Qué hacer en marzo en Barcelona

Cuando pensamos en el Grec, todos nos vamos automáticamente a las propuestas de teatro, danza y circo, pero más allá de las llamadas artes escénicas, el festival de verano de Barcelona también presenta una nutrida programación de conciertos. Destacan, en el Teatre Grec, Les Flors Prohibides (13 de julio, con Anna Andreu, Clara Peya, Mar Pujol y Cora Novoa, entre otros), Yerai Cortés (19 de julio), Cançons del Grec (20 de julio, con Estrella Morente, Rosa Zaragoza, Maria del Mar Bonet, Mayte Martín, Lucia Fumero, Tarta Relena y Borja Penalba, entre otros), Walid Ben Selim / Raül Refree / Vincent Moon (21 de julio), Roger Mas i la Cobla Sant Jordi Ciutat de Barcelona (22 de julio), Sébastien Tellier (25 de julio) y La Nit del Músic Alt, (28 de julio, con la Banda Municipal de Barcelona buscando los límites del teatro musical). 

Más allá del Teatre Grec, la sala Paral·lel 62 acoge los espectáculos conjuntos entre Carlos de Jacoba i Ciutat (16 de julio) y entre Baiuca i Júlia Colom (16 de julio), pero también habrá conciertos en L'Auditori (Aurora Bauzà & Pere Jou, 10 y 11 de julio), en el Pavelló Mies van der Rohe, en el Museu de la Música, en la Sagrada Família (Arrels de llum, 16 de julio), en el Museu d'Història, en el patio de la sede del Districte de Nou Barris (que acoge el ciclo de flamenco Desvarío), en el Centre Artesà Tradicionàrius, en el Teatre Apolo y en la Capella del MACBA. Consulta la programación completa en la web del festival

Llega una nueva edición de verano d'Els Vespres de la UB –la 21ª, ya–, el ciclo que dos veces al año presenta de forma gratuïta grupos y artistas de la escena emergente catalana a los que vale la pena seguir de cerca. Los conciertos tendrán lugar del 7 al 16 de julio en los jardins Ferran Soldevila del edificio histórico de la Universitat de Barcelona, un buen lugar para refugiarse de las altas temperaturas en el centro de la ciudad.

En esta ocasión, el cartel está formado por Los Vecinos de Manué (7 de julio), Killin’ Cactuz (9 de julio), Ypnosi (14 de julio) y Maig (16 de julio). Cada uno de ellos actuará precedido de los finalistas del concurso de maquetas Sona UB, convocado por segunda vez por la Universitat de Barcelona. En esta ocasión Diana Gil, Roberto Damson, Exili a Elba y Seytha son los que han sido elegidos por votación popular entre unas 400 personas de la comunidad UB. 

Van Morrison volverá a rugir en Barcelona casi diez años después de su última visita. El concierto del "León de Belfast", que se celebrará el 3 de julio de 2026 en el Auditori del Fòrum, se enmarca en la nueva edición del Festival de Jazz de Barcelona, que celebra 60 años y se suma a un programa que se alarga hasta finales de noviembre, donde destacan Marco Mezquida, Andrea Motis, Pat Metheny, Marcus Miller, Michel Camilo, la Barcelona Jazz Orquestra, Branford Marsalis y el proyecto jazzístico de Ramon Mirabet.

El norirlandés, de 80 años, es famoso por discos como Astral weeks (1968) y Moondance (1970), pero no deja de publicar nueva música. Este 2026 ha lanzado Somebody tried to sell me a bridge (2026), un álbum de blues que incluye colaboraciones con Elvin Bishop, Taj Mahal y Buddy Guy. Tan esquivo con el público como serio con su música, Morrison es una leyenda viva del soul y alternará canciones de su nuevo trabajo con clásicos de su famoso cancionero.

El Barcelona Rock Fest, el mayor festival de heavy metal de los que se celebran en Catalunya, celebra su décima edición con una nueva y contundente representación de la escena internacional, no solo metálica sino también del punk rock, esta vez con cabezas de cartel como Megadeth, Sex Pistols featuring Frank Carter, Helloween, The Offspring y Bad Religion. Será del 3 al 5 de julio en el Parc de Can Zam de Santa Coloma de Gramenet.

Uno de los planes más mágicos del verano en Barcelona son los conciertos de Clásica a la Platja. Y no, “mágico” no es cursi ni exagerado, porque escuchar a músicos del Liceu bajo las estrellas con el sonido de las olas y la brisa de verano, es espectacular. ¡Y lo mejor de todo, es que ¡es gratis! A continuación os explicamos todos los detalles de la edición de este año para que os apuntéis la fecha en el calendario.

