Cosas para hacer en Barcelona en julio

No todos los festivales obedecen a la lógica del crecimiento infinito. El Mostra, que este 2026 cumple cinco años, es "orgullosamente pequeño", y limita la asistencia a 1.000 personas, "para garantizar una experiencia cómoda, segura y humana". Se trata de un proyecto sin ánimo de lucro que ofrece, del 12 al 15 de marzo, 35 horas de música, entre el Pavelló Olímpic de la Vall d'Hebron y Casa Montjuïc, que acoge la jornada inaugural del 12 de marzo.

El cartel combina artistas internacionales y locales, con algún gran nombre de los platos como Angel Molina y mucho talento que se escapa de los circuitos más comerciales. Habrá lives de Absis & Estrato Aurora (presentando Atavic), Substance & Vainqueur (con Scion), Lemont, R-010 y Surgeon. Además, Dania y Rupert Clervaux (con Acción y destino) y The Transcendence Orchestra actuarán en la jornada inaugural de Casa Montjuïc. 

Bad Gyal presentará su nuevo álbum, Más cara, con tres conciertos en el Palau Sant Jordi los días 20, 21 y 22 de marzo. Esta será la primera oportunidad de escuchar los nuevos temas de la cantante en directo, pero si os los perdéis, todavía tendréis otra ocasión de hacerlo, porque Alba Farelo actuará también en la próxima edición del Primavera Sound Barcelona, en el Parc del Fòrum.

El nuevo disco sale vía Interscope Records el 6 de marzo, e incluye algunos de los singles que ha sacado la catalana en los últimos meses, como Da me, Choque, Fuma y Última noche, la colaboración con Ozuna.

Con la locura desatada por el regreso de Oasis corremos el riesgo de olvidarnos de la serie de grupos que protagonizaron con ellos la era dorada del britpop y que no solo están en muy buena forma sino que, al contrario que los Gallagher, continúan ofreciendo música nueva. Es el caso de Blur, que hace dos años publicaron The Ballad of Darren; de Pulp, que después de 25 años de silencio este mes de junio han publicado More; y de Suede, que el 5 de septiembre de 2025 publicaron el décimo álbum de su discografía. 

Además, estos grupos tienen la gentileza de pasar de vez en cuando por Barcelona. Blur lo hicieron en el Primavera Sound de 2023; Pulp, en el de 2024; y Suede no han dejado de hacerlo, la última vez en Razzmatazz en 2022. Ahora regresan para presentar Antidepressants (2025), un trabajo oscuro que forma parte de la trilogía “en blanco y negro” que iniciaron con Autofiction (2022), y que ha recibido críticas excelentes en el Reino Unido. Si aquel era su álbum punk, este tiene sonoridades góticas y post-punk; lo presentarán el miércoles 26 de marzo de 2026 también en la sala Razzmatazz.

Cada vez sirve menos la excusa de que la música clásica es elitista o que no es para todo el mundo. Iniciativas como los conciertos de La Mercè, Clàssica a la Platja y Ciutat de Clàssica (estas dos últimas de Barcelona Obertura) acercan el género a la ciudadanía con propuestas muchas veces gratuitas que son una muy buena oportunidad tanto para melómanos como para neófitos o simples curiosos. 

El Barcelona Obertura Ciutat de Clàssica, que se celebra por séptima vez del 5 de marzo al 1 de abril, ofrece una programación mixta de 27 conciertos gratuitos y 25 de pago, en 29 espacios emblemáticos de la ciudad. Aparte de los tres grandes equipamientos de clásica –L'Auditori, el Palau de la Música y el Gran Teatre del Liceu– hay una veintena larga de escenarios repartidos por todos los distritos, como la Torre Bellesguard, el Palauet Albeniz y la Casa Vicens, entre los que se incorporan este año. 

Llega la cuarta edición del Irídia Fest, el festival de cultura y derechos humanos que en esta ocasión quiere tender puentes con artistas que conectan las dos orillas del Mediterráneo. Será los días 13 y 14 de marzo, en el CCCB y el Paral·lel 62, por este orden, con un coloquio del colectivo Artists at Risk el primer día y los conciertos el segundo.

La del sábado 14, que es la jornada principal, será la de las actuaciones musicales, que tienen en común la fusión de música electrónica con sonidos tradicionales. Se subirán al escenario de Paral·lel 62 Aïta Mon Amour, dúo marroquí-tunecino formado por Widad Mjama y Khalil Epi, que nace por la fascinación de la rapera de Casablanca por las chikhates, mujeres cantantes de aïta, tradición que se remonta al siglo XII. También estarán el colectivo de electrónica valenciano Faixa, la DJ de Melilla Hajar, y el artista gallego Baiuca, que ofrecerá un DJ set.

La 39ª edición del Festival Folk Internacional Tradicionàrius se celebra del 16 de enero al 27 de marzo de 2026 en el C.A.T. y otros espacios. Con más de 50 conciertos, bailes y talleres de música de raíz, este año se centra en la diversidad lingüística del Pirineo, con proyectos de Occitània, el País Vasco, Aragón y los Països Catalans. Uno de los grandes atractivos del TRÀD39 será la presencia excepcional de tres formaciones orquestales: la OMAC, el Gran Conjunt de l’ESMUC y la Orquestra Colònies Escola Folk del Pirineu, que protagonizará la inauguración con 35 músicos para celebrar su 25º aniversario.

Por otro lado, el festival mantiene su fuerte arraigo popular con citas como los Foguerons de Sant Antoni en Gràcia, que incluirán conferencias, gloses y balls de bot a finales de enero; la Festa Major de Santa Eulàlia, con un concierto en la Plaça de Sant Jaume el 13 de febrero, y la 19ª edición del ciclo Folk als Mercats. Más información y entradas en la web del festival.

La 31.ª edición del Cicle de Cançó Barnasants reúne 59 conciertos en diversas salas de Cataluña, Baleares, l'Alguer y y Valencia con nombres como Carmen Consoli, Marc Parrot, Feliu Ventura y Fetus. Habrá seis producciones propias y más de 25 estrenos discográficos. El homenaje a Lluís Llach Llach – Gener 76. 50 anys abrirá el cartel con dos conciertos en el Palau de la Música, el 27 y 28 de enero, y la clausura correrá a cargo de la cantautora Montse Castellà, que celebra 30 años de carrera, el 10 de mayo en Amposta.

