su trabajo: desde los primeros tejidos estampados (1959-1970), vinculados a la fábrica familiar en Japón y a sus etapas en Cataluña y París, hasta los dibujos para firmas como Kenzo, Dior, Courrèges o Paco Rabanne. A estas piezas se suman cerámicas de gres y porcelana creadas en las últimas décadas, donde el gesto se vuelve más íntimo y la forma más esencial.

¿De qué va? El proyecto de la artista Anna Moreno que revisita algunos de los proyectos utópicos de los años setenta impulsados por el arquitecto Ricardo Bofill. A través del cine, la instalación y la investigación artística, la exposición plantea una reflexión sobre las tensiones entre las aspiraciones utópicas de la arquitectura moderna y las realidades sociales y políticas que a menudo impidieron su materialización.

¿Por qué hay que ir? El proyecto toma como eje central el film The Terminal Beach, que documenta el estado actual de un asentamiento nómada construido en 1979 en el desierto argelino por el estudio de Ricardo Bofill. Este proyecto, concebido dentro del periodo más experimental del arquitecto, quedó inconcluso y ejemplifica las contradicciones entre el sueño utópico y la realidad política y social de la época.

¿De qué va? Hasta el 28 de septiembre, el MACBA acoge Prisioneros del amor. Hasta el sol de la libertad, la primera exposición en España de los artistas Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme. La muestra reúne obras que recorren casi dos décadas de su trayectoria y reflexionan sobre la memoria, el exilio y las formas de resistencia frente a la opresión y el expolio de Palestina.

¿Por qué hay que ir? A través de voces, canciones, sonidos e imágenes, los artistas conectan experiencias personales con historias colectivas de lucha y, en una aparente paradoja, ponen el acento en la importancia de la alegría, del amor y de la imaginación colectiva como formas poderosas de resistencia, incluso —y sobre todo— en condiciones extremas.

¿De qué va? Las exposiciones de fotografía siempre son interesantes, pero lo son aún más cuando las propuestas se salen de lo tradicional. Ornitografies: Revelant els traços de les aus en vol, del artista visual Xavi Bou en colaboración con la Galería SENDA (una de las más relevantes del arte contemporáneo en Barcelona), se podrá visitar de manera gratuita del 25 de febrero al 10 de abril en la zona de exposiciones del Hotel Eurostars Grand Marina 5*. La exposición es, además, una oportunidad perfecta para conocer el interior de este lujoso hotel.

¿Por qué hay que ir? La muestra presenta una selección de obras en las que Bou hace visibles los movimientos invisibles de la naturaleza. Mediante una técnica de cronofotografía digital, el artista registra el vuelo de las aves como una coreografía completa, revelando patrones que escapan a nuestra percepción habitual.

¿De qué va? El panafricanismo fue un movimiento impulsado hace más de un siglo por artistas e intelectuales de todo el mundo que se hacían la misma pregunta: ¿cómo sería el mundo si todos los pueblos africanos y sus diásporas se hermanaran? La nueva muestra del MACBA nos invita a hacer precisamente eso. Según Elvira Dyangani Ose, directora de la institución y comisaria de la muestra junto con Antawan I. Byrd, Adom Getachew y Matthew S. Witkovsky, las salas del museo se han llenado “del espíritu colaborativo del panafricanismo” y, a través de pinturas, libros, creaciones populares, música, fotografías y vídeos, nos invitan a imaginar un mundo mejor. 

¿Por qué hay que ir? Entrar en las salas del museo es como cambiar de mundo. No de país, ni de continente, ni siquiera de lengua. De hecho, la exposición profundiza en el impacto del panafricanismo en la historia catalana y española y nos revela la presencia de activistas negros en la Barcelona obrera o en el bando republicano de la Guerra Civil. La muestra, entonces, nos hace viajar a otro plano de la realidad que ha existido siempre. Más de quinientos objetos de un centenar de artistas e intelectuales, producidos en África, Europa, América del Norte y América del Sur, nos explican que la historia tiene muchas capas y que no todas aparecen en los libros o en la televisión. Hay relatos censurados y otros que nuestra mirada impregnada de blanquitud no ha sabido ver. Pero las banderas de la primera sala nos reciben con los brazos abiertos y parece que nos digan: ¡bienvenidos a Panáfrica!

