Las mejores cosas para hacer en Barcelona en enero

Barcelona es la segunda ciudad con más establecimientos vintage y de segunda mano de España, así que no hay excusa para no formar parte de un modelo de consumo circular. Además, Barcelona también acoge maravillosos mercados vintage, una lista que ahora crece con la cuarta edición de la Vintagerie.

La pop-up de moda vintage y de segunda mano volverá a reunir a distintos vendedores en Potassi K19, en la calle Sant Pere Més Alt, 19, en el Born. Esta vez, sin embargo, se instalará en este espacio durante diez días, del 9 al 18 de enero, con cientos de prendas seleccionadas a mano que se repondrán cada día para que siempre haya novedades.

¿De qué va? ¿Por qué este escultor desconocido de época románica ha recibido el sobrenombre de “el Picasso del siglo XII”? En los rostros geométricos con ojos expresivos del Maestro de Cabestany, y en la desproporción y los volúmenes impactantes de sus esculturas, reside todo aquello que desde el presente hemos sabido denominar modernidad. En pleno románico, las obras del Maestro de Cabestany poseían un estilo característico que lo diferenciaba de sus coetáneos. Por ello, aunque conocemos pocos detalles de la vida de esta figura, su trabajo ha sido reconocido desde la Toscana hasta el Mediodía francés, pasando por Cataluña y Navarra.

¿Por qué hay que ir? Con esta exposición, el MNAC rinde homenaje al escultor más célebre del románico catalán partiendo de la incorporación reciente de nuevas piezas al museo; concretamente, fragmentos que formaban parte de la portada de mármol del monasterio de Sant Pere de Rodes. Por tanto, la muestra se centra en la construcción del mito de la abadía de Rodes, un espacio único, destino de peregrinaje, vinculado a un paisaje ancestral y a la antigua Roma.

¿De qué va? Los colores de la ciudad compiten ahora con los del “maestro del color”, que aterriza en una exposición en el CaixaForum. La explosión cromática de Henri Matisse se podrá ver en este museo de la ciudad hasta el 16 de agosto en el marco de la exposición Chez Matisse. El legado de una nueva pintura, organizada en colaboración con el Centro Pompidou de París con el objetivo de mostrar al público barcelonés cómo el genio francés revolucionó el arte del siglo XX.

¿Por qué hay que ir? La muestra reúne cerca de un centenar de obras para explicar por qué su visión de la pintura fue (y en muchos casos, sigue siendo) un hogar acogedor para la modernidad y una influencia para generaciones de creadores posteriores. Ahora bien, en la exposición no hay solo obras de Matisse, sino que las 45 obras del pintor fauvista dialogan con 49 piezas de otros gigantes del arte como Picasso, Braque, Derain, Raoul Dufy, Le Corbusier o Sonia Delaunay. Uno de los grandes reclamos es la presencia de La Moulade, una pieza clave pintada en Colliure que marcó el nacimiento del movimiento fauve y que sirve como eje central de esta colección inédita en la ciudad.

¿De qué va? Entre finales del siglo XIX e inicios del XX, los Nabis querían restablecer la unidad del arte y allanaban el terreno para la modernidad venidera. Este movimiento, situado en la transición entre el modernismo y las primeras vanguardias, se caracterizaba por un diálogo constante entre la pintura, la arquitectura y las artes decorativas gracias al juego entre el color, la forma y el ritmo de las composiciones artísticas. Ahora, los Nabis entran en La Pedrera en la primera gran exposición monográfica en Barcelona de este movimiento.

¿Por qué hay que ir? La muestra reúne una amplia selección de obras de entre finales del siglo XIX e inicios del XX que nos permiten conocer los principios estéticos y conceptuales de este grupo artístico, que exploró el carácter decorativo de la pintura y encontró la manera de integrarla en la vida cotidiana.

¿De qué va? El Museu Tàpies acoge la muestra El moviment perpetu del mur, una exposición que explora el papel que la noción de muro desencadenó en la obra de Antoni Tàpies desde el contexto de la Segunda Guerra Mundial hasta las décadas posteriores, tanto a nivel simbólico como pictórico y físico.

¿Por qué hay que ir? Este proyecto se centra especialmente en la década de 1950, un período clave de transformación en la práctica artística de Tàpies. A través de este recorrido se plantean nuevas perspectivas sobre el desarrollo de su lenguaje pictórico y sobre la relación entre obra, espacio y espectador. La exposición toma como punto de partida cuatro exposiciones individuales que el artista realizó durante esta década —en las Galerías Layetanas de Barcelona (1950 y 1954), en la Galerie Stadler de París (1956) y en la Sala Gaspar de Barcelona (1960). Cada una de estas muestras presentaba grupos de obras distintos y también diferentes soluciones de montaje. El proyecto analiza cómo estos dispositivos expositivos —la iluminación, la disposición de las obras o el color de las paredes— pueden influir en la percepción y la interpretación de la pintura. Asimismo, explica cómo la obra de Tàpies fue interpretada por críticos, pensadores e historiadores del arte del momento, y cómo se conecta con debates presentes en el pensamiento artístico contemporáneo.

De qué va? El Centre d’Arts Santa Mònica acoge El asalto de la ilusión, que se puede visitar hasta el 27 de septiembre, una exposición coral que reúne trabajos de diversos artistas para analizar cómo el arte ha contribuido a construir aquello que entendemos como realidad. A través de una puesta en escena cambiante y llena de trampas visuales, la muestra conecta técnicas históricas de representación con problemáticas actuales como la posverdad, la manipulación mediática o la irrupción de la inteligencia artificial.

¿Por qué hay que ir? La exposición está concebida como un recorrido en constante movimiento. Espejos, velos y paredes móviles configuran un espacio que se transforma a medida que el visitante avanza, generando una sensación de inestabilidad que afecta directamente a la percepción. Pintura, fotografía, vídeo e instalación conviven en un mismo itinerario, poniendo de manifiesto cómo cada lenguaje construye una idea distinta de realidad.

¿De qué va? El Palau Robert presenta Mako, un proyecto expositivo impulsado por Casa Asia y la Fundación J. Llorens Artigas que rinde homenaje a la diseñadora y ceramista japonesa Mako Artigas. La exposición puede visitarse del 13 de marzo al 7 de junio y ofrece una mirada amplia a más de cincuenta años de trayectoria artística, marcada por la sensibilidad, la materia y el color.

¿Por qué hay que ir? La exposición reúne una selección representativa de su trabajo: desde los primeros tejidos estampados (1959-1970), vinculados a la fábrica familiar en Japón y a sus etapas en Cataluña y París, hasta los dibujos para firmas como Kenzo, Dior, Courrèges o Paco Rabanne. A estas piezas se suman cerámicas de gres y porcelana creadas en las últimas décadas, donde el gesto se vuelve más íntimo y la forma más esencial.

¿De qué va? El CCCB acogerá, hasta el 25 de mayo, la exposición "Rodoreda, un bosque", dedicada a la radicalidad literaria y al imaginario creativo de la escritora en lengua catalana más importante del siglo XX. Comisariada por la ensayista y crítica literaria Neus Penalba, la muestra pretende alejarse de los tópicos, a menudo edulcorados, que han rodeado su figura y mostrar la faceta más contemporánea de Rodoreda, donde la escritura transita entre el realismo y la fantasía para hablarnos de la inocencia, el deseo, el suicidio, el desarraigo, el escarnio o la metafísica.