También se ha programado, el 24 de abril en el Casino l'Aliança del Poblenou, un homenaje a Robe Iniesta, líder y cantante de Extremoduro, que falleció recientemente y donde participarán diversos artistas. Más información y entradas en la web del festival.

El Guitar BCN 2026 incluye tres noches en el Palau Sant Jordi, el recinto cubierto más grande de la ciudad. Los encargados de llenarlo serán Amaral, cerrando su gira Dolce Vita Tour en diciembre; el fenómeno hip-hop Hijos de la Ruina (Natos, Waor y Recycled J), que llevarán sus beats masivos en mayo; y la cantautora canaria Valeria Castro, que ha pasado del Auditori Fòrum al Sant Jordi en tiempo récord.

El festival empieza con Bebe en Razzmatazz (8 de enero), Duncan Dhu en el Palau de la Música (15 de enero) y Alcalá Norte, la banda del momento de la escena post-punk madrileña, en el Sant Jordi Club (24 de enero). El hermano pequeño del Sant Jordi también acogerá al dúo Marlena y a los granadinos La Plazuela, que presentarán su esperado segundo disco con su fusión de flamenco y electrónica. También en el Sant Jordi Club, Iván Ferreiro hará un repaso a su trayectoria, desde la época de Los Piratas hasta la actualidad.

¿De qué va? Un Frankenstein solitario pide ayuda a la doctora Euphronius para conseguir una compañera de vida. Resucitar a una joven asesinada y convertirla en una novia que no encaja en ningún molde será el primer paso para que la relación monstruosa se convierta en una sanguinaria peripecia criminal que acabará en revolución social.

¿Por qué tienes que verla? Por la relectura transgresora y feminista que propone de un clásico del cine de terror como La novia de Frankenstein (1935). La icónica Elsa Lanchester, con aquel peinado rematado por un mechón blanco que es todo un símbolo de la cultura pop, es ahora sustituida por la actriz del momento, una Jessie Buckley recién aterrizada de Hamnet. Dirigida por la también intérprete Maggie Gyllenhaal, la película hace una propuesta narrativa arriesgada: sitúa la trama en el Chicago de los años 30, añade números musicales y convierte al monstruo de Frankenstein (interpretado por Christian Bale) y a su novia en peligrosos émulos de Bonnie & Clyde (o de los Sailor y Lula de Corazón salvaje de David Lynch, o del Joker y Harley Quinn). Junto a la pareja protagonista, el film cuenta con un reparto de lujo: Penélope Cruz, Annette Bening y Jake Gyllenhaal, hermano de la directora. La película de monstruos más inesperada que no sabías que necesitabas.

¿Cuándo se estrena? 6 de marzo.

Dir.: Maggie Gyllenhaal (EE. UU., 2026). 126 min.

¿De qué va? Con la intención de parar los pies a una constructora que quiere destruir un bosque y acabar con el hábitat natural de todo tipo de animales, una niña aprovecha una tecnología desarrollada por un grupo de científicos e inserta su mente en el cuerpo de un castor robótico. Esto le permite introducirse en el mundo de las criaturas salvajes y tratar de organizar a la fauna contra los planes agresivos de los promotores inmobiliarios.

¿Por qué tienes que verla? Porque este 2026 apunta a una revitalización de Pixar, no solo con Hoppers, sino también con la quinta entrega de Toy Story (que llegará a las salas el 19 de junio). En este caso, la productora hija de Disney propone una aventura delirante y divertidísima que tiene ciertas semejanzas con Avatar desde una óptica gráfica de guiño cómplice. De hecho, nada mejor que la definición de Pete Docter, el director de Pixar Animation Studios: “Es como una mezcla de Avatar, Misión: Imposible y la serie documental Planeta Tierra. Es un thriller de acción, comedia y espionaje en el que el humor, la emoción y la aventura saltan de la pantalla de manera sorprendente”. Le tomamos la palabra.

¿Cuándo se estrena? 6 de marzo.

Dir.: Daniel Chong (EE. UU., 2026). 105 min.

¿De qué va? En medio del caos posterior a la caída de la Unión Soviética, un tal Vladímir Putin vive un ascenso fulgurante al poder con la ayuda de un hábil asesor de imagen. Mientras la población rusa se encuentra, de repente, gestionando el libre mercado, la privatización, el consumo y unas nuevas élites económicas y políticas, Putin pisa el acelerador y se lanza de directo a convertirse en el nuevo líder del país.

¿Por qué tienes que verla? Por el prestigio de los nombres vinculados a la película: desde el director francés Olivier Assayas hasta su coguionista a la hora de adaptar el libro de Giuliano da Empoli, el novelista Emmanuel Carrère (autor de El adversario, que también hace un cameo). Pasando por la magnífica pareja protagonista: Jude Law (no tenemos pruebas, pero sí pocas dudas, de la satisfacción del Putin real al saber que lo interpretaba el atractivo actor británico) y un Paul Dano que da vida a Vadim Baranov, narrador del film e figura ficticia inspirada en Vladislav Surkov, uno de los ideólogos de la transición al capitalismo de la Rusia comunista. El gran interés de El mago del Kremlin reside en la mirada que propone sobre las decisiones de Putin en conflictos como la Segunda Guerra de Chechenia o la invasión de Crimea, en ciertas licencias históricas, en un ligero toque de sátira y en la relación entre la historia reciente de Rusia y los cambios geopolíticos globales.

¿Cuándo se estrena? 6 de marzo.

Dir.: Olivier Assayas (Francia, 2025). 156 min.

De qué va? Tras pasar quince años entre rejas, un ladrón sale de la cárcel con un único objetivo: recuperar el dineral que robó en un atraco y que está enterrado en un lugar secreto. El problema es que el único que sabe la ubicación del tesoro es su hermano, que no la recuerda porque ha desarrollado un trastorno mental que, entre otras cosas, hace que se crea que es John Lennon. La aventura de los dos hermanos en busca del dinero les hará topar con un puñado de personajes, cada cual más estrafalario que el anterior.

¿Por qué tienes que verla? Por la exhibición de recursos interpretativos y el carisma de Mads Mikkelsen, inolvidable en éxitos como Otra ronda o Casino Royale. Le acompaña en el reparto Nicolaj Lie Kaas, con quien ya había trabajado en Jinetes de la justicia (2020), la anterior película de Anders Thomas Jensen, también director de este film que propone una mezcla de géneros cautivadora: thriller y sátira negrísima, drama intenso y comedia negra, violencia y ternura. Y, sobrevolándolo todo... el espíritu de los Beatles.

