Las mejores cosas para hacer en Barcelona en enero

¿De qué va? En esta exposición hay más de 300 imágenes de grandes artistas de la cultura europea, todas filtradas por el criterio y el pensamiento de Georges Didi-Huberman, uno de los historiadores del arte y filósofos más importantes de nuestro siglo.

¿Por qué hay que ir? La muestra reivindica el poder transformador de las imágenes, su capacidad de conmocionarnos, y se pregunta: ¿cómo hemos representado las emociones en el arte? Las respuestas las articulan artistas como Brecht, Camarón, Colita, Dalí, Giacometti, Goethe, Goya, Hugo, Jahnsen, Lorca, Mercadier, Miró, Pasolini, Picasso, Rodin, Trouvé o Zürn.

¿De qué va? Pedro Pablo Rubens fue el artífice de una pintura que desbordaba los márgenes del lienzo. Con sus cuerpos en movimiento, sus escenas cargadas de tensión y su pincelada impulsiva, construyó una estética que marcó a toda una generación de artistas flamencos. Ahora, esa misma energía creadora se revive en Rubens y el Barroco flamenco, una exposición que puede visitarse en CaixaForum del 29 de mayo al 21 de septiembre. 

Las cerca de sesenta obras, procedentes del Museo Nacional del Prado, nos trasladan al siglo XVII. Un tiempo atravesado por la religión, el poder y la imagen como herramienta de persuasión. Entre las piezas destacadas se encuentran El nacimiento de Apolo y Diana, La muerte de Séneca y La Inmaculada Concepción, obras que muestran la capacidad de Rubens de trazar pintura y mensaje a la vez.

¿Por qué hay que ir?  La muestra se organiza en siete ámbitos temáticos —Pasiones divinas, Imagen y contrarreforma, La creación arrebatada, entre otros— que trazan un recorrido por la intensidad simbólica del Barroco flamenco. Rubens no solo dialoga con sus coetáneos, como Van Dyck o Brueghel, sino también con el espectador actual, al que interpela desde lo visual, lo corporal y lo político.

¿De qué va? Francesc d’Assís Galí i Fabra (1880–1965) fue una figura clave del arte catalán del siglo XX, aunque optó por mantenerse en la sombra como maestro de artistas como Joan Miró o Llorens Artigas. Esta exposición pretende reivindicar su figura, a menudo eclipsada por su propia voluntad de discreción. El maestro invisible puede visitarse en el Museu Nacional d'Art de Catalunya del 21 de mayo al 14 de septiembre.

¿Por qué hay que ir? Galí desarrolló una obra que atraviesa movimientos como el modernismo, el noucentisme y las vanguardias, destacando como pintor, muralista, pedagogo y cartelista. Con esta exposición, el MNAC no solo recupera su memoria, sino que reinterpreta críticamente el legado simbólico e histórico de Galí y del propio museo, conectándolo con los procesos de construcción nacional e institucional de la Cataluña del siglo XX.

¿De qué va? La Fundación Foto Colectania acoge una reflexión crítica sobre el papel de la fotografía en las culturas digitales. Comisariada por Jon Uriarte, la muestra reúne obras de 14 artistas internacionales que investigan cómo las imágenes digitales, lejos de representar el mundo físico, crean y estructuran los espacios virtuales en los que vivimos.

¿Por qué hay que ir? La exposición examina la desorientación contemporánea provocada por la hibridación entre lo físico y lo digital, a través de entornos como los videojuegos, las redes sociales, los coches autónomos, la exploración espacial o los mapas en línea. Frente a una tradición visual orientada a encontrar un destino, muchos artistas proponen hoy el perderse como una estrategia crítica ante un mundo hiperconectado.

¿De qué va? Citissimum, altissimum, fortissimum es una exposición colectiva en el centro Santa Mònica que reflexiona sobre el deporte de competición como metáfora del mundo contemporáneo, disponible hasta el 14 de septiembre. Más allá del ámbito deportivo, la muestra aborda cómo la sociedad actual se ha convertido en un gran escenario de rendimiento, medición y competitividad, donde personas, cuerpos y acciones están sometidos a una lógica de autosuperación constante.