Clàssica a la platja está organizado por el Gran Teatre del Liceu, L’Auditori y el Palau de la Música Catalana, y este 2026, los conciertos serán los días 8 y 9 de julio a las 21 h en la playa de Sant Sebastià, en la Barceloneta.

Los dos conciertos de esta edición están unidos por un mismo hilo conductor, un viaje por las grandes tradiciones musicales de Europa y Latinoamérica a través de compositores que convirtieron el folklore, la danza y las identidades culturales de sus países en música sinfónica de una enorme fuerza expresiva y riqueza orquestal.Para entrar en este universo musical, donde se podrán escuchar las obras más emblemáticas de Johannes Brahms, Antonín Dvořák, Piotr Ilich Chaikovski, Aleksandr Borodín, Manuel de Falla, Alberto Ginastera y Maurice Ravel, el miércoles 8 de julio, Josep Pons dirigirá la Orquesta del Gran Teatre del Liceu.

El segundo concierto será el jueves 9 de julio, a la misma hora y en la misma ubicación que el día anterior, y Ludovic Morlot se pondrá al frente de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña (OBC).

Finalmente, y como en cada edición, los coros del Palau de la Música Catalana llevarán la música a aquellas personas que por motivos de salud no pueden acercarse a los conciertos de la playa y ofrecerán un total de tres conciertos en dos residencias de gente mayor y un hospital.

Después de celebrar sus 15 años de vida en la pasada edición, el Cruïlla encara la de 2026 con dos grandes cabezas de cartel: David Byrne, que ya maravilló al público del festival en 2018 con un directo vibrante e imaginativo, y los héroes del rock alternativo Pixies, que celebran 40 años de carrera y que todavía no habían actuado en el festival. El ex Talking Heads presenta Who is the sky? (2025), mientras que el último trabajo de los de Boston es The night that the zombies came (2024). 

Será del 8 al 11 de julio de 2026 en el Parc del Fòrum y también estarán The Black Crowes, Garbage, Suede, The Hives, Halsey, Reneé Rapp, Faithless, Two Door Cinema Club, Bomba Estéreo, Jovanotti y Rigoberta Bandini entre muchos otros.  

La temporada de verano de Brunch Electronik convierte el Parc de la Trinitat en un gran punto de encuentro para los amantes de la música electrónica. Las jornadas son al aire libre los domingos del mes de julio, con dos escenarios (Main y Green Stage) y una programación que combina grandes nombres internacionales con artistas locales y colectivos de la escena barcelonesa.

El pistoletazo de salida es el 12 de julio con Laurent Garnier al frente, acompañado de Job Jobse, Roi Perez y Greta. El Green Stage está comisariado por el sello de Toy Tonics, con sesiones de Kapote b2b Arpy Brown, Gee Lane y ALOT.

La segunda fecha es el 19 de julio con The Martinez Brothers, Carlita, Traumer e Indra Traferri. Mientras tanto, La Aso (colectivo cultural de Barcelona de electrónica underground) se encarga de la programación del segundo escenario con propuestas emergentes de talento de proximidad.

El 26 de julio es el turno de Disclosure, en uno de los conciertos más esperados del verano. También actuarán HAAi, Bibi Seck y Dani BM, mientras que el Green Stage, organizado por el colectivo Antídoto, reunirá a artistas como Riria, Yousef y Thelma.

Les Nits Occident vuelve a llenar los jardines del Palau de Pedralbes de música d’artistas como Sting, que actúa ahí el 7 de julio dentro del marco de la gira mundial STING 3.0. El ex-Police llega acompañado por Dominic Miller a la guitarra y Chris Maas a la batería, con quienes presentará su pieza más reciente: I wrote your name (Upon my heart).

También estarán Taburete, el Mag Lari con el espectáculo de magia Strafalari, y el 8 de julio Carles Sans presentará Per fi me’n vaig, un show que pondrá fin a 45 años de carrera. Vanesa Martín es otra de las confirmadas, que actúa el 10 de julio para estrenar Casa mía, su nuevo trabajo discográfico. 

El Clotilde Fest regresa un año más con conciertos gratuitos en el Palau Robert durante el verano; con esta edición, ya serán ocho de música al aire libre en este edificio de Barcelona que cuenta con un jardín y exposiciones que merece la pena visitar.

Concretamente, las actuaciones tendrán lugar entre el 18 de junio y el 9 de julio, y están dirigidas principalmente a un público juvenil. En total, se harán cuatro noches de conciertos con artistas como Maria Jaume, Els Amics de les Arts y Suu, entre otros. 

Dale, Don, dale. El cantante puertorriqueño Don Omar, estrella del reggaetón conocida mundialmente por esta canción y otras como Danza kuduro, Dile, Bandoleros (con Tego Calderón) y Salió el sol actuará en Barcelona este verano en un concierto en el Estadi Olímpic Lluís Companys el 23 de julio, dentro del Cook Music Fest Special Edition, tras la espectacular demanda de entradas para fechas anunciadas anteriormente como las de Tenerife y de Sevilla, los días 16 e 18, respectivamente.