¿Cuándo se estrena? 6 de marzo.

Dir.: Anders Thomas Jensen (Dinamarca, 2025). 116 min.

¿De qué va? El atractivo líder de un club londinense de motoristas queer y fetichistas, un macho alfa con todas las letras, se fija en un joven introvertido de vida monótona que aún vive con sus padres. Muy pronto, el chico quedará fascinado por un mundo absolutamente desconocido para él y se embarcará en una relación de absoluta sumisión con el motorista.

¿Por qué tienes que verla? Aunque la premisa argumental dé pie a pensar en un drama retorcido y oscuro, la sordidez del mundo que retrata recibe aquí un tratamiento sorprendente. Porque Pillion (término que alude al asiento trasero de una moto y que, entre los moteros gais, se refiere a quien se sienta en él con una connotación de sumisión) hace saltar por los aires los prejuicios y las dinámicas de poder. Hablamos de entornos BDSM, pero desde una perspectiva mucho más tierna y luminosa de lo que se podría esperar. Obviamente, no es una película para todo el mundo, por el mundo que retrata y por la incomodidad que pueden generar algunas escenas de alto voltaje sexual. Pero sí es una mirada insólita y muy atractiva —obra y gracia del debutante Harry Lighton— a temas como el deseo, los vínculos y la identidad. Otra buena razón para verla es su magnífica pareja protagonista: Alexander Skarsgård y Harry Melling.

¿Cuándo se estrena? 6 de marzo.

Dir.: Harry Lighton (Reino Unido, 2025). 106 min.

¿De qué va? Presionado por las altas instancias del país, una estrella del cine egipcio debe aceptar a regañadientes protagonizar una película política favorable al gobierno. Ante las posibles represalias si se niega, el hombre ve que este trabajo le puede abrir el camino para convertirse en una persona poderosa. No contento con eso, también se liará con la esposa del general del ejército que supervisa el proyecto.

¿Por qué tienes que verla? Para completar la trilogía del cineasta sueco de origen egipcio Tarik Saleh, tras las aplaudidas El Cairo confidencial (2017), galardonada en Sundance, y Conspiración en El Cairo (2022), premiada en Cannes. Todas ellas están protagonizadas por el mismo actor, Fares Fares. El hecho de que Saleh provenga del mundo del documental convierte sus películas políticas en radiografías afinadas y críticas del régimen egipcio y de sus juegos de poder. En este caso, utiliza las herramientas del thriller para ofrecer, en realidad, una sátira mordaz que dispara con acierto y sentido del humor.

¿Cuándo se estrena? 13 de marzo.

Dir.: Tarik Saleh (Suecia, 2025). 127 min.

¿De qué va? Fatima tiene 17 años, vive en los suburbios de París, es musulmana, buena estudiante, sueña con dedicarse profesionalmente al fútbol y también es lesbiana. Al umbral de la vida adulta, se emancipa de su familia tradicional y se abre al mundo, a nuevos amigos y nuevos amores, mientras se pregunta cómo superar las contradicciones profundas entre su fe, sus sentimientos y sus elecciones vitales.

¿Por qué tienes que verla? Porque es una de las películas europeas del año desde que se presentó en el Festival de Cannes, donde su protagonista, Nadia Melliti, se llevó el premio a la mejor interpretación dando vida a una joven que compagina tres vidas diferentes: en casa, en la calle y por la noche. Los conflictos íntimos de la Fatima de ficción son los de la escritora Fatima Daas, autora de la galardonada novela autobiográfica La última, la más pequeña (publicada por Angle Editorial). Mientras Nadia Melliti se erige como una de las estrellas emergentes del cine francés, la directora Hafsia Herzi se confirma como una de las grandes creadoras europeas actuales. Todo ello al servicio de un relato que reflexiona sobre el choque entre la religión, por un lado, y el deseo y la identidad, por el otro.

¿Cuándo se estrena? 13 de marzo.

Dir.: Hafsia Herzi (Francia, 2025). 106 min.

¿De qué va? Un cineasta (Leonardo Sbaraglia) en plena crisis creativa intenta encontrar la inspiración ante la página en blanco y comienza a escribir sobre un alter ego evidente: otra directora de cine (Bárbara Lennie) que ha dejado las películas por la publicidad. Alimentándose de la realidad en un ejercicio de autoficción que no duda en vampirizar todo lo que le rodea, el guion que desarrolla hablará de la muerte, el duelo, la pérdida, la amistad y la angustia. Las historias del uno y la otra —ficción y realidad situadas en espacios temporales diferentes— se irán alternando con paralelismos vitales que cuestionan los límites morales de la creación artística.

¿Por qué tienes que verla? De entrada, la disfrutaréis si sois seguidores del cine de Pedro Almodóvar. Muchas de sus obsesiones, tanto temáticas como estéticas, forman parte de esta historia con la que el cineasta manchego parece desnudarse casi tanto como en Dolor y gloria (2019). Tomando como punto de partida una canción de Chavela Vargas que comparte título con el film (la añorada cantante mexicana estará muy presente en el relato), Almodóvar propone un triple salto mortal: el personaje de Leonardo Sbaraglia no deja de ser él mismo, como lo es también el personaje de Bárbara Lennie sobre el que escribe el protagonista. Con un reparto de lujo (Victoria Luengo, Milena Smit, Aitana Sánchez-Gijón, Quim Gutiérrez), Amarga Navidad es, sobre todo, una reflexión sobre hasta qué punto la libertad creativa puede justificar la falta de escrúpulos a la hora de convertir a los seres queridos en criaturas de ficción manipulables. Caiga quien caiga.

¿Cuándo se estrena? 20 de marzo.

Dir.: Pedro Almodóvar (España, 2026). 110 min.

¿De qué va? Cuando, en plena reunión con la dirección de la escuela, una pareja de clase media se entera de que su hijo enseña los genitales a sus compañeros, empieza a planear un cambio de centro educativo. De la pública a la privada y, si de paso eso beneficia los propósitos laborales del padre... miel sobre hojuelas. A partir de aquí, la peripecia de Alicia y Gonzalo pasará por una serie de situaciones que despertarán mil y una contradicciones entre sus valores y sus decisiones.

