Cosas para hacer en Barcelona en abril

¿Quién dice que no se puede celebrar que acaba el fin de semana? Churros con chocolate se trata de una mezcla de todos los estilos musicales que puedas imaginar. Un gran acontecimiento temático y LGBTI, que además ofrece la tradicional merienda que su nombre indica. Lo que empezó siendo una fiesta de 50 amigos, se ha convertido en un evento que se hace esperar mes tras mes. ¡No te lo pierdas! Os hacemos una lista con la programación de febrero, marzo y abril.

Si sou dels que no voleu que la festa s’acabi després de dinar, Petardíssimo és el vostre lloc. Entre cambrers esbojarrats, una mamma que ho controla tot i una banda sonora que va de Raffaella Carrà a Ana Mena, aquesta festa és tota una invitació a deixar-se portar sense vergonya per la dolce vita. Se celebra els dies 18 d’abril, 9 de maig i 13 de juny, de 18 h a mitjanit, al club Arena Xperience, en ple Eixample.

La gran protagonista és la Mamma, una figura drag que us rebrà i us convertirà en part de l’espectacle. Inspirat en formats tipus talk show, la idea és seure amb ella per explicar-li els vostres drames —amorosos, laborals o existencials— i esperar que faci màgia amb la seva vareta, que sempre els resoldrà en clau d’humor (perquè no hi ha mal que per bé no vingui!). El 18 d’abril, Margarita Kalifata es convertirà en la vostra mamma més confident, mentre que el 9 de maig Laca Udilla serà la directora d’orquestra.

Esta primavera nos transportamos a Japón con el JAPANIMERAMA, el nuevo ciclo de la Filmoteca de Catalunya que trae el anime a la pantalla grande. Décadas de historia de este género, que se ha convertido en un fenómeno global, del 1 de abril al 28 de junio.

A través de títulos populares, clásicos y también de menos conocidos, desde los inicios del anime hasta producciones más actuales, este ciclo quiere reivindicar la animación japonesa como una tradición rica y diversa, capaz de conectar con públicos de todas las edades. Porque cuando en Occidente se normalizó la animación para adultos, en Japón ya estaba más que consolidada.

En la FilmoXica, el espacio dedicado a los más jóvenes, también encontramos una programación familiar pensada para acercar este universo a los más pequeños. 

Arte, ciencia y tecnología son los tres pilares fundamentales del IDEAL Centre d'Arts Digitals, y lo demuestran en la nueva exposición de Los últimos días de Pompeya, una propuesta que invita a los visitantes a ser parte de una de las tragedias más impactantes de la historia.

En esta ocasión, sin embargo, la exhibición no tiene lugar en el espacio habitual del IDEAL en el Poblenou, sino que se traslada a Montjuïc, concretamente al Palau Victòria Eugènia. Después de pasar por diferentes ciudades del mundo como Madrid, Londres o Beijing, y alcanzar los 850.000 visitantes, la experiencia de más de 2.000 m² se puede ver en Barcelona a partir del 20 de marzo, y hay entradas disponibles hasta el 29 de junio.

Está inspirada por la novela de Edward Bulwer-Lytton con el mismo título de 1834, una obra que fijó la imagen romántica y trágica de Pompeya. Y ha sido premiada con diferentes reconocimientos como mejor exposición de carácter histórico en 2024 por National Geographic.

CosmoCaixa acoge la exposición Extraterrestres. ¿Hay vida fuera de la Tierra? del 25 de febrero de 2025 al 30 de agosto de 2026: un libro abierto de gran rigor científico que resuelve y pone de manifiesto algunas de las dudas que existen sobre nuestro lugar en el cosmos, què significa vida, o la forma en que la literatura y el cine han construido un imaginario colectivo sobre los extraterrestres. La muestra ha contado con la ayuda y soporte de expertos y asesores científicos. Para ello, se vale de audiovisuales, interactivos, experiencias sensoriales inmersivas y algunos objetos y planos originales de la NASA u otras instituciones de prestigio. Por ejemplo, podréis ver escenografías con maquetas como la del rover Perseverance o la del helicóptero Ingenuity.

¿De qué va? ¿Por qué este escultor desconocido de época románica ha recibido el sobrenombre de “el Picasso del siglo XII”? En los rostros geométricos con ojos expresivos del Maestro de Cabestany, y en la desproporción y los volúmenes impactantes de sus esculturas, reside todo aquello que desde el presente hemos sabido denominar modernidad. En pleno románico, las obras del Maestro de Cabestany poseían un estilo característico que lo diferenciaba de sus coetáneos. Por ello, aunque conocemos pocos detalles de la vida de esta figura, su trabajo ha sido reconocido desde la Toscana hasta el Mediodía francés, pasando por Cataluña y Navarra.

¿Por qué hay que ir? Con esta exposición, el MNAC rinde homenaje al escultor más célebre del románico catalán partiendo de la incorporación reciente de nuevas piezas al museo; concretamente, fragmentos que formaban parte de la portada de mármol del monasterio de Sant Pere de Rodes. Por tanto, la muestra se centra en la construcción del mito de la abadía de Rodes, un espacio único, destino de peregrinaje, vinculado a un paisaje ancestral y a la antigua Roma.

¿De qué va? Siguiendo una estrella fugaz es el título de la exposición del Monasterio de Pedralbes sobre el legado fotográfico de Khadija Saye, artista gambiano-británica que capturó la identidad, la memoria y la dimensión espiritual de la experiencia negra a través de la cámara. La muestra se puede visitar del 6 de febrero al 31 de mayo y es especialmente relevante porque es la primera exposición dedicada a la artista en España y la primera retrospectiva a escala mundial. Saye alcanzó reconocimiento internacional con Dwelling: in this space we breathe (Vivienda: en este espacio respiramos), presentada en el Pabellón de la Diáspora de la Bienal de Venecia de 2017, donde fue la participante más joven.

¿Por qué hay que ir? La exposición sigue la breve pero potente trayectoria de Saye, que murió trágicamente en el incendio de la torre Grenfell en 2017, donde vivía con su madre y donde ambas perdieron la vida, junto con setenta personas más. Una joven promesa que dejó una huella imborrable como artista y como persona comprometida con su comunidad. Hija de la diáspora, creció en un entorno multicultural en el barrio de Hammersmith (Londres), y sus obras muestran una búsqueda que une la experiencia íntima con cuestiones universales.

¿De qué va? Los colores de la ciudad compiten ahora con los del “maestro del color”, que aterriza en una exposición en el CaixaForum. La explosión cromática de Henri Matisse se podrá ver en este museo de la ciudad hasta el 16 de agosto en el marco de la exposición Chez Matisse. El legado de una nueva pintura, organizada en colaboración con el Centro Pompidou de París con el objetivo de mostrar al público barcelonés cómo el genio francés revolucionó el arte del siglo XX.

¿Por qué hay que ir? La muestra reúne cerca de un centenar de obras para explicar por qué su visión de la pintura fue (y en muchos casos, sigue siendo) un hogar acogedor para la modernidad y una influencia para generaciones de creadores posteriores. Ahora bien, en la exposición no hay solo obras de Matisse, sino que las 45 obras del pintor fauvista dialogan con 49 piezas de otros gigantes del arte como Picasso, Braque, Derain, Raoul Dufy, Le Corbusier o Sonia Delaunay. Uno de los grandes reclamos es la presencia de La Moulade, una pieza clave pintada en Colliure que marcó el nacimiento del movimiento fauve y que sirve como eje central de esta colección inédita en la ciudad.

¿De qué va? Entre finales del siglo XIX e inicios del XX, los Nabis querían restablecer la unidad del arte y allanaban el terreno para la modernidad venidera. Este movimiento, situado en la transición entre el modernismo y las primeras vanguardias, se caracterizaba por un diálogo constante entre la pintura, la arquitectura y las artes decorativas gracias al juego entre el color, la forma y el ritmo de las composiciones artísticas. Ahora, los Nabis entran en La Pedrera en la primera gran exposición monográfica en Barcelona de este movimiento.