¿Por qué hay que ir? A través de obras de diversos artistas y colectivos, y con ironía y desconstrucción, se exploran temas como el control del cuerpo, la presión por mejorar y la mercantilización del esfuerzo. El deporte se presenta como un símbolo claro de esta cultura de comparación incesante, donde la tecnología, los datos y los valores de productividad y eficiencia dominan el relato. La exposición invita a cuestionar cómo esta obsesión colectiva por superarnos, aparentemente natural, se ha convertido en espectáculo y en dogma interiorizado.

¿De qué van? El centro KBr Fundación MAPFRE Barcelona presenta dos exposiciones destacadas: Edward Weston. La materia de las formas y Joan Andreu Puig Farran: la década convulsa (1929-1939), que se pueden visitar del 12 de junio al 31 de agosto. Ambas muestras profundizan en la fotografía como medio artístico y documental.

¿Por qué hay que ir? Weston, figura clave de la modernidad fotográfica norteamericana, destaca por sus imágenes en blanco y negro de gran formato, centradas en la forma y la naturaleza. La exposición reúne 198 fotografías, libros y una película, mostrando la evolución de su estilo y su papel en el grupo f/64, un colectivo de fotógrafos estadounidenses que defendía una fotografía nítida, directa y sin manipulación. Puig Farran, fotógrafo leridano activo entre 1929 y 1939, documentó la convulsa realidad catalana y los frentes de guerra. La exposición recoge copias originales y reproducciones a partir de su archivo, revelando una figura poco conocida pero esencial del fotoperiodismo catalán.

¿De qué va? La exposición Tiempos inciertos. Alemania entre guerras en CaixaForum indaga en las tensiones y la abundante creatividad que despertó el período comprendido entre el final de la Primera Guerra Mundial y el inicio de la Segunda, la República de Weimar (1919-1933). Un período bisagra entre dos acontecimientos trágicos que, en contraposición, estuvo marcado por una propuesta de sociedad basada en la razón, la igualdad y la democracia, y que dio lugar a un estallido de artistas muy innovadores, como Thomas Mann, Käthe Kollwitz u Otto Dix.

¿Por qué hay que ir? En la muestra, disponible hasta el 20 de julio, pueden verse algunas de las obras de estos grandes maestros. Fotografías, pintura, escultura, escenografía, música, juegos interactivos y proyecciones llenan las distintas salas del CaixaForum para ilustrar la Alemania de entreguerras con una visión transversal.

¿De qué va? La obra de Marria Pratts opera como un diario personal. En los lienzos juntos de fantasmas, smileys y garabatos de color rosa, la pintora desgrana las experiencias que le han marcado como artista y como persona. La exposición que le ha dedicado la Galería Mayoral se vertebra a través de dos momentos vitales: la muerte de su madre, cuando el artista era todavía una criatura, y el nacimiento de su hijo.

¿Por qué hay que ir? Para ver como el arte une el pasado y el futuro con un punto de vista esperanzador. Pratts innova en la técnica, pero es heredera de la pintura de Tàpies y Miró. Y los temas que pinta son universales: la muerte, el nacimiento y el amor están en el centro de su obra, que es capaz de sacudirnos desde la potencia y el impacto, pero también desde la ternura y la sensibilidad.

¿De qué va? Nadie pinta desde cero. Pero al observar las pinturas matéricas de Antoni Tàpies, con sus colores lisos, materiales pobres y la extrema simplicidad de sus símbolos, podríamos llegar a pensar que el artista lo consiguió. En sus obras más famosas, Tàpies nos invita al silencio y a la contemplación, para que aprendamos a mirar con más profundidad en un mundo saturado de imágenes. Ahora, el museo se pregunta: ¿cuál era el imaginario de Tàpies cuando empezó a pintar?

¿Por qué hay que ir?
Para sumergirte en el entorno visual del artista a través de medio centenar de obras y más de un centenar de objetos y documentos de distintas naturalezas. Después de un año de celebración por el centenario de Tàpies, esta exposición nos invita a redescubrirlo desde nuevas perspectivas, cuestionando los relatos más hegemónicos sobre su trayectoria.

¿De qué va? La exposición Plegarias de resistencia recoge más de 25 años de trayectoria de Carlos Motta, un artista que explora el cuerpo y la disidencia sexual como formas de protesta política. La muestra incluye desde sus primeros autorretratos fotográficos hasta sus performances y videoinstalaciones más recientes, creando un recorrido por su evolución artística y temática.