Una impresora caída del cielo perturba la paz de nuestros antepasados y, como una caja de Pandora anacrónica, desencadena los males con los que los cinco intérpretes de Peeping Tom tendrán que lidiar. Son solo cinco hombres sobre el escenario (Simon Bus, Seungwoo Park, Charlie Skuy, Boston Gallacher y Balder Hansen) que se estrenan con la compañía de danza belga en un montaje que pone en el centro la batalla de la humanidad contra la máquina, contra la tecnología, contra lo que ella misma es capaz de crear. Y, por lo tanto, de destruir.

‘Chroniques’ es un viaje en el tiempo fragmentado, construido a base de escenas que funcionan como recuerdos –son mucho más sensoriales que narrativos, es un montaje sin texto– y hacen pensar que los humanos llevamos miles de años luchando contra una misma cosa que muta en formas diferentes. Y la cosa en cuestión no es otra que la manera que tenemos de transformar nuestra inteligencia en una tecnología que debería facilitarnos la vida pero que, a menudo, termina siendo terrorífica. 

Tíene razón el Corifeo de este 'Contra Antígona' cuando dice que el coro de las tragedias griegas ha sido descuidado por el teatro contemporáneo, una manera de expulsar al público, de separar escena y platea, de levantar un muro que, en la época clásica, se atravesaba gracias, precisamente, al coro, integrado por doce o quince espectadores que se introducían en la acción. Andrea Jiménez ha decidido devolver a Sófocles lo que es suyo y, guiada por el mismo espíritu travieso que demostró en 'Casting Lear', recluta a catorce personas del público para que participen en la versión de 'Antígona' que ella misma y Victoria Szpunberg han escrito. Los guía el Corifeo (Olga Onrubia), el decimoquinto espectador, y una facilitadora (Mònica Molins) que les va dando instrucciones a medida que la acción avanza.

Es muy interesante ver las reacciones del coro, por ejemplo, en la famosa disputa entre Creonte (Xavi Sáez) y Antígona (Júlia Truyol), cuando el nuevo rey de Tebas riñe a la hija de Edipo por haber querido enterrar a su hermano Polinices en contra de lo que él ha mandado. Una atronadora mayoría del coro apoya a Antígona, quien ha violado la ley y, al fin y al cabo, quiere rendir honores a un hombre que ha intentado destruir su ciudad. O cuando Creonte se acerca a su mujer Eurídice (Arantza López Medina), última víctima mortal de la tragedia, rodeada por muchos integrantes de este coro totalmente afligidos.

En Dinamarca, se vive tan bien y son tan felices que incluso se tienen que importar las malas noticias. Y lo peor és que se lo han creído. Nos podríamos imaginar que los dos personajes de la obra de título de país nórdico (y famoso teatralmente porque algo está podrido en él), escrita por Lluïsa Cunillé, son un Hamlet que no muere a manos de Laertes en la última escena de la tragedia de Shakespeare y su madre Gertrudis, ya mayores ambos, compartiendo techo y obligados a soportarse. Están cansados de vivir y todo les importa un bledo, pero no piensan renunciar a nada. Pere Arquillué e Imma Colomer son los encargados de darles vida. Dos intérpretes al servicio de una pieza que solo dos tótems podrían llevarse a su terreno.

I és que el trabajo de Arquillué y Colomer es de otro mundo. Cunillé necesita este tipo de actores y actrices que llevan la valentía tatuada en el brazo, suficientemente hábiles para encabezar repartos en montajes populares y a la vez meterse en jardines espinosos como este Dinamarca. Porque aquí estamos más cerca de un Fi de partida que de un Hamlet, aunque la autora catalana lo único que toma prestado de Beckett es la mala leche y su sentido del humor.

Mientras el mundo se prepara para ver el cometa Halley, doce mujeres deben decidir si Sança está embarazada, cosa que le ahorraría la horca por el asesinato de una criatura. Encerradas en una habitación, con la única presencia de un hombre que no puede abrir la boca y con la multitud afuera que espera ansiosa ver el cuerpo colgado de la acusada, la presión sobre el jurado es grande. La británica Lucy Kirkwood hace que la maquinaria patriarcal se exprese a través de las mujeres, las cuales, no todas, darán vida a tópicos, suspicacias y clichés.

Estamos en 1759, en la Cataluña rural, y no en Suffolk, Inglaterra, que es donde Kirkwood situó El firmament. La directora y traductora Gara Roda ha decidido este cambio, por lo que los personajes no se llaman Sally, Lizzy o Charlotte, sino Sança (Anna Castells), Bet (Sílvia Abril) o Carlota (Teresa Vallicrosa). Una modificación que no afecta al fondo de la cuestión, pero sí a más de un aspecto accesorio. Y quizá por eso Roda plantea la función como si estuviera versionando a Guimerà y el juego de Kirkwood con el presente, cuando nos viene a decir que todo lo que pasaba en el siglo XVIII no ha desaparecido del todo, queda algo descafeinado, especialmente en un momento climático cuando sustituye el Manic monday de The Bangles por No es serio este cementerio de Mecano. El resultado es estético y funciona, pero la razón del momento musical es totalmente diferente.