Omar llega tras el éxito de la gira norteamericana Back to Reggaeton en América del Norte, y promete una gran fiesta con las canciones más emblemáticas, con visuales y la presencia de otros artistas.

Quién diría que un espectáculo que empieza por el final tendría un inicio tan animado. Los hermanos Llorenç i Robert González comienzan el montaje con un número musical muy cabaretero donde hacen de músicos, de cantantes y de bailarines de claqué. En casa, de pequeños, debieron de armar mucho jaleo, porque se requiere mucha práctica para hacerlo todo bien a la vez.

Marc Artigau ha escrito y dirigido para los hermanos González un texto que reflexiona con alegría sobre una de las relaciones humanas más tiernas y complejas que existen: la fraternal. Y lo hace a través de escenas independientes que forman un recorrido extenso desde la infancia, con una litera con sábanas de las tortugas ninja y pósters culers, hasta la vejez, con los actores caracterizados con rebequitas y boinas de lana. Todo ello haciendo alusiones a hermanos que forman parte del imaginario popular: Hansel y Gretel, los Jackson Five, los Kennedy, Raúl y Fidel Castro o los hermanos Lumière, pero también incorporando un cuento de Quim Monzó y un poema musical de Verdaguer. Un popurrí de referencias.

El patio de butacas se convierte en una aula magna de universidad y, al ritmo frenético de un partido de frontón, los espectadores van cambiando de facultad: de la de ciencias a la de letras. Mientras el profesor de física cuàntica, Pere (Joan Carreras), nos revela que 'L’últim àtom' no existe, la de lingüística, Sara (Mia Esteve), intenta explicarnos cómo determinar un mundo indeterminado. Dos caras de una misma moneda, que harà de hilo conductor durante toda la función: la incapacidad para definir la realidad.

Los dos docentes son una pareja separada que tienen en común una hija desaparecida desde hace muchos años. Tantos, que el sistema està a punto de darla por muerta. En este juego de duda constante entre si lo que vemos es real o no, completan el reparto haciendo múltiples personajes Carles Pedragosa, Carme Milán y el regidor Ruben Ametllé. Todos ellos espléndidos, con el añadido de que este último, aparte de hacer el trabajo de regiduría (quedan al descubierto los “top” que indican cuándo tiene que entrar una luz, un sonido, un cambio de escena), también tiene que decir el texto de la actriz Lara Segur, a la que por lo que parece le sentó mal la cena, y también un par de letras del nombre y el apellido. Nos encanta la faceta más traviesa de Jordi Oriol.

Lorca, el hombre, es una metáfora triste de lo que es España. Nacido en 1898 y asesinado en 1936, entre la gran derrota colonial y la guerra más cruel. El autor es, seguramente, el mejor y más influyente del siglo XX al sur de los Pirineos y es el único de su estirpe en Europa, la de los genios, de la que debemos estar orgulloso, cuyos huesos permanecen todavía enterrados en una cuneta. Acercarse a su figura, a lo que fue, siempre es problemático. Y Juan Diego Botto lo sabía.

Pero después de ver 'Una noche sin luna' podemos afirmar que nunca nadie, al menos en lo que llevamos de siglo XXI, se había aproximado al Lorca hombre con el tacto, la soltura, el conocimiento y el saber estar del actor. Porque esta obra es una lección de interpretación bestial, de cómo un ser humano se transforma en otro y nos deja boquiabiertos desde el minuto 1 al minuto 105, a esa hora y tres cuartos en que Botto camina hacia Lorca y Lorca pasa a la piel de Botto y de cada uno de los espectadores.

¿De qué va? La belleza es un tema que nos obsesiona. Como una sombra o un elefante rosa que nos persigue allá donde vamos, pero que en realidad entendemos muy poco y que es difícil encajar dentro de un solo cajón. Quizá porque hay muchos donde colocarla. Esa es la intención de El culto a la belleza, una exposición en el CCCB que puede visitarse hasta el 8 de noviembre y que huye de encerrar la belleza en una única caja; y si lo hace, es a la manera del gato de Schrödinger: está viva y muerta al mismo tiempo y todas las posibilidades permanecen latentes.