¿Por qué hay que ir? Motta investiga los archivos históricos para revelar violencias y silencios impuestos por el poder. Cuestiona la visión eurocéntrica de la historia, la colonización y el papel de la religión como herramienta de control. Establecido en Nueva York desde los años noventa, su trabajo trata la política de género, la sexualidad y la crisis del VIH/sida.

Hay muchos hilos que conectan El monstre con El cos més bonic que s’haurà trobat mai en aquest lloc, posiblemente la obra de la última etapa de Josep Maria Miró que más éxitos le ha dado. En la pieza que estrenó Pere Arquillué, teníamos el relato de un crimen en un pueblo aislado, cerrado. Había una carretera secundaria, disputas locales no resueltas y un enigma. Aquí, en El monstre, tenemos una localidad similar y otra vía poco transitada, pero en lugar de escribir un monólogo, el dramaturgo ha concebido un montaje, que también dirige, para tres actores. Uno es Santi (Albert Prat) y la otra es Berta (Àurea Márquez), una pareja irregular. En medio está, precisamente, el monstre (Joan Negrié).

Pero en el teatro de Miró nada es tan sencillo. De entrada, la escritura es rica y milimétrica. Juega intensamente con el simbolismo, quizá más que nunca, y con el género, porque El monstre bien podría ser una obra de terror psicológico, que el director acentúa con la banda sonora y una iluminación en claroscuro. Todo hace que permanezcas clavado en la butaca, expectante, siguiendo al detalle las intervenciones de los intérpretes.

Si La tempestat que ha dirigido Oriol Broggi es una gran función, es por los versos traducidos por Jaume Coll Mariné, el Próspero de Lluís Soler, el Ariel de Babou Cham y la Miranda de Clara de Ramon. Porque sin estos cuatro elementos, el montaje podría ser más bien anecdótico o, simplemente, un retroceso en el tiempo, ya que nos transporta a la época en que el director barcelonés levantaba Hamlet en la Biblioteca de Catalunya y nos maravillaba: la profundidad, el lirismo, la pulcritud. No hay nada que no hayamos visto. Y todo sigue funcionando.

Las crónicas del siglo XVII sitúan The tempest como la última obra que escribió Shakespeare, en 1611, cinco años antes de su muerte. Es una pieza canónica en cinco actos, que se mueve entre la obra romántica y la tragicomedia, escrita en un 80% en pentámetro yámbico, donde no muere nadie. Y muchos la han visto como el testamento del Bardo, encarnado en la figura de Próspero, el duque de Milán desterrado que encuentra refugio en una isla, con su hija Miranda, donde puede desplegar su magia gracias a un espíritu, Ariel, mientras subyuga al indígena Caliban.

Uno de los grandes descubrimientos del último año en el campo de la interpretación es Fermí Delfa. Su papel de Pau Riba en Nodi: de gossos i malditos fue descomunal. Lo volvimos a encontrar en las versiones de Electra de Alícia Gorina en el Lliure. Y ahora nos topamos con su talento en la Beckett. Qué bien canta, cómo se mueve… Y está muy bien acompañado por un reparto tan extraño como fascinante, formado por Sandra Pujol, Teresa Vallicrosa, Ester Cort y Roger Torns. El director, Israel Solà, hizo bien el trabajo desde el principio. Y se nota en el resultado.

La obra de Helena Tornero nos coloca a cuatro guionistas (Pujol, Delfa, Torns y Cort) ideando una historia de amor. Cort, la escritora, le prometió a su madre (Vallicrosa) que de una vez por todas escribiría algo romántico. Se esfuerza, pero su experiencia le dice que las toneladas de azúcar y los finales felices de Hollywood están lejos de la realidad. Sin embargo, veremos un interesante tira y afloja entre las cinco criaturas de esta función. Veremos cómo la “historia de amor” se desarrolla. Cómo la autora empuja escenas hacia adelante y hacia atrás, cómo rectifica, cómo se enfrenta a los tabúes y los clichés. Cómo reivindica su papel como mujer. Simplemente, brillante.