¿Por qué tienes que verla? Progenitores que proyectan en sus hijos sus frustradas aspiraciones de ascenso social, pequeñas miserias cotidianas, conflictos de clase, chats de padres irritantes y discusiones triviales que esconden prejuicios. Temas muy serios tratados en forma de comedia divertidísima, con un guion jugoso y punzante escrito a cuatro manos entre el director Víctor García León (Vete de mí, Los europeos) y Borja Cobeaga. El reparto está en estado de gracia: Marián Álvarez e Israel Elejalde son los atribulados padres, y un brillantísimo Juan Diego Botto interpreta al superior del padre, un tipo adinerado que les calienta la cabeza para que apunten al niño a una carísima escuela de élite. Los padres y madres que nos leáis os veréis identificados en más de una escena. Y reiréis mucho.

¿Cuándo se estrena? 27 de marzo.

Dir.: Víctor García León (España, 2026). 101 min.

¿De qué va? Un nuevo vecino se instala en el piso de enfrente de Marc y Eudald, una pareja estable desde hace seis años. Este hecho aparentemente trivial provoca una especie de clic que despierta dudas y ciertos traumas del pasado que Marc ya creía superados. Este es el punto de partida de una dramedy rodada en catalán, el nuevo largometraje de David Moragas tras la notable A Stormy Night (2020).

¿Por qué tienes que verla? Por la delicadeza y la verosimilitud del retrato de los protagonistas y de los conflictos emocionales que los atraviesan. Además, David Moragas hace un ejercicio interesantísimo: huye de los clichés e integra a una pareja queer en una trama que nunca pone el foco en los estereotipos habituales de aceptación de la propia sexualidad. El cineasta cuenta con un trío protagonista excelente: Lluís Marquès y Quim Àvila como los amantes, con el contrapunto magnífico de Bruna Cusí, reciente ganadora del Gaudí por Frontera. Además, el drama de Un altre home está empapado de un cierto sentido del humor que equilibra la propuesta, con una frase recurrente (“creo que deberíamos follar”) convertida en la solución ideal para todos los males.

¿Cuándo se estrena? 27 de marzo.

Dir.: David Moragas (España, 2026). 100 min.

Lisaboa Houbrechts ve a la Madre coraje como un personaje ambiguo y complejo. Es todo en uno: agresora y víctima, oportunista y refugiada, madre y comerciante. Pero para Houbrechts, alumna aventajada del gran Jan Lauwers, la guerra no es solo algo entre naciones y pueblos. La guerra también tiene lugar dentro de la familia y la intimidad del cuerpo femenino. Ella decide poner en escena el texto original de Brecht en su totalidad, incluidas las canciones de Paul Dessau. Quiere investigar cómo la obra, precisamente por su historicismo, puede llegar a ser contemporánea. La joven directora de escena belga también nos habla de la condición femenina, la vulnerabilidad y la resiliencia.

T. Lliure: Montjuïc, 16 y 17 de julio

Esta temporada, el gran Max Richter lleva The Blue Notebooks de gira mundial, acompañado de conjuntos de cuerda. Los conciertos también incluirán la música del nuevo álbum de estudio de Richter, In a Landscape ("elegíaco y resignado pero tranquilamente triunfante" - Pitchfork). Según explica, su última grabación comparte muchas de las preocupaciones de The Blue Notebooks: "En cierto modo, este disco es otra mirada a los temas del trabajo anterior, pero desde la perspectiva de nuestro mundo y nuestras vidas actuales". The Blue Notebooks e In a Landscape son dos de sus trabajos discográficos más icónicos con trasfondo poético y político, que combinan música contemporánea y narrativa con su personal sello electrónico.

Teatre Grec, 15 de julio

A menudo el portugués Tiago Rodrigues dice que no escribe obras para el teatro sino para los actores y actrices que representan la obra. Aquí, una actriz está ensayando la Hécuba de Eurípides. Interpreta el papel de la viuda de Príamo. Ella que, en la derrota de Troya, lo perdió todo: el marido, el trono, la libertad y para su gran sufrimiento, casi todos sus hijos. Es una mujer que pide justicia. Pero la tragedia ficticia coquetea dolorosamente con la realidad íntima de la actriz cuyo hijo autista fue víctima de un sistema de abuso que ella denuncia y contra el cual se rebela. El tiempo de los ensayos del espectáculo se superpone ambiguamente al de la investigación judicial. En un escenario único y crepuscular, dos mundos se juntan, en un entrelazamiento inquietante entre la tragedia del mito y la de la realidad, entre el teatro y el de la justicia.

Teatre Grec, 28 y 29 de julio

Dos de las figuras más destacadas del circo y la danza europeos (Yoann Bourgeois ha pasado varias veces por el Grec), de la mano de la cantautora francesa Pomme recorren diversos paisajes visuales y sonoros para hacer de la poesía física y el movimiento una metáfora de las estaciones de la vida. El espectáculo inaugural del festival marca el inicio de esta edición fundamentada en el trabajo en red, abierta a la indisciplina de los lenguajes escénicos, buscadora de la curiosidad de un público intergeneracional y vertebrada por la mirada poliédrica de los y las artistas sobre la condición humana y el mundo de hoy.

Teatre Grec, del 26 al 28 de junio

La Mula (Magda Puig y Andreu Martínez), con Manual per a éssers vius, estrena la segunda parte del díptico iniciado con Thauma (Teatre Lliure, 2024), una pieza que dejó a todos boquiabiertos y ha hecho una importante gira. Puig y Martínez van más allá de las imágenes y trabajan las palabras, el texto y la voz narrativa como objetos. Este espectáculo ha sido creado entre Barcelona y Oslo. Y es uno de los montajes locales más esperados del festival.

CCCB, 17 y 18 de julio

¿Cuántas historias de amor hay? ¿Qué tienen que ver Virginia Woolf y Eneas? ¿Cómo se conectan el amor de Daenerys, el de Adrià y el de la performer? ¿Dónde se encuentran el amor, el deseo y el sexo? ¿Qué nos promete el amor para que no podamos dejar de buscarlo? ¿Por qué el amor continúa, después de tantos siglos de historia humana, en el centro de todo? ¿Por qué puede hacer tanto daño? ¿Por qué nos puede llevar a estados sublimes y a vacíos a los que solo él nos puede llevar? ¿Queda algo por preguntarse sobre el amor? ¿Queda algo por decir? Esta compañía de teatro contemporáneo ya madura, cree que sí, que vale la pena embarrarse con una historia del amor. Y que hay que seguir este impulso que sentimos de compartir algo tan privado con un público.