¿Por qué hay que ir? La muestra reúne una amplia selección de obras de entre finales del siglo XIX e inicios del XX que nos permiten conocer los principios estéticos y conceptuales de este grupo artístico, que exploró el carácter decorativo de la pintura y encontró la manera de integrarla en la vida cotidiana.

¿De qué va? El Museu Tàpies acoge la muestra El moviment perpetu del mur, una exposición que explora el papel que la noción de muro desencadenó en la obra de Antoni Tàpies desde el contexto de la Segunda Guerra Mundial hasta las décadas posteriores, tanto a nivel simbólico como pictórico y físico.

¿Por qué hay que ir? Este proyecto se centra especialmente en la década de 1950, un período clave de transformación en la práctica artística de Tàpies. A través de este recorrido se plantean nuevas perspectivas sobre el desarrollo de su lenguaje pictórico y sobre la relación entre obra, espacio y espectador. La exposición toma como punto de partida cuatro exposiciones individuales que el artista realizó durante esta década —en las Galerías Layetanas de Barcelona (1950 y 1954), en la Galerie Stadler de París (1956) y en la Sala Gaspar de Barcelona (1960). Cada una de estas muestras presentaba grupos de obras distintos y también diferentes soluciones de montaje. El proyecto analiza cómo estos dispositivos expositivos —la iluminación, la disposición de las obras o el color de las paredes— pueden influir en la percepción y la interpretación de la pintura. Asimismo, explica cómo la obra de Tàpies fue interpretada por críticos, pensadores e historiadores del arte del momento, y cómo se conecta con debates presentes en el pensamiento artístico contemporáneo.

De qué va? El Centre d’Arts Santa Mònica acoge El asalto de la ilusión, que se puede visitar hasta el 27 de septiembre, una exposición coral que reúne trabajos de diversos artistas para analizar cómo el arte ha contribuido a construir aquello que entendemos como realidad. A través de una puesta en escena cambiante y llena de trampas visuales, la muestra conecta técnicas históricas de representación con problemáticas actuales como la posverdad, la manipulación mediática o la irrupción de la inteligencia artificial.

¿Por qué hay que ir? La exposición está concebida como un recorrido en constante movimiento. Espejos, velos y paredes móviles configuran un espacio que se transforma a medida que el visitante avanza, generando una sensación de inestabilidad que afecta directamente a la percepción. Pintura, fotografía, vídeo e instalación conviven en un mismo itinerario, poniendo de manifiesto cómo cada lenguaje construye una idea distinta de realidad.

¿De qué va? El Palau Robert presenta Mako, un proyecto expositivo impulsado por Casa Asia y la Fundación J. Llorens Artigas que rinde homenaje a la diseñadora y ceramista japonesa Mako Artigas. La exposición puede visitarse del 13 de marzo al 7 de junio y ofrece una mirada amplia a más de cincuenta años de trayectoria artística, marcada por la sensibilidad, la materia y el color.

¿Por qué hay que ir? La exposición reúne una selección representativa de su trabajo: desde los primeros tejidos estampados (1959-1970), vinculados a la fábrica familiar en Japón y a sus etapas en Cataluña y París, hasta los dibujos para firmas como Kenzo, Dior, Courrèges o Paco Rabanne. A estas piezas se suman cerámicas de gres y porcelana creadas en las últimas décadas, donde el gesto se vuelve más íntimo y la forma más esencial.

¿De qué va? El CCCB acogerá, hasta el 25 de mayo, la exposición "Rodoreda, un bosque", dedicada a la radicalidad literaria y al imaginario creativo de la escritora en lengua catalana más importante del siglo XX. Comisariada por la ensayista y crítica literaria Neus Penalba, la muestra pretende alejarse de los tópicos, a menudo edulcorados, que han rodeado su figura y mostrar la faceta más contemporánea de Rodoreda, donde la escritura transita entre el realismo y la fantasía para hablarnos de la inocencia, el deseo, el suicidio, el desarraigo, el escarnio o la metafísica.

¿Por qué hay que ir? La muestra se sirve de la metáfora del bosque para concebir el espacio expositivo. Las salas se conectan orgánicamente, utilizando este símil para explicar la trayectoria de la autora a través de un recorrido por las raíces literarias y la experiencia del desarraigo del exilio, los troncos marcados por la vivencia de la guerra, las ramas que dialogan con la cultura occidental y las copas que rozan el cielo y acogen pájaros. A través de esta estructura se despliegan más de 400 piezas entre obra plástica, instalaciones, documentos y audiovisuales, incorporando originales de la Fundación Mercè Rodoreda.

¿De qué va? El proyecto de la artista Anna Moreno que revisita algunos de los proyectos utópicos de los años setenta impulsados por el arquitecto Ricardo Bofill. A través del cine, la instalación y la investigación artística, la exposición plantea una reflexión sobre las tensiones entre las aspiraciones utópicas de la arquitectura moderna y las realidades sociales y políticas que a menudo impidieron su materialización.

¿Por qué hay que ir? El proyecto toma como eje central el film The Terminal Beach, que documenta el estado actual de un asentamiento nómada construido en 1979 en el desierto argelino por el estudio de Ricardo Bofill. Este proyecto, concebido dentro del periodo más experimental del arquitecto, quedó inconcluso y ejemplifica las contradicciones entre el sueño utópico y la realidad política y social de la época.

¿De qué va? Hasta el 28 de septiembre, el MACBA acoge Prisioneros del amor. Hasta el sol de la libertad, la primera exposición en España de los artistas Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme. La muestra reúne obras que recorren casi dos décadas de su trayectoria y reflexionan sobre la memoria, el exilio y las formas de resistencia frente a la opresión y el expolio de Palestina.

¿Por qué hay que ir? A través de voces, canciones, sonidos e imágenes, los artistas conectan experiencias personales con historias colectivas de lucha y, en una aparente paradoja, ponen el acento en la importancia de la alegría, del amor y de la imaginación colectiva como formas poderosas de resistencia, incluso —y sobre todo— en condiciones extremas.

¿De qué va? Cuando la enfermedad sin solución irrumpe como un huracán en la cotidianidad de un núcleo familiar, los roles deberán redefinirse. Y si la madre está condenada a los estragos que provoca el alzheimer, el marido y las dos hijas tratarán de sobrevivir a una terrible oleada emocional que parece no terminar nunca. Y para Claudia, que a sus 18 años apenas está encontrando y asumiendo su identidad, se inicia un camino de complicadísimo equilibrio entre cuidados, por un lado, y sacrificios y renuncias vitales, por el otro.

¿Por qué tienes que verla? Más allá de ser la gran triunfadora del pasado Festival de Málaga, todo un aval para el cine español de los últimos años, Yo no moriré de amor supone una extraordinaria carta de presentación para Marta Matute, su directora y guionista, que pone en imágenes los recuerdos y los traumas de la experiencia propia. Sin aspavientos, huyendo de la pornografía emocional y de trucos narrativos baratos, la película apuesta por el naturalismo, la sutileza y las emociones contenidas pero suficientemente impactantes y verosímiles, a la hora de hablar de temas como los cuidados, la empatía y la familia.

Y todavía una razón más para no perderse este excelente largometraje: su reparto, con Sonia Almarcha, Tomás del Estal, Laura Weismahr y la gran sensación que supone el descubrimiento de Júlia Mascort. En la piel de Claudia, la actriz catalana ofrece todo un recital interpretativo que le valió el premio a Mejor Actriz en Málaga. No será el único.

¿Cuándo se estrena? El 8 de mayo.

Dir.: Marta Matute (España, 2026). 94 min.

¿De qué va? Una muerte misteriosa que tiene toda la pinta de ser un asesinato. Un puñado de sospechosos y unas particulares investigadoras que tratan de ayudar a un policía no muy espabilado a resolver el misterio. Hasta aquí, todo normal. No lo es tanto que la víctima sea un pastor, y que las empecinadas en resolver el homicidio sean sus ovejas, bien instruidas en el arte detectivesco porque su fallecido dueño les leía novelas de crímenes todas las noches antes de ir a dormir.