Es difícil salir del teatro cambiado, con un estado de ánimo diferente con el que has entrado, y poder decir, además, que te has divertido como hacía tiempo que no te pasaba. Que has visto tres intérpretes excelentes que se lo pasan pipa haciendo la función y que saben cómo transmitirlo al público. Que has descubierto una directora (Andrea Jiménez) que ha encajado con tres tarambanas y los ha hecho volar muy alto. Que has disfrutado de un texto irreverente (de Victoria Szpunberg), que sabe jugársela y que hace dianas todo el rato. Y que mañana, si pudieras, no dudarías en volver.

'Mal de coraçon' parece la típica obra de bar, con un hombre a quien acaba de abandonar el amor de su vida (Pau Vinyals), un filósofo borracho (Pol López) y una camarera-cuidadora que quiere ser actriz (Júlia Barceló). Nada nuevo bajo el sol. Dos payasos y un augusto. Pero la introducción de la figura de Santa Teresa, y su obra, lo trastoca todo, hace que la pieza entre en un camino que no sabes por donde saldrá, a veces luminoso, a veces oscuro y tortuoso. Se convierte en un interrogante a resolver, un motor alterno que alimenta la escena. ¡Y cómo superan todos el reto! Porque el camino acaba en una fiesta.

No era fácil llevar Permagel a escena con una forma que fuese teatral. Victoria Szpunberg y Albert Pijuan podrían haber tirado por el camino más corto y hacer como la autora, Eva Baltasar, y empezar por el preludio del final y seguir la prosa hasta el capítulo de cierre. Pero afortunadamente se han complicado la vida y han deshecho la novela para rehacerla, para darle la vuelta, con añadidos de presentación de los personajes y una línea temporal clara. Para, en definitiva, transformar un artefacto literario en un artefacto teatral.

Maria Rodríguez Soto asume el reto de encarnar a esta mujer a punto de cumplir los 40, lesbiana, solitaria, con instintos suicidas, tía, hermana e hija. Tampoco es nada sencillo meterse en esta piel, dentro de este mundo, y salir victoriosa. ¿Cómo se interpreta a alguien que quiere matarse, que no soporta a la familia, que no encaja, pero que adora a la sobrina? ¿Cómo se mantiene la mirada, la respiración, cuando te pintas una raya en el brazo por donde querrías que pasara la cuchilla de afeitar? ¿Cuando escarneces a madre y hermana?

Lorca, el hombre, es una metáfora triste de lo que es España. Nacido en 1898 y asesinado en 1936, entre la gran derrota colonial y la guerra más cruel. El autor es, seguramente, el mejor y más influyente del siglo XX al sur de los Pirineos y es el único de su estirpe en Europa, la de los genios, de la que debemos estar orgulloso, cuyos huesos permanecen todavía enterrados en una cuneta. Acercarse a su figura, a lo que fue, siempre es problemático. Y Juan Diego Botto lo sabía.

Pero después de ver 'Una noche sin luna' podemos afirmar que nunca nadie, al menos en lo que llevamos de siglo XXI, se había aproximado al Lorca hombre con el tacto, la soltura, el conocimiento y el saber estar del actor. Porque esta obra es una lección de interpretación bestial, de cómo un ser humano se transforma en otro y nos deja boquiabiertos desde el minuto 1 al minuto 105, a esa hora y tres cuartos en que Botto camina hacia Lorca y Lorca pasa a la piel de Botto y de cada uno de los espectadores.

¿De qué va? La aparición de una extraña puerta en el sótano de una sala de exposición de muebles y la desaparición del paciente de una terapeuta parecen fenómenos relacionados que llevarán a la psicòloga a penetrar en un espacio desconocido para rescatarlo.

¿Por qué tienes que verla? El debut en el largometraje del jovencíssimo Kane Parsons (cumplirá 21 años este mes de junio) conecta directamente con los perturbadores vídeos virales que el cineasta sube a YouTube desde que tenía 16 años. Todo un prodigio de creatividad que proponía una leyenda urbana basada en un laberinto de espacios liminales (lugares vacíos que sirven de transición entre dos destinos), en este caso toda una serie de oficinas con paredes amarillentas. Inmersiva y desacomplejadamente terrorífica, nos encontramos ante una de las propuestas cinematográficas más estimulantes de los últimos años.

