Qué hacer en marzo en Barcelona

Que Bad Bunny es un artista que va más allá del reguetón es algo que ya intuíamos desde hace años. No solo por la música, sino porque su dimensión política también lo ha diferenciado de muchos otros artistas que parecen más preocupados por la fiesta, el sexo y el dinero que por otra cosa. Ya lo demostró en el Sónar de 2019, cuando se escondió durante todo el concierto tras una máscara después de participar en las manifestaciones contra el gobernador de Puerto Rico junto a cantantes como Residente y Ricky Martin.

De eso hace ya seis años, y ahora volverá por tercera vez a Barcelona (la primera fue en el Reggaeton Beach Festival) y lo hará con un disco en el que, ahora sí, el estilo trasciende el género. Se trata de DeBÍ TiRAR MáS FOToS, un álbum (uno de los mejores de 2025) que se aleja de la electrónica y rinde homenaje a las raíces de la música latina, abrazando elementos como el piano, los metales y las percusiones.

Los conciertos tendrán lugar el 22 y el 23 de mayo de 2026 en el Estadi Olímpic Lluís Companys y formará parte de una gira mundial que pasará por República Dominicana, Costa Rica, Colombia, México, Perú, Chile, Argentina, Brasil, Australia, Japón, España, Portugal, Alemania, Países Bajos, Reino Unido, Francia, Suecia, Polonia e Italia. Curiosamente, o quizás no tanto, la gira evita Estados Unidos.

El festival Mas i Mas nació en Barcelona hace más de veinte años para llenar el mes de agosto de música en directo, un mes en el que tradicionalmente la ciudad se vaciaba de actividad cultural. Durante todo este tiempo, ha ido creciendo y ahora encara la edición más ambiciosa –la 23ª–, con una cuarentena de conciertos durante seis meses –del 1 de abril al 6 de septiembre– en varias salas de Barcelona, las 1 y 3 del Jamboree –que és la sede del festival–, el Palau de la Música, la sala 2 de Razzmatazz, La Paloma y Paral·lel 62. 

Inaugurarà el festival la vibrafonista californiana Sasha Berliner, el miércoles 1 de abril en el Jamboree, pero hay muchos otros nombres internacionales en el programa. Y el jazz es la columna vertebral del programa, por supuesto, pero hay más. Por ejemplo, el nigeriano Seun Kuti, representante del afrobeat, género del que su célebre padre Fela Kuti fue pionero, con su grupo Egypt80; esto será el 7 de mayo en Razzmatazz 2.

También estarán Ghost-Note, la banda de funk, jazz y hip-hop liderada por el batería y el percusionista de Snarky Puppy, Robert Sput Searight y Nate Werth, que llegan con un elenco de músicos que han trabajado con artistas como Prince, Snoop Dogg, Kendrick Lamar, Herbie Hancock y Erykah Badu, el 6 de julio en el Jamboree; y la cantante de soul y R&B brasileño-noruega Charlotte Dos Santos, el 16 de mayo también en el sótano de la plaza Reial. 

El Guitar BCN 2026 incluye tres noches en el Palau Sant Jordi, el recinto cubierto más grande de la ciudad. Los encargados de llenarlo serán Amaral, cerrando su gira Dolce Vita Tour en diciembre; el fenómeno hip-hop Hijos de la Ruina (Natos, Waor y Recycled J), que llevarán sus beats masivos en mayo; y la cantautora canaria Valeria Castro, que ha pasado del Auditori Fòrum al Sant Jordi en tiempo récord.

El festival empieza con Bebe en Razzmatazz (8 de enero), Duncan Dhu en el Palau de la Música (15 de enero) y Alcalá Norte, la banda del momento de la escena post-punk madrileña, en el Sant Jordi Club (24 de enero). El hermano pequeño del Sant Jordi también acogerá al dúo Marlena y a los granadinos La Plazuela, que presentarán su esperado segundo disco con su fusión de flamenco y electrónica. También en el Sant Jordi Club, Iván Ferreiro hará un repaso a su trayectoria, desde la época de Los Piratas hasta la actualidad.

Es difícil salir del teatro cambiado, con un estado de ánimo diferente con el que has entrado, y poder decir, además, que te has divertido como hacía tiempo que no te pasaba. Que has visto tres intérpretes excelentes que se lo pasan pipa haciendo la función y que saben cómo transmitirlo al público. Que has descubierto una directora (Andrea Jiménez) que ha encajado con tres tarambanas y los ha hecho volar muy alto. Que has disfrutado de un texto irreverente (de Victoria Szpunberg), que sabe jugársela y que hace dianas todo el rato. Y que mañana, si pudieras, no dudarías en volver.

