Cosas para hacer en Barcelona en abril

¿De qué va? La Fundació Joan Miró dedica su primera gran exposición en España a Charlotte Perriand, arquitecta, diseñadora y fotógrafa francesa que transformó la manera de entender los espacios domésticos y la relación entre diseño y vida cotidiana. La muestra recorre cuatro décadas de su trayectoria y reivindica a una creadora que desafió las convenciones de su tiempo, tanto en el ámbito profesional como en el personal.

¿Por qué hay que ir? El recorrido también muestra cómo la naturaleza, el paisaje mediterráneo y los viajes influyeron en su obra. Su estancia en Japón y Vietnam reforzó el interés por la artesanía y las tradiciones locales, que integró en una concepción del diseño capaz de combinar modernidad, funcionalidad y disfrute.

Uno de los ejes de la exposición es el vínculo de Perriand con Barcelona y Josep Lluís Sert, con quien compartió amistad y complicidad intelectual desde los años veinte. La muestra recupera esta relación y las conexiones de ambos con el GATCPAC y el entorno del Pabellón de la República Española de 1937. El retorno de Perriand a la Fundació Joan Miró tiene, además, un significado especial: en 1976, la arquitecta asistió a la inauguración del edificio proyectado por Sert, cincuenta años antes de esta exposición.

¿De qué va? ¿Cómo ha cambiado la sociedad a través de la fotografía? ¿Y cómo ha evolucionado la fotografía para convertirse en una forma de expresión artística autónoma? Estas son algunas de las cuestiones que plantea Emancipacions. Col·lecció Foto Colectania, una exposición que se puede visitar del 8 de octubre de 2026 al 7 de febrero de 2027 en Foto Colectania, en el Born

¿Por qué hay que ir? A través de 159 piezas de más de 30 artistas, la exposición resigue dos procesos paralelos: la transformación de la sociedad española después de la Segunda Guerra Mundial y el fin del franquismo, y el camino de la fotografía hacia una mayor libertad creativa. El recorrido explora cómo el medio ha pasado de las revistas y los círculos de aficionados a la fotografía de autor y a las prácticas del arte contemporáneo.

Entre los nombres presentes hay figuras destacadas de la fotografía como Ramón Masats, Colita, Joan Colom, Cristina de Middel, Joan Fontcuberta y Cristina García Rodero, entre muchos otros autores.

¿De qué va? La sala noble de La Pedrera acoge hasta el 24 de enero la exposición La vida secreta de las plantas. Anselm Kiefer en la Colección Grothe, que ofrece una inmersión en el universo del artista alemán a través de pinturas de gran formato, esculturas, vitrinas y libros de artista. Bajo el comisariado de Walter Smerling, la muestra propone un diálogo entre las formas orgánicas de la arquitectura de Gaudí y el uso característico que Kiefer hace de materiales como el plomo, la ceniza, la paja, la tierra, las plantas, el vidrio o los objetos encontrados, que gracias a la mirada y la mano del artista se convierten en obras de arte sobre los mitos, la destrucción, el renacimiento y el paso del tiempo.

¿Por qué hay que ir? Anselm Kiefer (Donaueschingen, 1945) es uno de los grandes nombres del arte contemporáneo y es conocido por su singular universo matérico signado por reflexiones sobre la memoria, la historia europea y las heridas del pasado, pero también por referencias constantes a la literatura, la mitología, la ciencia, la alquimia y el cosmos. Los visitantes podrán recorrer desde vitrinas inéditas hasta grandes constelaciones, procedentes principalmente de la prestigiosa Colección Grothe, entre las cuales hay obras que se exponen por primera vez en el Estado español, como el conjunto Opus Magnum, una serie de vitrinas concebidas como archivos de memoria con libros, ropas, rocas y elementos naturales que cuentan historias.

¿De qué va? Pintor, poeta, crítico de arte, activista y agitador cultural. Todas las caras de Josep Maria de Sucre salen a la luz en la exposición que los Espais Volart de la Fundació Vila Casas dedican a esta polifacética (e injustamente olvidada) figura de nuestra cultura, coincidiendo con el 140.º aniversario de su nacimiento.

¿Por qué hay que ir? Desde los rostros expresivos y primitivistas que pintaba partiendo de la miseria y el sufrimiento humano que vivió ejerciendo de oficial criminalista en los Juzgados de Barcelona, hasta la numerosa documentación que lo sitúa como uno de los más importantes promotores e impulsores de la modernidad en Cataluña, la muestra profundiza en esta doble cara: del promotor artístico-social al pintor lleno de intensidad expresiva.

¿De qué va? “Lo que me propongo es indagar en un posible, en una hipótesis”. Así resume Miquel García el trabajo que hay detrás de su exposición en la Fundació Arranz-Bravo. Bajo el título Alçar la pols, el artista plantea la posibilidad de que los castells catalanes y la muixeranga valenciana tengan su origen en la población esclava que llegó de África hacia la antigua Corona de Aragón contra su voluntad. 

¿Por qué hay que ir? El artista Miquel Garcia recoge esta pregunta y la transforma en una exposición donde confrontamos las representaciones de la negritud en nuestra casa. Desde un cómic de Massagran situado en África donde vemos un castell hecho por negros y blancos, a representaciones de los esclavos en la pintura española, pasando por una serie de carteles que convierten el humor negro en “humor blanco”, la muestra nos confronta con cómo hemos ignorado nuestro pasado esclavista y nos invita a abrir los ojos a las aportaciones culturales que la población africana hizo a la Corona de Aragón.

De qué va? ¿Qué paisajes de Barcelona se han perdido para siempre jamás? Para poner de relieve la transformación silenciosa que ha sufrido nuestra ciudad debido a la presión urbanística y las nuevas construcciones, el centro cívico Pati Llimona acoge hasta el 31 de octubre la exposición Paisajes perdidos, donde las imágenes de una Barcelona del pasado coexisten con los retratos del presente para que el público pueda constatar el cambio.

¿Por qué hay que ir? La exposición es un juego visual de impacto: un cara a cara fotográfico entre el estado actual de calles, plazas, masías y espacios verdes, y las imágenes históricas de estos mismos lugares aportadas por el propio vecindario. Las fotografías no son solo de monumentos o edificios excepcionales, sino que también aparecen rincones (calles, plazas y edificios sencillos) que forman parte de la memoria del barrio, pero que tal vez no son considerados "importantes" a los ojos de la historia. 

¿De qué va? Los Espais Volart de la Fundació Vila Casas transforman las más de seis décadas que Romà Vallès dedicó al arte en una exposición. Vallès fue una de las voces más destacadas del informalismo catalán y siempre apostó por la modernidad y la experimentación, alejándose de las modas. Bajo el comisariado de Conxita Oliver y Bel Vallès, la muestra nos permite descubrir facetas más desconocidas del artista, como su vertiente pedagógica, interesada en el arte infantil y en la educación visual.

¿Por qué hay que ir? A Romà Vallès (Barcelona, 1923-2015), la figuración se le quedaba corta para plasmar en el lienzo todo lo que él quería expresar. Pasó toda su trayectoria buscando ese “horizonte abstracto” que ahora sirve de título a la exposición que lo reivindica como una figura clave para la renovación de la vanguardia catalana de la segunda mitad del siglo XX. Desde su rechazo al academicismo en la Escola Superior de Belles Arts de Sant Jordi, pasando por sus primeras obras influidas por Cézanne y Picasso, hasta el momento crucial de 1955, cuando pinta su primera pieza abstracta tras un viaje decisivo a París.