¿Por qué tienes que verla? Porque es una magnífica opción para ir al cine en familia. Producida por Phil Miller y Christopher Lord (los directores de Proyecto Salvación), y con el espíritu de películas como Paddington (2014) o Babe, el cerdito valiente (1995), esta juguetona y encantadora película guiña el ojo a los clásicos whodunnits (aquel subgénero en el que hay que averiguar quién de los sospechosos es el culpable de un crimen) al estilo Agatha Christie y también deja caer algunos momentos conmovedores en la relación entre el pastor y su rebaño, y en reflexiones sobre la pérdida y la familia elegida.

En todo caso, Las ovejas detectives está atravesada por un entrañable sentido del humor abierto a todos los públicos. Con Hugh Jackman en la piel del pastor asesinado y Nicholas Braun (el primo Greg de la serie Succession) como atribulado jefe de policía de una comunidad rural, el reparto del film incluye también a una divertidísima Emma Thompson.

¿Cuándo se estrena? El 8 de mayo.

Dir.: Kyle Balda (EE. UU., 2026). 108 min.

¿De qué va? Ante 60.000 personas entregadas, Hombres G lo petan en un concierto en Ciudad de México. No estamos a finales de los años 80, cuando la banda irrumpió convirtiéndose en todo un fenómeno musical en una España que empezaba a dejar atrás la Movida, pero también en Latinoamérica. La actuación en cuestión forma parte de la nueva vida de un grupo que empezó a hacer ruido en el año 1985 y que, durante siete años, rompió récords de ventas de discos. Después de una década de silencio y distanciamiento, a principios de los 2000 se reencontraron. Hoy, sus componentes ya han cumplido los 60 años, y disfrutan de una segunda juventud, aquello que ellos mismos definen como los mejores años de sus vidas.

¿Por qué tienes que verla? Entre el ejercicio de nostalgia y el retrato íntimo, el documental habla del éxito inesperado de aquel grupo de amigos de adolescencia que dedicaban divertidas canciones a mamones sufridores y chicas cocodrilo o con marcapasos, y que llegaron a protagonizar un par de películas (dirigidas por el gran Manolo Summers, padre de David, el líder de la banda). Pero la película también reflexiona sobre el precio del éxito, sobre malentendidos y distanciamientos, sobre el impacto del duelo en la creación, y sobre segundas oportunidades. Que, ahora mismo, los Hombres G sigan llenando sus conciertos de un público intergeneracional, en España y en Latinoamérica, supone un pequeño milagro. Y el documental se encarga de hablar de ello, haciendo un repaso a 40 años de trayectoria.

Uno de los ganchos de Los mejores años de nuestra vida es la capacidad de sus directores, Charlie Arnaiz y Alberto Ortega, para construir documentales visualmente muy atractivos y llenos de ritmo, como han demostrado en Anatomía de un dandy (sobre la figura del escritor Paco Umbral) o Waldo (sobre el músico Waldo de los Ríos), y en series como Raphaelismo y Supergarcía.

¿Cuándo se estrena? El 8 de mayo.

Dir.: Charlie Arnaiz y Alberto Ortega (España, 2026). 108 min.

¿De qué va? Apenas cuatro horas antes de que se ejecute la sentencia, un preso le explica a un cura qué lo ha llevado hasta el corredor de la muerte. Hijo de la heredera de una fortuna incalculable, expulsada por su familia después de quedarse embarazada, nuestro hombre promete a su madre que luchará por hacer valer sus derechos y recuperar su apellido. Aunque, para conseguirlo, tenga que convertirse en un asesino.

¿Por qué tienes que verla? Para seguir atentos a la progresión de Glen Powell como heredero de Tom Cruise (él mismo lo etiquetó como tal, tras coincidir en Top Gun: Maverick), ahora como protagonista absoluto de una comedia negrísima inspirada en un clásico, Ocho sentencias de muerte (1949).

Obviamente, queda muy lejos de aquel magistral icono de la productora Ealing, en la que Alec Guinness interpretaba hasta ocho personajes diferentes. Pero, aun así, Jugada maestra es una simpática propuesta que satiriza la cultura de la codicia de las élites económicas. Aparte del carisma de Powell, la película cuenta con Margaret Qualley y Ed Harris redondeando el reparto.

¿Cuándo se estrena? El 15 de mayo.

Dir.: John Patton Ford (Reino Unido, 2026). 105 min.

¿De qué va? Harta de la precariedad del sector, una periodista cultural y crítica de cine (Judit Martín) convence a su marido (Berto Romero) de dejarlo todo y abrir un negocio muy singular: una pizzería temática.

¿Por qué tienes que verla? Para seguir explorando el universo creativo del inclasificable y polifacético Carlo Padial: buscad sus vídeos en PlayGround, leed Dinero gratis o Doctor Portuondo (que después convirtió en serie para Filmin) o ved películas como Mi loco Erasmus (2012) y aquella Algo muy gordo (2017) en la que unía fuerzas cómicas con un Berto Romero que vuelve a ser protagonista de este nuevo largometraje.

Ahora al lado de una Judit Martín –qué química cómica tienen– que nos ha hecho llorar de risa en el teatro, en la tele (en programas como Polònia o Està passant) y en la radio (es, entre otros, la Vane del Versió RAC1). Y que aquí interpreta una especie de alter ego de Desirée de Fez, pareja del director, guionista de Pizza Movies y una de las más respetadas críticas de cine del país, también autora de la novela No la dejes sola.

Una amalgama de talentos, y la colaboración de caras conocidas (Joaquín Reyes, Bruna Cusí, Raúl Arévalo, Tamar Novas, Miguel Noguera...), al servicio de una comedia romántica que no se parece a ninguna otra comedia romántica, y que, del costumbrismo a la autoficción, pasando por la ternura y el surrealismo más extravagante, nos divierte mientras habla de la precariedad de la prensa cultural, de crisis personal y de pareja, y de la importancia del cine en nuestras vidas.

¿Cuándo se estrena? El 15 de mayo.

Dir.: Carlo Padial (España, 2026). 95 min.

¿De qué va? Con la caída del Imperio, los gobernantes de la Nueva República se enfrentan a la dispersión de los supervivientes señores de la guerra imperiales. En este contexto, el cazador de recompensas Din Djarin y su joven aprendiz Grogu son enviados con una misión: perseguir a los miembros del Consejo de la Sombra que amenazan la paz en la galaxia.

¿Por qué tienes que verla? No necesitaréis ningún motivo para ir a ver la película si sois seguidores de todas las ramas abiertas en la saga Star Wars. En este caso, y después de tres temporadas en formato serie de The Mandalorian, vuelven el personaje interpretado por Pedro Pascal y el carismático Grogu, más conocido como Baby Yoda, que robó los corazones de los fans desde su primera aparición en Disney+. Con Jon Favreau a los mandos de la nave, en funciones de guion y dirección, este salto al cine forma parte de una ambiciosa ampliación del universo creado por George Lucas: aparte de las series que llenan la oferta de la plataforma de Disney, se planean un puñado de películas, directamente vinculadas o no al Mando-verse (o a las tramas interconectadas de The Mandalorian, El libro de Boba Fett y Ahsoka).

La primera, prevista para mayo de 2027, es Starfighter, con Ryan Gosling, pero seguirán, como mínimo, tres largometrajes más. Volviendo al film que nos ocupa, y en medio de un secretismo que se va rompiendo puntualmente con acciones como la proyección gratuita de un adelanto de veinticinco minutos en diversas salas del país, sí destaca uno de los grandes fichajes al reparto: una icónica Sigourney Weaver que se apunta a la fiesta, según explica la actriz, motivada por compartir escenas con Grogu.

¿Cuándo se estrena? 21 de mayo.

Dir.: Jon Favreau (EE. UU., 2026). 135 min.

¿De qué va? Conseguir que la última vaca de su explotación ganadera se quede preñada es el objetivo de Empar, una granjera de 60 años que sufre por el futuro de su negocio. Para lograrlo pedirá ayuda a un empresario ganadero y se enfrentará a medio pueblo.