Con la producción de dos referentes como son James Wan y Osgood Perkins y con el apoyo de la prestigiosa productora A24, Backrooms se convierte en un punto de inflexión creativo de un género como el terror, que hoy suele ser el mejor marco para experimentar con narrativas conceptuales creativas e innovadoras. En su salto del mundo digital al cine, Kane Parsons cuenta con una magnífica pareja protagonista: Renate Reinsve (Valor sentimental) y Chiwetel Ejiofor (12 años de esclavitud).

¿Cuándo se estrena? El 5 de junio.

Dir.: Kane Parsons (EE. UU., 2026). 105 min.

¿De qué va? El padre Manuel ha puesto en marcha el procedimiento para colgar los hábitos y empezar una nueva vida. Pero, cuando ciertos episodios de su pasado comienzan a ver la luz, el sacerdote deberá enfrentarse a todo aquello que hizo y también a un entorno que lo protegió.

¿Por qué tienes que verla? Por el atrevimiento al abordar un tema como los abusos sexuales a menores y el encubrimiento sistemático dentro de la iglesia católica. Y por hacerlo de la manera en que lo hace. Acostumbrado a proponer historias que no suelen tocarse en la gran pantalla, en títulos como La herida (2013), Morir (2016) o La consagración de la primavera (2022), el cineasta Fernando Franco apuesta por ofrecer el punto de vista del abusador, interpretado por un excepcional Alberto San Juan, presente en todas las escenas de la película.

Con un reparto de secundarios de lujo (Luis Callejo, Ramón Barea, Pedro Casablanc, María Galiana, Miguel Rellán), La luz pone sobre la mesa un puñado de relevantes dilemas morales que inevitablemente provocarán encendidos debates en los espectadores.

¿Cuándo se estrena? El 5 de junio.

Dir.: Fernando Franco (España, 2026). 120 min.

¿De qué va? Atípico biopic sobre la legendaria actriz italiana que da título a la película, y centrada en la recta final de su vida profesional. Acabada la Primera Guerra Mundial y mientras Europa ve el inicio de los fascismos, la divina Duse ha dejado de ser la estrella que llenaba escenarios y vive inmersa en contradicciones personales que incluyen el crítico vínculo con su hija, la relación con el poeta Gabriele D'Annunzio o sus encuentros con Benito Mussolini.

¿Por qué tienes que verla? Por la siempre interesante visión del cineasta Pietro Marcello (Martin Eden), que aquí insiste con temas que suele tocar en su cine, como el vínculo entre arte y poder o el papel del artista ante tragedias como la guerra, la miseria y el dolor. En la película en concreto, plasmando la enorme agitación del periodo histórico en el que vive la Duse. Otra imbatible razón para ver este largometraje es la exhibición interpretativa de dos de las grandes damas del cine europeo: la italiana Valeria Bruni-Tedeschi (vista en 5 x 2 y La gran juventud) y la francesa Noémie Merlant (Un año, una noche y Retrato de una mujer en llamas).

¿Cuándo se estrena? El 12 de junio.

Dir.: Pietro Marcello (Italia, 2025). 125 min.

¿De qué va? Pese a los intentos del gobierno estadounidense de ocultar a la población la existencia de una especie alienígena que ha contactado con los humanos, una meteoróloga se convierte en el inesperado canal que los recién llegados usarán para revelarse a miles de millones de personas.

¿Por qué tienes que verla? Porque cada película que estrena Steven Spielberg es un acontecimiento en sí mismo que, sí o sí, debe llevar a cualquier aficionado al cine hasta la butaca de una sala. Con El día de la revelación, además, el maestro vuelve a hablar del posible contacto entre humanos y alienígenas, poniendo el foco, como siempre le ha interesado, en la derivada emocional de sus personajes.

Es una película emparentada con la fabulosa Encuentros en la Tercera Fase (1977), con la que tiene algunos elementos en común. Con guion del propio Spielberg y de David Koepp (su colaborador en Jurassic Park y en La guerra de los mundos), se basa en un artículo del The New York Times publicado en 2017 que hablaba de la existencia de un programa secreto del Pentágono dedicado a investigar fenómenos aéreos no identificados. Es aquí, en el choque entre aquellos que abogan por hacer pública la existencia de vida extraterrestre y quienes prefieren esconderlo, donde se encuentra la esencia de una película que cuenta con Emily Blunt, Josh O'Connor y Colin Firth al frente del reparto. Imprescindible.