¿Por qué hay que ir? Una muestra tan bella como inquietante que recorre la evolución de los ideales de belleza a lo largo de la historia, analiza cómo se han construido los cánones estéticos y reivindica los cuerpos y las bellezas excluidos de la norma. Pone en diálogo obras de arte, documentos, objetos históricos e instalaciones contemporáneas para abordar cuestiones como el estatus, la salud, la edad, el género o la raza. Presenta, entre otras, obras de William Hogarth, Angelica Dass, Laura Aguilar, Juno Calypso, Zed Nelson, Shirin Fathi, Narcissister, Ismael Smith, Isidre Nonell, Josep Masana, Colita, Sandra Gamarra, Esther Ferrer, Regina José Galindo, Maria Alcaide, Colectivo Ayllu, Lorenza Böttner, Marina Vargas, Arvida Byström, Harriet Davey o Renaissance Goo x Baum & Leahy.

¿De qué va? La exposición Un mundo en lucha, que puede visitarse hasta el 12 de julio en Espais Volart de la Fundació Vila Casas (Barcelona), recupera la figura de Esther Boix y la presenta como una artista que hizo de la pintura un espacio desde el que proyectar una sensibilidad y una ideología capaces de superar las heridas de la posguerra y, a la vez, denunciar las estructuras que las perpetuaban.

¿Por qué hay que ir? La muestra recorre distintos momentos de su trayectoria y permite entender cómo su obra está profundamente conectada con su experiencia vital. Haber nacido en Llers y crecido en La Cellera de Ter la mantuvo muy vinculada al entorno rural, una presencia que aparece con frecuencia en sus pinturas a través de figuras de campesinos, mujeres del campo, escenas de café y otros fragmentos de vida cotidiana. Estos personajes y espacios no aparecen como un simple decorado, sino como una forma de dar valor a realidades a menudo silenciosas o poco representadas.

¿De qué va? Los colores de la ciudad compiten ahora con los del “maestro del color”, que aterriza en una exposición en el CaixaForum. La explosión cromática de Henri Matisse se podrá ver en este museo de la ciudad hasta el 16 de agosto en el marco de la exposición Chez Matisse. El legado de una nueva pintura, organizada en colaboración con el Centro Pompidou de París con el objetivo de mostrar al público barcelonés cómo el genio francés revolucionó el arte del siglo XX.

¿Por qué hay que ir? La muestra reúne cerca de un centenar de obras para explicar por qué su visión de la pintura fue (y en muchos casos, sigue siendo) un hogar acogedor para la modernidad y una influencia para generaciones de creadores posteriores. Ahora bien, en la exposición no hay solo obras de Matisse, sino que las 45 obras del pintor fauvista dialogan con 49 piezas de otros gigantes del arte como Picasso, Braque, Derain, Raoul Dufy, Le Corbusier o Sonia Delaunay. Uno de los grandes reclamos es la presencia de La Moulade, una pieza clave pintada en Colliure que marcó el nacimiento del movimiento fauve y que sirve como eje central de esta colección inédita en la ciudad.

¿De qué va? En Señala un punto (fuera del perímetro de la sección de un árbol para indicar que viene del futuro), la nueva exposición de Lúa Coderch en Can Framis – Fundació Vila Casas (que puede visitarse hasta el 11 de octubre), el ojo deja de ser un instrumento de visión para convertirse en un espacio de apariciones. El recorrido comienza antes de entrar en la sala y se despliega dentro de esta cavidad simbólica: un interior habitado por visiones incompletas, espectros y formas que todavía no tienen nombre.

¿Por qué hay que ir? La muestra parte de una intuición sencilla pero inquietante: en un momento en el que parece que todo es visible, quizá lo que escasea no son las imágenes sino la capacidad de imaginarlas. Y frente a este agotamiento, Coderch no propone recuperar una mirada original, sino prestar atención a aquello que todavía no sabemos ver.

¿De qué va? Mikel Adán Tolosa presenta en el espacio Rampa del Centre d’Art La Capella 'Perquè m’agrada viure aquí', un conjunto de esculturas florales hechas de mantequilla que cuestionan qué influencia ejerce el material en la representación. Esta exposición gratuita se puede visitar hasta el 5 de julio, de martes a sábado de 12 a 20 h, y domingos y festivos de 11 a 14 h.

¿Por qué hay que ir? El proyecto tiene su origen en un episodio menor de la biografía artística del escultor Manolo Hugué (1872-1945). Durante sus años de juventud, Hugué realizó una serie de esculturas, hoy desaparecidas, hechas con mantequilla y que, de hecho, fueron expuestas como reclamo publicitario de una mantequería.

El planteamiento inicial es, en apariencia, hacer convivir dos materialidades contrarias: la de la piedra y la de la mantequilla. Por un lado, la piedra, como el barro o el bronce, es un material que pertenece a los lenguajes clásicos de la escultura y que, al trabajarlo, obliga a tomar en consideración cuestiones inherentes como el peso o la gravedad. Por otro lado, la mantequilla introduce la fragilidad y el carácter efímero.