¿Por qué tienes que verla? Por el alegato que propone en favor de una forma de vida, la rural, que se resiste a desaparecer a pesar de tener cada vez más elementos en contra. Y, también, por la apuesta (se diría que) revolucionaria de dar voz a una protagonista veterana independiente y empoderada, toda una rareza en una industria como la cinematográfica, que acostumbra a invisibilizar los conflictos de personajes femeninos de esta edad.

La actriz valenciana Isabel Rocatti, otro veterano como Pep Munné y Carlos Cuevas encabezan el reparto de esta historia de segundas oportunidades con características de comedia romántica. Con espíritu de feel-good movie, y utilizando los paisajes casi como si se tratara de un western, Cowgirl arriesga y gana.

¿Cuándo se estrena? 21 de mayo.

Dir.: Cristina Fernández Pintado y Miguel Llorens (España, 2026). 109 min.

¿De qué va? Los juegos de confesiones alrededor de una mesa, y después de haber tomado demasiadas copas de vino, los carga el diablo. Cuando Emma y Charlie prueban el catering de su futuro banquete de bodas acompañados de otra pareja de amigos íntimos, los cuatro se plantean reír reconociendo la peor cosa que jamás han hecho en la vida.

En este momento, la bonita historia de amor de los protagonistas, propia de una comedia romántica made in Hollywood, da un vuelco inesperado. Y es que la revelación del turbio secreto del pasado de Emma hace que Charlie deje de verla como la chica de sus sueños, y que sus amigos pasen a despreciarla inmediatamente, poniendo en peligro la boda planeada.

¿Por qué tienes que verla? De entrada, hay que decir que las primeras proyecciones en Estados Unidos han polarizado a la crítica especializada. Nosotros nos situamos muy a favor de una propuesta que busca incomodar y generar conversación: porque en la premisa de El drama, que conviene no revelar, se cruzan algunas líneas rojas, y sitúa al espectador en medio de un dilema que le hace plantearse qué haría de encontrarse en un caso similar.

Contar con una pareja protagonista tan icónica como la que forman Zendaya y Robert Pattinson alimenta la potencia transgresora de un relato que, en el fondo, lleva al límite la ansiedad propia de los novios antes de dar el sí. Sátira social, humor negrísimo y situaciones extremas son las constantes de una ecuación muy consecuente conociendo las otras películas de su director y guionista, el noruego Kristoffer Borgli. Solo hay que recuperar sus anteriores, y espléndidas, Sick of myself (2022) y Dream scenario (2023), para aplaudir su capacidad de sorprender y descolocar al público.

¿Cuándo se estrena? El 29 de mayo.

Dir.: Kristoffer Borgli (EE. UU., 2026). 106 min.

¿De qué va? Un brote psicótico rompe por la mitad la progresión de una atleta que lucha por estar en la élite. En medio de autoexigencias y retos continuos, envuelta por la presión constante impuesta por sus entrenadores y por una imperiosa necesidad de demostrar que puede ser la mejor, Cristina estalla.

Y no es muy consciente de qué le está pasando hasta que se impone la caprichosa realidad. A partir de aquí, su complicadísimo camino de recuperación trastocará las dinámicas emocionales con su familia, y llevará a Cris a un complicado proceso de autoconocimiento.

¿Por qué tienes que verla? Porque pone sobre la mesa con sensibilidad y rigor un asunto tan actual y urgente como es la salud mental. En este caso aplicada al deporte de élite, después de haberse conocido casos tan mediáticos como los de Simone Biles, Ronald Araujo y Ricky Rubio. El acercamiento contenido, casi analítico, que propone la cineasta debutante Laura García Alonso se escapa de la emoción simplista y se enfoca en la angustia y la desesperación de una protagonista superada.

Con crudeza pero también con cierta esperanza, la cineasta pone el foco y da pistas muy valiosas sobre de qué manera hay que acompañar a alguien que sufre enfermedades mentales: desde el amor y la empatía, sin reproches. Ojo al trabajo de la joven Alba Sáez y la química que tiene con Marina Salas y Alex Brendemühl, su hermana y su padre en la ficción.

¿Cuándo se estrena? El 29 de mayo.

Dir.: Laura García Alonso (España, 2026). 96 min.

¿De qué va? Él es novelista y misántropo. Ella, mucho más sociable, es profesora universitaria especializada en el cine de Alfred Hitchcock. Después de dos décadas de matrimonio, la rutina se ha instalado en su casa, la pasión se ha esfumado, nada parece que pueda evitar una crisis. Hasta que ella, desde la ventana y como espectadora privilegiada del piso de enfrente, cree ver a su vecino asesinando a su mujer. Las bastante bien fundamentadas sospechas llevarán a la pareja a asumir una improvisada y adrenalínica investigación.

¿Por qué tienes que verla? Con una carismática pareja protagonista formada por Gilles Lellouche y Laetitia Casta, el cineasta Rémi Bezançon construye una divertida comedia tan juguetona como didáctica: señalando directamente a La ventana indiscreta pero llenando la trama de guiños narrativos y formales al cine de un Alfred Hitchcock que es un personaje más, Asesinato en la tercera planta es, casi, una clase de cine que funciona igualmente para neófitos y para cinéfilos.

Más allá de utilizar el canon hitchcockiano como vertebrador de la película, Bezançon también hace referencias a Godard, Truffaut, Woody Allen y Philippe de Broca. El director de films como El primer día del resto de mi vida (2008) o La biblioteca de los libros rechazados (2018) continúa acertando con un cine elegante que conecta muy bien con el público, sí, pero conscientemente alejado de las comedias más populacheras de la industria francesa.

¿Cuándo se estrena? El 29 de mayo.

Dir.: Rémi Bezançon (Francia, 2026). 106 min.

En Dinamarca, se vive tan bien y son tan felices que incluso se tienen que importar las malas noticias. Y lo peor és que se lo han creído. Nos podríamos imaginar que los dos personajes de la obra de título de país nórdico (y famoso teatralmente porque algo está podrido en él), escrita por Lluïsa Cunillé, son un Hamlet que no muere a manos de Laertes en la última escena de la tragedia de Shakespeare y su madre Gertrudis, ya mayores ambos, compartiendo techo y obligados a soportarse. Están cansados de vivir y todo les importa un bledo, pero no piensan renunciar a nada. Pere Arquillué e Imma Colomer son los encargados de darles vida. Dos intérpretes al servicio de una pieza que solo dos tótems podrían llevarse a su terreno.

I és que el trabajo de Arquillué y Colomer es de otro mundo. Cunillé necesita este tipo de actores y actrices que llevan la valentía tatuada en el brazo, suficientemente hábiles para encabezar repartos en montajes populares y a la vez meterse en jardines espinosos como este Dinamarca. Porque aquí estamos más cerca de un Fi de partida que de un Hamlet, aunque la autora catalana lo único que toma prestado de Beckett es la mala leche y su sentido del humor.

Mientras el mundo se prepara para ver el cometa Halley, doce mujeres deben decidir si Sança está embarazada, cosa que le ahorraría la horca por el asesinato de una criatura. Encerradas en una habitación, con la única presencia de un hombre que no puede abrir la boca y con la multitud afuera que espera ansiosa ver el cuerpo colgado de la acusada, la presión sobre el jurado es grande. La británica Lucy Kirkwood hace que la maquinaria patriarcal se exprese a través de las mujeres, las cuales, no todas, darán vida a tópicos, suspicacias y clichés.

Estamos en 1759, en la Cataluña rural, y no en Suffolk, Inglaterra, que es donde Kirkwood situó El firmament. La directora y traductora Gara Roda ha decidido este cambio, por lo que los personajes no se llaman Sally, Lizzy o Charlotte, sino Sança (Anna Castells), Bet (Sílvia Abril) o Carlota (Teresa Vallicrosa). Una modificación que no afecta al fondo de la cuestión, pero sí a más de un aspecto accesorio. Y quizá por eso Roda plantea la función como si estuviera versionando a Guimerà y el juego de Kirkwood con el presente, cuando nos viene a decir que todo lo que pasaba en el siglo XVIII no ha desaparecido del todo, queda algo descafeinado, especialmente en un momento climático cuando sustituye el Manic monday de The Bangles por No es serio este cementerio de Mecano. El resultado es estético y funciona, pero la razón del momento musical es totalmente diferente.