El conflicto entre generaciones es el origen del teatro. Basta con remontarse a la Orestíada, avanzar hasta el Rey Lear y terminar, por ejemplo, en La herencia o Todos pájaros para tenerlo aún más claro. De una manera u otra, las relaciones entre padres e hijos, de sangre o de adopción, mueven tramas y pasiones. Ramon Madaula ha hecho suyo este gran tema en diversas obras, como Adossats o Els Brugarol, siempre desde la comedia. Y Loop es una obra diferente, afortunadamente muy lejos de estas dos.

De entrada, no tengo claro que sea una comedia, sino más bien un drama en toda regla. Bueno, no esperéis ninguna trama como las de las obras citadas más arriba, pero es una función que demuestra, ya desde el título, que el choque generacional viene de lejos, que se repite sin parar a lo largo de décadas, siglos y milenios, que ya nacemos sabiendo que los progenitores nos fastidiarán y que nosotros haremos lo mismo con nuestra descendencia. Madaula lo lleva a escena con un montaje paralelo entre el presente, con un padre (él mismo) y una hija (Júlia Genís) que discuten, y el pasado, con el mismo padre convertido en hijo y la hija que se convierte en su abuela.

Hoy en día es complicado escribir una comedia romántica que no nos dé la sensación de que ya la hemos visto. Se han hecho tantas, en el teatro y en el cine, con Hollywood como la meca de un género que ha llenado de referentes a varias generaciones de seres humanos. Kramig no pretende ser muy diferente: tenemos a Toni (Biel Duran) y Laia (Anna Moliner), que se conocen por Tinder, se entienden, comienzan una vida en común y les pasan cosas. Son muy distintos, hasta el punto de parecer arquetipos. Él es supersticioso, desganado y habla ocho veces al día con su madre. A ella le encantan los peluches de Ikea, es antinormativa, pero quiere casarse sí o sí.

Marta Buchaca ha escrito y dirigido una obra muy de su universo, donde nada es lo que parece y sobrevuela un cierto tono oscuro. Así que ya podemos anticipar que la vida de Laia y Toni no transcurrirá plácidamente hasta que tengan su primer hijo. La autora ha construido la pieza sin seguir un hilo lineal, sino que la función avanza y retrocede continuamente. Pero el presente también es un artificio, porque nos tiene reservada una sorpresa. Este también es un elemento arquetípico de la comedia romántica contemporánea: el plot twist, el giro de guion que echa litros de vinagre en el aceite, aunque sin perder nunca la sonrisa.

En 2012, cuando El principi d'Arquimedes se estrenó en la Sala Beckett, la obra de Josep Maria Miró recibió los elogios de la crítica, pero, aunque se instaló a los pocos meses en La Villarroel, podemos decir que pasó sin pena ni gloria. En cambio, en Buenos Aires llegó a estar tres temporadas seguidas en la cartelera. En Brasil, incluso, se hizo una película sobre ella. Y fue el despegue de un dramaturgo catalán que, gracias a esta obra, traducida a dieciséis idiomas, se posicionó como uno de los grandes autores europeos de nuestro tiempo. Más de una década después, el Espai Texas ha recuperado, por fin, una pieza que ha envejecido muy bien, hasta el punto de demostrar que es un clásico del teatro contemporáneo en nuestra lengua.

Hace trece años, fue el mismo Miró quien dirigió El principi d'Arquimedes en la Beckett. En el Texas, la batuta está en manos del joven Leonardo V. Granados, capaz de dotar de un tinte expresionista a un texto que juega constantemente con el punto de vista. El escenario a dos bandas juega a su favor y sabe llevar a los intérpretes hacia posiciones más firmes.

Dicen que la gente normal, cuando sube a un tren, prefiere ir en el sentido de la marcha, mientras que el buen historiador se sienta a contramarcha, lo que sería aplicable a cualquier arte. Lo fácil es ser complaciente, cargar las tintas contra los más jóvenes o los más viejos, los de aquí o los de allá, mirar hacia adelante y contentarse con el paisaje. Lo complicado y arriesgado es observar tu entorno cercano y ser capaz de emitir un veredicto desgarrador, irreverente, mordaz, sin verter toneladas de basura en contra de nadie, salvo contra ti mismo.