T. Lliure: Gràcia, 18-20 de julio

El segundo capítulo de la trilogía Cadela Força se titula La germandat. La autora y directora teatral brasileña Carolina Bianchi, junto con su compañía Cara de Cavalo, se adentra en la complejidad de los pactos de machismo, los posibles orígenes de la fraternidad y sus códigos, muchos de los cuales están inscritos en la violencia y perpetúan la violación y la violencia sexual como parte de su vocabulario. Bianchi enmarca esta investigación sobre el arte contemporáneo, especialmente el contexto teatral. El objetivo está lejos de simplificar el tema: el espectáculo reconoce la admiración que esta cofradía nos puede provocar cuando se relaciona con la historia del arte, de manera que el texto se acerca constantemente a la confusión entre aversión y fascinación por las dinámicas de poder masculino.

T. Lliure: Montjuïc, 11 y 12 de julio

Una performance sobre la euforia de estar vivo. Diez bailarines crean un paisaje sonoro extático y la coreografía que surge de él. Los recuerdos y las escuchas, las voces y los cuerpos, todos resuenan como instrumentos musicales, gradualmente hacia una alegría compartida. El nuevo trabajo del coreógrafo griego minimalista explora cómo el movimiento se convierte en una canción, en la que los cuerpos de los bailarines laten, y a través de ellos, potencialmente, los cuerpos del público. Un nuevo trabajo optimista, extrovertido y encantador sobre las primeras veces que nos conocimos, reímos, vivimos. Sobre nuestros apasionados inicios.

Mercat de les Flors, 12 y 13 de julio

Con Medea's Kinderen, el suizo Milo Rau hace una mirada nueva y profunda al papel de los niños en el teatro. Un caso penal auténtico es el punto de partida del espectáculo: el caso de una madre que, en total desesperación, decide matar a sus hijos y quitarse la vida, pero sobrevive. Esta tragedia moderna se entrelaza con la tragedia clásica Medea, el caso más infame de conflicto de relaciones e infanticidios de la literatura occidental. Un grupo de niños toma este caso y la narrativa más oscura de la cultura europea como una oportunidad para reflexionar sobre ellos mismos: sobre la historia familiar, el primer amor y los primeros encuentros con la muerte, sobre los deseos de futuro y los miedos al fin del mundo que nos persigue a todos.

T. Lliure: Montjuïc, 21 y 22 de julio

El coreógrafo belga de origen marroquí hace una búsqueda de sus orígenes que también es un homenaje a la víctima de un crimen racista y homófobo registrado en Bélgica en 2012. La pieza se interpretará por primera vez en una versión al aire libre con los bailarines del Ballet du Grand Théâtre de Genève y de Eastman, la compañía de Cherkaoui, también viejos conocidos del festival barcelonés desde hace al menos una década y media.

Teatre Grec, 11 y 12 de julio

¿De qué va? El Museu Tàpies acoge la muestra El moviment perpetu del mur, una exposición que explora el papel que la noción de muro desencadenó en la obra de Antoni Tàpies desde el contexto de la Segunda Guerra Mundial hasta las décadas posteriores, tanto a nivel simbólico como pictórico y físico.

¿Por qué hay que ir? Este proyecto se centra especialmente en la década de 1950, un período clave de transformación en la práctica artística de Tàpies. A través de este recorrido se plantean nuevas perspectivas sobre el desarrollo de su lenguaje pictórico y sobre la relación entre obra, espacio y espectador. La exposición toma como punto de partida cuatro exposiciones individuales que el artista realizó durante esta década —en las Galerías Layetanas de Barcelona (1950 y 1954), en la Galerie Stadler de París (1956) y en la Sala Gaspar de Barcelona (1960). Cada una de estas muestras presentaba grupos de obras distintos y también diferentes soluciones de montaje. El proyecto analiza cómo estos dispositivos expositivos —la iluminación, la disposición de las obras o el color de las paredes— pueden influir en la percepción y la interpretación de la pintura. Asimismo, explica cómo la obra de Tàpies fue interpretada por críticos, pensadores e historiadores del arte del momento, y cómo se conecta con debates presentes en el pensamiento artístico contemporáneo.

¿De qué va? El CCCB acogerá, hasta el 25 de mayo, la exposición "Rodoreda, un bosque", dedicada a la radicalidad literaria y al imaginario creativo de la escritora en lengua catalana más importante del siglo XX. Comisariada por la ensayista y crítica literaria Neus Penalba, la muestra pretende alejarse de los tópicos, a menudo edulcorados, que han rodeado su figura y mostrar la faceta más contemporánea de Rodoreda, donde la escritura transita entre el realismo y la fantasía para hablarnos de la inocencia, el deseo, el suicidio, el desarraigo, el escarnio o la metafísica.

¿Por qué hay que ir? La muestra se sirve de la metáfora del bosque para concebir el espacio expositivo. Las salas se conectan orgánicamente, utilizando este símil para explicar la trayectoria de la autora a través de un recorrido por las raíces literarias y la experiencia del desarraigo del exilio, los troncos marcados por la vivencia de la guerra, las ramas que dialogan con la cultura occidental y las copas que rozan el cielo y acogen pájaros. A través de esta estructura se despliegan más de 400 piezas entre obra plástica, instalaciones, documentos y audiovisuales, incorporando originales de la Fundación Mercè Rodoreda.

¿De qué va? El proyecto de la artista Anna Moreno que revisita algunos de los proyectos utópicos de los años setenta impulsados por el arquitecto Ricardo Bofill. A través del cine, la instalación y la investigación artística, la exposición plantea una reflexión sobre las tensiones entre las aspiraciones utópicas de la arquitectura moderna y las realidades sociales y políticas que a menudo impidieron su materialización.

¿Por qué hay que ir? El proyecto toma como eje central el film The Terminal Beach, que documenta el estado actual de un asentamiento nómada construido en 1979 en el desierto argelino por el estudio de Ricardo Bofill. Este proyecto, concebido dentro del periodo más experimental del arquitecto, quedó inconcluso y ejemplifica las contradicciones entre el sueño utópico y la realidad política y social de la época.

¿De qué va? Hasta el 28 de septiembre, el MACBA acoge Prisioneros del amor. Hasta el sol de la libertad, la primera exposición en España de los artistas Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme. La muestra reúne obras que recorren casi dos décadas de su trayectoria y reflexionan sobre la memoria, el exilio y las formas de resistencia frente a la opresión y el expolio de Palestina.

¿Por qué hay que ir? A través de voces, canciones, sonidos e imágenes, los artistas conectan experiencias personales con historias colectivas de lucha y, en una aparente paradoja, ponen el acento en la importancia de la alegría, del amor y de la imaginación colectiva como formas poderosas de resistencia, incluso —y sobre todo— en condiciones extremas.