¿De qué va? Entre la contención y el exceso, entre el cálculo y la intuición, entre el "seny" y la "rauxa", el Disseny Hub Barcelona propone volver a mirar la arquitectura catalana no como una sucesión de estilos, sino como una conversación que atraviesa generaciones y que reaparece, con formas distintas, en la manera de habitar y dar forma al territorio.

¿Por qué hay que ir? Seny i rauxa. Noticia de la arquitectura catalana, que puede visitarse hasta el 6 de septiembre, reúne más de 500 piezas para construir un relato que atraviesa siglo y medio de arquitectura realizada en Cataluña. Pero el recorrido no sigue una cronología convencional ni una historia de nombres ilustres: la muestra busca conexiones, repeticiones y tensiones entre proyectos de momentos muy distintos para preguntarse si existe una continuidad profunda en la manera de construir en el país.

¿De qué va? Entre el 18 de junio y el 6 de septiembre, el centro KBr de Fundación Mapfre reúne dos exposiciones que dialogan desde lugares aparentemente alejados pero con una misma pregunta de fondo: ¿qué puede revelar una fotografía y hasta qué profundidad puede llegar? P

¿Por qué hay que ir? Por un lado, la primera retrospectiva europea de Minor White, una de las figuras más influyentes de la fotografía estadounidense del siglo XX; por otro, una revisión de la obra de Joaquín Tusquets de Cabirol, autor fundamental para entender una determinada mirada sobre la Cataluña de posguerra. Aquí podéis comprar una entrada conjunta.

¿De qué va? El Museu Tàpies acoge la muestra El moviment perpetu del mur, una exposición que explora el papel que la noción de muro desencadenó en la obra de Antoni Tàpies desde el contexto de la Segunda Guerra Mundial hasta las décadas posteriores, tanto a nivel simbólico como pictórico y físico.

¿Por qué hay que ir? Este proyecto se centra especialmente en la década de 1950, un período clave de transformación en la práctica artística de Tàpies. A través de este recorrido se plantean nuevas perspectivas sobre el desarrollo de su lenguaje pictórico y sobre la relación entre obra, espacio y espectador. La exposición toma como punto de partida cuatro exposiciones individuales que el artista realizó durante esta década —en las Galerías Layetanas de Barcelona (1950 y 1954), en la Galerie Stadler de París (1956) y en la Sala Gaspar de Barcelona (1960). Cada una de estas muestras presentaba grupos de obras distintos y también diferentes soluciones de montaje. El proyecto analiza cómo estos dispositivos expositivos —la iluminación, la disposición de las obras o el color de las paredes— pueden influir en la percepción y la interpretación de la pintura. Asimismo, explica cómo la obra de Tàpies fue interpretada por críticos, pensadores e historiadores del arte del momento, y cómo se conecta con debates presentes en el pensamiento artístico contemporáneo.

De qué va? El Centre d’Arts Santa Mònica acoge El asalto de la ilusión, que se puede visitar hasta el 27 de septiembre, una exposición coral que reúne trabajos de diversos artistas para analizar cómo el arte ha contribuido a construir aquello que entendemos como realidad. A través de una puesta en escena cambiante y llena de trampas visuales, la muestra conecta técnicas históricas de representación con problemáticas actuales como la posverdad, la manipulación mediática o la irrupción de la inteligencia artificial.

¿Por qué hay que ir? La exposición está concebida como un recorrido en constante movimiento. Espejos, velos y paredes móviles configuran un espacio que se transforma a medida que el visitante avanza, generando una sensación de inestabilidad que afecta directamente a la percepción. Pintura, fotografía, vídeo e instalación conviven en un mismo itinerario, poniendo de manifiesto cómo cada lenguaje construye una idea distinta de realidad.

¿De qué va? El Palau Robert presenta Mako, un proyecto expositivo impulsado por Casa Asia y la Fundación J. Llorens Artigas que rinde homenaje a la diseñadora y ceramista japonesa Mako Artigas. La exposición puede visitarse del 13 de marzo al 7 de junio y ofrece una mirada amplia a más de cincuenta años de trayectoria artística, marcada por la sensibilidad, la materia y el color.

¿Por qué hay que ir? La exposición reúne una selección representativa de su trabajo: desde los primeros tejidos estampados (1959-1970), vinculados a la fábrica familiar en Japón y a sus etapas en Cataluña y París, hasta los dibujos para firmas como Kenzo, Dior, Courrèges o Paco Rabanne. A estas piezas se suman cerámicas de gres y porcelana creadas en las últimas décadas, donde el gesto se vuelve más íntimo y la forma más esencial.

¿De qué va? Cuando Little John, su antiguo compañero de saqueos y asesinatos, le pide ayuda, un envejecido Robin Hood no se lo pensará dos veces. Pero en esta ocasión saldrá muy malparado de la batalla, y, herido de gravedad, acabará en las manos de la hermana Brigid, quizá la única capaz de curarle las heridas. Las físicas y las del alma.