Es difícil salir del teatro cambiado, con un estado de ánimo diferente con el que has entrado, y poder decir, además, que te has divertido como hacía tiempo que no te pasaba. Que has visto tres intérpretes excelentes que se lo pasan pipa haciendo la función y que saben cómo transmitirlo al público. Que has descubierto una directora (Andrea Jiménez) que ha encajado con tres tarambanas y los ha hecho volar muy alto. Que has disfrutado de un texto irreverente (de Victoria Szpunberg), que sabe jugársela y que hace dianas todo el rato. Y que mañana, si pudieras, no dudarías en volver.

'Mal de coraçon' parece la típica obra de bar, con un hombre a quien acaba de abandonar el amor de su vida (Pau Vinyals), un filósofo borracho (Pol López) y una camarera-cuidadora que quiere ser actriz (Júlia Barceló). Nada nuevo bajo el sol. Dos payasos y un augusto. Pero la introducción de la figura de Santa Teresa, y su obra, lo trastoca todo, hace que la pieza entre en un camino que no sabes por donde saldrá, a veces luminoso, a veces oscuro y tortuoso. Se convierte en un interrogante a resolver, un motor alterno que alimenta la escena. ¡Y cómo superan todos el reto! Porque el camino acaba en una fiesta.

Cuando Marcel llega a casa de Clara, su mejor amiga de la adolescencia, hace años que no la ve. Ella celebra su cumpleaños y está arriba con los amigos. Él, sin embargo, tarda en subir. Y se entretiene en la habitación de ella mirando un corcho lleno de fotografías. Donde él no está. Han pasado los años y han pasado muchas cosas. Ya no son jóvenes-jóvenes y la realidad a menudo tiene poco que ver con el deseo del pasado.

Cesc Colomina ha escrito una obra tierna y viva sobre el descubrimiento del amor y el paso del tiempo, sobre lo que quisimos ser y lo que somos. Su protagonista está encarnado por un Roc Bernadí que interpreta todos los papeles de esta pieza que es como un susurro (no es exactamente un monólogo, ya que hay nada menos que media docena de personajes, sino una obra para un solo intérprete). El actor mira al público en todo momento, buscando la complicidad de los espectadores, que pasan buena parte de la función con las luces de platea encendidas. Nos habla a nosotros.

Convertir las tragedias tebanas de Sófocles (Edipo rey, Edipo en Colono y Antígona) en un montaje de dos horas y pico con personalidad, sin sobreentendidos, con dinamismo, sin que todo parezca demasiado rápido, como ha hecho Ferran Dordal es una proeza. El público no tiene la sensación de ver tres obras, sino una sola. El clásico ateniense ya las escribió siguiendo un hilo temporal, que comienza con el pueblo rogando para que Edipo libre a Tebas de la peste y termina con Creonte descubriendo los cuerpos muertos de Antígona y de su hijo Hemón. En medio, una gran historia.

Carlota Subirós se ha apropiado de el paisaje desértico de las afueras de Atenas (Colono) para centrar su pieza. Un espacio inmenso, salpicado con cuatro matorrales, por donde hace circular a sus personajes durante la función. Solo en lo que podríamos considerar el primer acto, el que corresponde a Edipo rey, sucede ante el desierto, en lo que representa el palacio del soberano de Tebes, aunque ya nos lo deja ver a través de un gran ventanal. Subirós dirige a la decena larga de actores y actrices de manera convincente, con un corte clasicista que hacía tiempo que no le veíamos. Pero tiene un problema.

No era fácil llevar Permagel a escena con una forma que fuese teatral. Victoria Szpunberg y Albert Pijuan podrían haber tirado por el camino más corto y hacer como la autora, Eva Baltasar, y empezar por el preludio del final y seguir la prosa hasta el capítulo de cierre. Pero afortunadamente se han complicado la vida y han deshecho la novela para rehacerla, para darle la vuelta, con añadidos de presentación de los personajes y una línea temporal clara. Para, en definitiva, transformar un artefacto literario en un artefacto teatral.

Maria Rodríguez Soto asume el reto de encarnar a esta mujer a punto de cumplir los 40, lesbiana, solitaria, con instintos suicidas, tía, hermana e hija. Tampoco es nada sencillo meterse en esta piel, dentro de este mundo, y salir victoriosa. ¿Cómo se interpreta a alguien que quiere matarse, que no soporta a la familia, que no encaja, pero que adora a la sobrina? ¿Cómo se mantiene la mirada, la respiración, cuando te pintas una raya en el brazo por donde querrías que pasara la cuchilla de afeitar? ¿Cuando escarneces a madre y hermana?

'Ànima' podía haberse desarrollado como todos los musicales de época, con príncipes azules, bellas durmientes, un sesgo de género maloliente y todo el azúcar que quisierais. Y, de hecho, el musical que ha estrenado el TNC, ambientado en los años 30 del siglo pasado, en EEUU, parece que tiene que ir por ahí. Porque tenemos a nuestra protagonista, Greta (Paula Malia), que se va de su pueblo para probar suerte en Hollywood, y dejar atrás la pobreza y una vida planificada. ¿La salvará un hombre caritativo? No, una historia creada en el 2024 no puede ser como 'Cantando bajo la lluvia'.

Y eso que tenemos todo el universo Disney por delante, el del nacimiento del imperio, el de la creación de 'Blancanieves', el primer largometraje animado y en color de la historia. El sueño de Greta es trabajar para el gran Walter (Oriol Burés). No lo conseguirá a la primera, como ya podíamos esperar. El argumento, sin embargo, irá adquiriendo toques de comedia de enredos, más allá de la historia de formación y superación de una mujer que lo tiene todo en contra. E incluso reiremos. En esta complejidad se encuentra el punto a favor de 'Ànima'. Y una dirección escénica de Gara Roda que sabe sacarle jugo a un giratorio capaz de transformar la escena en pocos instantes.

Lorca, el hombre, es una metáfora triste de lo que es España. Nacido en 1898 y asesinado en 1936, entre la gran derrota colonial y la guerra más cruel. El autor es, seguramente, el mejor y más influyente del siglo XX al sur de los Pirineos y es el único de su estirpe en Europa, la de los genios, de la que debemos estar orgulloso, cuyos huesos permanecen todavía enterrados en una cuneta. Acercarse a su figura, a lo que fue, siempre es problemático. Y Juan Diego Botto lo sabía.

Pero después de ver 'Una noche sin luna' podemos afirmar que nunca nadie, al menos en lo que llevamos de siglo XXI, se había aproximado al Lorca hombre con el tacto, la soltura, el conocimiento y el saber estar del actor. Porque esta obra es una lección de interpretación bestial, de cómo un ser humano se transforma en otro y nos deja boquiabiertos desde el minuto 1 al minuto 105, a esa hora y tres cuartos en que Botto camina hacia Lorca y Lorca pasa a la piel de Botto y de cada uno de los espectadores.

Desde su actuación en el medio tiempo de la Super Bowl, Bad Bunny se ha ganado finalmente el favor de los más escépticos. Hasta no hace mucho, para la mayoría cuñada –el verdadero mainstream– era el artista que cantaba mal, que no vocalizaba y que solo escuchaban los jóvenes. Allí dejó incluso en evidencia a los –a priori más combativos– Green Day, plantando cara a Trump con un mensaje de celebración de la cultura latinoamericana y caribeña en territorio estadounidense, donde evita actuar para evitar detenciones de espectadores por parte del ICE. El show, espectacular, sirvió para hacer callar a los que lo menospreciaban, que después corrieron a conseguir entradas o invitaciones para no perderse uno de los eventos musicales del año. 