'Mal de coraçon' parece la típica obra de bar, con un hombre a quien acaba de abandonar el amor de su vida (Pau Vinyals), un filósofo borracho (Pol López) y una camarera-cuidadora que quiere ser actriz (Júlia Barceló). Nada nuevo bajo el sol. Dos payasos y un augusto. Pero la introducción de la figura de Santa Teresa, y su obra, lo trastoca todo, hace que la pieza entre en un camino que no sabes por donde saldrá, a veces luminoso, a veces oscuro y tortuoso. Se convierte en un interrogante a resolver, un motor alterno que alimenta la escena. ¡Y cómo superan todos el reto! Porque el camino acaba en una fiesta.

Cuando Marcel llega a casa de Clara, su mejor amiga de la adolescencia, hace años que no la ve. Ella celebra su cumpleaños y está arriba con los amigos. Él, sin embargo, tarda en subir. Y se entretiene en la habitación de ella mirando un corcho lleno de fotografías. Donde él no está. Han pasado los años y han pasado muchas cosas. Ya no son jóvenes-jóvenes y la realidad a menudo tiene poco que ver con el deseo del pasado.

Cesc Colomina ha escrito una obra tierna y viva sobre el descubrimiento del amor y el paso del tiempo, sobre lo que quisimos ser y lo que somos. Su protagonista está encarnado por un Roc Bernadí que interpreta todos los papeles de esta pieza que es como un susurro (no es exactamente un monólogo, ya que hay nada menos que media docena de personajes, sino una obra para un solo intérprete). El actor mira al público en todo momento, buscando la complicidad de los espectadores, que pasan buena parte de la función con las luces de platea encendidas. Nos habla a nosotros.

Convertir las tragedias tebanas de Sófocles (Edipo rey, Edipo en Colono y Antígona) en un montaje de dos horas y pico con personalidad, sin sobreentendidos, con dinamismo, sin que todo parezca demasiado rápido, como ha hecho Ferran Dordal es una proeza. El público no tiene la sensación de ver tres obras, sino una sola. El clásico ateniense ya las escribió siguiendo un hilo temporal, que comienza con el pueblo rogando para que Edipo libre a Tebas de la peste y termina con Creonte descubriendo los cuerpos muertos de Antígona y de su hijo Hemón. En medio, una gran historia.

Carlota Subirós se ha apropiado de el paisaje desértico de las afueras de Atenas (Colono) para centrar su pieza. Un espacio inmenso, salpicado con cuatro matorrales, por donde hace circular a sus personajes durante la función. Solo en lo que podríamos considerar el primer acto, el que corresponde a Edipo rey, sucede ante el desierto, en lo que representa el palacio del soberano de Tebes, aunque ya nos lo deja ver a través de un gran ventanal. Subirós dirige a la decena larga de actores y actrices de manera convincente, con un corte clasicista que hacía tiempo que no le veíamos. Pero tiene un problema.

No era fácil llevar Permagel a escena con una forma que fuese teatral. Victoria Szpunberg y Albert Pijuan podrían haber tirado por el camino más corto y hacer como la autora, Eva Baltasar, y empezar por el preludio del final y seguir la prosa hasta el capítulo de cierre. Pero afortunadamente se han complicado la vida y han deshecho la novela para rehacerla, para darle la vuelta, con añadidos de presentación de los personajes y una línea temporal clara. Para, en definitiva, transformar un artefacto literario en un artefacto teatral.

Maria Rodríguez Soto asume el reto de encarnar a esta mujer a punto de cumplir los 40, lesbiana, solitaria, con instintos suicidas, tía, hermana e hija. Tampoco es nada sencillo meterse en esta piel, dentro de este mundo, y salir victoriosa. ¿Cómo se interpreta a alguien que quiere matarse, que no soporta a la familia, que no encaja, pero que adora a la sobrina? ¿Cómo se mantiene la mirada, la respiración, cuando te pintas una raya en el brazo por donde querrías que pasara la cuchilla de afeitar? ¿Cuando escarneces a madre y hermana?

'Ànima' podía haberse desarrollado como todos los musicales de época, con príncipes azules, bellas durmientes, un sesgo de género maloliente y todo el azúcar que quisierais. Y, de hecho, el musical que ha estrenado el TNC, ambientado en los años 30 del siglo pasado, en EEUU, parece que tiene que ir por ahí. Porque tenemos a nuestra protagonista, Greta (Paula Malia), que se va de su pueblo para probar suerte en Hollywood, y dejar atrás la pobreza y una vida planificada. ¿La salvará un hombre caritativo? No, una historia creada en el 2024 no puede ser como 'Cantando bajo la lluvia'.