¿Por qué hay que ir? La muestra se sirve de la metáfora del bosque para concebir el espacio expositivo. Las salas se conectan orgánicamente, utilizando este símil para explicar la trayectoria de la autora a través de un recorrido por las raíces literarias y la experiencia del desarraigo del exilio, los troncos marcados por la vivencia de la guerra, las ramas que dialogan con la cultura occidental y las copas que rozan el cielo y acogen pájaros. A través de esta estructura se despliegan más de 400 piezas entre obra plástica, instalaciones, documentos y audiovisuales, incorporando originales de la Fundación Mercè Rodoreda.

¿De qué va? El proyecto de la artista Anna Moreno que revisita algunos de los proyectos utópicos de los años setenta impulsados por el arquitecto Ricardo Bofill. A través del cine, la instalación y la investigación artística, la exposición plantea una reflexión sobre las tensiones entre las aspiraciones utópicas de la arquitectura moderna y las realidades sociales y políticas que a menudo impidieron su materialización.

¿Por qué hay que ir? El proyecto toma como eje central el film The Terminal Beach, que documenta el estado actual de un asentamiento nómada construido en 1979 en el desierto argelino por el estudio de Ricardo Bofill. Este proyecto, concebido dentro del periodo más experimental del arquitecto, quedó inconcluso y ejemplifica las contradicciones entre el sueño utópico y la realidad política y social de la época.

¿De qué va? Del 6 de marzo al 17 de mayo, el CCCB acoge la exposición Tenemos diecisiete años. Un retrato colectivo en el CCCB, un espacio que reúne las obras de más de trescientos adolescentes que explican qué significa este número para ellos a través de la fotografía, el cine y la palabra.

¿Por qué hay que ir? En la exposición se pueden ver fotografías, filmaciones y textos en primera persona: miradas genuinas que se alejan de los prejuicios de los adultos y de los códigos habituales de representación de la adolescencia en la actualidad. Los autores son estudiantes de institutos de Cataluña, Lituania y Rumanía que han participado en talleres de creación fotográfica y artística para explorar otras maneras de retratarse y mostrarse.

¿De qué va? Hasta el 28 de septiembre, el MACBA acoge Prisioneros del amor. Hasta el sol de la libertad, la primera exposición en España de los artistas Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme. La muestra reúne obras que recorren casi dos décadas de su trayectoria y reflexionan sobre la memoria, el exilio y las formas de resistencia frente a la opresión y el expolio de Palestina.

¿Por qué hay que ir? A través de voces, canciones, sonidos e imágenes, los artistas conectan experiencias personales con historias colectivas de lucha y, en una aparente paradoja, ponen el acento en la importancia de la alegría, del amor y de la imaginación colectiva como formas poderosas de resistencia, incluso —y sobre todo— en condiciones extremas.

El filósofo Gilles Deleuze y el pintor Nicolas de Staël solo tienen aparentemente una cosa en común: su muerte. Ambos se lanzaron por la ventana, con 40 años de diferencia. ¿Y el boxeador mataronense Fred Galiana? ¿Y la vedete Juanita de Tánger? Un año después de la muerte de Deleuze, en 1996, dos estudiantes de filosofía están en París intentando analizar el Abecedario de Deleuze, la serie de entrevistas que el filósofo dejó como legado, pero mientras Jan (Joan Sentís) se obsesiona con ello, Maria (Míriam Moukhles) se desanima y sale de la madriguera académica. Él encuentra el nexo entre el pintor y el filósofo: su hija (Cris Martínez). Y ella topa con otra verdad: un cuaderno donde estaría el origen de todos los cuentos. Y lo que parece una obra de tesis se convierte en un cabaret filosófico donde Moukhles se transforma en la perfecta vedete.

Si en Nodi: de gossos i malditos (2024), Moukhles i Sentís hicieron una brillante investigación histórica en la subcultura barcelonesa de los años 70 y 80, con Pau Riba y Pau Malvido como referentes, en Abecedari buscan otras cosas. De todas las letras de Deleuze, hay una en la que caen a menudo: la C, de Cultura. Para el filósofo, la cultura no es conocimiento sino encuentro, con cosas y no con personas. Y aquí tanto el entusiasta como la decepcionada seguirán caminos diferentes para llegar al mismo lugar. Pero lo importante, teatralmente hablando, será el camino, porque no siempre para ir de A a C tienes que pasar por B.

La excesiva frontalidad, la escasa teatralidad y un cierto hieratismo son algunos de los riesgos a los que se enfrentan los directores de escena cuando deciden adaptar textos narrativos, pero en Retorn a Haifa se nota que Àlex Rigola no es la primera vez que lo hace y que tiene entre manos un material precioso que ha sabido descifrar como solo lo logra alguien que ama mucho su trabajo y a los actores y las actrices que trabajan con él.

La historia original escrita por el escritor y activista palestino Gassam Kanafani nos narra el viaje de Cisjordania a Haifa de una pareja que, veinte años atrás, tuvo que dejar la ciudad portuaria ante la llegada del victorioso ejército israelí, justo cuando se fundaba el Estado de Israel, en 1948. Saïd (Jordi Figueras) y Safia (Chantal Aimée) aprovechan la apertura de fronteras de 1967 para volver a su casa, al hogar que les arrebataron. ¿Qué encontrarán? ¿A quién encontrarán? Hace veinte años, aparte de toda una vida, también abandonaron a su bebé de cinco meses, Khaldun. Y no han sabido nada de él desde entonces.

Según Tiago Rodrigues, el mundo está separado en dos hemisferios: el posible y el imposible. El primero sería Occidente o, mejor dicho, todos esos lugares que pueden permitirse el lujo de no vivir permanentemente en estado de guerra. El otro correspondería a todos esos rincones que están sometidos a las bombas. En medio estarían los trabajadores humanitarios, todos aquellos que, proviniendo de lo "posible", trabajan en lo "imposible". ¿La razón? Un trabajo como cualquier otro, dicen los personajes del director y dramaturgo portugués. Pero es algo más que eso.

Hace un par de años, el propio Rodrigues trajo este mismo espectáculo, que ahora ha estrenado La Perla 29, al festival Temporada Alta. En Barcelona, es Cristina Genebat quien se ha encargado de dirigirlo, en lo que supone su debut con la batuta.  

Carlo Goldoni escribió en el siglo XVIII la Trilogia della villeggiatura con la intención de reírse de los veraneantes, de los burgueses y nobles venecianos que dejaban su casa en verano para trasladarse a otro lugar y tirar, literalmente, la casa por la ventana. Había quienes se lo podían permitir. Pero había otros que no. Y la compañía Els Pirates ha cogido el clásico, ha dejado en cuatro intérpretes una obra que pide doce personajes, la ha desnudado de toda escenografía, ha vestido a los actores y a las actrices de manera bastante decente y ha reescrito levemente el texto para llevar la comedia hasta nuestros días.

Lo mejor es cómo la compañía asume el desafío que supone que los intérpretes tengan que hacerse suyos dos o tres personajes. Porque se puede romper la cuarta pared tirando pintura a la platea o, simplemente, dirigiéndose a ella, diciendo la verdad, porque la magia aparece, pero puede ser una magia barata de teatro de proximidad, igualmente maravillosa. Magia, al fin y al cabo.

'Ànima' podía haberse desarrollado como todos los musicales de época, con príncipes azules, bellas durmientes, un sesgo de género maloliente y todo el azúcar que quisierais. Y, de hecho, el musical que ha estrenado el TNC, ambientado en los años 30 del siglo pasado, en EEUU, parece que tiene que ir por ahí. Porque tenemos a nuestra protagonista, Greta (Paula Malia), que se va de su pueblo para probar suerte en Hollywood, y dejar atrás la pobreza y una vida planificada. ¿La salvará un hombre caritativo? No, una historia creada en el 2024 no puede ser como 'Cantando bajo la lluvia'.