¿De qué va? “Las esculturas deben estar al aire libre, en medio de la naturaleza”, pontificaba Joan Miró. La nueva muestra hace realidad este deseo con la apertura del histórico Jardí dels Xiprers de Montjuïc, un espacio que hasta ahora solo era visitable dentro de algunas actividades puntuales del programa de la Miró. El jardín, diseñado por J.C.N Forestier, e integrado dentro del trazado histórico de los Jardines de Laribal, ahora será una sala expositiva más y formará parte del recorrido de la colección. Por este motivo, se ha instalado la escultura Dona (1970), una pieza de bronce que, en este caso, es un ejemplar póstumo que se hizo en el año 1997 con la financiación de la Diputació de Barcelona y que se fundió en Verona, en la Fonderia Artistica Bonvicini. La obra de arte dialogará con el resto de piezas de la exposición, pero también con los cipreses del jardín, que simbolizan la conexión entre el cielo y la tierra, una idea que Miró trataba de plasmar en su arte.  

¿Por qué hay que ir? Esta relectura de la colección lleva el nombre de Joan Miró. Cercles, que hace referencia a los procesos de pensamiento y de creación del artista, pero también a una carpeta de trabajo de Miró, fechada en los años 50. En esta carpeta, que se expone por primera vez en la Fundació, Miró relacionaba imágenes del cosmos con formas circulares que el ser humano había dejado plasmadas en manifestaciones culturales de todo tipo. La carpeta también demuestra que Miró creaba siempre en relación al espacio: esta es, de hecho, la tesis de la exposición que se sostiene en las investigaciones de la artista e investigadora Marta Ricart, comisaria de la muestra junto con Montaner, y ganadora de la beca Pilar Juncosa 2016.

¿De qué va? “Si Gaudí estuviera vivo hoy, trabajaría con los materiales más innovadores posibles y, por lo tanto, seguro que le interesaría el arte digital”. Maria Bernat es la directora de Casa Batlló Contemporary, un nuevo espacio situado en la segunda planta de este emblemático edificio del Passeig de Gràcia que nació con un objetivo claro: fusionar el legado gaudiniano con el arte de vanguardia y las nuevas tecnologías. Ahora, el espacio se ha aliado con la Fundació Joan Miró para estrenar una exposición inmersiva que explora las conexiones entre la obra de Gaudí, Miró y Joaquim Gomis gracias al uso de la fotogrametría y la inteligencia artificial. 

¿Por qué hay que ir? La exposición lleva el título de Gaudí-Miró-Gomis: Deconstructed y cuenta con la participación del estudio creativo londinense Tomorrow Bureau. Ellos han sido los encargados de digitalizar una selección de esculturas de Joan Miró y de fotografías de Gomis, cruciales para entender la obra de Antoni Gaudí. El resultado son dos piezas de arte digital inmersivo: Miró – Unearthed, que revela detalles, texturas y secretos materiales invisibles al ojo humano de la obra de Joan Miró, y Gomis – Living Archive, que convierte las fotografías que Gomis hizo de la arquitectura gaudiniana en nuevas composiciones visuales y las acompaña de una atmósfera sonora inmersiva grabada por toda Cataluña. 

¿De qué va? La belleza es un tema que nos obsesiona. Como una sombra o un elefante rosa que nos persigue allá donde vamos, pero que en realidad entendemos muy poco y que es difícil encajar dentro de un solo cajón. Quizá porque hay muchos donde colocarla. Esa es la intención de El culto a la belleza, una exposición en el CCCB que puede visitarse hasta el 8 de noviembre y que huye de encerrar la belleza en una única caja; y si lo hace, es a la manera del gato de Schrödinger: está viva y muerta al mismo tiempo y todas las posibilidades permanecen latentes.

¿Por qué hay que ir? Una muestra tan bella como inquietante que recorre la evolución de los ideales de belleza a lo largo de la historia, analiza cómo se han construido los cánones estéticos y reivindica los cuerpos y las bellezas excluidos de la norma. Pone en diálogo obras de arte, documentos, objetos históricos e instalaciones contemporáneas para abordar cuestiones como el estatus, la salud, la edad, el género o la raza. Presenta, entre otras, obras de William Hogarth, Angelica Dass, Laura Aguilar, Juno Calypso, Zed Nelson, Shirin Fathi, Narcissister, Ismael Smith, Isidre Nonell, Josep Masana, Colita, Sandra Gamarra, Esther Ferrer, Regina José Galindo, Maria Alcaide, Colectivo Ayllu, Lorenza Böttner, Marina Vargas, Arvida Byström, Harriet Davey o Renaissance Goo x Baum & Leahy.

¿De qué va? "Ahora que empezamos a hablar del tema, salen mujeres que han abortado de debajo de las piedras", dice la cineasta Marta Duran Lozano en un momento de Les culpables. Ella misma tomó la decisión de interrumpir su embarazo cuando tenía 17 años, y de aquellas vergüenzas y de aquellos silencios impuestos nace una película que transita entre la realidad y la representación de otras realidades: a partir de más de un centenar de testimonios de mujeres que vivieron hechos similares, seis chicas cuentan y escenifican experiencias propias y/o ajenas vinculadas con el aborto.

¿Por qué la tienes que ver? Impulsado por el Máster en Documental de Creación de la Pompeu Fabra, todo un sello de prestigio, este magnífico largometraje presenta un mosaico de voces que convergen en una misma vivencia que acaba siendo colectiva. A medio camino entre el documental y la puesta en escena, Les culpables apuesta, justamente, por acabar con la etiqueta, por quitarse de encima el peso de la culpa de tantas y tantas niñas, adolescentes y mujeres que no quisieron ser madres cuando un accidente o una imprudencia amenazaban con truncar sus vidas.

Testimonios que hablan de la falta de educación sexual, del uso de anticonceptivos, de las reglas irregulares que retrasaban las sospechas de un embarazo, de una cierta inconsciencia ("no pensaba que me podría pasar a mí"), de test hechos en el lavabo del instituto, de la autoanegación ("en aquel momento no me lo podía permitir"), de proyecciones ("durante un par de días fantaseé con tenerlo"), de shocks anímicos y miedos lógicos, de abortos clandestinos y legales.

Y, en muchos casos, de la falta de empatía de la pareja, de la familia y de profesionales de la salud. Todo ello hasta llegar a la decisión final, tomada en soledad y marcada por el tabú. "Siempre me pregunto por qué la gente no habla de ello", oiremos decir. Les culpables, y su directora en primera persona, lo hacen, abriendo la puerta a la sanación de un impacto emocional que comparten todas las mujeres que han abortado.

¿Cuándo se estrena? El 1 de octubre.

De qué va? Un poderoso magnate del petróleo provoca una catástrofe ecológica que incluso podría llegar a desencadenar una guerra nuclear. Un desastre pero también una oportunidad para darle la vuelta a los hechos y convertirse en salvador de la humanidad.

Por qué la tienes que ver? Descrita como una comedia de proporciones bíblicas, la nueva película del mexicano Alejandro González Iñárritu plantea una realidad preapocalíptica muy singular. Un entregado Tom Cruise, envejecido, calvo y tripón (no es nueva su afición a disfrazarse, recordadlo divertidísimo y transformadísimo en Tropic Thunder), hace toda una exhibición de recursos en una interpretación que los especialistas en la carrera de los Oscar pronostican que podría significar la primera estatuilla de su carrera tras tres nominaciones.

Acariciando un gatito, tal vez un guiño a los clásicos malos de las pelis de Bond, Cruise se convierte en la estrella de una función que también deja espacio para Sandra Hüller (Anatomía de una caída) y para recuperar a un John Goodman que vuelve al cine tras siete años de ausencia, poniéndose en la piel del dictatorial presidente de los Estados Unidos (¿otro guiño a nuestros días?).

Con la espectacularidad visual que supone haberla rodado en VistaVision, la apuesta de González Iñárritu por la sátira política puede recordar a la icónica ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964) de Stanley Kubrick, aunque la personalidad del director de Birdman y Amores perros asegura una mirada completamente insólita que a buen seguro polarizará las reacciones de críticos y espectadores.