Y eso que tenemos todo el universo Disney por delante, el del nacimiento del imperio, el de la creación de 'Blancanieves', el primer largometraje animado y en color de la historia. El sueño de Greta es trabajar para el gran Walter (Oriol Burés). No lo conseguirá a la primera, como ya podíamos esperar. El argumento, sin embargo, irá adquiriendo toques de comedia de enredos, más allá de la historia de formación y superación de una mujer que lo tiene todo en contra. E incluso reiremos. En esta complejidad se encuentra el punto a favor de 'Ànima'. Y una dirección escénica de Gara Roda que sabe sacarle jugo a un giratorio capaz de transformar la escena en pocos instantes.

Lorca, el hombre, es una metáfora triste de lo que es España. Nacido en 1898 y asesinado en 1936, entre la gran derrota colonial y la guerra más cruel. El autor es, seguramente, el mejor y más influyente del siglo XX al sur de los Pirineos y es el único de su estirpe en Europa, la de los genios, de la que debemos estar orgulloso, cuyos huesos permanecen todavía enterrados en una cuneta. Acercarse a su figura, a lo que fue, siempre es problemático. Y Juan Diego Botto lo sabía.

Pero después de ver 'Una noche sin luna' podemos afirmar que nunca nadie, al menos en lo que llevamos de siglo XXI, se había aproximado al Lorca hombre con el tacto, la soltura, el conocimiento y el saber estar del actor. Porque esta obra es una lección de interpretación bestial, de cómo un ser humano se transforma en otro y nos deja boquiabiertos desde el minuto 1 al minuto 105, a esa hora y tres cuartos en que Botto camina hacia Lorca y Lorca pasa a la piel de Botto y de cada uno de los espectadores.

¿De qué va? ¿Por qué este escultor desconocido de época románica ha recibido el sobrenombre de “el Picasso del siglo XII”? En los rostros geométricos con ojos expresivos del Maestro de Cabestany, y en la desproporción y los volúmenes impactantes de sus esculturas, reside todo aquello que desde el presente hemos sabido denominar modernidad. En pleno románico, las obras del Maestro de Cabestany poseían un estilo característico que lo diferenciaba de sus coetáneos. Por ello, aunque conocemos pocos detalles de la vida de esta figura, su trabajo ha sido reconocido desde la Toscana hasta el Mediodía francés, pasando por Cataluña y Navarra.

¿Por qué hay que ir? Con esta exposición, el MNAC rinde homenaje al escultor más célebre del románico catalán partiendo de la incorporación reciente de nuevas piezas al museo; concretamente, fragmentos que formaban parte de la portada de mármol del monasterio de Sant Pere de Rodes. Por tanto, la muestra se centra en la construcción del mito de la abadía de Rodes, un espacio único, destino de peregrinaje, vinculado a un paisaje ancestral y a la antigua Roma.

¿De qué va? Siguiendo una estrella fugaz es el título de la exposición del Monasterio de Pedralbes sobre el legado fotográfico de Khadija Saye, artista gambiano-británica que capturó la identidad, la memoria y la dimensión espiritual de la experiencia negra a través de la cámara. La muestra se puede visitar del 6 de febrero al 31 de mayo y es especialmente relevante porque es la primera exposición dedicada a la artista en España y la primera retrospectiva a escala mundial. Saye alcanzó reconocimiento internacional con Dwelling: in this space we breathe (Vivienda: en este espacio respiramos), presentada en el Pabellón de la Diáspora de la Bienal de Venecia de 2017, donde fue la participante más joven.

¿Por qué hay que ir? La exposición sigue la breve pero potente trayectoria de Saye, que murió trágicamente en el incendio de la torre Grenfell en 2017, donde vivía con su madre y donde ambas perdieron la vida, junto con setenta personas más. Una joven promesa que dejó una huella imborrable como artista y como persona comprometida con su comunidad. Hija de la diáspora, creció en un entorno multicultural en el barrio de Hammersmith (Londres), y sus obras muestran una búsqueda que une la experiencia íntima con cuestiones universales.

¿De qué va? Los colores de la ciudad compiten ahora con los del “maestro del color”, que aterriza en una exposición en el CaixaForum. La explosión cromática de Henri Matisse se podrá ver en este museo de la ciudad hasta el 16 de agosto en el marco de la exposición Chez Matisse. El legado de una nueva pintura, organizada en colaboración con el Centro Pompidou de París con el objetivo de mostrar al público barcelonés cómo el genio francés revolucionó el arte del siglo XX.