Y eso que tenemos todo el universo Disney por delante, el del nacimiento del imperio, el de la creación de 'Blancanieves', el primer largometraje animado y en color de la historia. El sueño de Greta es trabajar para el gran Walter (Oriol Burés). No lo conseguirá a la primera, como ya podíamos esperar. El argumento, sin embargo, irá adquiriendo toques de comedia de enredos, más allá de la historia de formación y superación de una mujer que lo tiene todo en contra. E incluso reiremos. En esta complejidad se encuentra el punto a favor de 'Ànima'. Y una dirección escénica de Gara Roda que sabe sacarle jugo a un giratorio capaz de transformar la escena en pocos instantes.

'Ànima' podía haberse desarrollado como todos los musicales de época, con príncipes azules, bellas durmientes, un sesgo de género maloliente y todo el azúcar que quisierais. Y, de hecho, el musical estrenado el TNC (ahora en el Tívoli), ambientado en los años 30 del siglo pasado, en EEUU, parece que tiene que ir por ahí. Porque tenemos a nuestra protagonista, Greta (Paula Malia), que se va de su pueblo para probar suerte en Hollywood, y dejar atrás la pobreza y una vida planificada. ¿La salvará un hombre caritativo? No, una historia creada en el 2024 no puede ser como 'Cantando bajo la lluvia'.

Y eso que tenemos todo el universo Disney por delante, el del nacimiento del imperio, el de la creación de 'Blancanieves', el primer largometraje animado y en color de la historia. El sueño de Greta es trabajar para el gran Walter (Oriol Burés). No lo conseguirá a la primera, como ya podíamos esperar. El argumento, sin embargo, irá adquiriendo toques de comedia de enredos, más allá de la historia de formación y superación de una mujer que lo tiene todo en contra. E incluso reiremos. En esta complejidad se encuentra el punto a favor de 'Ànima'. Y una dirección escénica de Gara Roda que sabe sacarle jugo a un giratorio capaz de transformar la escena en pocos instantes.

El festival Mas i Mas nació en Barcelona hace más de veinte años para llenar el mes de agosto de música en directo, un mes en el que tradicionalmente la ciudad se vaciaba de actividad cultural. Durante todo este tiempo, ha ido creciendo y ahora encara la edición más ambiciosa –la 23ª–, con una cuarentena de conciertos durante seis meses –del 1 de abril al 6 de septiembre– en varias salas de Barcelona, las 1 y 3 del Jamboree –que és la sede del festival–, el Palau de la Música, la sala 2 de Razzmatazz, La Paloma y Paral·lel 62. 

Inaugurarà el festival la vibrafonista californiana Sasha Berliner, el miércoles 1 de abril en el Jamboree, pero hay muchos otros nombres internacionales en el programa. Y el jazz es la columna vertebral del programa, por supuesto, pero hay más. Por ejemplo, el nigeriano Seun Kuti, representante del afrobeat, género del que su célebre padre Fela Kuti fue pionero, con su grupo Egypt80; esto será el 7 de mayo en Razzmatazz 2.

También estarán Ghost-Note, la banda de funk, jazz y hip-hop liderada por el batería y el percusionista de Snarky Puppy, Robert Sput Searight y Nate Werth, que llegan con un elenco de músicos que han trabajado con artistas como Prince, Snoop Dogg, Kendrick Lamar, Herbie Hancock y Erykah Badu, el 6 de julio en el Jamboree; y la cantante de soul y R&B brasileño-noruega Charlotte Dos Santos, el 16 de mayo también en el sótano de la plaza Reial. 

Cada vez sirve menos la excusa de que la música clásica es elitista o que no es para todo el mundo. Iniciativas como los conciertos de La Mercè, Clàssica a la Platja y Ciutat de Clàssica (estas dos últimas de Barcelona Obertura) acercan el género a la ciudadanía con propuestas muchas veces gratuitas que son una muy buena oportunidad tanto para melómanos como para neófitos o simples curiosos. 

El Barcelona Obertura Ciutat de Clàssica, que se celebra por séptima vez del 5 de marzo al 1 de abril, ofrece una programación mixta de 27 conciertos gratuitos y 25 de pago, en 29 espacios emblemáticos de la ciudad. Aparte de los tres grandes equipamientos de clásica –L'Auditori, el Palau de la Música y el Gran Teatre del Liceu– hay una veintena larga de escenarios repartidos por todos los distritos, como la Torre Bellesguard, el Palauet Albeniz y la Casa Vicens, entre los que se incorporan este año. 

Después de sorprender al público del Primavera Sound 2025 con un DJ set sorpresa, donde por cierto, Kevin Parker estrenó alguna canción de su nuevo disco, ahora vuelve a Barcelona con banda para presentar como Dios manda Deadbeat (2025), su quinto álbum, seis años más tarde del anterior, The slow rush (2020). Será el miércoles 8 de abril y representará el estreno en el Palau Sant Jordi de un grupo que hemos visto unas cuantas veces en festival –el Primavera Sound–, pero no en sala, si no nos falla la memoria.

El nuevo trabajo, inspirado en la escena rave australiana, es una nueva colección de canciones con el estilo característico de Tame Impala: unos gramos de psicodelia, una pizca de electrónica y otro poco de pop etéreo, todo regado por el falsete marca de la casa, con singles como End of summer, Loser, Dracula y My old ways. Ganas de ver cómo funciona en directo al lado de hits como The less I know the better, Borderline y Let it happen.

El británico Louis Tomlinson hará una parada en Barcelona con su gira mundial How Did We Get Here? el 12 de abril en el Palau Sant Jordi, y también pasará por Madrid el 13 de abril en el Movistar Arena. Inició su carrera como miembro de One Direction y, más tarde, consolidó su camino en solitario con giras internacionales, como Faith in the Future World Tour, que agotaron entradas en todo el mundo.

La gira es con motivo de la publicación de su tercer disco How Did I Get Here?, que salió en enero de 2026, un trabajo que él mismo define como el más honesto y personal de su trayectoria. Tomlinson se muestra en él sin filtros, apostando por la sinceridad y la libertad creativa, y profundizando en su identidad como compositor e intérprete. Temas como Lemonade, Palaces e Imposter muestran su evolución artística combinando energía, espíritu indie y momentos íntimos.

Por fin llega el momento más esperado por los fans de Rosalía desde que publicó su nuevo álbum: verla en directo. Pues bien, el LUX Tour 2026 de la de Sant Esteve Sesrovires ya está en marcha e incluye cuatro fechas en Barcelona: serán los días 13, 15, 17 y 18 de abril en el Palau Sant Jordi. Teniendo en cuenta que Oques Grasses agotaron todas las entradas para cuatro conciertos en el Estadio Olímpico, quizá se haya quedado corta. ¿Cabrán todos los fans de Rosalía en cuatro Sant Jordis?

Algunos conoceréis más a Leïti Sène de Élite y de Benvinguts a la família, pero ya hace tiempo que aparcó su carrera de actor para centrarse en la música. De la misma manera, se ha apartado de las tentaciones de la vida de estrella y se ha volcado en la familia –con 27 años ya tiene tres hijos– y en la búsqueda de sus raíces africanas y de la espiritualidad del Islam. Todo esto está muy presente en su nuevo trabajo, Sene kor Sene (2026), que presenta en directo en Razzmatazz el 17 de abril.