Cuándo se estrena? El 2 de octubre.

Dir.: Alejandro González Iñárritu (EE. UU., 2026). 128 min.

De qué va? Naza es el término que utiliza el ejército israelí para denominar los daños colaterales. Un eufemismo, porque hablamos de miles de víctimas civiles en un genocidio retransmitido en directo a todo el mundo. Naza es, también, el título de una película que, durante 80 minutos, presenta los testimonios de una veintena de militares, expertos en inteligencia y funcionarios del estado de Israel. Desde una azotea de Tel Aviv, y con la cara tapada, cuentan a cámara muchas de las barbaridades cometidas por el gobierno de Netanyahu en nombre de vete a saber qué justicia.

Por qué la tienes que ver? Premio Especial del Jurado en el último Festival de Venecia, y probablemente la película-acontecimiento y el mayor impacto que se proyectó allí, este documental es un puñetazo en el estómago que debería convencer al más negacionista, al mayor defensor de las acciones cometidas por Israel contra el pueblo palestino.

Yuval Abraham y Rachel Szor, dos cineastas israelíes que ya codirigieron la muy relevante No other land (2024), entonces firmándola con los palestinos Basel Adra y Hamdan Ballal, han levantado un filme riguroso y documentado hasta el infinito. Ver cómo los testimonios dan detalles de la maquinaria asesina israelí pone los pelos de punta. La crueldad y la indecencia de las palabras que escuchamos indignarán al espectador, pero también lo dejarán emocionalmente devastado.

En un momento de Naza, se ve proyectado otro documental, el monumental Shoah (1985) de Claude Lanzmann, que explicaba el Holocausto judío cometido por el ejército nazi en primera persona: el paralelismo de genocidios está servido. Absolutamente imprescindible.

Cuándo se estrena? El 2 de octubre.

Dir.: Yuval Abraham & Rachel Szor (Reino Unido, 2026). 80 min.

De qué va? Jeff Horwitz, periodista de The Wall Street Journal, entra en contacto con Frances Haugen, ex-trabajadora de Facebook que le filtra miles de documentos internos que demuestran que la compañía de Mark Zuckerberg era perfectamente consciente de los efectos nocivos de sus redes sociales. Estas pruebas ayudan al reportero a completar una investigación que publicará en el periódico en septiembre de 2021 bajo el título de The Facebook files. Las revelaciones desencadenarán un escrutinio político y judicial sobre la empresa.

Por qué la tienes que ver? Por el impacto en nuestras vidas de la historia que se cuenta. Este perfecto complemento de la fabulosa La red social (esta, “complemento”, es la palabra que sus responsables utilizan y no “secuela”, porque en realidad cambia el foco de la original) refleja una investigación periodística real sobre cómo las grandes tecnológicas, propietarias de Facebook, Instagram, TikTok y X, han impulsado la extrema derecha, la polarización salvaje y la desinformación, y también han afectado a la salud mental de los adolescentes, y no solo.

En manos de un reconocido idealista como Aaron Sorkin, El precio de la red es, también, un homenaje al periodismo de verdad, cada vez menos frecuente. Quien fuera creador de la serie El ala oeste de la Casa Blanca es un seguro de vida para no perderse la película, como lo es también el recuerdo de aquella La red social (2010) que él mismo escribió y que dirigió David Fincher. Otro poderoso reclamo es su trío protagonista: Jeremy Allen White (toda una estrella gracias a The Bear), Mikey Madison (ganadora del Oscar a Mejor Actriz por Anora) y un Jeremy Strong (ganador de todos los premios por Succession) que hereda el personaje de Zuckerberg de Jesse Eisenberg. De alguna manera, El precio de la red es el Todos los hombres del presidente (1976) de nuestros días.

Cuándo se estrena? El 9 de octubre.

Dir.: Aaron Sorkin (EE. UU., 2026). 112 min.

De qué va? Cuando solo tenía 14 años, Lucila vio cómo su madre huía de una realidad que la ahogaba y abandonaba México para buscarse la vida en Madrid. Años más tarde seguirá sus pasos junto a su hermano pequeño, pero hay demasiadas heridas abiertas y la joven decide tomar su propio camino e instalarse en Barcelona, donde seguirá encontrando los mil y un obstáculos que tienen que superar tantos y tantos migrantes que llegan a Europa cada día.

Por qué la tienes que ver? Para conocer el lado creativo del actor Diego Luna, muchísimo más que el Cassian Andor del universo Star Wars. Su interesante carrera como cineasta (en películas como Abel o series como Todo va a estar bien, en Netflix) lo lleva a su película más madura: un relato sobre la migración y el desarraigo, el racismo y el clasismo, pero sobre todo una historia sobre la ausencia materna y las consecuencias emocionales que conlleva.

En este sentido, la protagonista de Ceniza en la boca es una mujer joven que perdió demasiado pronto la inocencia, y que se ha dedicado a los cuidados (de su hermano pequeño, primero, y después de los bebés y ancianos de los que se hace cargo al llegar a España) sin que ella se haya sentido cuidada nunca.

En este sensible retrato humano brilla la joven actriz mexicana Anna Díaz, que carga con todo el peso de la narración a las espaldas. Rodada en parte en Barcelona, y con más presencia del catalán que muchas películas españolas situadas en Cataluña, Ceniza en la boca se convierte en cine social y político desde la intimidad y la empatía.

Cuándo se estrena? El 9 de octubre.

Dir.: Diego Luna (México-España, 2026). 97 min.

De qué va? Después de sobrevivir a un escape room mortal, Edu, Marina, Vicky y Rai se reencuentran cinco años más tarde en un local de moda instalado en el antiguo parque de atracciones de Montjuïc. Enseguida se darán cuenta de que su encuentro tal vez no es tan casual. Un viejo túnel del terror los pondrá de nuevo en peligro, y los hará plantar cara a sus propias contradicciones vitales.

Por qué la tienes que ver? Con más de 200.000 espectadores en sus cuatro temporadas en los escenarios (en los cines catalanes también funcionó muy bien), Escape room fue todo un éxito que se repitió con su segunda entrega, que llevó a los teatros a 162.000 personas. Adaptar las funciones al cine encaja perfectamente con la voluntad de Joel Joan de hacer películas comerciales en catalán. La fórmula es inteligente y mucho más que eficaz: mezclar la comedia alocada y el terror ligero, con el espíritu Scooby-Doo e, incluso, de las viejas parodias de Abbott y Costello.

Con un excelente trabajo en la dirección artística y el diseño de decorados, y repitiendo la química del póquer protagonista (el mismo Joel Joan, Ivan Massagué, Mònica Pérez y Paula Vives), Escape room 2 mantiene también la capacidad de reírse de si misma y de seguir haciendo mofa del movimiento independentista desde dentro (no hace falta recordar la implicación personal y la ideología de Joel Joan), como ya pasaba en la original. Una divertida opción para seguir creyendo que es posible hacer un cine en catalán pensado para el gran público.

Cuándo se estrena? El 9 de octubre.

Dir.: Hèctor Claramunt (España, 2026). 88 min.

De qué va? La visita de unos vecinos especialmente ruidosos cuando se sueltan sexualmente convierte una agradable noche de vino y queso (y un jamón que no es jamón) en una bomba de relojería que amenaza la estabilidad de sus anfitriones, un matrimonio de larga duración que no parece pasar por su mejor momento.