¿Por qué hay que ir? La muestra reúne cerca de un centenar de obras para explicar por qué su visión de la pintura fue (y en muchos casos, sigue siendo) un hogar acogedor para la modernidad y una influencia para generaciones de creadores posteriores. Ahora bien, en la exposición no hay solo obras de Matisse, sino que las 45 obras del pintor fauvista dialogan con 49 piezas de otros gigantes del arte como Picasso, Braque, Derain, Raoul Dufy, Le Corbusier o Sonia Delaunay. Uno de los grandes reclamos es la presencia de La Moulade, una pieza clave pintada en Colliure que marcó el nacimiento del movimiento fauve y que sirve como eje central de esta colección inédita en la ciudad.

¿De qué va? Entre finales del siglo XIX e inicios del XX, los Nabis querían restablecer la unidad del arte y allanaban el terreno para la modernidad venidera. Este movimiento, situado en la transición entre el modernismo y las primeras vanguardias, se caracterizaba por un diálogo constante entre la pintura, la arquitectura y las artes decorativas gracias al juego entre el color, la forma y el ritmo de las composiciones artísticas. Ahora, los Nabis entran en La Pedrera en la primera gran exposición monográfica en Barcelona de este movimiento.

¿Por qué hay que ir? La muestra reúne una amplia selección de obras de entre finales del siglo XIX e inicios del XX que nos permiten conocer los principios estéticos y conceptuales de este grupo artístico, que exploró el carácter decorativo de la pintura y encontró la manera de integrarla en la vida cotidiana.

¿De qué va? El Museu Tàpies acoge la muestra El moviment perpetu del mur, una exposición que explora el papel que la noción de muro desencadenó en la obra de Antoni Tàpies desde el contexto de la Segunda Guerra Mundial hasta las décadas posteriores, tanto a nivel simbólico como pictórico y físico.

¿Por qué hay que ir? Este proyecto se centra especialmente en la década de 1950, un período clave de transformación en la práctica artística de Tàpies. A través de este recorrido se plantean nuevas perspectivas sobre el desarrollo de su lenguaje pictórico y sobre la relación entre obra, espacio y espectador. La exposición toma como punto de partida cuatro exposiciones individuales que el artista realizó durante esta década —en las Galerías Layetanas de Barcelona (1950 y 1954), en la Galerie Stadler de París (1956) y en la Sala Gaspar de Barcelona (1960). Cada una de estas muestras presentaba grupos de obras distintos y también diferentes soluciones de montaje. El proyecto analiza cómo estos dispositivos expositivos —la iluminación, la disposición de las obras o el color de las paredes— pueden influir en la percepción y la interpretación de la pintura. Asimismo, explica cómo la obra de Tàpies fue interpretada por críticos, pensadores e historiadores del arte del momento, y cómo se conecta con debates presentes en el pensamiento artístico contemporáneo.

De qué va? El Centre d’Arts Santa Mònica acoge El asalto de la ilusión, que se puede visitar hasta el 27 de septiembre, una exposición coral que reúne trabajos de diversos artistas para analizar cómo el arte ha contribuido a construir aquello que entendemos como realidad. A través de una puesta en escena cambiante y llena de trampas visuales, la muestra conecta técnicas históricas de representación con problemáticas actuales como la posverdad, la manipulación mediática o la irrupción de la inteligencia artificial.

¿Por qué hay que ir? La exposición está concebida como un recorrido en constante movimiento. Espejos, velos y paredes móviles configuran un espacio que se transforma a medida que el visitante avanza, generando una sensación de inestabilidad que afecta directamente a la percepción. Pintura, fotografía, vídeo e instalación conviven en un mismo itinerario, poniendo de manifiesto cómo cada lenguaje construye una idea distinta de realidad.

¿De qué va? El Palau Robert presenta Mako, un proyecto expositivo impulsado por Casa Asia y la Fundación J. Llorens Artigas que rinde homenaje a la diseñadora y ceramista japonesa Mako Artigas. La exposición puede visitarse del 13 de marzo al 7 de junio y ofrece una mirada amplia a más de cincuenta años de trayectoria artística, marcada por la sensibilidad, la materia y el color.

¿Por qué hay que ir? La exposición reúne una selección representativa de su trabajo: desde los primeros tejidos estampados (1959-1970), vinculados a la fábrica familiar en Japón y a sus etapas en Cataluña y París, hasta los dibujos para firmas como Kenzo, Dior, Courrèges o Paco Rabanne. A estas piezas se suman cerámicas de gres y porcelana creadas en las últimas décadas, donde el gesto se vuelve más íntimo y la forma más esencial.