¿Por qué la tienes que ver? Violenta y visceral, sobre todo en su primer acto, y también tremendamente íntima, esta mirada revisionista del mito dice adiós a la clásica visión romantizada del eterno icono del cine de aventuras, el ladrón de ricos que repartía sus botines entre los pobres. El arquero de Sherwood que interpreta un Hugh Jackman bestial, a todos los niveles, carga con la culpa y el peso de años de asesinatos sin compasión. La fabulosa interpretación del actor australiano hace inevitable pensar en su Lobezno crepuscular en Logan (James Mangold, 2017).

El director Michael Sarnoski (Un lugar tranquilo: Día 1) apuesta por la austeridad formal, la creación de una atmósfera aterradora y la atención al detalle: la ambientación, las localizaciones, todo ello nos transporta al siglo XIII. Y nos ofrece una película sorprendente que deconstruye la leyenda y enlaza a muchos niveles con la magistral Robin y Marian (Richard Lester, 1976). Bill Skarsgård (el payaso de It) y Jodie Comer (Killing Eve) acompañan a Jackman en su improbable camino a la redención.

¿Cuándo se estrena? El 3 de julio.

Dir.: Michael Sarnoski (EE. UU., 2026). 123 min.

¿De qué va? Ayman es un adolescente catalán de padres marroquís que vive en Cornellà. Su madre trabaja en una casa de Vallvidrera, y, por azar, la hija de los dueños invita al joven protagonista a su fiesta de cumpleaños. Hermanos cuenta la odisea de Ayman y sus dos amigos del alma para llegar a un evento que los confrontará con sus expectativas y deseos.

¿Por qué la tienes que ver? La segunda película de Carol Rodríguez Colás tiene como directora a su hermana, Marina: juntas escribieron la opera prima de la primera, Chavalas (2021). Como ocurría entonces, las cineastas vuelven a Cornellà para contar una historia de orgullo de barrio. A modo de coming-of-age urbano, que sirve también de retrato de las desigualdades imperantes en la periferia barcelonesa, Hermanos conquista por su verdad y por el abordaje de cuestiones como la identidad, el peso de los orígenes familiares, los prejuicios sociales y los conflictos generacionales. Y cuidado con la química de los tres protagonistas, los debutantes Badr Oubahassou, Omar Mills y Pau Márquez.

¿Cuándo se estrena? El 3 de julio.

Dir.: Carol y Marina Rodríguez Colás (España, 2026). 83 min.

¿De qué va? Haciendo realidad su anhelo de filmar una película sobre los orígenes de su país, el cineasta filipino Lav Diaz propone una epopeya que reflexiona sobre el poder, la conquista y la idea de civilización. El film sigue la peripecia de Fernando de Magallanes, un ambicioso navegante portugués que consigue convencer al rey Carlos V para financiar su arriesgada expedición hacia las tierras de Oriente. Tras superar motines de una tripulación castigada por el hambre, la nao Victoria llega a las islas del archipiélago malayo. Es entonces cuando emerge la figura del conquistador obsesionado con la expansión del cristianismo, desencadenando revueltas violentas fuera de control.

¿Por qué la tienes que ver? Por la personalidad del director de From what is before (2014) o La mujer que se fue (2016). Autor de culto entre la cinefilia más radical, Lav Diaz propone un ejercicio que huye de la condición de héroe de Magallanes y de la construcción de los símbolos, cuestionando el mito de los descubridores y poniendo el foco en las masacres que acompañaron el proceso de conversión al cristianismo de tantos y tantos pueblos colonizados.

Filmada en color, con tomas largas y casi sin primeros planos, el director cuenta con la interpretación de un entregado Gael García Bernal en la piel del protagonista. Y una curiosidad que refuerza la autoría de Lav Diaz: el coproductor de Magallanes es Albert Serra con Andergraun Films, y el catalán Artur Tort colabora con el propio Diaz en funciones de dirección de fotografía y montaje.

¿Cuándo se estrena? El 3 de julio.

Dir.: Lav Diaz (Portugal, 2025). 160 min.

¿De qué va? A punto de completar su transición y en un momento vital razonablemente bueno, un hombre trans descubre que está embarazado. Conmocionado por una noticia que no se esperaba, Ángel tendrá que tomar la decisión de seguir adelante y ser padre, poniendo a prueba su identidad, sus planes de vida y la manera de entender su propia masculinidad.

¿Por qué la tienes que ver? Por la manera de plantar cara al tabú que propone la película: “hay que responder al odio con ternura radical”, afirma la directora Patricia Ortega (Mamacruz). Y lo hace construyendo un ecosistema de personajes que son, esencialmente, buena gente. La familia compuesta por Kiti Mánver, María León y un magnífico Jorge Sanz da todo el apoyo del mundo al protagonista, Zack Gómez-Rollins, y ayudan al público a encontrarse con un relato a contracorriente, que nunca convierte en traumática ni dolorosa la condición del personaje principal.