¿Cuándo se estrena? El 12 de junio.

Dir.: Steven Spielberg (EE. UU., 2026). 145 min.

¿De qué va? Iván es un chico trans que se gana la vida en una planta envasadora de frutas y verduras cultivadas en invernaderos de Almería. Haddoum, hija de marroquíes y habituada a trabajos tan precarios como efímeros que la convierten en nómada constante, entra a trabajar allí. Cuando se encuentran, inevitablemente, se enamoran. Pero se encontrarán con obstáculos familiares, laborales y, obviamente, sociales que complicarán que su relación tenga ningún futuro.

¿Por qué tienes que verla? Por la interesantísima exploración de la experiencia trans con un director y guionista, por un lado, y un protagonista, por el otro, que pueden hablar de ello mejor que nadie. Con no tantos referentes, huyendo de intenciones panfletarias y tremendismos, y con la voluntad de transformar miradas, la ópera prima de Ian de la Rosa apuesta por construir una historia de amor clásica con ramas temáticas que apuntan a la explotación laboral y la lucha de clases, a la inmigración y al machismo.

Todo un hallazgo, sobre todo para quienes no habían visto el anterior trabajo del cineasta, el cortometraje Farrucas (2021). Iván & Hadoum, además, supone una excelente carta de presentación para su pareja protagonista, Silver y Herminia Loh, intérpretes que ponen en valor la necesidad de diversidad en los castings del cine español.

¿Cuándo se estrena? El 12 de junio.

Dir.: Ian de la Rosa (España, 2026). 101 min.

¿De qué va? En la España de 1970, cuando el franquismo todavía colea, un promotor deportivo intenta sacar adelante una idea marciana en aquel momento histórico: organizar el primer partido de fútbol jugado por mujeres. Para conseguirlo, va sumando a la causa a un grupo de chicas aficionadas y con talento con el balón. Ellas acabarán plantando cara a mil y un palos en las ruedas, y formarán parte de la primera selección española femenina de fútbol.

¿Por qué tienes que verla? En pleno auge del fútbol femenino, con la cuarta Champions ganada por el Barça todavía reciente, llega una película que reivindica a las primeras mujeres que se enfrentaron a un statu quo tremendamente machista para dedicarse a su pasión y representar a España. En tono de comedia dramática, este relato reivindica a aquellas pioneras que pusieron la primera piedra de lo que hoy es una realidad cada día más consolidada. Pura memoria histórica, en tiempos que señalaban a aquellas mujeres que no aceptaban su rol de amas de casa y madres de familias numerosas.

Dirigida por Marta Díaz de Lope Díaz (buscad sus anteriores y muy reivindicables Mi querida cofradía y Los buenos modales), la película cuenta con un conjunto de jóvenes actrices que forman parte de una más que prometedora nueva generación: destacan Sofía de Iznájar (Sigue mi voz), Leire Aguiar (Todos los lados de la cama) y Bruna Lucadamo (la hija de Aitana Sánchez-Gijón).

¿Cuándo se estrena? El 12 de junio.

Dir.: Marta Díaz de Lope Díaz (España, 2026). 106 min.

¿De qué va? La llegada de una tablet digital a casa pone en alerta a Woody, Buzz, Jessie y toda la pandilla. La recién llegada Lilypad podría cambiar para siempre el espacio lúdico de la pequeña Bonnie, y nuestros juguetes favoritos no están dispuestos a caer en el baúl de los recuerdos.

¿Por qué tienes que verla? Por la evidente curiosidad que despierta una nueva entrega de una de las sagas más importantes de la historia del cine (de animación o no). Con la noticia del rodaje de cada uno de los Toy Story hemos levantado la ceja, pensando si estaría a la altura del anterior. Y, de momento, los responsables de Pixar no han errado. Veremos qué pasa con esta quinta parte, que plantea la transformación de las maneras de jugar de los niños una vez se ha abierto la puerta a la tecnología. No deja de ser paradójico que sea justamente Pixar quien lo haga, ya que Toy Story, que acaba de cumplir 30 años, fue el primer largometraje de animación completamente realizado por ordenador.

Con Andrew Stanton (director de Buscando a Nemo y Wall-E) al mando, la película plantea aquello que se vive en tantas casas: los niños están cada vez más enganchados a las pantallas, y los padres (cuyas preocupaciones se trasladan aquí a los juguetes de toda la vida) se plantean qué límites deben poner. Presuponiendo la magia habitual de la casa, Toy Story 5 también cambia el protagonismo de los juguetes, y pone el foco en la sheriff Jessie.