Por qué la tienes que ver? “Deberíamos estar siempre enamorados. Y, justamente por esta razón, no deberíamos casarnos nunca”. Con esta cita de Oscar Wilde, que pertenece a una de sus obras, empieza la versión estadounidense de la catalana Sentimental (2020), con la que Cesc Gay autoadaptaba su obra teatral Los vecinos de arriba. El cineasta barcelonés ha visto cómo su exitoso texto ha viajado por los escenarios de medio mundo y cómo aterrizaba en varias cinematografías: se han hecho remakes en Italia, Francia, Suiza, Rusia, la República Checa o Corea del Sur, antes de llegar a Hollywood.

En manos de Olivia Wilde a la dirección y de la pareja Rashida Jones-Will McCormack en el guion, La invitación amplía el universo escrito por Gay y presenta una agridulce comedia, ligera y profunda a partes iguales, sobre rutinas y toxicidades en el mundo de la pareja. A ratos, parece hacer un guiño a ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1965) y al cine de Woody Allen: de hecho, la película está dedicada a una tal Diane... Keaton, en quien una estupenda Olivia Wilde parece inspirarse para componer uno de los cuatro personajes protagonistas.

Los otros tres son Seth Rogen, Edward Norton y Penélope Cruz, y todos ellos, entregadísimos, funcionan como un reloj suizo. Si habéis disfrutado con Sentimental o Los vecinos de arriba, no sufráis: con La invitación encontraréis nuevas perspectivas y un trayecto narrativo que va un poco más allá, para servirnos una de las comedias más inteligentes llegadas del cine estadounidense en los últimos tiempos.

Cuándo se estrena? El 16 de octubre.

Dir.: Olivia Wilde (EE. UU., 2026). 108 min.

De qué va? Promesa del kárate desde jovencita, Sandra Sánchez tiene que dejar el deporte durante unos cuantos años para ayudar en los cuidados de su madre enferma. Convencida de su potencial y a pesar de su edad, vuelve a entrenarse con el objetivo de lograr grandes metas. Preparada por Jesús del Moral, Sánchez conseguirá abrirse paso hasta llegar a competir por el campeonato del mundo en la modalidad de kata, y formar parte de la delegación española en los Juegos Olímpicos de Tokio de 2020, celebrados en el año 21 por culpa de la pandemia.

Por qué la tienes que ver? Por la apuesta de hacer un biopic a la americana de factura muy cuidada, poniendo el foco en una leyenda del deporte español que tal vez no ha sido tan mediática como otras: campeona del mundo y medalla de oro en las Olimpiadas, Sandra Sánchez y su entrenador (y pareja en la vida real) Jesús del Moral participaron activamente en la preparación de esta película, convirtiendo a la actriz protagonista en, casi, una karateka de nivel tras año y medio de duro entrenamiento.

Quien se pone en la piel de la protagonista es Andrea Ros, intérprete con una interesante carrera paralela como divulgadora de temas vinculados a la maternidad (podéis seguirla en @madremente y en el podcast La vida secreta de las madres), en una épica historia de superación, de amor y de amistad con la gran rival de la deportista, la japonesa Kiyou Shimizu.

Cuándo se estrena? El 30 de octubre.

Dir.: Aritz Moreno (España, 2026). 110 min.

De qué va? Tras romper con cinco años de intensa relación sentimental, Leo y Lorea viven ahora las consecuencias emocionales de la ruptura: la tristeza, la búsqueda de una improbable luz al final del túnel, ese dolor en el alma que no parece querer irse nunca. Paralelamente, él transita las responsabilidades familiares y el descubrimiento de antiguos secretos de largo alcance enterrados, mientras ella encuentra una inesperada amistad que tendrá mucho de inspiradora y transformadora. Seguir adelante es, sin embargo, la gran lucha que ambos tienen que encarar tras el desamor.

Por qué la tienes que ver? Por la lucidez a la hora de hablar de una experiencia que, quien más quien menos, todos conocemos de primera mano. En su primer largometraje tras el merecido éxito de la serie Yo, adicto, el cineasta Javier Giner vuelve a contar con unos espectaculares Oriol Pla y Marina Salas para ofrecer un drama tan demoledor como lleno de esperanza sobre el desértico camino hasta la reconstrucción personal tras tocar fondo.

Y en medio del caos de una ruptura amorosa, el entorno solo ofrece precariedad y soledad. Dos historias cruzadas de supervivencia emocional en una película llena de melancolía que añade un evidente posicionamiento político en asuntos como la falta de oportunidades laborales, los cuidados a las personas mayores o los derechos LGTBIQ+. Por encima de todo, Esta soledad emociona por su carga de verdad y por una preciosa conclusión. Excelente, el debut en el cine de Giner.

Cuándo se estrena? El 30 de octubre.

Dir.: Javier Giner (España, 2026). 110 min.

De qué va? Una inexplicable masacre sacude una pequeña comunidad de Corea del Sur y pone en alerta a la policía local. El jefe de la investigación y una joven agente esperan refuerzos para enfrentarse a una amenaza que no acaban de comprender, mientras un grupo de cazadores sale en busca de los aparentes culpables de la matanza, sean quienes sean y vengan de donde vengan.

Por qué la tienes que ver? El director de The Yellow Sea (2010) o El extraño (2016) propone su obra más ambiciosa a todos los niveles. Poniendo el foco en los grandes blockbusters estadounidenses sin perder su sello de autor, el coreano Na Hong-jin apuesta por el cine de género: la acción y la ciencia ficción se emparentan de forma tan espectacular como sorprendente y vertiginosa, haciendo un guiño al kaiju eiga (o cine de monstruos) japonés, y añadiendo toques de humor en una montaña rusa que lleva de la mano al espectador para servirle dos horas y media de pura diversión.

Y ojo con la muy particular intervención en el proyecto de dos estrellas como Michael Fassbender y Alicia Vikander. Hope es todo un insólito espectáculo convertido en película de culto desde su paso por el Festival de Cannes. A buen seguro no os dejará indiferentes.

Cuándo se estrena? El 30 de octubre.

Dir.: Na Hong-jin (Corea del Sur, 2026). 160 min.

En 2007, Joan Ollé estrenó en Temporada Alta (en 2008 haría temporada en el Lliure) uno de los mejores montajes de su carrera: Coral romput. Con Joan Anguera, Pere Arquillué, Montserrat Carulla y Eduard Farelo, entre otros, y Toti Soler a la guitarra, el espectáculo fue una maravilla para el oído y la vista. Arquillué quedó tan impactado por el material que pasó por sus manos —un relato en verso sobre la muerte de una hija— que desde entonces le rondaba la idea de tomar el largo poema de Vicent Andrés Estellés y montarlo por su cuenta. Y eso es lo que ha hecho, casi dos décadas más tarde, primero con el propio Soler y ahora con Carles Coronado a la guitarra.

El reto no era fácil. La grabación, en 1979, de Coral romput por parte de Ovidi Montllor y Toti Soler marcó una época. Y todavía se puede recuperar online. Es una delicia. Escuchar a Ovidi, su fraseo, su dicción, la sonoridad de Soler, cómo acompaña y hace suyos los más de 1.200 alejandrinos del poeta de Burjassot. Pero aquello ocurrió hace casi medio siglo. Y que Arquillué haya cometido la osadía de enfrentarse a aquel material precioso para crear un homenaje a aquella gesta y a la vez un espectáculo que suena distinto, que lo imita y se aleja, es una noticia de primer orden.

Dicen que el teatro es siempre político; al menos la compañía Mos Maiorum lo tiene claro. Ver una obra suya significa abrir un debate a través de testimonios anónimos, y ahora forman alianza con el calórico Joan Yago en la dramaturgia para seguir las convulsas y vibrantes décadas de la primera parte del siglo XX. También significa mucha cercanía del público, y en esta ocasión la cuarta pared se retira hasta la puerta del teatro, de manera que grada y palestra se convierten en un solo espacio escénico con el público de sombra.