La ternura radical contra la intolerancia de la que habla Ortega está muy presente en una película-abrazo que también surfea con elegancia asuntos como el cis passing (el término que se refiere a la percepción de una persona trans como hombre o mujer cis por parte del resto de la gente). Y que, fundamentalmente, deja al espectador (no tránsfobo) con una enorme sensación de buen rollo.

¿Cuándo se estrena? El 3 de julio.

Dir.: Patricia Ortega (España, 2026). 98 min.

¿De qué va? Tres amigas se reúnen para cazar conejos en la finca de una de ellas. Una jornada que sirve para la alegría del reencuentro pero también para airear traiciones y puñaladas, infidelidades y trapos sucios. En medio de un calor insoportable, asfixiante, es imposible no recordar que, sesenta años atrás, y en esa misma reserva de caza en Extremadura, se vivió una terrible tragedia.

¿Por qué la tienes que ver? Por la osadía casi suicida de querer reinterpretar una de las grandes obras maestras de la historia del cine español, como fue La caza. Con un puñado de guiños al clásico de Carlos Saura, que funcionaba como una más que cruda alegoría de aquella España de vencedores y vencidos después de la Guerra Civil, Días de caza ejerce la crítica social y hace una radiografía del país en nuestros tiempos, marcado por la especulación inmobiliaria, el tráfico de influencias y la corrupción política.

Más allá, la película es una exhibición interpretativa de sus cuatro protagonistas: las veteranas Carmen Machi, Blanca Portillo y Rossy de Palma, y la joven Zoe Arnao (Las niñas).

¿Cuándo se estrena? El 3 de julio.

Dir.: Pedro Aguilera (España, 2025). 94 min.

¿De qué va? Durante la Segunda Guerra Mundial y refugiado en París, el polaco Czeslaw Jan Bojarski, ingeniero e inventor que no conseguía patentar sus ideas, falsificaba documentos para judíos perseguidos por el nazismo. Terminada la guerra, casado y con dos hijos que mantener, trasladó su talento de los pasaportes a los billetes. Durante quince años llevó una doble vida y, conocido como el Cézanne de los falsificadores, trajo de cabeza a la policía y al Banco de Francia.

¿Por qué la tienes que ver? Por el atractivo de un personaje tan poliédrico como Bojarski, contado con el pulso característico de un cineasta tan experimentado como Jean-Paul Salomé, firmante de películas de género como La máscara del faraón y Espías entre las sombras. El director y coguionista aprovecha para proponer un espejo entre la realidad del París de posguerra y los días que vivimos, poniendo el foco en el racismo de la sociedad francesa con los refugiados extranjeros. Además, Salomé añade gotas de ficción a la realidad, jugando con una supuesta rivalidad entre Bojarski y el comisario Mattei, obsesionado durante años con capturarlo.

En este tan cinematográfico juego del gato y el ratón, el cineasta rinde un homenaje a dos de sus películas favoritas: Heat (como hacía Michael Mann con los personajes de Robert De Niro y Al Pacino, en La copia perfecta también hay un único encuentro cara a cara entre falsificador y policía) y El círculo rojo (de donde toma el nombre del comisario Mattei en un guiño al personaje de Bourvil en el clásico de Jean-Pierre Melville).

¿Cuándo se estrena? El 10 de julio.

Dir.: Jean-Paul Salomé (Francia, 2025). 128 min.

¿De qué va? Andrea es una niña mexicana de 12 años que decide cruzar la frontera y llegar a los Estados Unidos para reunirse con su madre. En su peligroso viaje, decide hacerse pasar por un niño (“me dijeron que las niñas lo pasan mucho peor”, le oiremos decir, tomando conciencia de que la violencia se multiplica si eres una mujer) y se enfrentará a la persecución policial, la corrupción y la amenaza de los traficantes de personas.

¿Por qué la tienes que ver? Por la arriesgada apuesta del barcelonés Román Parrado a la hora de mostrar desde dentro el éxodo infantil, más de 140.000 niños recorren cada año la ruta migratoritoria mexicana sin compañía adulta. A medio camino entre la ficción y el documental, el cineasta rodó la película en dos fases: en una primera, hizo un retrato absolutamente documental, acompañando a tanta gente que busca llegar a la tierra prometida poniendo su vida en peligro. Meses después, Parrado y su pequeño equipo regresó a la frontera mexicana para incrustar a sus actores no profesionales en aquella realidad.