El año 2023 fue el primer grupo que actuó en La Paloma después de la reapertura. Las canciones de Mishima ponían fin, de esta manera, a 16 años de cierre de la emblemática sala de baile de la calle del Tigre y lo hacían con una fiesta empapada de Sant Jordi.

Por cuarto año consecutivo, durante la vigilia de Sant Jordi, el 22 de abril, ofrecerán un espectáculo de música, literatura y rosas que esta vez contará con un cartel literario formado por Eva Baltasar, Pol Guasch, Carlota Gurt y Biel Mesquida, que leerán fragmentos de sus últimos libros con el acompañamiento del grupo.

En el bis, como siempre, llegará la sorpresa: estrenarán la adaptación al catalán de un éxito mundial como ya han hecho antes con Roses (Flowers, de Miley Cyrus), La diablessa (La diabla, de Xavi) y HdHFMD (DtMF, de Bad Bunny).

La 31.ª edición del Cicle de Cançó Barnasants reúne 59 conciertos en diversas salas de Cataluña, Baleares, l'Alguer y y Valencia con nombres como Carmen Consoli, Marc Parrot, Feliu Ventura y Fetus. Habrá seis producciones propias y más de 25 estrenos discográficos. El homenaje a Lluís Llach Llach – Gener 76. 50 anys abrirá el cartel con dos conciertos en el Palau de la Música, el 27 y 28 de enero, y la clausura correrá a cargo de la cantautora Montse Castellà, que celebra 30 años de carrera, el 10 de mayo en Amposta.

También se ha programado, el 24 de abril en el Casino l'Aliança del Poblenou, un homenaje a Robe Iniesta, líder y cantante de Extremoduro, que falleció recientemente y donde participarán diversos artistas. Más información y entradas en la web del festival.

El Guitar BCN 2026 incluye tres noches en el Palau Sant Jordi, el recinto cubierto más grande de la ciudad. Los encargados de llenarlo serán Amaral, cerrando su gira Dolce Vita Tour en diciembre; el fenómeno hip-hop Hijos de la Ruina (Natos, Waor y Recycled J), que llevarán sus beats masivos en mayo; y la cantautora canaria Valeria Castro, que ha pasado del Auditori Fòrum al Sant Jordi en tiempo récord.

El festival empieza con Bebe en Razzmatazz (8 de enero), Duncan Dhu en el Palau de la Música (15 de enero) y Alcalá Norte, la banda del momento de la escena post-punk madrileña, en el Sant Jordi Club (24 de enero). El hermano pequeño del Sant Jordi también acogerá al dúo Marlena y a los granadinos La Plazuela, que presentarán su esperado segundo disco con su fusión de flamenco y electrónica. También en el Sant Jordi Club, Iván Ferreiro hará un repaso a su trayectoria, desde la época de Los Piratas hasta la actualidad.

¿De qué va? Dos hermanas y sus maridos e hijos se reúnen para celebrar la Navidad en Finlandia, donde vive una de ellas. El encuentro tomará enseguida una inesperada dirección cuando el hijo de una le explica a la hija de la otra quién se esconde realmente detrás de la barba de Papá Noel. Lo que debían ser unos plácidos días en familia se convierten en una guerra abierta por su opuesta forma de entender la educación de los hijos y la magia de la Navidad.

¿Por qué tienes que verla? Para comprobar si la versión cinematográfica mantiene las claves que convirtieron la obra teatral homónima de Cristina Clemente y Marta Buchaca en todo un éxito. Partiendo de una idea original del dramaturgo Jordi Casanovas, Lapönia utiliza la comedia basada en diálogos y réplicas rapidísimas e ingeniosas para reflexionar sobre conceptos como la ilusión, el futuro y la mentira ("os habéis criado en un país que tiene la mentira como base social", soltará el marido finlandés de una de las protagonistas).

Con una estructura que coloca a cuatro personajes en un mismo espacio, la nueva película de David Serrano (Días de fútbol, Voy a pasármelo bien) bebe de referentes confesados como aquel Un dios salvaje de Roman Polanski. Eso sí, un pelín menos violento. Un perfecto y divertido vehículo de lucimiento para intérpretes como Ángela Cervantes, Natalia Verbeke y Julián López.

¿Cuándo se estrena? El 1 de abril.

Dir.: David Serrano (España, 2026). 89 min.

¿De qué va? En un determinado momento, la hija del protagonista le espeta que ha superado seis crisis de gobierno sin hacer nada. Mariano de Santis, presidente de la República Italiana, sabe que es el momento de posicionarse. Y tendrá que hacerlo tomando tres decisiones que se adivinan trascendentales. Dos tienen que ver con la petición de indulto de dos condenados por asesinato ante circunstancias bastante singulares. Y la tercera es la de firmar o no una ley de la eutanasia, teniendo en cuenta que él es demócrata-cristiano.

¿Por qué tienes que verla? Porque cualquier película firmada por Paolo Sorrentino merece atención inmediata. Y, más aún, si supone el reencuentro con su actor favorito, Toni Servillo, que ganó por este papel la Copa Volpi en el Festival de Venecia.

El icónico Jep Gambardella de La gran belleza (2013) es aquí un respetado político de esos que hoy en día parecen extinguirse como los dinosaurios: inteligente y humanista, dialogante y reflexivo. La dupla actor-director (un Sorrentino menos felliniano que nunca) funciona como un reloj en una película que es un contundente alegato en contra de la equidistancia y en favor de la política en mayúsculas.

¿Cuándo se estrena? El 1 de abril.

Dir.: Paolo Sorrentino (Italia, 2025). 133 min.

¿De qué va? Minutos después de sobrevivir a la sanguinaria versión del escondite que remataba su boda, Grace (Samara Weaving) respiraba tranquila fumándose un cigarrillo. Pero enseguida se dará cuenta de que la pesadilla no ha terminado y que, detrás de sus suegros y cuñados (y las costumbres vinculadas con una muy singular manera de entender los juegos), hay otras familias que, desde las élites financieras, controlan el mundo. Ahora, Grace y su hermana (Kathryn Newton) tendrán que seguir enfrentándose a una todavía más retorcida amenaza mortal.

¿Por qué tienes que verla? Por la ingeniosísima y desacomplejada mezcla de terror y comedia con mucha mala leche que convirtió la original en un pequeño fenómeno entre los fans del género. Ahora, sus responsables amplían el universo satánico de la primera película y presentan una secuela más grotesca y operística, que multiplica los elementos de sátira social que señalaban a las élites económicas como el Mal en mayúsculas.

La dupla de directores y guionistas formada por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, que ya revitalizaron Scream a partir de la quinta entrega de la saga, vuelve a contar con una estelar Samara Weaving. Y en el reparto destacan un Elijah Wood (eterno Frodo de El Señor de los Anillos) que arranca carcajadas con su personaje de abogado que nunca levanta la voz, y un tal David Cronenberg, el director de Crash que aquí se divierte en una breve y muy graciosa aparición como actor.

¿Cuándo se estrena? El 1 de abril.

Dir.: Matt Bettinelli-Olpin & Tyler Gillett (EE.UU., 2026). 108 min.

¿De qué va? La sombra de la violencia en la separación de sus padres despierta la rabia de una adolescente confundida que se siente entre dos aguas. La esperada reunión en un punto de encuentro, de esos destinados a garantizar el derecho de los menores en situaciones de alta conflictividad familiar, provocará que la relación entre Carmela y su padre evolucione desde la admiración y el amor absoluto hasta una inevitable toma de conciencia ante la cual es inútil rebelarse.