Después de que el año pasado hicieran temporada en La Beckett, Nosaltres, els sense nom vuelve con un nuevo reparto al Tantarantana en un momento especialmente oportuno. De hecho, la obra marida de perlas con las protestas por la vivienda y el éxito en los cines de La bola negra. Ireneu Tranis, Alba Valldaura y Xavi Duch representan aquella movilización obrera solidaria que emergió de la supervivencia con la revolución industrial y sacudió las calles y las estructuras de poder hasta que la Guerra Civil lo hizo saltar todo por los aires.

Hubo un tiempo en que un espectador podía cruzar todo el Paral·lel saltando de cómico en cómico y no hacía falta pisar suelo. En la rica tradición que va de los Santpere a Capri, nos queda activo el último rey de la comedia –y por muchos años– el gran Joan Pera. Aspirante polémico incluso con sus éxitos (un Escape room ambientado en un campo de exterminio), Joel Joan vuelve para reclamar la corona con la nueva Bons i dolents, una comedia efectista cosida con testosterona y un punto de gamberrismo.

Esta vez lo hace solo, sin Hèctor Claramunt. Solo en la autoría del texto, quiero decir, porque en escena lo acompañan la socarronería etílica de Agnès Busquets, el reloj cómico acelerado de Oriol Casals –siempre puntual en el gag–, además de Nesa Vidaurrázaga y de Ana Gago, que arrastra la sexualización de su personaje. En la dirección, el fértil Nelson Valente (Primera llei de Newton), hábil para controlar el ritmo de una obra en un único espacio, en tiempo real sin frenos.

El coronavirus puso en cuestión pilares fundamentales que dábamos por sentados; uno de ellos, el teatro. Entre videollamadas con amigos regadas de vino nació en 2020 en Temporada Alta la obra Bouvetøya. Entonces era una reivindicación del aquí y ahora, indispensable en el teatro. Ahora, pocos años más tarde, en plena celebración de los 50 años del Teatre Lliure, han pasado tantas cosas que la pandemia ha quedado atrás.

Ivan Benet, Cristina Genebat, Julio Manrique y Sergi Pompermayer escriben colaborativamente un cuento distópico donde un grupo de artistas ha perdido el norte y el juicio a causa de una nueva gran crisis, y emprende un viaje hacia la remota isla Bouvet, muy cerca de la Antártida. El grupo está formado, precisamente, por ellos y algunos de sus inestimables compañeros de trayectoria artística (Mireia Aixalà, Ivan Benet, Cristina Genebat, Xavier Ricart, Marc Rodríguez y Andrew Tarbet), de manera que la complicidad está servida.

La pandemia no nos hizo mejores, pero sí que hizo madurar el teatro de Josep Maria Miró (El principio de Arquímedes, La majordoma). De la ciudad al pueblo, su escritura ganó músculo y mediante estructuras menos previsibles arraigó con fuerza en la tradición. El cadell es su texto más ambicioso y, por extensión, de todo nuestro panorama escénico actual.

La obra explora el ocaso de una masía durante el siglo XX, tal como hizo Rodoreda con los burgueses de Mirall trencat. Hay una oscuridad en el retrato que remite a Víctor Català, jerarquías y violencias con el sabor del mejor drama rural de Guimerà. La oralidad viva del catalán huye de la folclorización para generar una pieza de estructura literaria muy compleja y, al mismo tiempo, de una teatralidad que galopa. Todo un acontecimiento.

Seis horas de teatro, sí. Seis horas de hombres hablando sobre derechos, libertades, homosexualidad y compasión, exactamente. Ese es el reto de L'herència: querer entrar en este mundo levantado por Matthew López y no tener intención de marcharse. Seis horas en las que nos adentraremos en las vidas de Eric Glass, Toby Darling, Walter Poole, Adam MacDowell y Henry Wilcox, viajaremos a los años 80, a Nueva York, en plena brutal epidemia del sida, y volveremos a nuestro tiempo, al final del segundo mandato de Barack Obama y al primero de Donald Trump, en un viaje de ida y vuelta que nos hará soltar alguna lágrima. Porque quizás no sepamos nada de todo aquello, o quizás lo hayamos olvidado.

“¿Qué es un artista?” se pregunta el propio Oscar Wilde a través de la voz y el cuerpo de Àngels Gonyalons en un prefacio que nos advierte que los textos no son morales o inmorales: solo están o bien o mal escritos. El autor será el narrador de su propia historia y, estos días en el Romea, lo hace a través de una de las mejores dicciones de Catalunya.

El despliegue de talento de Gonyalons es de nota, hace casi todos los papeles: también es Dorian Gray, el protagonista obsesionado con su belleza y juventud; Basyl Hayward, el pintor encargado de retratarlo, Sybil Vane, actriz y el primer gran amor de Dorian; y también Lord Henry, amigo y mala influencia para Dorian.

2025 ha sido, sin duda, el año de Roc Bernadí y de Albert Salazar. Hace unos meses, uno triunfaba con El día de la marmota en el Coliseum y el otro con L'herència en el Lliure. A finales de año les ha tocado compartir escenario y ser, respectivamente, Eddie y Mickey, los hermanos de sangre que creó Willy Russell a principios de los años 80 del siglo pasado; una tragedia griega con todas las de la ley pasada por el tamiz contemporáneo de la diferencia de clases, muy británico y muy de aquella época, inicios del thatcherismo.

El letrista y compositor británico trasladó a la Inglaterra de su tiempo lo que podría haber escrito Esquilo hace 25 siglos. En gran medida, Germans de sang es una Orestíada, con dos hermanos gemelos separados al nacer, cuyo destino hace que, realmente, nunca vivan alejados el uno del otro. Russell fue muy moderno en su época narrando el final cronológico de la historia justo al principio, con la muerte de Eddie y Mickey. La función comienza con los hermanos tendidos en el suelo y su madre cantando ya el hit del musical, No pot ser veritat (Tell me it's not true).

Lo que hace Cristina Clemente en Dones de ràdio es extremadamente complicado, al alcance de muy pocos autores: una comedia a partir de una situación trágica sin perder ni una pizca de sensibilidad por el camino. Sabe que no puede burlarse del cáncer de mama, ni del drama que atraviesan millones de mujeres. Pero puede crear una situación, unos mecanismos, que provoquen esa cosa tan extraña que es reír, o al menos esbozar una sonrisa, mientras lloras.

Y todo esto es posible porque cuenta con un director que se toma muy en serio el teatro y que sabe olfatear los éxitos, que sabe subrayar frases y mover las piezas como un ajedrecista, incluso quien tiene la idea de colocar una gran roca en medio del escenario, sobre la cual girarán sus criaturas. Sergi Belbel, maestro de Clemente, ha asumido el texto como si se tratara de Yasmina Reza o de Neil Simon, como si fuera un clásico contemporáneo, cosa de la que no tengo ninguna duda que Dones de ràdio acabará siendo: con el tirón que tiene la autora en Europa y América Latina, ya deben de estar peleándose por adaptarla.

La aparición de un viejo conocido en una casa que llega para provocar un cataclismo de proporciones diversas es uno de los motores recurrentes del teatro, desde Oncle Vània a Göteborg. Y Lucy Kirkwood utiliza el mismo cebo en Els fills para hacernos zambullir en una obra de gran alcance ideológico y moral sobre la responsabilidad de las generaciones más mayores respecto a las que vienen detrás. Todo lo que plantea es tan vigente que da pavor y no hay nada sobrante en esta obra.