Barcelona es la puerta de entrada a Europa del DeBí TiRAR MáS FOToS World Tour, con dos conciertos en el Estadi Olímpic Lluis Companys, los días 22 i 23 de mayo. La gira, que tiene su origen en una residencia de 31 conciertos en Puerto Rico y que después ha viajado por Latinoamérica, Australia y Japón, llega con cifras millonarias y solo en España ha vendido 600.000 entradas. No es la primera vez que actúa en Cataluña, algunos afortunados lo vieron en 2018 en la discoteca Biloba de Lleida y en el Share Festival de Barcelona. Otros ya estuvimos en primera fila en su concierto del Sónar de 2019. 

Great Canyon Records es el sello de Joana Serrat, su hermana CARLA y del supergrupo Riders of the Canyon, proyectos que han obtenido un muy buen reconocimiento internacional en medios como BBC6, Mojo y Uncut. Ahora celebra 10 años de su fundación con una fiesta en la sala Upload el 29 de mayo, dentro de Curtcircuit, el ciclo de conciertos de la ASACC. Actuarán Juana Everett, que presenta el disco Past lives in California, además de Eva Fort, Marta Pérez, Víctor Partido y Ferran Orriols, que abrirán la velada. 

El sello, con gusto por las sonoridades norteamericanas (pero no solo), nació en Vic en 2016, con el debut de la cantautora Marta Dalmont. En estos 10 años ha publicado referencias de Joana Serrat, CARLA, Matthew McDaid, Roger Usart, Riders Of The Canyon, Ferran Orriols, Kiev Cuando Nieva, Eva Fort, Marta Pérez, Nyandú, Ciuret, Juana Everett y Víctor Partido. También ha publicado el único disco de Murdoc (Bernat Sánchez, teclista de Mishima) y de Wide Valley, Marta Knight, Boria, Grauwi + Marta Cascales. 

El Clotilde Fest regresa un año más con conciertos gratuitos en el Palau Robert durante el verano; con esta edición, ya serán ocho de música al aire libre en este edificio de Barcelona que cuenta con un jardín y exposiciones que merece la pena visitar.

Concretamente, las actuaciones tendrán lugar entre el 18 de junio y el 9 de julio, y están dirigidas principalmente a un público juvenil. En total, se harán cuatro noches de conciertos con artistas como Maria Jaume, Els Amics de les Arts y Suu, entre otros. 

Ya tenemos cartel para la 23a edición del Primavera Sound, que se celebra del 4 al 6 de junio de 2026 en el Parc del Fòrum. En esta ocasión el programa está encabezado por The Cure, Doja Cat, The xx, Gorillaz, Massive Attack, Addison Rae y My Bloody Valentine. Pero, claro, hay mucho más. Entre los casi 150 artistas confirmados están Mac DeMarco, Pinkpantheress, Skrillex, Peggy Gou, Lola Young, Father John Misty, Ethel Cain, Bad Gyal, Big Thief, Wet Leg, Little Simz, Slowdive, Kneecap, Alex G, Dijon y Blood Orange, entre muchos otros. ¡Ahí estaremos!

¿Cuándo es el Primavera Sound Barcelona 2026?

Horarios del Primavera Sound

Entradas y precios

Els abonaments es posen a la venda el 29 de setembre a les 11 h a través d'una fan sale per a la qual cal registrar-se a la web del Primavera Sound. A més a més, les persones residents a l'àrea metropolitana de Barcelona poden adquirir l'abonament general amb un 10% de descompte un cop hagin omplert el formulari corresponent.

Els abonaments generals es vendran a un preu de 295 euros (més despeses generals) i els VIP a 545 euros (més despeses generals). Després de la fan sale, la venda general s’obrirà el 30 de setembre a les 11 h a un preu de 350 euros (més despeses de distribució) l’abonament general i de 545 euros (més despeses de distribució) el VIP.

¿Cuántas entradas puedo comprar?

Puedes comprar hasta un máximo de seis entradas en Dice.

¿Cómo puedo llegar al festival?

El Primavera Sound se realiza en el Parc del Fòrum, y se puede llegar con la línea de tranvía T4 y la línea 4 de metro. También puedes usar los autobuses H16, H14, 7, 136, V31 y 143 y los autobuses nocturnos N6 y N7. El festival también pone a disposición del público lanzaderas especiales desde la plaza Catalunya.

¿Puedo ver el festival desde casa?

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El Sónar 2026 se celebrará del 18 al 20 de junio y será la primera vez que tendrá lugar íntegramente en la Fira Gran Via de l'Hospitalet, de manera que desaparece la separación entre Sónar de Dia y Sónar de Nit. Protagonizada por artistas como The Prodigy, Speedy J, Charlotte de Witte y Amelie Lens, entre muchos otros, esta edición también estrena nueva sede para el Sónar+D, en la Llotja de Mar, y vuelve Sónar Kids, la versión familiar del festival, que tendrá lugar el sábado 20 de junio en el Parc del Fòrum.

La 33.ª edición del festival de música, innovación y creatividad llega también después de la salida de los tres socios que fundaron Sónar en 1994 –Ricard Robles, Enric Palau y Sergi Caballero– y del CEO Ventura Barba, que se desvincularon del festival después de la edición de 2025, en la que un llamamiento al boicot a KKR produjo una serie de cancelaciones de artistas.

Se trata no solo de un cambio de formato, de horarios y ubicación. Con la nueva dirección del belga François Jozic, fundador de Brunch Electronik, el Sónar inicia también una nueva era.

El festival Mas i Mas nació en Barcelona hace más de veinte años para llenar el mes de agosto de música en directo, un mes en el que tradicionalmente la ciudad se vaciaba de actividad cultural. Durante todo este tiempo, ha ido creciendo y ahora encara la edición más ambiciosa –la 23ª–, con una cuarentena de conciertos durante seis meses –del 1 de abril al 6 de septiembre– en varias salas de Barcelona, las 1 y 3 del Jamboree –que és la sede del festival–, el Palau de la Música, la sala 2 de Razzmatazz, La Paloma y Paral·lel 62. 

Inaugurarà el festival la vibrafonista californiana Sasha Berliner, el miércoles 1 de abril en el Jamboree, pero hay muchos otros nombres internacionales en el programa. Y el jazz es la columna vertebral del programa, por supuesto, pero hay más. Por ejemplo, el nigeriano Seun Kuti, representante del afrobeat, género del que su célebre padre Fela Kuti fue pionero, con su grupo Egypt80; esto será el 7 de mayo en Razzmatazz 2.

También estarán Ghost-Note, la banda de funk, jazz y hip-hop liderada por el batería y el percusionista de Snarky Puppy, Robert Sput Searight y Nate Werth, que llegan con un elenco de músicos que han trabajado con artistas como Prince, Snoop Dogg, Kendrick Lamar, Herbie Hancock y Erykah Badu, el 6 de julio en el Jamboree; y la cantante de soul y R&B brasileño-noruega Charlotte Dos Santos, el 16 de mayo también en el sótano de la plaza Reial. 

El Guitar BCN 2026 incluye tres noches en el Palau Sant Jordi, el recinto cubierto más grande de la ciudad. Los encargados de llenarlo serán Amaral, cerrando su gira Dolce Vita Tour en diciembre; el fenómeno hip-hop Hijos de la Ruina (Natos, Waor y Recycled J), que llevarán sus beats masivos en mayo; y la cantautora canaria Valeria Castro, que ha pasado del Auditori Fòrum al Sant Jordi en tiempo récord.

El festival empieza con Bebe en Razzmatazz (8 de enero), Duncan Dhu en el Palau de la Música (15 de enero) y Alcalá Norte, la banda del momento de la escena post-punk madrileña, en el Sant Jordi Club (24 de enero). El hermano pequeño del Sant Jordi también acogerá al dúo Marlena y a los granadinos La Plazuela, que presentarán su esperado segundo disco con su fusión de flamenco y electrónica. También en el Sant Jordi Club, Iván Ferreiro hará un repaso a su trayectoria, desde la época de Los Piratas hasta la actualidad.