¿Por qué tienes que verla? Tras la estupenda carta de presentación que supuso Ama (2019), la cineasta catalana Júlia de Paz Solvas presenta ahora una mirada tan delicada como punzante a la violencia machista desde la perspectiva de una adolescente. Desarrollando una premisa presentada en el galardonado cortometraje Harta, la directora y su cómplice y coguionista Núria Dunjó siguen a una protagonista omnipresente que, poco a poco, empieza a entender que la violencia tiene muchas más capas de las evidentes. Y que, tal vez, su perspectiva sobre la expulsión del padre del núcleo familiar está equivocada.

Uno de los grandes reclamos de este viaje del amor al desamor (y viceversa) es el descubrimiento de una promesa que ya es realidad: Kiara Arancibia (qué ojos, qué miradas, qué silencios) debuta interpretando a Carmela, el alma de una película llena de momentos de intimidad que cuesta olvidar. Sobre todo, aquellos que comparte con Julián Villagrán, el padre que se resiste, como sea, a perder a su familia.

¿Cuándo se estrena? El 10 de abril.

Dir.: Júlia de Paz Solvas (España, 2025). 101 min.

¿De qué va? Un hombre que se presenta como llegado del futuro entra en una cafetería amenazando con hacer explotar las bombas que lleva pegadas al cuerpo si no consigue formar un equipo para salvar al mundo de un apocalipsis causado por una poderosa inteligencia artificial. El intruso explica que este es su intento número 117, y que volverá las veces que haga falta. Una chica alérgica a los teléfonos móviles y a las redes wi-fi, una mujer que ha perdido a su hijo, un chófer y una pareja de profesores de instituto se apuntan, sin ganas, a una misión con mal pronóstico.

¿Por qué tienes que verla? Un poco de Terminator y otro poco de Atrapado en el tiempo. Pero no solo eso. Y, en el fondo, nada que ver. Porque esta comedia distópica llena de buenas ideas, ambiciosa y excesiva, irregular pero tremendamente satisfactoria, tiene un punto de partida que puede recordar ligeramente al de los dos clásicos citados, pero un desarrollo alejado, siempre sorprendente y completamente enloquecido.

Así pues, cine para dejarse llevar y participar del juego propuesto por el cineasta Gore Verbinski (director de The Mexican y de tres entregas de Piratas del Caribe) y por el guionista Matthew Robinson. Un divertimento extravagante que dispara contra la realidad digital de adicciones al móvil y a las redes sociales, y a los peligros de una IA sin los protocolos necesarios.

¿Cuándo se estrena? El 10 de abril.

Dir.: Gore Verbinski (EE.UU., 2025). 134 min.

¿De qué va? John es diagnosticado con el Síndrome de Tourette en su adolescencia, después de ser señalado por sus compañeros de instituto como un alumno loco. A partir de ahí, el chico crece convencido de la necesidad de hacer campaña para visibilizar y desestigmatizar un trastorno neuropsiquiátrico crónico caracterizado por tics motores y vocales, muchas veces palabras y expresiones obscenas, que se manifiestan de forma involuntaria y repetitiva.

¿Por qué tienes que verla? Por su descomplejada condición de feel-good movie que, con un altísimo porcentaje de éxito, hará salir a los espectadores de las salas con una enorme sonrisa de satisfacción. Su director, Kirk Jones, ya lo hizo con la magnífica Despertando a Ned (1998), y vuelve a apostar por la suma de risas y lagrimones como combinación invencible para contar la historia real del activista escocés John Davidson, que se dio a conocer en el año 1989 cuando, con solo 16 años, protagonizó el documental de la BBC John's not mad. Además, la película supone un espaldarazo para el actor Robert Aramayo (visto en Juego de Tronos), flamante ganador del premio Bafta a mejor actor por su trabajo.

¿Cuándo se estrena? El 10 de abril.

Dir.: Kirk Jones (Reino Unido, 2025). 120 min.

¿De qué va? Hija única de una familia conservadora y católica de una ciudad de provincias, Adela (Elisabeth Martínez) vive marcada por una tremenda represión y por el absoluto desconocimiento de su intersexualidad, que desde la ignorancia condiciona su vida. Conocer a un singular cura homosexual (Paco León) y a una mujer luminosa y fascinante (Anna Castillo) provocará una reacción en cadena que despertará la necesidad de autoconocimiento de la protagonista.

¿Por qué tienes que verla? En su presentación al Festival de Málaga, el director Fernando González Molina (Tres metros sobre el cielo, El guardián invisible) explicaba que, con esta relectura, que no remake, del clásico de Jaime de Armiñán que descubrió una insólita cara de José Luis López Vázquez, han querido hacer “un homenaje a una obra maestra. Nos permitía poner el foco sobre zonas de sombra de una película hija de su tiempo. Cosas que intuías pero que no te explicaban, como la condición intersexual de la protagonista, Adela. Explicando al espectador qué es esta intersexualidad porque, pese a lo que pueda parecer, casi nadie lo tiene muy claro, y es importante darle visibilidad”.

Con la apuesta como protagonista por Elisabeth Martínez, actriz novel y también intersexual, Mi querida señorita quiere reflexionar sobre la identidad y la diferencia, y, por encima de todo, sobre amarse a uno mismo. Producida por los Javis, Netflix la estrenará en los cines un par de semanas antes de ofrecerla en su plataforma.

¿Cuándo se estrena? El 17 de abril.

Dir.: Fernando González Molina (España, 2026). 112 min.

¿De qué va? París, 2045. Dividida en tres zonas según la clase social de los habitantes, la capital francesa está controlada por una inteligencia artificial llamada Alma, capaz de decidir la culpabilidad ante un delito incluso antes de que se cometa. Dos policías provenientes de diferentes zonas serán los encargados de unir fuerzas para investigar el asesinato del creador de Alma.

¿Por qué tienes que verla? Por el pulso narrativo que el cineasta Cédric Jimenez ya ha demostrado en thrillers anteriores como Novembre (2022) o Conexión Marsella (2014), y que aquí se mezcla con los elementos propios de una distopía que convierte al estado en una especie de Gran Hermano, y que recuerda a películas ya clásicas como Minority report y Blade runner. Además, Zona 3 cuenta con un reparto magnífico de grandes figuras del cine francés: Gilles Lellouche y Adèle Exarchopoulos son la pareja protagonista, acompañada de Romain Duris, Valeria Bruni Tedeschi y Louis Garrel. Con trepidantes escenas de acción y un magnífico uso de París como escenario, Zona 3 engancha y no te deja ni un momento de respiro.

¿Cuándo se estrena? El 24 de abril.

Dir.: Cédric Jimenez (Francia, 2025). 100 min.

¿De qué va? El protagonista de esta comedia con un punto amargo ha terminado una novela pero ninguna editorial la encuentra lo bastante buena como para publicarla. Mientras intenta ganarse la vida trabajando en una librería e impartiendo un curso de escritura online, nuestro hombre sale una noche de fiesta y conoce a una chica que podría ser la musa que buscaba y que le inspire para superar sus inseguridades y el bloqueo que sufre.

¿Por qué tienes que verla? Por la frescura que desprende y la voluntad de retrato de una generación marcada por la precariedad laboral, la frustración y las bofetadas de realidad ante unas expectativas que difícilmente se convertirán en realidad. Superar un bloqueo creativo no deja de ser una metáfora de los muros que aparecen en el salto a la vida adulta. Sin demasiadas pretensiones, Casi todo bien avanza por las calles de Madrid entre bares y librerías, y se beneficia de la química entre Marcel Borràs y Silma López, y de las breves apariciones de Julián Villagrán, Adelfa Calvo y Secun de la Rosa.