¿De qué va? El Centro de Fotografía KBr de la Fundación MAPFRE presenta una colección de uno de los fotógrafos norteamericanos más reconocidos de todos los tiempos y una de las grandes influencias del fotoperiodismo y de la fotografía artística contemporánea: Walker Evans. La exposición puede visitarse del 26 de febrero al 24 de mayo.

¿Por qué hay que ir?"Mirar fijamente. Es una manera de educar el ojo, y más allá. Mirar fijamente, husmear, escuchar, espiar. Morir sabiendo algo. No estás aquí mucho tiempo". Esta es una de las frases más célebres del artista (procedente de una entrevista publicada en Art in America en 1971), que utilizó la cámara para retratar la vida de la gente de Estados Unidos de mediados del siglo XX y que es considerado uno de los pioneros de la fotografía documental.

¿De qué va? Del 6 de marzo al 17 de mayo, el CCCB acoge la exposición Tenemos diecisiete años. Un retrato colectivo en el CCCB, un espacio que reúne las obras de más de trescientos adolescentes que explican qué significa este número para ellos a través de la fotografía, el cine y la palabra.

¿Por qué hay que ir? En la exposición se pueden ver fotografías, filmaciones y textos en primera persona: miradas genuinas que se alejan de los prejuicios de los adultos y de los códigos habituales de representación de la adolescencia en la actualidad. Los autores son estudiantes de institutos de Cataluña, Lituania y Rumanía que han participado en talleres de creación fotográfica y artística para explorar otras maneras de retratarse y mostrarse.

¿De qué va? El Museo Picasso explora la huella revolucionaria e irreverente de Alfred Jarry en Ubú pintor. Alfred Jarry y las artes, una exposición que analiza la influencia decisiva del autor de Ubu roi en las vanguardias artísticas, el teatro moderno, la cultura visual del siglo XX y la creación contemporánea.

¿Por qué hay que ir? La muestra propone un recorrido amplio por el universo ubuesco, un imaginario grotesco, absurdo y subversivo que ha atravesado disciplinas y generaciones. A través de libros, revistas, ilustraciones, piezas teatrales, cine, pintura y obra contemporánea, la exposición reúne más de 200 piezas procedentes de colecciones internacionales, poniendo en diálogo la obra de Jarry con artistas clave de la modernidad.

Concebido como una figura fundamental para el nacimiento de las vanguardias, Alfred Jarry (1873–1907) fue mucho más que un dramaturgo: escritor, crítico de arte, editor y artista, defendió un arte marginal, deformador y antinormativo. El concepto de lo “ubuesco”, asociado a lo grotesco y al absurdo del poder, se convierte en un eje central de la exposición, que muestra cómo esta noción ha influido profundamente en el lenguaje artístico y político del siglo XX.

Uno de los núcleos principales del recorrido es el impacto de Ubu roi, obra que sacudió el panorama cultural de finales del siglo XIX y que generó una iconografía persistente del tirano ridículo y desmesurado. La muestra también recupera la relación de Jarry con las artes consideradas menores, como el teatro de títeres, reivindicando el arte popular y el arte “salvaje” como formas de resistencia cultural.

¿De qué va? Las exposiciones de fotografía siempre son interesantes, pero lo son aún más cuando las propuestas se salen de lo tradicional. Ornitografies: Revelant els traços de les aus en vol, del artista visual Xavi Bou en colaboración con la Galería SENDA (una de las más relevantes del arte contemporáneo en Barcelona), se podrá visitar de manera gratuita del 25 de febrero al 10 de abril en la zona de exposiciones del Hotel Eurostars Grand Marina 5*. La exposición es, además, una oportunidad perfecta para conocer el interior de este lujoso hotel.

¿Por qué hay que ir? La muestra presenta una selección de obras en las que Bou hace visibles los movimientos invisibles de la naturaleza. Mediante una técnica de cronofotografía digital, el artista registra el vuelo de las aves como una coreografía completa, revelando patrones que escapan a nuestra percepción habitual.

¿De qué va? El panafricanismo fue un movimiento impulsado hace más de un siglo por artistas e intelectuales de todo el mundo que se hacían la misma pregunta: ¿cómo sería el mundo si todos los pueblos africanos y sus diásporas se hermanaran? La nueva muestra del MACBA nos invita a hacer precisamente eso. Según Elvira Dyangani Ose, directora de la institución y comisaria de la muestra junto con Antawan I. Byrd, Adom Getachew y Matthew S. Witkovsky, las salas del museo se han llenado “del espíritu colaborativo del panafricanismo” y, a través de pinturas, libros, creaciones populares, música, fotografías y vídeos, nos invitan a imaginar un mundo mejor. 

¿Por qué hay que ir? Entrar en las salas del museo es como cambiar de mundo. No de país, ni de continente, ni siquiera de lengua. De hecho, la exposición profundiza en el impacto del panafricanismo en la historia catalana y española y nos revela la presencia de activistas negros en la Barcelona obrera o en el bando republicano de la Guerra Civil. La muestra, entonces, nos hace viajar a otro plano de la realidad que ha existido siempre. Más de quinientos objetos de un centenar de artistas e intelectuales, producidos en África, Europa, América del Norte y América del Sur, nos explican que la historia tiene muchas capas y que no todas aparecen en los libros o en la televisión. Hay relatos censurados y otros que nuestra mirada impregnada de blanquitud no ha sabido ver. Pero las banderas de la primera sala nos reciben con los brazos abiertos y parece que nos digan: ¡bienvenidos a Panáfrica!

¿De qué va? Bajo la mirada poética de Cristina Iglesias, una de las artistas más internacionales y respetadas de la escultura contemporánea, La Pedrera se convierte en un bosque laberíntico de paredes vegetales y lagos encantados.

¿Por qué hay que ir? La nueva exposición, organizada por la Fundació Catalunya La Pedrera, sigue la tendencia que ha unido las muestras de este edificio de Gaudí en los últimos meses: la de invitar a un creador a dialogar con el genio modernista a través de nuevos lenguajes artísticos. Esta vez, Iglesias ha transformado los espacios de Gaudí en un recorrido casi hipnótico por materiales, texturas y sombras que juegan con la idea de habitar el espacio. 