¿Cuándo se estrena? El 17 de junio.

Dir.: Andrew Stanton (EE. UU., 2026). 102 min.

¿De qué va? Nora ha superado un cáncer de mama y, con el miedo presente de una posible recaída, trabaja como investigadora médica estudiando las posibilidades del cuerpo humano a la hora de alargar la vida de las células. En este contexto, la protagonista solo siente unas enormes ganas de vivir, y decide romper con su pareja de toda la vida y dejarse llevar cuando se le presenta la oportunidad de liarse con un chico veinte años más joven que ella.

¿Por qué tienes que verla? Porque mantiene todo lo que la faceta de creadora de Aina Clotet ya demostraba en la excelente serie Això no és Suècia (de la cual, por cierto, pronto rodará la segunda temporada). Con Viva, la cineasta, coproductora y guionista soluciona un complejo y radical rompecabezas: de entrada, consigue un difícil equilibrio en su singular mezcla de comedia y tragedia. Por otro lado, propone un marco distópico (pero muy verosímil) en la trama, situada en una Barcelona que vive inmersa en una sequía extrema. Y ofrece un puñado de escenas tan viscerales como divertidas o dramáticas.

Más allá de esto, Viva también demuestra el talento interpretativo de Clotet, con el aval del premio revelación que se llevó de Cannes tras presentar la película en la sección Semana de la Crítica, y la fuerza de un reparto que escapa de lugares comunes: desde la confirmación de Marc Soler a una sorprendente Lloll Bertran que cambia radicalmente de imagen.

¿Cuándo se estrena? El 19 de junio.

Dir.: Aina Clotet (España, 2026). 112 min.

¿De qué va? Tras el éxito de la Revolución Francesa, el rey Luis XVI, su esposa María Antonieta y sus hijos, son encarcelados en la Tour du Temple, un castillo de París donde la familia real espera un destino escrito: la guillotina. Unas últimas semanas que aíslan al monarca y a los suyos, quienes, por primera vez en sus vidas, experimentarán un trato alejado del privilegio y la riqueza.

¿Por qué tienes que verla? Ganadora de tres premios David di Donatello, esta nueva mirada a uno de los hechos más relevantes de la historia de Francia tiene una pareja protagonista formada por Mélanie Laurent y Guillaume Canet, y está dirigida por el italiano Gianluca Jodice (El poeta y el espía). El cineasta ofrece un retrato íntimo de unos personajes vulnerables que toman conciencia y ganan dignidad ante la proximidad de la muerte. Con una puesta en escena más bien austera, que huye del ostentoso "brilli-brilli" propio de la realeza (aunque cuenta con un magnífico diseño de producción), Los últimos días de María Antonieta se acerca más al drama carcelario que a la epopeya histórica.

¿Cuándo se estrena? El 26 de junio.

Dir.: Gianluca Jodice (Francia, 2026). 101 min.

¿De qué va? Un cantante que se gana la vida actuando en fiestas privadas conoce en una boda a un amigo de los novios, antigua estrella de una boy band en decadencia. Le hace subir al escenario, despliegan una inesperada química y se lo pasan en grande haciendo bailar a los invitados. Después continúan la fiesta en una inesperada sesión musical nocturna. Meses después, el primero se sorprende al descubrir que el segundo ha vuelto a las listas de éxitos con un tema suyo, y comenzará su batalla para que el mundo reconozca su autoría.

¿Por qué tienes que verla? Porque la trayectoria de su director y guionista, el irlandés John Carney, nos dice que sus películas son infaliblemente reconfortantes y encantadoras. Para dibujar esta nueva carta de amor a los músicos y al poder de una canción, el director de la maravillosa Once (2006) y de las estupendas Begin again (2013) y Sing Street (2016), y creador de la serie Modern love (2019-21), cuenta con una pareja tan carismática como la formada por Paul Rudd y Nick Jonas.

Además, Letras robadas tiene un mensaje punzante, al plantear el tema de la propiedad intelectual cuando la inteligencia artificial está poniendo en cuestión normas de todo tipo. Tan divertida como emotiva, Letras robadas vuelve a hacernos tener ganas de pisar Dublín, escenario de muchos de los filmes de John Carney.

¿Cuándo se estrena? El 26 de junio.

Dir.: John Carney (Irlanda, 2026). 96 min.