¿Cuándo se estrena? El 22 de abril.

Dir.: Andrés Salmoyraghi y Rafael López Saubidet (España, 2026). 88 min

¿De qué va? En un mundo que ha perdido su capacidad de soñar, una mujer descubre una misteriosa criatura monstruosa que todavía es capaz de experimentar los sueños, y consigue adentrarse en ellos tratando de entender los secretos de esta bestia. Una premisa casi críptica para una película que nunca deja de sorprender en su firme apuesta por la poesía y los sentidos: cada uno de los capítulos que estructuran la (no) trama sirven para dar cuerpo a la idea del cineasta Bi Gan: vista, olfato, gusto, oído y tacto, y también la mente, se convierten en un marco que nos lleva de la mano en un singular viaje en el tiempo a través del cine.

¿Por qué tienes que verla? Pocas películas han despertado una unanimidad crítica tan entusiasta tras presentarse en el Festival de Cannes. No se llevó la Palma de Oro, pero sí un Premio Especial del Jurado: “Es como un OVNI, un invento extraordinario”, justificaba Juliette Binoche, presidenta de un jurado que ponía en valor la poética experiencia sensorial que supone esta monumental y abrumadora carta de amor al cine que va más allá, abriendo caminos narrativos ricos e inesperados.

El particular y distintivo lenguaje visual que propone el director chino Bi Gan (que ya había dejado boquiabiertos a los asistentes de Cannes cuando presentó Largo viaje hacia la noche y su hipnótico plano-secuencia en 3D de casi una hora) se convierte en una fiesta llena de referencias y homenajes: el cine mudo y el expresionismo alemán, Méliès y Nosferatu, el cine negro, el melodrama, los vampiros, los espejos de La dama de Shanghái, los motoristas de Easy rider...

¿Cuándo se estrena? El 30 de abril.

Dir.: Bi Gan (China, 2025). 160 min.

“No hay nada más difícil que crear un ballet sobre una persona concreta.” Estas palabras del aclamado coreógrafo y director estadounidense John Neumeier, que estuvo al frente del Ballet de Hamburgo durante 50 años, forman parte del dilema al que se enfrentó al iniciar la difícil tarea de llevar a escena la vida de un genio del ballet: Vaslav Nijinsky (1889-1950). Bailarín principal de los ballets rusos de Serge Diaghilev y célebre por su virtuosismo y por la profundidad de sus caracterizaciones, conquistó al público de todas partes hasta que los efectos de la esquizofrenia lo alejaron de los escenarios en el año 1919.

Este Nijinski que ahora aterriza en el Liceu, y según palabras de Neumeier, quiere ser una biografía del alma, de los sentimientos y de los estados de la condición humana de uno de los bailarines más dotados de la historia. Lo consigue con un ballet en dos actos que no es narrativo sino que aborda la historia desde dos enfoques coreográficos y nuevos equilibrios entre la música y el movimiento. El primer acto recuerda su sensacional carrera con los Ballets Rusos, los papeles más representativos de su trayectoria, como el esclavo de oro de Schéhérazade, así como personajes de su vida privada. El segundo se enfrenta a la locura de Nijinski con recuerdos de infancia y de familia que se entrelazan con visiones angustiosas de la Primera Guerra Mundial, una guerra que, a ojos del propio Nijinski, le hacía pensar que no era él quien había enloquecido sino el mundo que lo rodeaba.

Un espectáculo formidable con solo cuatro funciones en el Liceu y todo un homenaje al bailarín legendario que cambió el mundo del ballet para siempre. ¡No os lo perdáis!

¿Un festival de arte sobre el mar? Es posible y es el caso de Art Explora, un festival que muestra diversas disciplinas artísticas y que navega por las aguas de Barcelona del 26 de marzo al 6 de abril. Esto es literal, ya que el festival se realiza en un barco que, una vez atraque en el muelle de Barcelona Nord, desplegará su programación tanto en el mar como en tierra (fuera y dentro del medio náutico). ¿Preparados para esta experiencia de lujo? ¡Se trata del primer barco museo del mundo y del catamarán de vela más grande del mundo!

De acceso libre y abierto a todos, la cita convierte el puerto en un polo cultural vibrante que combina exposiciones, experiencias inmersivas y actuaciones en directo. Después, pondrá rumbo a Ibiza, donde el festival continúa. Las directoras de orquesta de la programación son Rosa Lleó, comisaria independiente de Barcelona que ha trabajado con instituciones como el CA2M, el MAAT y CaixaForum, y fundadora de The Green Parrot; y Maguette Dieng, DJ y productora, cofundadora de Jokkoo Collective, que utiliza el sonido como herramienta de transformación sociopolítica y memoria colectiva.

Exposiciones y actuaciones en vivo

A parte de las actividades y actuaciones dentro del barco, el muelle de Barcelona acogerá tres pabellones expositivos que amplían la experiencia artística. Present, creada en colaboración con el Museo del Louvre, es una muestra inmersiva dedicada a las figuras femeninas de las civilizaciones mediterráneas. Introducida por una película, se desarrolla en un túnel de 16 metros con pantallas LED que presentan obras icónicas como la Victoria de Samotracia, junto a diosas, sacerdotisas y mujeres anónimas.

En el Pabellón Central, Sota l’Atzur explora el Mediterráneo como espacio de mito, memoria y tensión, con artistas históricos y contemporáneos como Marguerite Humeau, Joan Miró y Jean Painlevé. En cada sede del festival, una pieza patrimonial local conecta la muestra con la historia marítima; en Barcelona, procede del Museo de Arqueología de Cataluña. La exposición está comisariada por Rebecca Lamarche-Vadel y Blanche de Lestrange.

El Pabellón de Fotografía acoge Contracorrent, centrada en migración, exilio y hospitalidad en el mundo árabe, con obras de Bouchra Khalili, Akram Zaatari y Forensic Oceanography, comisariada por Amanda Abi Khalil y Danielle Makhoul.

La programación en vivo ofrece actuaciones, conversaciones y conciertos abiertos al público, con artistas como Poncili Creación, Nadah El Shazly y Jokkoo Collective. ¿Listos para sumergiros en todo este mar de arte? Aquí podéis reservar las entradas y actividades.

El tándem más iconoclasta de la escena catalana, Nao Albet y Marcel Borràs, que además de grandes actores son directores consolidados y con una larga trayectoria, da un paso más allá con su nuevo espectáculo: Els Estunmen, una ópera experimental, coproducción entre el Teatre Lliure, el Gran Teatre del Liceu, Teatros del Canal y el Teatro Real de Madrid. Con un argumento (y una portada visual) que hace alusión a las películas de acción más míticas, la obra promete una narrativa muy pirotécnica. Y es que la protagonista, tras la muerte trágica de su hijo, inicia un viaje de no retorno en busca de venganza, con un grupo de héroes que le ofrecerá las herramientas necesarias para llevarla a cabo. Un argumento que, además, cuestiona la violencia desde el mismo lenguaje que las ha convertido en espectáculo.

El título rinde homenaje a los stuntmen, los especialistas de cine que se encargan de ejecutar escenas de riesgo como persecuciones, caídas o peleas. A partir de este colectivo de profesionales, Els estunmen pone el foco en la figura heroica: el héroe es quien se expone, quien arriesga y quien intenta superar los límites de su propia condición.