¿De qué va? El CCCB acogerá, hasta el 25 de mayo, la exposición "Rodoreda, un bosque", dedicada a la radicalidad literaria y al imaginario creativo de la escritora en lengua catalana más importante del siglo XX. Comisariada por la ensayista y crítica literaria Neus Penalba, la muestra pretende alejarse de los tópicos, a menudo edulcorados, que han rodeado su figura y mostrar la faceta más contemporánea de Rodoreda, donde la escritura transita entre el realismo y la fantasía para hablarnos de la inocencia, el deseo, el suicidio, el desarraigo, el escarnio o la metafísica.

¿Por qué hay que ir? La muestra se sirve de la metáfora del bosque para concebir el espacio expositivo. Las salas se conectan orgánicamente, utilizando este símil para explicar la trayectoria de la autora a través de un recorrido por las raíces literarias y la experiencia del desarraigo del exilio, los troncos marcados por la vivencia de la guerra, las ramas que dialogan con la cultura occidental y las copas que rozan el cielo y acogen pájaros. A través de esta estructura se despliegan más de 400 piezas entre obra plástica, instalaciones, documentos y audiovisuales, incorporando originales de la Fundación Mercè Rodoreda.

¿De qué va? El proyecto de la artista Anna Moreno que revisita algunos de los proyectos utópicos de los años setenta impulsados por el arquitecto Ricardo Bofill. A través del cine, la instalación y la investigación artística, la exposición plantea una reflexión sobre las tensiones entre las aspiraciones utópicas de la arquitectura moderna y las realidades sociales y políticas que a menudo impidieron su materialización.

¿Por qué hay que ir? El proyecto toma como eje central el film The Terminal Beach, que documenta el estado actual de un asentamiento nómada construido en 1979 en el desierto argelino por el estudio de Ricardo Bofill. Este proyecto, concebido dentro del periodo más experimental del arquitecto, quedó inconcluso y ejemplifica las contradicciones entre el sueño utópico y la realidad política y social de la época.

¿De qué va? Del 6 de marzo al 17 de mayo, el CCCB acoge la exposición Tenemos diecisiete años. Un retrato colectivo en el CCCB, un espacio que reúne las obras de más de trescientos adolescentes que explican qué significa este número para ellos a través de la fotografía, el cine y la palabra.

¿Por qué hay que ir? En la exposición se pueden ver fotografías, filmaciones y textos en primera persona: miradas genuinas que se alejan de los prejuicios de los adultos y de los códigos habituales de representación de la adolescencia en la actualidad. Los autores son estudiantes de institutos de Cataluña, Lituania y Rumanía que han participado en talleres de creación fotográfica y artística para explorar otras maneras de retratarse y mostrarse.

¿De qué va? Cuando la enfermedad sin solución irrumpe como un huracán en la cotidianidad de un núcleo familiar, los roles deberán redefinirse. Y si la madre está condenada a los estragos que provoca el alzheimer, el marido y las dos hijas tratarán de sobrevivir a una terrible oleada emocional que parece no terminar nunca. Y para Claudia, que a sus 18 años apenas está encontrando y asumiendo su identidad, se inicia un camino de complicadísimo equilibrio entre cuidados, por un lado, y sacrificios y renuncias vitales, por el otro.

¿Por qué tienes que verla? Más allá de ser la gran triunfadora del pasado Festival de Málaga, todo un aval para el cine español de los últimos años, Yo no moriré de amor supone una extraordinaria carta de presentación para Marta Matute, su directora y guionista, que pone en imágenes los recuerdos y los traumas de la experiencia propia. Sin aspavientos, huyendo de la pornografía emocional y de trucos narrativos baratos, la película apuesta por el naturalismo, la sutileza y las emociones contenidas pero suficientemente impactantes y verosímiles, a la hora de hablar de temas como los cuidados, la empatía y la familia.

Y todavía una razón más para no perderse este excelente largometraje: su reparto, con Sonia Almarcha, Tomás del Estal, Laura Weismahr y la gran sensación que supone el descubrimiento de Júlia Mascort. En la piel de Claudia, la actriz catalana ofrece todo un recital interpretativo que le valió el premio a Mejor Actriz en Málaga. No será el único.

¿Cuándo se estrena? El 8 de mayo.

Dir.: Marta Matute (España, 2026). 94 min.

¿De qué va? Una muerte misteriosa que tiene toda la pinta de ser un asesinato. Un puñado de sospechosos y unas particulares investigadoras que tratan de ayudar a un policía no muy espabilado a resolver el misterio. Hasta aquí, todo normal. No lo es tanto que la víctima sea un pastor, y que las empecinadas en resolver el homicidio sean sus ovejas, bien instruidas en el arte detectivesco porque su fallecido dueño les leía novelas de crímenes todas las noches antes de ir a dormir.