Tomarse una copa de vino es en sí un acto romántico, y todavía más cuando se hace en un escenario con encanto, como el Poble Espanyol. Si queréis vivirlo, podéis hacerlo del 29 al 31 de mayo, porque se celebra Vinàriament: un festival con vinos catalanes premiados que propone catas, maridajes, música en directo, sesiones de DJ y gastronomía de proximidad, y todo ello con unas vistas de la ciudad espectaculares. ¡Aquí podéis comprar las entradas anticipadas!

La cita reunirá vinos, cavas y vermuts distinguidos en los Premios Vinari 2025, con la participación de ocho bodegas: Domenio, L’Olivera, Maset, Vallformosa, Capçanes, Canals & Munné, Can Lleó y Padró Vermouth. Además, la propuesta va más allá de la cata tradicional: podréis participar en catas guiadas y maridajes comentados por sumilleres profesionales, con propuestas que incluyen vinos blancos, vermuts, quesos, chocolate y productos locales. También estará la actividad Vino & Vinilos: degustaciones al ritmo de música en vinilo. ¡Porque hay un vino para cada música!

La programación musical incluirá conciertos en directo y sesiones de DJ durante todo el fin de semana. El cartel contará con actuaciones de Axel Davis, LIL’MUSES y Pep Show Boys, así como sesiones de DJ Mussol y DJ Marian.

La oferta gastronómica volverá a ir a cargo del chef Fran López, del restaurante Villa Retiro de Xerta, con estrella Michelin, que presentará una propuesta basada en productos de proximidad para salivar. ¿Algunos ejemplos? Una tabla de quesos catalanes, sardinas marinadas y ostras del Delta. Pero también se podrán encontrar brandada de bacalao, calamares a la andaluza con mayonesa cítrica o croquetas de jamón ibérico y escalivada. La oferta se completa con un brioche de escalivada con emulsión de romesco y brioche de steak tartar, hamburguesa de vaca Angus de Girona y una selección de propuestas dulces.

¿Preparados para el festín? Las entradas ya están disponibles a partir de 5 euros.

Apuntad la fecha: 31 de mayo. El cantante catalán Pol Batlle aterriza dentro del ciclo para presentar su nuevo álbum A caballo voy en un formato que desafía lo que entendíamos hasta ahora como concierto. No se trata de una actuación convencional, sino de una propuesta que abre el proceso creativo y lo comparte con el público desde dentro: lo que normalmente queda detrás del escenario aquí se convierte en parte de la experiencia. Aquí no se viene solo a escuchar música: se viene a entender cómo nace, se construye y toma forma el universo del artista.

La presentación del disco se articula bajo el título La casa d’en Pol, el formato con el que se despliega esta experiencia inmersiva. La propuesta transforma la jornada en un recorrido en directo que combina proyección audiovisual, conversatorio con el propio Pol Batlle y concierto, con este orden: 17:00 h — Apertura de puertas, 18:00 h — Cine + conversatorio y 19:30 h — Concierto, en un encuentro que va de la imagen a la palabra y del relato a la música en directo.

Una experiencia que encuentra su sentido en el material que la sustenta: A caballo voy, un trabajo que nace del dolor pero se transforma en movimiento. Un disco que habla de aquello que nos atraviesa en silencio y de cómo seguir adelante sin perder la sensibilidad. Crudo, poético y profundamente humano, el proyecto oscila entre la fragilidad y la expansión emocional, fiel a una manera de hacer que rehúye las formas cerradas y apuesta por la verdad del proceso.

Con esta propuesta, el ciclo Efímera —impulsado por la Fundació ACICAC y producido por La Otra Orilla— continúa consolidándose como un espacio de creación viva. Un lugar donde artistas como Sílvia Pérez Cruz, Clara Peya y ahora Pol Batlle no solo muestran la obra terminada, sino también el proceso, la duda y la búsqueda. Aquí encontraréis las entradas. ¿Os apuntáis?

Hay una ciencia que no puede huir de las huidas que realizan los humanos a lo largo y ancho del mundo: la geografía humana. Y es que, tal como describe la directora Judith Pujol en la sinopsis de la obra, la huida deja tras de sí un mapa: “Quien huye lo hace de algún lugar, de algo o de alguien, y elabora a menudo, por ensayo y error, un mapa personal [...] Nuestros movimientos marcan estrías en el mapamundi del futuro y dejan huellas equiparables a las pinturas rupestres.” Y estas estrías son personales, pero también globales, y van dejando su grano de arena en la estructura geográfica del mundo.

Con esta exploración como punto de partida, la obra traza un itinerario a través de diferentes formas de huir. El hilo conductor es una conductora obsesionada por marcharse y su pareja, aferrada a quedarse, que nos hacen cuestionar qué significa esto del flight response. Pero el mosaico es mucho más amplio: también se ponen sobre el escenario otras perspectivas y maneras de escaparse, como la del esclavo Henry Box Brown, que se escondió dentro de una caja, o la de la poeta Elise Cowen, que se lanzó desde un séptimo piso.

En escena, cuatro intérpretes —Xavi Álvarez, Ricard Boyle, Laia Marull y Lara Salvador Peydró—, la bailarina Dasha Lavrennikov y la participación de la Coral Sant Jordi. Sería deseable poder decir que "cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia". Pero más del 90% de las fugas de este inventario responden a casos reales, documentos o memorias de fugitivos.

Inventari de fugues se puede ver en el Teatre Nacional de Catalunya del 28 de mayo al 21 de junio.

¿Qué pasa cuando todo lo que se piensa y se siente se pone encima de la mesa? La escritora británica Ella Hickson escribió L’autora (2018) con esta intención: sin pelos en la lengua. Tal como ella misma explica, la obra es un impulso instintivo que siguió hasta el final, sin imponerse ninguna censura y sin pensar en nada más que en lo que le salía de dentro. El resultado es una metapieza teatral en la que una guionista joven lucha ferozmente contra el comercialismo y la estructura patriarcal, a favor de una praxis creativa libre.

Anna Serrano Gatell la transporta al catalán y al escenario del Lliure de Gràcia del 7 de mayo al 7 de junio con una puesta en escena precisa, donde cada elemento tiene sentido y comparte el mismo peso que el resto: un actor no es más ni menos que una luz. La escenógrafa Judit Colomer articula este espacio con una coherencia que sostiene el conjunto sin estridencias.

Nausicaa Bonnín encabeza el reparto, acompañada de Javier Beltrán, Ravina Raventós y David Selvas, dando cuerpo a una pieza que no busca la comodidad del espectador. No es casual que, tras su estreno en Londres, generara incomodidad y controversia: la propia Hickson señaló que escribir con total libertad y provocar rechazo quizá evidencia hasta qué punto las mujeres raramente se expresan de una manera tan directa y sin filtros.

La propuesta se construye a partir de capítulos y lenguajes diversos que obligan a un cambio constante de registro; tal como explica Serrano, cada nueva escena implicaba un "cambio de chip mental muy fuerte cada vez que la arrancábamos". Lejos de una narrativa lineal, la obra avanza por impulsos y resonancias que atraviesan la escena y el pensamiento y se mantienen latentes a lo largo de toda la función. El vestuario de Berta Vallvé, la caracterización de Paula Barjau, la iluminación de Marc Salicrú, la música de Alejandro Da Rocha, el espacio sonoro de Carles Bernal y el movimiento de Natalia Fernandes contribuyen a esta construcción en tensión constante.

Es, en definitiva, uno de los textos más rompedores de la dramaturga: una pieza que incomoda, cuestiona y obliga a repensar quién tiene el derecho de contar las historias y desde qué lugar se hace. Aquí podéis comprar las entradas.

Del 8 de mayo al 7 de junio, L'Espai Lliure de Montjuïc se convierte en un espacio de alta tensión emocional y cierra temporada con El fill, una obra del noruego Jon Fosse, Premio Nobel de Literatura 2023, que habla más desde los silencios que desde las palabras. La dirección de Ferran Utzet construye una atmósfera densa y contenida: una casa aislada, un pueblo casi vacío y una espera que pesa.