En ella se explora y cuestiona al héroe, planteando qué ideología se esconde detrás y qué patrones perpetúa. La obra también busca deconstruir estas representaciones clásicas, fuertemente arraigadas en la tradición cinematográfica.

Con música del compositor Fernando Velázquez, el espectáculo cuenta también con un reparto de alto impacto, con Nao Albet y Marcel Borràs acompañados por un equipo sólido: Óscar Dorta (La línea invisible), Núria Lloansi (Les de l’hoquei), Marc Padró (Sky Rojo) y Carlos Robles (El inocente). Una potencia escénica que se ve reforzada por un reparto vocal igualmente sólido: Sandra Ferrández (mezzosoprano), Marifé Nogales (mezzosoprano), Gabriel Díaz (contratenor), Vicenç Esteve Madrid (tenor), José Ansaldi (tenor) y Josep Ferrer (bajo). ¿Os atrevéis a redescubrir la ópera desde los ojos de estos creadores radicalmente contemporáneos? Aquí podéis conseguir las entradas.

Noches que pasan volando, aplausos que parecen no acabar nunca y silencios que os dejan sin aliento. En el Liceu, todo esto se hace realidad: un escenario que no solo programa ópera, sino que crea experiencias capaces de ponernos la piel de gallina. Y cuando hablamos de intensidad, hay un nombre que siempre vuelve: Giacomo Puccini. Sus heroínas no son perfectas: aman, dudan y se equivocan… y precisamente por eso nos cautivan y nos arrastran hasta el final. Estrenada en 1893 como su primer gran éxito, Manon Lescaut vuelve al Liceu del 17 de marzo al 1 de abril, para hacernos vivir toda la pasión y las emociones que solo Puccini sabe crear.

Y toda esa pasión se escucha en cada nota. La música de Puccini va directa al corazón: desde el romántico “Donna non vidi mai” hasta el devastador “Sola, perduta, abbandonata”, cada escena late con una intensidad que anticipa el genio que más tarde nos haría llorar con La bohème o temblar con Tosca.

La historia es tan sencilla como intensa. Manon es joven, inquieta y con ganas de comerse el mundo. Cuando conoce a Des Grieux, el amor es inmediato e impulsivo, de esos que te hacen tomar decisiones sin mirar atrás. Pero la aparición de Geronte, rico y poderoso, pone sobre la mesa otra tentación: estabilidad, lujo, una vida fácil. Y aquí nace el verdadero conflicto: ¿qué pesa más, el corazón o la ambición? Entre fugas, reencuentros y decisiones que lo cambian todo, Manon Lescaut despliega una espiral de emociones donde nada es blanco o negro.

La puesta en escena de Àlex Ollé da un giro contemporáneo que impacta: Manon y su hermano atraviesan fronteras y viven situaciones extremas, con vestuario urbano y escenografía que va desde estaciones de autobuses hasta clubs y celdas, mientras el LOVE recuerda que la pasión lo guía todo. Al frente, la soprano Asmik Grigorian, una de las mejores de la actualidad, encarna a Manon con fuerza, vulnerabilidad e intensidad. A su lado, el tenor Joshua Guerrero aporta pasión y energía a Des Grieux, formando un dúo que convierte la ópera en un imprescindible de la temporada del Liceu.

La ópera catalana se renueva sin perder la esencia del clásico. Este es uno de los principios de NovAria, la compañía que lleva más de diez años acercando el repertorio clásico a nuevos públicos, que inicia una nueva etapa apostando por el talento emergente catalán. Con solo 26 años, Jofre Bardolet asume el cargo de director musical, impulsando oportunidades reales para que los jóvenes músicos catalanes consoliden su carrera sin tener que marcharse al extranjero.

Tras un exitoso debut, podemos ver Madama Butterfly el 9 de abril en el Casino Aliança de Poblenou. Esta obra de Giacomo Puccini, una de las más aclamadas internacionalmente, es un drama pasional y trágico con melodías exóticas y música verista que cautiva con una historia profunda e intensa. En escena, más de 70 artistas —coro, solistas y ballet— llenan tanto la orquesta como el escenario, completamente integrados. El montaje combina auténticos vestidos japoneses y diseños de Josep Abril, creando una estética única e inmersiva. Con una duración de dos horas y un entreacto de 15 minutos, el espectáculo acerca la ópera clásica al público contemporáneo de manera cercana e intensa.

La incorporación de Jofre Bardolet como nuevo director musical no solo refuerza el compromiso de NovAria con el talento emergente, sino que también simboliza una nueva manera de concebir la ópera en Cataluña: rigurosa, fiel al repertorio clásico y, al mismo tiempo, accesible y cercana al público. Tras su debut en el Palau de la Música Catalana con La Traviata, Bardolet continúa una trayectoria polifacética que combina dirección, creación y producción.

NovAria combina pasión, tradición y frescura en espectáculos accesibles, con formatos cortos y orquesta visible, para acercar la ópera a todos los públicos, especialmente a los no habituales. Desde su fundación en 2015, la compañía apuesta por el relevo generacional y ofrece oportunidades reales al talento joven, manteniendo viva la tradición operística y ampliando el acceso del repertorio clásico al público contemporáneo. Aquí podéis consultar las próximas funciones. ¿Os lo vais a perder?

¿Os quedáis fascinados con los espectáculos en directo? Los ‘Sábados de ópera’ vuelven este este febrero y hasta mediados de abril para llenaros de música que os llegará a lo más profundo y os hará vivir tardes únicas en Barcelona, junto al Mediterráneo. Gracias a su gran éxito, el Eurostars Grand Marina Hotel 5* G.L. vuelve a subir el telón con una nueva temporada de recitales tributo a las grandes arias de la ópera. Solo los sábados, un trío musical junto a un pianista os deleitará en The Corner Cocktail Bar, el espacio exclusivo en el lobby del hotel, con interpretaciones en directo y una atmósfera inigualable.

Además, podréis disfrutar de aperitivos especiales, pensados exclusivamente para la ocasión, y de cócteles de autor. Y todavía hay más... para quienes deseen prolongar la velada, el hotel ofrece la opción de completar la noche con una exquisita cena en su restaurante Aire de Mar. El acceso a los ‘Sábados de ópera’ está abierto a todo el mundo, tanto a huéspedes del hotel como a visitantes externos, ¡para que todos podáis disfrutar del arte y el lujo! La entrada es libre, con consumición mínima, y el hotel obsequiará a los asistentes con una copa de cava de bienvenida.

Los conciertos, que se celebrarán todos los sábados, empiezan a las 20:30 h y duran una hora. Así que, si os supera la pasión por la música y queréis vivir una experiencia única, reservad ya las butacas más privilegiadas de la ciudad y no os perdáis esta oportunidad de disfrutar de un espectáculo de ópera en directo.

No hace falta ir lejos para vivir grandes experiencias y dejarse sorprender. Y aquí está la prueba: hasta el 26 de abril, Barcelona se llena de cultura con la 19.ª edición del circuito ESCENA, el festival que ofrece 178 funciones gratuitas —con reserva previa— repartidas en 34 escenarios de proximidad de la Red de Centros Cívicos (consulta la agenda aquí). El objetivo es claro: acercar las artes escénicas a toda la ciudad y garantizar que todo el mundo pueda disfrutar del teatro, la música, la danza y el circo de forma accesible y compartida.

El pistoletazo de salida fue el viernes 6 de febrero con cinco funciones inaugurales —tres conciertos y dos obras de teatro— que dejaron el listón bien alto. De las 178 funciones totales, 145 están destinadas al público general y el resto son sesiones especiales para grupos escolares de infantil, primaria y secundaria.