Todo empieza con la llegada de la Rose (Emma Vilarasau) al hogar de la Hazel (Mercè Arànega) y Robin (Jordi Boixaderas). Los tres son físicos, se conocen de toda la vida, pero hace cerca de 40 años que no se ven. No sabremos el motivo de la visita de la vieja amiga hasta el final y será importante. El mundo de la función es un lugar que acaba de sufrir un accidente nuclear y, por lo tanto, podríamos decir que estamos ante una pieza de cariz apocalíptico, de una apocalipsis concreta, incluso cotidiana. Pero Kirkwood es suficientemente hábil para presentarnos tres personajes séniores (están jubilados), con cartas escondidas y una relación íntima para mojar pan.

Del 16 al 25 de octubre, Barcelona celebra una nueva edición de Ciutat Flamenco, el festival organizado por el Taller de Músics que este año llega a su 33.ª edición con una programación dedicada a reivindicar el talento flamenco creado en Cataluña. Diferentes espacios de la ciudad acogen estrenos, espectáculos de danza, conciertos y nuevas propuestas escénicas.

La programación se inaugura con el estreno en Cataluña de Guacamayo, de José Maldonado, una pieza que fusiona flamenco y pintura. Además, llega por primera vez al territorio Más que baile, de Ana Morales, Premio Nacional de Danza 2022. También pasan por el festival artistas como Yoel Vargas, Esperanza Garrido, Jordi Latorre, Lorena Oliva y Víctor Franco. Y se mantiene su apuesta por el talento emergente con Districte Flamenco, con tres piezas de pequeño formato de jóvenes creadores.

Fontaines D.C. es uno de los nombres que más expectativa genera del panorama actual. Tras su éxito en el Primavera Sound 2025, el grupo vuelve a la ciudad el 24 de octubre para presentar el álbum Dopamine chamber en el Sant Jordi Club.

Desde su debut en 2019 con Dogrel, los irlandeses han sido la niña de los ojos de la crítica. De unos inicios del post-punk más crudo, han ido abriendo su sonido hacia una grandiosidad casi pop, sin dejar de lado la agresividad y el compromiso político que los caracterizan. Es tal vez por eso, esa capacidad de crear himnos de la mano del letrista Grian Chatten y acompañados de una música que lo hace brillar, que hay quien considera que Fontaines D.C. ponen música a la actualidad como nadie.

El cantante irlandés Niall Horan, exmiembro de One Direction, hará parada en Barcelona con su gira Dinner Party Live On Tour, en el único concierto en España el 25 de octubre en el Palau Sant Jordi. El tour también pasará por otras grandes ciudades europeas como Londres, Dublín o París.

La gira presentará Dinner party (2026), su cuarto disco, que se publica el 5 de junio. Un trabajo íntimo y cálido que refleja una etapa más madura de Horan, marcada por la nostalgia y la reflexión del pasado, el disfrute del presente y una mirada hacia el futuro.

Jungle llega a Barcelona este 28 de octubre con su funk suave y pegadizo para presentar su quinto disco: Sunshine, publicado este verano y que logró alcanzar los primeros puestos de las listas de éxitos británicas.

El grupo formado por los londinenses Tom McFarland y Josh Lloyd-Watson con la cantante Lydia Kitto es uno de los nombres de referencia para los amantes de lo retro. Autores de éxitos como el viral Back on 74, se han ganado también el amor del público más joven gracias a una cuidada identidad visual.

El violín clásico y contemporáneo de Los Sara Fontan se encuentra con una batería de raíces hardcore y una electrónica de vanguardia. El resultado: música instrumental que late con el público y hace de cada directo un viaje.

El dúo, formado primero como un proyecto que nunca pasaría por el estudio, presenta ahora Consuelo, un disco que canaliza la rabia y el desconcierto político de los últimos años para encontrar en la música nuevas formas de pensar el mundo. Sonidos experimentales, líricos, rítmicos y emocionales, con un toque de ironía siempre presente.

Hace casi sesenta años que el otoño en Barcelona significa una cosa: jazz. Este octubre, el 58.º Festival de Jazz de Barcelona entra de lleno en el trienio conmemorativo 2026-2028 con un programa cargado de grandes nombres y propuestas que conviene seguir de cerca, talento local y figuras internacionales con conciertos llenando las salas de toda la ciudad: Palau de la Música Catalana, Jamboree, La Paloma, la Sala Apolo, el Conservatori Superior del Liceu y Paral·lel 62.

Un total de 45 artistas tocarán en 45 salas del territorio entre el 18 de septiembre y el 30 de octubre para celebrar el 150º aniversario de Estrella Damm. La iniciativa, bautizada como Directes Estrella Damm 150, es la excusa perfecta para ver a algunos de los mejores artistas del panorama actual, como Miki Núñez, Svetlana, Queralt Lahoz, Al·lèrgiques al Pol·len, Macaco… y artistas sorpresa que se han anunciado a última hora como Dorian, La Pegatina y Balkan Paradise Orchestra.

Este nuevo ciclo está impulsado por Damm y la Asociación de Salas de Conciertos de Catalunya (ASACC) con la vocación de apoyar y dar visibilidad a las salas de conciertos de proximidad. Para esta ocasión tan especial, el circuito se amplía a todos los Països Catalans e incluye salas de las Islas Baleares (donde tocará Joe Crepúsculo), Andorra (con la actuación de Ketekalles) o la Comunitat Valenciana, donde los mallorquines Fades ofrecerán su concierto en Castelló.

El Guitar BCN 2026 continúa en verano con conciertos de Danny Elfman presentando sus composiciones para pel·lículas de Tim Burton (4 de julio, Auditori del Fòrum), el famoso actor Jeff Goldblum al frente de su the Mildred Snitzer Orchestra (5 de julio, Luz de Gas), el guitarrista Eric Johnson (6 de julio, Razzmatazz 2) y la ex cantante de Mecano Ana Torroja (16 de julio, Palau de la Música).

Después de las vacaciones, también hay conciertos de Fito Páez (3 de septiembre, Palau de la Música), Alex Ubago (17 de septiembre, Palau de la Música), Perotá Chingó (25 de septiembre, Paral·lel 62), Riopy (30 de septiembre, Paral·lel 62), Álvaro García (17 de octubre, Razz 3), Valeria Castro (30 de octubre, Palau Sant Jordi), Jorge Drexler (31 d'octubre, Palau Sant Jordi), Buhos (14 de noviembre, Palau de la Música), Pastora (10 de diciembre, Apolo) y Amaral (18 de diciembre, Palau Sant Jordi).  

¡Atención, amantes de la fantasía, la ciencia ficción y el terror! Vuelve el Festival 42 a la Fabra i Coats y a la Biblioteca Ignasi Iglésias – Can Fabra, y lo hace con más ganas que nunca de transportarnos a otras realidades. Del 4 al 8 de noviembre, el Festival de Géneros Fantásticos de Barcelona celebra su sexta edición con una programación de 71 actividades, entre mesas redondas, conversaciones con autores, talleres, exposiciones, rutas literarias y espectáculos. Cinco días para descubrir nuevos universos, reflexionar sobre el futuro y compartir la pasión por las historias que desafían los límites de la imaginación.

Este año, el festival reúne a grandes nombres internacionales como Ken Liu, Sequoia Nagamatsu, Naomi Ishiguro, Mahmud El Sayed, Charles Stross o Lisa Tuttle, junto a voces catalanas como Olga Xirinacs, Maite Carranza, Laia Aguilar, Alicia Kopf o Martí Gironell. Comisariado por Karen Madrid Ribas y Susana Vallejo, el 42 pone el foco en los miedos contemporáneos, la inteligencia artificial, las distopías y la creación de mundos imaginarios.

Fantasmas, cosplay y otros mundos

Entre las propuestas más esperadas se encuentran el concurso de cosplay, el sábado 7 de noviembre a las 20 h, con una pasarela llena de creatividad y humor. También destacan la LovecraftCon, dedicada a los orígenes del terror cósmico, y la EspectresCon, que explorará los fantasmas de la literatura victoriana, el folclore catalán y las historias contemporáneas. Ambas tendrán lugar el viernes 6.