¿Por qué tienes que verla? Porque es una magnífica opción para ir al cine en familia. Producida por Phil Miller y Christopher Lord (los directores de Proyecto Salvación), y con el espíritu de películas como Paddington (2014) o Babe, el cerdito valiente (1995), esta juguetona y encantadora película guiña el ojo a los clásicos whodunnits (aquel subgénero en el que hay que averiguar quién de los sospechosos es el culpable de un crimen) al estilo Agatha Christie y también deja caer algunos momentos conmovedores en la relación entre el pastor y su rebaño, y en reflexiones sobre la pérdida y la familia elegida.

En todo caso, Las ovejas detectives está atravesada por un entrañable sentido del humor abierto a todos los públicos. Con Hugh Jackman en la piel del pastor asesinado y Nicholas Braun (el primo Greg de la serie Succession) como atribulado jefe de policía de una comunidad rural, el reparto del film incluye también a una divertidísima Emma Thompson.

¿Cuándo se estrena? El 8 de mayo.

Dir.: Kyle Balda (EE. UU., 2026). 108 min.

¿De qué va? Ante 60.000 personas entregadas, Hombres G lo petan en un concierto en Ciudad de México. No estamos a finales de los años 80, cuando la banda irrumpió convirtiéndose en todo un fenómeno musical en una España que empezaba a dejar atrás la Movida, pero también en Latinoamérica. La actuación en cuestión forma parte de la nueva vida de un grupo que empezó a hacer ruido en el año 1985 y que, durante siete años, rompió récords de ventas de discos. Después de una década de silencio y distanciamiento, a principios de los 2000 se reencontraron. Hoy, sus componentes ya han cumplido los 60 años, y disfrutan de una segunda juventud, aquello que ellos mismos definen como los mejores años de sus vidas.

¿Por qué tienes que verla? Entre el ejercicio de nostalgia y el retrato íntimo, el documental habla del éxito inesperado de aquel grupo de amigos de adolescencia que dedicaban divertidas canciones a mamones sufridores y chicas cocodrilo o con marcapasos, y que llegaron a protagonizar un par de películas (dirigidas por el gran Manolo Summers, padre de David, el líder de la banda). Pero la película también reflexiona sobre el precio del éxito, sobre malentendidos y distanciamientos, sobre el impacto del duelo en la creación, y sobre segundas oportunidades. Que, ahora mismo, los Hombres G sigan llenando sus conciertos de un público intergeneracional, en España y en Latinoamérica, supone un pequeño milagro. Y el documental se encarga de hablar de ello, haciendo un repaso a 40 años de trayectoria.

Uno de los ganchos de Los mejores años de nuestra vida es la capacidad de sus directores, Charlie Arnaiz y Alberto Ortega, para construir documentales visualmente muy atractivos y llenos de ritmo, como han demostrado en Anatomía de un dandy (sobre la figura del escritor Paco Umbral) o Waldo (sobre el músico Waldo de los Ríos), y en series como Raphaelismo y Supergarcía.

¿Cuándo se estrena? El 8 de mayo.

Dir.: Charlie Arnaiz y Alberto Ortega (España, 2026). 108 min.

¿De qué va? Apenas cuatro horas antes de que se ejecute la sentencia, un preso le explica a un cura qué lo ha llevado hasta el corredor de la muerte. Hijo de la heredera de una fortuna incalculable, expulsada por su familia después de quedarse embarazada, nuestro hombre promete a su madre que luchará por hacer valer sus derechos y recuperar su apellido. Aunque, para conseguirlo, tenga que convertirse en un asesino.

¿Por qué tienes que verla? Para seguir atentos a la progresión de Glen Powell como heredero de Tom Cruise (él mismo lo etiquetó como tal, tras coincidir en Top Gun: Maverick), ahora como protagonista absoluto de una comedia negrísima inspirada en un clásico, Ocho sentencias de muerte (1949).

Obviamente, queda muy lejos de aquel magistral icono de la productora Ealing, en la que Alec Guinness interpretaba hasta ocho personajes diferentes. Pero, aun así, Jugada maestra es una simpática propuesta que satiriza la cultura de la codicia de las élites económicas. Aparte del carisma de Powell, la película cuenta con Margaret Qualley y Ed Harris redondeando el reparto.

¿Cuándo se estrena? El 15 de mayo.

Dir.: John Patton Ford (Reino Unido, 2026). 105 min.

¿De qué va? Harta de la precariedad del sector, una periodista cultural y crítica de cine (Judit Martín) convence a su marido (Berto Romero) de dejarlo todo y abrir un negocio muy singular: una pizzería temática.