Ficción y realidad conviven en un montaje que utiliza imágenes de ambas filmaciones. Esto hace que Andy respire verdad, uno de los grandes valores de una película que, en el fondo, combina las características de los coming-of-age (las historias de descubrimiento y de tránsito), el cine de aventuras y las road-movie. Un enfoque tan estimulante como atípico que convierte a Andy en toda una sorpresa que no se debería dejar pasar.

¿Cuándo se estrena? El 10 de julio.

Dir.: Román Parrado (España, 2026). 107 min.

¿De qué va? Después de pasarse una década luchando en la Guerra de Troya, el regreso a casa de Odiseo, el rey de Ítaca, será largo y cargado de peligros. Mientras su esposa Penélope y su hijo Telémaco esperan su vuelta en medio de conspiraciones para apropiarse del trono, el héroe tendrá que enfrentarse a tormentas, amenazas de cíclopes y sirenas, y toda una serie de pruebas que pondrán en peligro su vida.

¿Por qué la tienes que ver? Es, sin duda, la película más esperada del verano. En el regreso de Christopher Nolan al cine, tres años después de la oscarizada Oppenheimer (2023), el cineasta británico se lanza con su producción más ambiciosa, planteándose una compleja adaptación del épico poema épico de Homero. Con un reparto de lujo (Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Zendaya, Robert Pattinson, Charlize Theron y el rapero Travis Scott), y con escenas como la caída de Troia o las batallas navales que dejarán boquiabiertos a los espectadores, La Odisea es el primer largometraje rodado íntegramente con cámaras IMAX, y en 70 mm. Así pues, Christopher Nolan nos vuelve a asegurar una experiencia inmersiva sin comparación, y una proyección espectacular en salas acondicionadas con esta tecnología.

¿Cuándo se estrena? El 17 de julio.

Dir.: Christopher Nolan (Reino Unido, 2026). 172 min.

¿De qué va? Después de que, para cerrar las grietas del multiverso, un hechizo del Doctor Strange haya hecho olvidar al mundo quién es Peter Parker, el héroe bajo la máscara de Spider-Man se dedica a combatir el crimen a tiempo completo. Sin vida personal, con amigos que ya no le recuerdan, la soledad hace que la oscuridad se vaya apoderando de un Peter que, al mismo tiempo, tendrá que enfrentarse a una terrible amenaza que ni siquiera puede imaginar.

¿Por qué la tienes que ver? Después de las tres exitosísimas películas de Spider-Man con Tom Holland, el joven actor británico abre un nuevo ciclo con esta Brand new day, la gran apuesta de Marvel para reconectar con unos fans que parecían agotados e incapaces de seguir el laberíntico e inacabable mapa de adaptaciones de los cómics a la pantalla. Confiando en la fuerza mediática de la pareja Holland-Zendaya, y en apariciones de otros de los héroes de la casa (Mark Ruffalo vuelve a ser Bruce Banner/Hulk, y Jon Bernthal recupera a su Castigador), esta mirada al personaje es más madura y oscura, dejando atrás la etapa estudiantil del protagonista.

El cambio de tono queda en manos del director Destin Cretton, ya con experiencia en Marvel tras rodar dos de sus adaptaciones menos convencionales, Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos y la serie Wonder Man. Así pues, y a pesar del secretismo que rodea a Brand new day, podríamos estar ante la película que renueve el interés por los superhéroes en la gran pantalla después de una serie de decepciones que no parecían tener fin.

¿Cuándo se estrena? El 29 de julio.

Dir.: Destin Cretton (EE. UU., 2026). 150 min.

¿De qué va? Atenea vive en una casa de acogida de niñas huérfanas, esperando que algún día, tal vez, una familia decida adoptarla. Poco antes de cumplir los 18, una pareja se la lleva a la casa que tienen, en medio de un bosque sobre el cual se cuenta una leyenda en la que vive un monstruo. Una bestia que secuestra a criaturas perdidas de las cuales nunca más se vuelve a saber nada.

¿Por qué la tienes que ver? Por el atrevimiento narrativo y la fuerza de las imágenes del debut en el largometraje de Bàrbara Farré (ganadora del Gaudí con el corto La última virgen). Con Mala bèstia, la cineasta propone un sensorial y perturbador relato sobre el tránsito a la adultez, sobre el crecimiento y los cambios propios de quien deja atrás la infancia para entrar en el mundo adulto entre incertidumbres y miedos.

Farré hace una reconfiguración de los cuentos infantiles clásicos, y sugiere más que explica, utilizando simbolismos y construyendo una atmósfera visualmente muy atractiva. La película supone también una magnífica carta de presentación de la valenciana María Schwinning (la protagonista de la serie Olivia de Disney+). Se oirá hablar de esta joven actriz, que aquí comparte protagonismo con Iria del Río y Roger Casamajor.

¿Cuándo se estrena? El 31 de julio.

Dir.: Bàrbara Farré (Francia, 2026). 94 min.