Un hijo vuelve después de años fuera, pero el reencuentro no tiene nada de liberador. Todo lo contrario: no hay reencuentro idílico, sino incomodidad, silencio y una comunicación imposible que se va envenenando con la presencia de un vecino fisgón. Miradas que duran demasiado, frases que no llegan a decir lo que tendrían que decir y un clima que se va volviendo cada vez más opresivo.

El montaje se apoya en un reparto sólido que da densidad a este universo contenido. Guillem Balart y Jordi Figueras construyen una pareja atrapada en una rutina emocional agotada, donde el afecto existe, pero no encuentra canales para expresarse. Su interpretación trabaja desde la contención: miradas, pausas y pequeñas fisuras que dejan entrever todo lo que no se atreven a decir. El retorno del hijo, interpretado por Sebastián Mogordoy, actúa como detonante. Su presencia altera el equilibrio frágil de la casa e introduce una energía incómoda, casi extraña, que va desplazando la realidad de lo que parecía estable. En el centro de este triángulo está también Mercè Pons, que ofrece una interpretación llena de matices, capaz de sostener el peso emocional del silencio sin subrayarlo.

El fill no busca grandes explosiones, sino una tensión continua que convierte la incomunicación en el verdadero centro de la historia: una familia que se quiere, pero que no sabe cómo decírselo. Una temática con la que, quien más o quien menos, se puede sentir reflejado. No os la perdáis.

Siguiendo una estrella fugaz es el título de la exposición del Monasterio de Pedralbes sobre el legado fotográfico de Khadija Saye, artista gambiano-británica que capturó la identidad, la memoria y la dimensión espiritual de la experiencia negra a través de la cámara. La muestra se puede visitar del 6 de febrero al 31 de mayo y es especialmente relevante porque es la primera exposición dedicada a la artista en España y la primera retrospectiva a escala mundial. Saye alcanzó reconocimiento internacional con Dwelling: in this space we breathe (Vivienda: en este espacio respiramos), presentada en el Pabellón de la Diáspora de la Bienal de Venecia de 2017, donde fue la participante más joven.

Una estrella fugaz

La exposición sigue la breve pero potente trayectoria de Saye, que murió trágicamente en el incendio de la torre Grenfell en 2017, donde vivía con su madre y donde ambas perdieron la vida, junto con setenta personas más. Una joven promesa que dejó una huella imborrable como artista y como persona comprometida con su comunidad. Hija de la diáspora, creció en un entorno multicultural en el barrio de Hammersmith (Londres), y sus obras muestran una búsqueda que une la experiencia íntima con cuestiones universales.

Su obra en plano cenital

En la muestra, podréis descubrir gran parte de su legado, como sus primeros años como artista. Entre 2010 y 2013, mientras estudiaba fotografía en la University for the Creative Arts de Farnham, Khadija Saye concibió el retrato como una herramienta emancipadora para revelar la complejidad de la sociedad contemporánea. De esta etapa destacan tres series: Madame JoJo’s (2011), con retratos de la comunidad trans y travesti del Soho; People, sobre la mirada femenina negra como respuesta al colonialismo; y Living, con retratos de gambianos en sus salones londinenses.

Su serie más reconocida, Dwelling: in this space we breathe (2017), consta de nueve autorretratos en ferrotipo que exploran identidad, espiritualidad y trauma a través de objetos rituales gambianos. Tras su muerte, gran parte de su obra se perdió en el incendio de la torre Grenfell y la serie solo se ha podido preservar completa en formato serigrafiado.

Si queréis ver a esta artista en mayúsculas, aquí tenéis toda la información. También podéis participar en una visita de autor con la comisaria (domingo, 8 de marzo a las 12h), en un taller de retrato fotográfico intervenido (domingos 12 de abril y 10 de mayo, de 11 a 13h) y de visitas guiadas a la exposición en catalán y castellano.

Si vais donde haga falta para escuchar a vuestro músico favorito, ya no es necesario recorrer kilómetros hasta la capital: con el Festival Music Veu, los tenéis más cerca que nunca. El encuentro programa conciertos de grandes artistas como Rosario, Alfred García, Mariona Escoda o The Christians en distintos espacios del Alt Penedès, Baix Penedès, Garraf y Anoia, y no solo eso, sino que también elige escenarios singulares para que la experiencia sea aún más grandiosa. ¿Algunos ejemplos? El Espai Cultural Fòrum Berger, el Teatre Municipal Ateneu de Igualada, el Teatre Casal de Vilafranca del Penedès –Societat La Principal o bodegas emblemáticas del Penedès como Celler Avgvstvs Forvm, Jean Leon, Família Torres, Codorníu, Juvé y Camps, entre otras.

Programación completa

Para empezar el año con buen pie, la travesía musical arranca el 2 de enero con un Concierto de Año Nuevo a cargo de la Orquestra Simfònica de Sant Cugat en la Basílica de Santa Maria de Vilafranca del Penedès. Y esto es solo la punta de lanza de un programa espectacular. El festival continuará el 18 de enero con Laura Andrés, que presentará su proyecto Piano Piano en el Espai Cultural Fòrum Berger, una de las pianistas más personales del panorama neoclásico actual.

El mes de febrero se abrirá el día 8 con Halldor Mar Trio, la formación del músico islandés afincado en Cataluña, conocido por sus versiones folk-pop y por su capacidad de transformar canciones populares en piezas delicadas. La programación seguirá el día 22 con In Crescendo, el grupo vocal que, tras celebrar su décimo aniversario, se adentra en IN, un nuevo espectáculo a cappella que revisita grandes éxitos internacionales. Sin apenas pausa, el día 28 llegará el humor de Miki Dkai, que aterrizará en Sant Pere de Ribes con el espectáculo Padre de Familia: Cosas de Casa.

El mes de marzo ofrecerá una doble cita destacada: el día 14, Gerard Quintana y Jordi Batiste revisitarán el universo de Dylan en Igualada; y el día 21, la propuesta de e-Strings, un quinteto de cuerdas eléctricas que, acompañado de batería y teclados, fusiona músicas y estilos en un directo potente. A continuación, el día 28, el Teatre Casal de Vilafranca acogerá Michael Legend, un tributo a Michael Jackson que repasa los momentos más icónicos del Rey del Pop.

En abril, el día 12, el festival hace parada en Sant Sadurní d’Anoia con Mariona Escoda, ganadora de la primera edición de Eufòria, antes de continuar hacia El Vendrell el día 25 con la energía desbordante de The Black Barbies. El mes de mayo llegará cargado de grandes nombres: el día 23 actuará Alfred García en Família Torres, y el día 30, The Christians, leyendas británicas del soul-pop, protagonizarán una noche muy especial en Jean Leon.

Junio será un mes intenso, con el acústico de Sole Giménez el día 6 en Segura Viudas y el impecable tributo de bROTHERS iN bAND a Dire Straits el día 13 en Codorníu, espacio que también acogerá el día 14 a Rosario, una de las voces más carismáticas del flamenco-pop. También hará parada Maria Jaume el día 21, con su indie íntimo en Bell-Esguard, y Clarence Bekker Band el día 27, que llenará de energía la bodega Juvé & Camps.

Ya en pleno verano, el 25 de julio contará con La Reina del Pop, tributo a La Oreja de Van Gogh, en las Cavas Rovellats, mientras que el 24 de agosto los más pequeños y las familias podrán disfrutar de Els Atrapasomnis en un concierto gratuito en el Parc El Tívoli. La recta final del festival llegará en septiembre con las habaneras de Port Bo el día 19, en el Espai Far de Vilanova i la Geltrú, y con la poesía musical de Roger Mas el día 26, que cerrará el ciclo entre viñedos en la bodega Llopart. ¿A cuál os apuntáis? Aquí podéis comprar las entradas.

Un festival que suma cultura y compromiso social

Este año, la acción social se destina a la Asociación Autisme amb Futur, una entidad que trabaja para ofrecer servicios, acompañamiento y oportunidades a niños, jóvenes y adultos con autismo. El objetivo es mejorar la calidad de vida de las personas con trastorno del espectro autista y de sus familias.