¿Por qué tienes que verla? Para seguir explorando el universo creativo del inclasificable y polifacético Carlo Padial: buscad sus vídeos en PlayGround, leed Dinero gratis o Doctor Portuondo (que después convirtió en serie para Filmin) o ved películas como Mi loco Erasmus (2012) y aquella Algo muy gordo (2017) en la que unía fuerzas cómicas con un Berto Romero que vuelve a ser protagonista de este nuevo largometraje.

Ahora al lado de una Judit Martín –qué química cómica tienen– que nos ha hecho llorar de risa en el teatro, en la tele (en programas como Polònia o Està passant) y en la radio (es, entre otros, la Vane del Versió RAC1). Y que aquí interpreta una especie de alter ego de Desirée de Fez, pareja del director, guionista de Pizza Movies y una de las más respetadas críticas de cine del país, también autora de la novela No la dejes sola.

Una amalgama de talentos, y la colaboración de caras conocidas (Joaquín Reyes, Bruna Cusí, Raúl Arévalo, Tamar Novas, Miguel Noguera...), al servicio de una comedia romántica que no se parece a ninguna otra comedia romántica, y que, del costumbrismo a la autoficción, pasando por la ternura y el surrealismo más extravagante, nos divierte mientras habla de la precariedad de la prensa cultural, de crisis personal y de pareja, y de la importancia del cine en nuestras vidas.

¿Cuándo se estrena? El 15 de mayo.

Dir.: Carlo Padial (España, 2026). 95 min.

¿De qué va? Con la caída del Imperio, los gobernantes de la Nueva República se enfrentan a la dispersión de los supervivientes señores de la guerra imperiales. En este contexto, el cazador de recompensas Din Djarin y su joven aprendiz Grogu son enviados con una misión: perseguir a los miembros del Consejo de la Sombra que amenazan la paz en la galaxia.

¿Por qué tienes que verla? No necesitaréis ningún motivo para ir a ver la película si sois seguidores de todas las ramas abiertas en la saga Star Wars. En este caso, y después de tres temporadas en formato serie de The Mandalorian, vuelven el personaje interpretado por Pedro Pascal y el carismático Grogu, más conocido como Baby Yoda, que robó los corazones de los fans desde su primera aparición en Disney+. Con Jon Favreau a los mandos de la nave, en funciones de guion y dirección, este salto al cine forma parte de una ambiciosa ampliación del universo creado por George Lucas: aparte de las series que llenan la oferta de la plataforma de Disney, se planean un puñado de películas, directamente vinculadas o no al Mando-verse (o a las tramas interconectadas de The Mandalorian, El libro de Boba Fett y Ahsoka).

La primera, prevista para mayo de 2027, es Starfighter, con Ryan Gosling, pero seguirán, como mínimo, tres largometrajes más. Volviendo al film que nos ocupa, y en medio de un secretismo que se va rompiendo puntualmente con acciones como la proyección gratuita de un adelanto de veinticinco minutos en diversas salas del país, sí destaca uno de los grandes fichajes al reparto: una icónica Sigourney Weaver que se apunta a la fiesta, según explica la actriz, motivada por compartir escenas con Grogu.

¿Cuándo se estrena? 21 de mayo.

Dir.: Jon Favreau (EE. UU., 2026). 135 min.

¿De qué va? Conseguir que la última vaca de su explotación ganadera se quede preñada es el objetivo de Empar, una granjera de 60 años que sufre por el futuro de su negocio. Para lograrlo pedirá ayuda a un empresario ganadero y se enfrentará a medio pueblo.

¿Por qué tienes que verla? Por el alegato que propone en favor de una forma de vida, la rural, que se resiste a desaparecer a pesar de tener cada vez más elementos en contra. Y, también, por la apuesta (se diría que) revolucionaria de dar voz a una protagonista veterana independiente y empoderada, toda una rareza en una industria como la cinematográfica, que acostumbra a invisibilizar los conflictos de personajes femeninos de esta edad.

La actriz valenciana Isabel Rocatti, otro veterano como Pep Munné y Carlos Cuevas encabezan el reparto de esta historia de segundas oportunidades con características de comedia romántica. Con espíritu de feel-good movie, y utilizando los paisajes casi como si se tratara de un western, Cowgirl arriesga y gana.

¿Cuándo se estrena? 21 de mayo.

Dir.: Cristina Fernández Pintado y Miguel Llorens (España, 2026). 109 min.

¿De qué va? Los juegos de confesiones alrededor de una mesa, y después de haber tomado demasiadas copas de vino, los carga el diablo. Cuando Emma y Charlie prueban el catering de su futuro banquete de bodas acompañados de otra pareja de amigos íntimos, los cuatro se plantean reír reconociendo la peor cosa que jamás han hecho en la vida.