¿Qué ocurre cuando la juventud feminista y la sabiduría conservadora se encuentran? La obra Pla per Roig, que podréis ver en el Teatre La Fàbrica del 11 al 29 de marzo, pone a Montserrat Roig y Josep Pla en un diálogo único, lleno de humor, complicidad e ideas que aún hoy interpelan. Partiendo de un encuentro real —la entrevista que Roig le hizo a Pla en el invierno de 1972—, el espectáculo enfrenta cara a cara a dos personalidades icónicas con visiones opuestas del mundo. El choque generacional e ideológico, combinado con momentos de complicidad inesperada, convierte este pódcast escénico en una propuesta divertida, accesible y llena de literatura.

Aunque nace de una entrevista real, la obra va mucho más allá del documento: juega, mezcla e imagina a partir de otros textos y declaraciones de los autores para construir una ficción viva y libre. No es una reconstrucción fiel, sino un ejercicio creativo que pone en contexto a dos figuras imprescindibles: Montserrat Roig, escritora, periodista y pionera del feminismo catalán, y Josep Pla, el autor catalán más leído, gran cronista del siglo XX y una personalidad tan brillante como controvertida.

Y como las buenas conversaciones necesitan buenos cómplices, la obra toma forma con un equipo artístico que también dialoga entre generaciones. La dirección corre a cargo de Ferran Utzet, reconocido por montajes como La nostra ciutat o Sopa de pollastre amb ordi (Premio Butaca), mientras que sobre el escenario Jordi Coromina aporta el oficio de una larga trayectoria teatral y Laura Roig encarna a una nueva generación de intérpretes con una presencia destacada tanto en los escenarios como en el audiovisual. Juntos dan vida a una propuesta que convierte la palabra, la discrepancia y la complicidad en materia teatral. ¿Os lo vais a perder?

Noches que pasan volando, aplausos que parecen no acabar nunca y silencios que os dejan sin aliento. En el Liceu, todo esto se hace realidad: un escenario que no solo programa ópera, sino que crea experiencias capaces de ponernos la piel de gallina. Y cuando hablamos de intensidad, hay un nombre que siempre vuelve: Giacomo Puccini. Sus heroínas no son perfectas: aman, dudan y se equivocan… y precisamente por eso nos cautivan y nos arrastran hasta el final. Estrenada en 1893 como su primer gran éxito, Manon Lescaut vuelve al Liceu del 17 de marzo al 1 de abril, para hacernos vivir toda la pasión y las emociones que solo Puccini sabe crear.

Y toda esa pasión se escucha en cada nota. La música de Puccini va directa al corazón: desde el romántico “Donna non vidi mai” hasta el devastador “Sola, perduta, abbandonata”, cada escena late con una intensidad que anticipa el genio que más tarde nos haría llorar con La bohème o temblar con Tosca.

La historia es tan sencilla como intensa. Manon es joven, inquieta y con ganas de comerse el mundo. Cuando conoce a Des Grieux, el amor es inmediato e impulsivo, de esos que te hacen tomar decisiones sin mirar atrás. Pero la aparición de Geronte, rico y poderoso, pone sobre la mesa otra tentación: estabilidad, lujo, una vida fácil. Y aquí nace el verdadero conflicto: ¿qué pesa más, el corazón o la ambición? Entre fugas, reencuentros y decisiones que lo cambian todo, Manon Lescaut despliega una espiral de emociones donde nada es blanco o negro.

La puesta en escena de Àlex Ollé da un giro contemporáneo que impacta: Manon y su hermano atraviesan fronteras y viven situaciones extremas, con vestuario urbano y escenografía que va desde estaciones de autobuses hasta clubs y celdas, mientras el LOVE recuerda que la pasión lo guía todo. Al frente, la soprano Asmik Grigorian, una de las mejores de la actualidad, encarna a Manon con fuerza, vulnerabilidad e intensidad. A su lado, el tenor Joshua Guerrero aporta pasión y energía a Des Grieux, formando un dúo que convierte la ópera en un imprescindible de la temporada del Liceu.

Siguiendo una estrella fugaz es el título de la exposición del Monasterio de Pedralbes sobre el legado fotográfico de Khadija Saye, artista gambiano-británica que capturó la identidad, la memoria y la dimensión espiritual de la experiencia negra a través de la cámara. La muestra se puede visitar del 6 de febrero al 31 de mayo y es especialmente relevante porque es la primera exposición dedicada a la artista en España y la primera retrospectiva a escala mundial. Saye alcanzó reconocimiento internacional con Dwelling: in this space we breathe (Vivienda: en este espacio respiramos), presentada en el Pabellón de la Diáspora de la Bienal de Venecia de 2017, donde fue la participante más joven.

Una estrella fugaz

La exposición sigue la breve pero potente trayectoria de Saye, que murió trágicamente en el incendio de la torre Grenfell en 2017, donde vivía con su madre y donde ambas perdieron la vida, junto con setenta personas más. Una joven promesa que dejó una huella imborrable como artista y como persona comprometida con su comunidad. Hija de la diáspora, creció en un entorno multicultural en el barrio de Hammersmith (Londres), y sus obras muestran una búsqueda que une la experiencia íntima con cuestiones universales.

Su obra en plano cenital

En la muestra, podréis descubrir gran parte de su legado, como sus primeros años como artista. Entre 2010 y 2013, mientras estudiaba fotografía en la University for the Creative Arts de Farnham, Khadija Saye concibió el retrato como una herramienta emancipadora para revelar la complejidad de la sociedad contemporánea. De esta etapa destacan tres series: Madame JoJo’s (2011), con retratos de la comunidad trans y travesti del Soho; People, sobre la mirada femenina negra como respuesta al colonialismo; y Living, con retratos de gambianos en sus salones londinenses.

Su serie más reconocida, Dwelling: in this space we breathe (2017), consta de nueve autorretratos en ferrotipo que exploran identidad, espiritualidad y trauma a través de objetos rituales gambianos. Tras su muerte, gran parte de su obra se perdió en el incendio de la torre Grenfell y la serie solo se ha podido preservar completa en formato serigrafiado.

Si queréis ver a esta artista en mayúsculas, aquí tenéis toda la información. También podéis participar en una visita de autor con la comisaria (domingo, 8 de marzo a las 12h), en un taller de retrato fotográfico intervenido (domingos 12 de abril y 10 de mayo, de 11 a 13h) y de visitas guiadas a la exposición en catalán y castellano.