Otras citas imprescindibles son las exposiciones Otros mundos, sobre los universos imaginarios de la literatura catalana, y Albert Monteys: la realidad imposible, así como la ruta literaria Un futuro ideal, que descubrirá los vínculos entre el modernismo, la arquitectura y la fantasía. El festival también homenajeará a Richard Matheson, Stephen King y Olga Xirinacs.

Los Premios 42 se entregarán el viernes 6 a las 20 h, mientras que la clausura llegará el domingo 8 a las 13 h con un espectáculo del dúo BAFF que combinará escenas de 42 películas con música en directo. ¿Preparados para entrar en otras dimensiones?

Consultad toda la programación aquí.

¿Cuántas veces la música y la danza os han hecho sentir más cerca de alguien, aunque fuera un desconocido? Crear un sentimiento de comunidad era uno de los principales objetivos de muchas danzas ancestrales y tradicionales. ¿Queréis volver a sentir esa conexión? Pues no os perdáis el espectáculo participativo de danza con música en directo de Ancestors of the Future, en el que estas prácticas de movimiento serán las protagonistas. La cita es el 25 de octubre, a las 18 h, en el CC Barceloneta.

Y la cosa no acaba aquí, porque todavía hay más marcha: también se han organizado dos talleres gratuitos con música en directo, abiertos a todo el que tenga ganas de mover el esqueleto. El primero os invita a descubrir las danzas africanas afromandinka y tendrá lugar el sábado 24 de octubre, de 10.30 a 13.30 h. ¿Os haría ilusión convertiros en bailarines por un día? ¡Pues el segundo taller es para vosotros! Será el domingo 25, de 17 a 18 h, justo antes del espectáculo, y os permitirá redescubrir las danzas ancestrales combinándolas con diferentes técnicas somáticas. ¿Y lo mejor de todo? Si participáis, también tendréis la oportunidad de formar parte del espectáculo final.

Cofinanciado por la Unión Europea

Estos dos talleres y el espectáculo forman parte de un ambicioso proyecto artístico europeo que arranca en Barcelona con la primera de cuatro residencias artísticas que se celebrarán en diferentes países de Europa. El proyecto, cofinanciado por el programa Creative Europe y coordinado por cuatro asociaciones europeas, busca romper barreras culturales y crear vínculos entre personas a través del movimiento y el arte.

Durante una semana, artistas locales seleccionados trabajarán codo con codo con el Core Artistic Team, un equipo fijo de artistas que viajará por Europa para compartir diferentes técnicas de movimiento. Después de estos días de creatividad y experimentación, el domingo 25 de octubre llegará el momento de compartir con el público todo lo que se ha trabajado durante la residencia en el Centro Cívico de la Barceloneta.

¿El resultado? Una mezcla explosiva de danza contemporánea y danzas ancestrales de diferentes partes del mundo, como las africanas o las etíopes. Un espectáculo que os hará vibrar y os invitará a redescubrir el movimiento desde sus raíces más profundas. Si queréis formar parte de él, ¡no os olvidéis de reservar vuestra plaza aquí!

Reivindicar la lengua y la música catalana en el mismísimo centro de La Rambla, un paseo acostumbrado a la fluidez de visitantes de todo el mundo, es el gran propósito de Benvinguts. Un espectáculo audiovisual donde la artista Laia Indika, en un formato íntimo y cercano, interpreta canciones que se han convertido en himnos de nuestra cultura. Desde los versos inmortales de Lluís Llach hasta grandes temas del rock catalán de grupos como Sopa de Cabra o Sau, el recital invita a cantar a todos aquellos que conozcan los temas, y a descubrir este universo al público neófito. Y, para acercar nuestra cultura a todo el mundo, el público puede escanear un código QR durante la función para seguir la traducción de las letras en diferentes idiomas, como el castellano o el inglés.

Una experiencia diferente que se puede vivir en un escenario de solo 50 localidades escondido al fondo del restaurante 700 Milles, de reciente apertura, y que además combina la música con una copa de cava de bienvenida, tapas, cocina mediterránea y cócteles.

Tras colgar el cartel de sold out en cinco ediciones, el proyecto vuelve con dos nuevas fechas: el viernes 23 de octubre y el 13 de noviembre, a las 20 h. Las entradas están disponibles a partir de 15 € (con copa de cava incluida) y se pueden combinar con menú de tapas y otras opciones gastronómicas.

Y si os quedáis con ganas, los jueves, en el mismo escenario encontraréis una programación de Jazz, Boogie, Blues y Rock con figuras consagradas como Lluís Coloma o Mariona Barahona

Id a descubrir este espacio sorprendente y ¡disfrutad de la cercanía de la música catalana! Aquí podéis conseguir vuestras entradas. 

¿Buscáis un plan para reconectar con la naturaleza? El Jardín Botánico de Barcelona se viste de fiesta y se abre de par en par para celebrar la llegada del otoño con una jornada llena de arte, actividades y talleres imprescindibles para quienes quieren acercarse a los paisajes mediterráneos más verdes de todo el mundo. 

La programación viene cargada de actividades tanto para mayores como para los más pequeños de la casa. Podéis empezar el día participando en la plantada popular: codo con codo con el equipo técnico del jardín, podréis dejar huella plantando especies de temporada y pintando el jardín de color y biodiversidad. ¿A quién no le gusta que le cuenten cuentos de una manera diferente? Dejaros sorprender por Tutilimundi, a cargo de Triciclant, un trotamundos de lo más peculiar que les contará historias subidos a un triciclo, convirtiéndolo todo en un teatro itinerante mágico. Y antes de marcharos, no os podéis perder Arrels, organizado por Toc de Fusta, una instalación participativa de juguetes de madera que reinterpretan las tradiciones de todo el mundo de manera creativa. 

¡Pero el día da para mucho más! Si queréis profundizar en los rincones más verdes del jardín, apuntaos a las visitas guiadas que ha programado la Asociación de Amigos, donde descubriréis la flora y las especies mediterráneas más sorprendentes junto con todos sus usos etnológicos. ¿Preferís explorar a vuestro ritmo? Participad en actividades como La motxilla per naturalistes o enfrentaos al juego de pistas Em roda el cap!, ideales para terminar de descubrir todos los secretos del recinto divirtiéndoos. 

¡Consultad los horarios y la programación en su web, y reservad la fecha para disfrutar de un domingo redondo redescubriendo el jardín en familia! 

¿Estáis hartos de tragedias románticas edulcoradas? Pues preparaos, porque el Gran Teatre del Liceu acogerá, del 30 de octubre al 11 de noviembre, I Capuleti e i Montecchi de Vincenzo Bellini, una versión renovada de la obra de los amantes de Verona donde amarse pasa a ser un acto de pura ofensa.

Olvidaos de la dulzura shakespeariana: Vincenzo Bellini compuso, en el siglo XIX, una ópera apasionada donde el amor se convertía en un acto de rebeldía, rompiendo las normas establecidas. Ahora, esta obra llega al escenario barcelonés de la mano de la Opéra Royal de Wallonie-Liège y bajo la dirección de escena de Allex Aguilera. La producción muestra un universo de tensión constante que os sumergirá en un mundo marcado por el odio y la violencia, dando voz a la pasión prohibida entre Giulietta y Romeo. Quedaréis hipnotizados con una puesta en escena magnética, que incluso incorpora un espejo de agua en el escenario, que evoca los trágicos mitos de Narciso u Ofelia, que os hará comprender el destino de estos héroes condenados.