En este momento, la bonita historia de amor de los protagonistas, propia de una comedia romántica made in Hollywood, da un vuelco inesperado. Y es que la revelación del turbio secreto del pasado de Emma hace que Charlie deje de verla como la chica de sus sueños, y que sus amigos pasen a despreciarla inmediatamente, poniendo en peligro la boda planeada.

¿Por qué tienes que verla? De entrada, hay que decir que las primeras proyecciones en Estados Unidos han polarizado a la crítica especializada. Nosotros nos situamos muy a favor de una propuesta que busca incomodar y generar conversación: porque en la premisa de El drama, que conviene no revelar, se cruzan algunas líneas rojas, y sitúa al espectador en medio de un dilema que le hace plantearse qué haría de encontrarse en un caso similar.

Contar con una pareja protagonista tan icónica como la que forman Zendaya y Robert Pattinson alimenta la potencia transgresora de un relato que, en el fondo, lleva al límite la ansiedad propia de los novios antes de dar el sí. Sátira social, humor negrísimo y situaciones extremas son las constantes de una ecuación muy consecuente conociendo las otras películas de su director y guionista, el noruego Kristoffer Borgli. Solo hay que recuperar sus anteriores, y espléndidas, Sick of myself (2022) y Dream scenario (2023), para aplaudir su capacidad de sorprender y descolocar al público.

¿Cuándo se estrena? El 29 de mayo.

Dir.: Kristoffer Borgli (EE. UU., 2026). 106 min.

¿De qué va? Un brote psicótico rompe por la mitad la progresión de una atleta que lucha por estar en la élite. En medio de autoexigencias y retos continuos, envuelta por la presión constante impuesta por sus entrenadores y por una imperiosa necesidad de demostrar que puede ser la mejor, Cristina estalla.

Y no es muy consciente de qué le está pasando hasta que se impone la caprichosa realidad. A partir de aquí, su complicadísimo camino de recuperación trastocará las dinámicas emocionales con su familia, y llevará a Cris a un complicado proceso de autoconocimiento.

¿Por qué tienes que verla? Porque pone sobre la mesa con sensibilidad y rigor un asunto tan actual y urgente como es la salud mental. En este caso aplicada al deporte de élite, después de haberse conocido casos tan mediáticos como los de Simone Biles, Ronald Araujo y Ricky Rubio. El acercamiento contenido, casi analítico, que propone la cineasta debutante Laura García Alonso se escapa de la emoción simplista y se enfoca en la angustia y la desesperación de una protagonista superada.

Con crudeza pero también con cierta esperanza, la cineasta pone el foco y da pistas muy valiosas sobre de qué manera hay que acompañar a alguien que sufre enfermedades mentales: desde el amor y la empatía, sin reproches. Ojo al trabajo de la joven Alba Sáez y la química que tiene con Marina Salas y Alex Brendemühl, su hermana y su padre en la ficción.

¿Cuándo se estrena? El 29 de mayo.

Dir.: Laura García Alonso (España, 2026). 96 min.

¿De qué va? Él es novelista y misántropo. Ella, mucho más sociable, es profesora universitaria especializada en el cine de Alfred Hitchcock. Después de dos décadas de matrimonio, la rutina se ha instalado en su casa, la pasión se ha esfumado, nada parece que pueda evitar una crisis. Hasta que ella, desde la ventana y como espectadora privilegiada del piso de enfrente, cree ver a su vecino asesinando a su mujer. Las bastante bien fundamentadas sospechas llevarán a la pareja a asumir una improvisada y adrenalínica investigación.

¿Por qué tienes que verla? Con una carismática pareja protagonista formada por Gilles Lellouche y Laetitia Casta, el cineasta Rémi Bezançon construye una divertida comedia tan juguetona como didáctica: señalando directamente a La ventana indiscreta pero llenando la trama de guiños narrativos y formales al cine de un Alfred Hitchcock que es un personaje más, Asesinato en la tercera planta es, casi, una clase de cine que funciona igualmente para neófitos y para cinéfilos.

Más allá de utilizar el canon hitchcockiano como vertebrador de la película, Bezançon también hace referencias a Godard, Truffaut, Woody Allen y Philippe de Broca. El director de films como El primer día del resto de mi vida (2008) o La biblioteca de los libros rechazados (2018) continúa acertando con un cine elegante que conecta muy bien con el público, sí, pero conscientemente alejado de las comedias más populacheras de la industria francesa.

¿Cuándo se estrena? El 29 de mayo.

Dir.: Rémi Bezançon (Francia, 2026). 106 min.