Siguiendo una estrella fugaz es el título de la exposición del Monasterio de Pedralbes sobre el legado fotográfico de Khadija Saye, artista gambiano-británica que capturó la identidad, la memoria y la dimensión espiritual de la experiencia negra a través de la cámara. La muestra se puede visitar del 6 de febrero al 31 de mayo y es especialmente relevante porque es la primera exposición dedicada a la artista en España y la primera retrospectiva a escala mundial. Saye alcanzó reconocimiento internacional con Dwelling: in this space we breathe (Vivienda: en este espacio respiramos), presentada en el Pabellón de la Diáspora de la Bienal de Venecia de 2017, donde fue la participante más joven.

Una estrella fugaz

La exposición sigue la breve pero potente trayectoria de Saye, que murió trágicamente en el incendio de la torre Grenfell en 2017, donde vivía con su madre y donde ambas perdieron la vida, junto con setenta personas más. Una joven promesa que dejó una huella imborrable como artista y como persona comprometida con su comunidad. Hija de la diáspora, creció en un entorno multicultural en el barrio de Hammersmith (Londres), y sus obras muestran una búsqueda que une la experiencia íntima con cuestiones universales.

Su obra en plano cenital

En la muestra, podréis descubrir gran parte de su legado, como sus primeros años como artista. Entre 2010 y 2013, mientras estudiaba fotografía en la University for the Creative Arts de Farnham, Khadija Saye concibió el retrato como una herramienta emancipadora para revelar la complejidad de la sociedad contemporánea. De esta etapa destacan tres series: Madame JoJo’s (2011), con retratos de la comunidad trans y travesti del Soho; People, sobre la mirada femenina negra como respuesta al colonialismo; y Living, con retratos de gambianos en sus salones londinenses.

Su serie más reconocida, Dwelling: in this space we breathe (2017), consta de nueve autorretratos en ferrotipo que exploran identidad, espiritualidad y trauma a través de objetos rituales gambianos. Tras su muerte, gran parte de su obra se perdió en el incendio de la torre Grenfell y la serie solo se ha podido preservar completa en formato serigrafiado.

Si queréis ver a esta artista en mayúsculas, aquí tenéis toda la información. También podéis participar en una visita de autor con la comisaria (domingo, 8 de marzo a las 12h), en un taller de retrato fotográfico intervenido (domingos 12 de abril y 10 de mayo, de 11 a 13h) y de visitas guiadas a la exposición en catalán y castellano.

Eros Ramazzotti regresa a los escenarios con su gira Una Historia Importante, que hará parada en el Palau Sant Jordi de Barcelona el 2 de mayo de 2026. Una nueva experiencia en vivo del artista italiano, quien siempre ha sido muy bien recibido en la capital catalana.

Una Historia Importante, nombre de una de sus canciones más emblemáticas, da título a una gira que reafirma el estrecho lazo entre Eros y sus seguidores, una conexión genuina y perdurable que trasciende el tiempo, las fronteras y las generaciones.

Una trayectoria construida a base de música y sentimientos que continúa desarrollándose con la misma intensidad de siempre, respaldada por más de 80 millones de álbumes vendidos y más de 9.300 millones de reproducciones a nivel mundial.

Las entradas se ponen a la venta el jueves, 17 de abril, a las 10 h.

Si vais donde haga falta para escuchar a vuestro músico favorito, ya no es necesario recorrer kilómetros hasta la capital: con el Festival Music Veu, los tenéis más cerca que nunca. El encuentro programa conciertos de grandes artistas como Rosario, Alfred García, Mariona Escoda o The Christians en distintos espacios del Alt Penedès, Baix Penedès, Garraf y Anoia, y no solo eso, sino que también elige escenarios singulares para que la experiencia sea aún más grandiosa. ¿Algunos ejemplos? El Espai Cultural Fòrum Berger, el Teatre Municipal Ateneu de Igualada, el Teatre Casal de Vilafranca del Penedès –Societat La Principal o bodegas emblemáticas del Penedès como Celler Avgvstvs Forvm, Jean Leon, Família Torres, Codorníu, Juvé y Camps, entre otras.

Programación completa

Para empezar el año con buen pie, la travesía musical arranca el 2 de enero con un Concierto de Año Nuevo a cargo de la Orquestra Simfònica de Sant Cugat en la Basílica de Santa Maria de Vilafranca del Penedès. Y esto es solo la punta de lanza de un programa espectacular. El festival continuará el 18 de enero con Laura Andrés, que presentará su proyecto Piano Piano en el Espai Cultural Fòrum Berger, una de las pianistas más personales del panorama neoclásico actual.

El mes de febrero se abrirá el día 8 con Halldor Mar Trio, la formación del músico islandés afincado en Cataluña, conocido por sus versiones folk-pop y por su capacidad de transformar canciones populares en piezas delicadas. La programación seguirá el día 22 con In Crescendo, el grupo vocal que, tras celebrar su décimo aniversario, se adentra en IN, un nuevo espectáculo a cappella que revisita grandes éxitos internacionales. Sin apenas pausa, el día 28 llegará el humor de Miki Dkai, que aterrizará en Sant Pere de Ribes con el espectáculo Padre de Familia: Cosas de Casa.

El mes de marzo ofrecerá una doble cita destacada: el día 14, Gerard Quintana y Jordi Batiste revisitarán el universo de Dylan en Igualada; y el día 21, la propuesta de e-Strings, un quinteto de cuerdas eléctricas que, acompañado de batería y teclados, fusiona músicas y estilos en un directo potente. A continuación, el día 28, el Teatre Casal de Vilafranca acogerá Michael Legend, un tributo a Michael Jackson que repasa los momentos más icónicos del Rey del Pop.

En abril, el día 12, el festival hace parada en Sant Sadurní d’Anoia con Mariona Escoda, ganadora de la primera edición de Eufòria, antes de continuar hacia El Vendrell el día 25 con la energía desbordante de The Black Barbies. El mes de mayo llegará cargado de grandes nombres: el día 23 actuará Alfred García en Família Torres, y el día 30, The Christians, leyendas británicas del soul-pop, protagonizarán una noche muy especial en Jean Leon.

Junio será un mes intenso, con el acústico de Sole Giménez el día 6 en Segura Viudas y el impecable tributo de bROTHERS iN bAND a Dire Straits el día 13 en Codorníu, espacio que también acogerá el día 14 a Rosario, una de las voces más carismáticas del flamenco-pop. También hará parada Maria Jaume el día 21, con su indie íntimo en Bell-Esguard, y Clarence Bekker Band el día 27, que llenará de energía la bodega Juvé & Camps.

Ya en pleno verano, el 25 de julio contará con La Reina del Pop, tributo a La Oreja de Van Gogh, en las Cavas Rovellats, mientras que el 24 de agosto los más pequeños y las familias podrán disfrutar de Els Atrapasomnis en un concierto gratuito en el Parc El Tívoli. La recta final del festival llegará en septiembre con las habaneras de Port Bo el día 19, en el Espai Far de Vilanova i la Geltrú, y con la poesía musical de Roger Mas el día 26, que cerrará el ciclo entre viñedos en la bodega Llopart. ¿A cuál os apuntáis? Aquí podéis comprar las entradas.

Un festival que suma cultura y compromiso social

Este año, la acción social se destina a la Asociación Autisme amb Futur, una entidad que trabaja para ofrecer servicios, acompañamiento y oportunidades a niños, jóvenes y adultos con autismo. El objetivo es mejorar la calidad de vida de las personas con trastorno del espectro autista y de sus familias.