Pero lo mejor de este drama es su universo sonoro. Para dar vida a las melodías largas y delicadas de Bellini, la Orquestra y el Cor del Gran Teatre del Liceu suman su talento, al servicio de las voces celestiales de Lisette Oropesa y Marina Monzó, como Giulietta, y de Raffaella Lupinacci y Caterina Piva, en el papel de Romeo, y bajo la dirección musical de Riccardo Frizza, y de Rodrigo de Vera en la función del 10 de noviembre.

Y si lo que queréis es ir más allá de la función, el mismo 30 de octubre, a las 18:30 h –antes del estreno–, podréis disfrutar de ‘Respirar l'òpera’, una sesión especial de mindfulness diseñada para relajar y preparar los sentidos, con el fin de disfrutar de la función desde la conciencia.

Buscad vuestra mejor gala y dejaos llevar por la delicada música de Bellini. ¡Reservad vuestra butaca y vivid una noche de ópera inolvidable!

Del 1 de octubre al 17 de enero, el KBr acoge la primera gran retrospectiva dedicada a Dana Lixenberg (Ámsterdam, 1964), American Images, una fotógrafa que ha retratado Estados Unidos desde una mirada pausada, cercana y alejada de estereotipos.

Prince, Kate Moss, Leonard Cohen o los raperos Tupac Shakur y Biggie Smalls han pasado por delante de su cámara, pero también vecinos de un complejo de viviendas sociales de Los Ángeles, personas sin hogar de Indiana y miembros de una comunidad indígena de Alaska. La muestra reúne más de 126 fotografías, una instalación con 300 polaroids, dos videoproyecciones y material audiovisual.

De desconocidos a famosos

Uno de los grandes protagonistas de la exposición es Imperial Courts, el proyecto más extenso y personal de Lixenberg. Empezó en 1993, cuando la fotógrafa llegó a este complejo de viviendas sociales del barrio de Watts, en Los Ángeles, y comenzó a retratar a sus habitantes. Más de treinta años después, sigue regresando para fotografiar a vecinos, familias y nuevas generaciones.

De aquella etapa surgió también uno de sus retratos más conocidos: el del rapero estadounidense Tupac Shakur, una de las grandes figuras del hip-hop de los años 90, a quien fotografió con 22 años para la revista Vibe. En lugar de reproducir la imagen pública del artista, Lixenberg capturó una faceta reflexiva, sensible e introspectiva.

Fotografiar sin prisas

Desde 1993, Lixenberg trabaja con una cámara de gran formato que exige tiempo, paciencia y colaboración con quien tiene delante. Ella misma define el proceso como un "baile lento". Famosos o anónimos, todos reciben la misma atención ante su objetivo. El resultado son retratos serenos que dejan a un lado las etiquetas para centrarse en las personas. ¿Preparados para disfrutar de este arte hecho a càmara lenta? ¡Aquí podéis comprar las entradas!

¿Os quedáis fascinados con los espectáculos en directo? Los ‘Sábados de ópera’ vuelven este octubre y noviembre para llenaros de música que os llegará a lo más profundo y os hará vivir tardes únicas en Barcelona, junto al Mediterráneo. Gracias a su gran éxito, el Eurostars Grand Marina Hotel 5* G.L. vuelve a subir el telón con una nueva temporada de recitales tributo a las grandes arias de la ópera. Solo los sábados, un trío musical junto a un pianista os deleitará en The Corner Cocktail Bar, el espacio exclusivo en el lobby del hotel, con interpretaciones en directo y una atmósfera inigualable.

Además, podréis disfrutar de aperitivos especiales, pensados exclusivamente para la ocasión, y de cócteles de autor. Y todavía hay más... para quienes deseen prolongar la velada, el hotel ofrece la opción de completar la noche con una exquisita cena en su restaurante Aire de Mar. El acceso a los ‘Sábados de ópera’ está abierto a todo el mundo, tanto a huéspedes del hotel como a visitantes externos, la entrada es libre con consumición mínima ¡para que todos podáis disfrutar del arte y el lujo!

Los conciertos, que se celebrarán todos los sábados, empiezan a las 20:30 h y duran una hora. Así que, si os supera la pasión por la música y queréis vivir una experiencia única, reservad ya las butacas más privilegiadas de la ciudad y no os perdáis esta oportunidad de disfrutar de un espectáculo de ópera en directo.

¿Sois recién llegados a la ciudad? ¿O tal vez ya os sentís barceloneses, pero recordáis perfectamente cuando aún no lo erais? Sea como sea, seguro que todavía os quedan cosas por descubrir —y algún trámite por descifrar— de Barcelona. El 24 de octubre, el Museu Marítim vuelve a acoger la jornada Barcelona et dona la benvinguda, Barcelona International Community Day, el gran encuentro de la comunidad internacional de la ciudad. Impulsada por el Ayuntamiento de Barcelona, la jornada llega este año con cifras récord: 84 expositores y 68 actividades para encontrar respuestas, hacer contactos, descubrir oportunidades y conocer un poco mejor la ciudad en la que vivís.

Actividades, contactos y mucho más

De 10 a 19 h, encontraréis información y recursos sobre fiscalidad, salud, educación, idiomas o relocation, pero también muchas propuestas prácticas. ¿Buscáis trabajo? Podréis conocer empresas tecnológicas de Barcelona, informaros sobre cómo haceros autónomos o escuchar las experiencias de jóvenes latinoamericanos que han desarrollado su carrera en la ciudad. Y si queréis ampliar vuestra red de contactos, habrá espacios de networking e incluso un taller de oratoria improvisada para aprender a hablar con más confianza.

La integración será uno de los grandes ejes de la edición, con la presencia de diversas entidades dedicadas al aprendizaje y al uso del catalán –como el Consorci per a la Normalització Lingüística o el Ateneu Barcelonès–, además de propuestas de voluntariado, participación comunitaria y cultura popular. También habrá sesiones pensadas para haceros más fácil el día a día: podréis descubrir cómo funcionan los servicios bancarios y financieros, qué documentos necesitáis para vivir en Barcelona —del NIE al TIE— o cómo consumir de forma más responsable.

Y no todo serán charlas. Entre actividad y actividad podréis haceros una fotografía profesional, pasar por el videomatón 360º, disfrutar de una actuación castellera o de un concierto de habaneras y apuntaros a una visita guiada al Museu Marítim. Si vais en familia, también encontraréis ludoteca y maquillaje artístico durante toda la jornada. La entrada es gratuita, solo hay que registrarse previamente.

Respirar es un acto tan constante que no solemos prestarle atención. Pero también es una actividad extremadamente frágil: nuestra vida depende del aire y de nuestra capacidad para absorberlo. Compartimos este elemento sin pensarlo, dejamos rastros invisibles en los lugares que habitamos y dependemos de los demás mucho más de lo que solemos imaginar. Esta es la intuición que atraviesa Nace en el aire la primera flor, la nueva exposición de la barcelonesa Anna Irina Russell que se puede visitar en el Museu Can Mario – Fundació Vila Casas hasta el 22 de noviembre. Concebida específicamente para el espacio de Palafrugell y comisariada por Blanca Arias, la muestra transforma el museo en un organismo vivo que respira con quien lo visita.

Un diálogo a través del cuerpo y el movimiento

A través de esculturas blandas, estructuras inflables, dibujos e instalaciones lumínicas, Russell convierte el aire en materia para investigar la comunicación no verbal. Nacida en 1993, la artista barcelonesa pone siempre el cuerpo en el centro de su práctica para reivindicar otra manera de entender la convivencia, entendiendo el hecho de respirar como una forma de relación donde ningún cuerpo existe del todo separado de los demás. Así, el recorrido se organiza en tres movimientos —inspirar, espirar y aspirar— que avanzan a través de piezas que se inflan, se pliegan y se transforman en lugar de buscar formas estables. Si queréis vivir una experiencia artística inmersiva y ligada al entorno del Empordà, ¡acercaos a descubrirla y conectad con vuestro propio ritmo!