¿Os quedáis fascinados con los espectáculos en directo? Los ‘Sábados de ópera’ vuelven este este febrero y hasta mediados de abril para llenaros de música que os llegará a lo más profundo y os hará vivir tardes únicas en Barcelona, junto al Mediterráneo. Gracias a su gran éxito, el Eurostars Grand Marina Hotel 5* G.L. vuelve a subir el telón con una nueva temporada de recitales tributo a las grandes arias de la ópera. Solo los sábados, un trío musical junto a un pianista os deleitará en The Corner Cocktail Bar, el espacio exclusivo en el lobby del hotel, con interpretaciones en directo y una atmósfera inigualable.

Además, podréis disfrutar de aperitivos especiales, pensados exclusivamente para la ocasión, y de cócteles de autor. Y todavía hay más... para quienes deseen prolongar la velada, el hotel ofrece la opción de completar la noche con una exquisita cena en su restaurante Aire de Mar. El acceso a los ‘Sábados de ópera’ está abierto a todo el mundo, tanto a huéspedes del hotel como a visitantes externos, ¡para que todos podáis disfrutar del arte y el lujo! La entrada es libre, con consumición mínima, y el hotel obsequiará a los asistentes con una copa de cava de bienvenida.

Los conciertos, que se celebrarán todos los sábados, empiezan a las 20:30 h y duran una hora. Así que, si os supera la pasión por la música y queréis vivir una experiencia única, reservad ya las butacas más privilegiadas de la ciudad y no os perdáis esta oportunidad de disfrutar de un espectáculo de ópera en directo.

Si vais donde haga falta para escuchar a vuestro músico favorito, ya no es necesario recorrer kilómetros hasta la capital: con el Festival Music Veu, los tenéis más cerca que nunca. El encuentro programa conciertos de grandes artistas como Rosario, Alfred García, Mariona Escoda o The Christians en distintos espacios del Alt Penedès, Baix Penedès, Garraf y Anoia, y no solo eso, sino que también elige escenarios singulares para que la experiencia sea aún más grandiosa. ¿Algunos ejemplos? El Espai Cultural Fòrum Berger, el Teatre Municipal Ateneu de Igualada, el Teatre Casal de Vilafranca del Penedès –Societat La Principal o bodegas emblemáticas del Penedès como Celler Avgvstvs Forvm, Jean Leon, Família Torres, Codorníu, Juvé y Camps, entre otras.

Programación completa

Para empezar el año con buen pie, la travesía musical arranca el 2 de enero con un Concierto de Año Nuevo a cargo de la Orquestra Simfònica de Sant Cugat en la Basílica de Santa Maria de Vilafranca del Penedès. Y esto es solo la punta de lanza de un programa espectacular. El festival continuará el 18 de enero con Laura Andrés, que presentará su proyecto Piano Piano en el Espai Cultural Fòrum Berger, una de las pianistas más personales del panorama neoclásico actual.

El mes de febrero se abrirá el día 8 con Halldor Mar Trio, la formación del músico islandés afincado en Cataluña, conocido por sus versiones folk-pop y por su capacidad de transformar canciones populares en piezas delicadas. La programación seguirá el día 22 con In Crescendo, el grupo vocal que, tras celebrar su décimo aniversario, se adentra en IN, un nuevo espectáculo a cappella que revisita grandes éxitos internacionales. Sin apenas pausa, el día 28 llegará el humor de Miki Dkai, que aterrizará en Sant Pere de Ribes con el espectáculo Padre de Familia: Cosas de Casa.

El mes de marzo ofrecerá una doble cita destacada: el día 14, Gerard Quintana y Jordi Batiste revisitarán el universo de Dylan en Igualada; y el día 21, la propuesta de e-Strings, un quinteto de cuerdas eléctricas que, acompañado de batería y teclados, fusiona músicas y estilos en un directo potente. A continuación, el día 28, el Teatre Casal de Vilafranca acogerá Michael Legend, un tributo a Michael Jackson que repasa los momentos más icónicos del Rey del Pop.

En abril, el día 12, el festival hace parada en Sant Sadurní d’Anoia con Mariona Escoda, ganadora de la primera edición de Eufòria, antes de continuar hacia El Vendrell el día 25 con la energía desbordante de The Black Barbies. El mes de mayo llegará cargado de grandes nombres: el día 23 actuará Alfred García en Família Torres, y el día 30, The Christians, leyendas británicas del soul-pop, protagonizarán una noche muy especial en Jean Leon.

Junio será un mes intenso, con el acústico de Sole Giménez el día 6 en Segura Viudas y el impecable tributo de bROTHERS iN bAND a Dire Straits el día 13 en Codorníu, espacio que también acogerá el día 14 a Rosario, una de las voces más carismáticas del flamenco-pop. También hará parada Maria Jaume el día 21, con su indie íntimo en Bell-Esguard, y Clarence Bekker Band el día 27, que llenará de energía la bodega Juvé & Camps.

Ya en pleno verano, el 25 de julio contará con La Reina del Pop, tributo a La Oreja de Van Gogh, en las Cavas Rovellats, mientras que el 24 de agosto los más pequeños y las familias podrán disfrutar de Els Atrapasomnis en un concierto gratuito en el Parc El Tívoli. La recta final del festival llegará en septiembre con las habaneras de Port Bo el día 19, en el Espai Far de Vilanova i la Geltrú, y con la poesía musical de Roger Mas el día 26, que cerrará el ciclo entre viñedos en la bodega Llopart. ¿A cuál os apuntáis? Aquí podéis comprar las entradas.

Un festival que suma cultura y compromiso social

Este año, la acción social se destina a la Asociación Autisme amb Futur, una entidad que trabaja para ofrecer servicios, acompañamiento y oportunidades a niños, jóvenes y adultos con autismo. El objetivo es mejorar la calidad de vida de las personas con trastorno del espectro autista y de sus familias.

Eros Ramazzotti regresa a los escenarios con su gira Una Historia Importante, que hará parada en el Palau Sant Jordi de Barcelona el 2 de mayo de 2026. Una nueva experiencia en vivo del artista italiano, quien siempre ha sido muy bien recibido en la capital catalana.

Una Historia Importante, nombre de una de sus canciones más emblemáticas, da título a una gira que reafirma el estrecho lazo entre Eros y sus seguidores, una conexión genuina y perdurable que trasciende el tiempo, las fronteras y las generaciones.

Una trayectoria construida a base de música y sentimientos que continúa desarrollándose con la misma intensidad de siempre, respaldada por más de 80 millones de álbumes vendidos y más de 9.300 millones de reproducciones a nivel mundial.

Las entradas se ponen a la venta el jueves, 17 de abril, a las 10 h.