Y eso, entre otras muchas cosas, es el nuevo espectáculo de Berta Prieto, una artista nacida a finales del siglo XX que ha decidido que si tiene una pistola en sus manos, debe dispararla.

El argumento es fácil: el ascenso y caída de una escritora que fue un mito, que a su vez es utilizada por otros artistas como fuente de inspiración. La tendremos a ella de pequeña, de joven y cuando se despide después de haber decidido que es mucho mejor ser tonta que utilizar el cerebro. Y también disfrutaremos de la directora de cine que, más tarde, rueda la vida de su heroína.

Todo el mundo conoce la historia de Rodríguez, ese músico estadounidense caído en desgracia que un documental, 'Searching for Sugar Man', sacó del anonimato. Pero quizá nadie sabe quién fue Camil Clot, un hombre que presuntamente se hizo un nombre en el underground barcelonés del cambio del siglo pasado y que el dramaturgo Marc de la Varga ha decidido recuperar a través de una obra documental en la que él mismo, transfigurado en el actor Pau Vinyals, tira de los hilos de su vida.

'Em dic Josep' es el resultado de la investigación y de su artificio. A Vinyals le acompañan Mont Plans y Daniel Higiénico, una actriz soberbia (no nos cansaremos de repetirlo) y un músico que conoció el ambiente del que nos habla el dramaturgo. Los tres consiguen que una obra que ya de por sí tiene mucho valor, suba muchos escalones en la escala artística.

Que a Las Huecas les gusta plantearse grandes temas ya lo sabíamos. Que les gusta disfrazarse, también. Pero que llegarían a clonarse para levantar su tercer espectáculo, no. Tampoco serían capaces de disparar a sangre, sin contemplaciones, contra todas y cada una de ellas mismas, hasta el punto de poner en duda su existencia como colectivo. El talento de Andrea Pellejero, Julia Barbany, Esmeralda Colette y Núria Corominas no tiene límites, al menos a nivel creativo.

'De l'amistat' no engaña. Va de eso. Cuatro artistas con nombre y apellido analizan si son amigas de verdad. Se conocieron antes de formar a un colectivo, pero siempre han trabajado juntas. ¿Es auténtica esta fraternidad?, se preguntan. Detrás, parece que no hay más que la experiencia personal. Pero hay mucha tela extra y, sobre todo, una nueva crítica al sistema. ¿Es la amistad lo único que queda libre de toda normativización?

Un pequeño paso para cada sardanista, pero un gran paso para la humanidad. ¿Quién diría que las sardanas podrían salvar el mundo? Esta danza minimalista se convierte en la protagonista de Sardana Superstar, el nuevo y atrevido musical de Arnau Tordera que se presenta en el Teatre Condal del 2 al 6 de julio.

El espectáculo parte de un escenario distópico y futurista, donde un cataclismo global ha dejado a la sociedad en ruinas. Ante la desesperanza, los personajes se ven obligados a buscar sentido, raíces y esperanza en aquello que perdura: la cultura popular. Y es ahí donde la sardana —una danza ancestral y colectiva— se convierte en símbolo de salvación.

La Cubana presenta su nuevo espectáculo, El amor venía en taxi, un musical que se podrá ver en el Teatre Romea de Barcelona a partir del 17 de septiembre de 2025. Este montaje es un homenaje al teatro aficionado de Cataluña, destacando su importancia en el tejido cultural del país. La compañía ha elegido la comedia El amor venía en taxi de Rafael Anglada como base para esta producción, que promete combinar elementos musicales con los característicos de La Cubana: humor, sorpresas, participación del público, color y un ritmo desenfrenado.

Las entradas para las funciones ya están disponibles. Se recomienda consultar la programación y adquirir las entradas con antelación para asegurarse un lugar en este espectáculo. Para más información sobre fechas, horarios y precios, podéis visitar la página oficial del Teatre Romea.

El mítico musical The Rocky Horror Show regresa a la capital catalana en su versión original en inglés, con subtítulos en castellano. Esta producción internacional, protagonizada por el reconocido Jason Donovan, podrá verse en el Teatre Coliseum durante varias funciones limitadas, ofreciendo al público la oportunidad de vivir esta experiencia única que ha triunfado en todo el mundo.

Con un elenco de quince intérpretes y música en directo a cargo de la Rocky Horror Band, este espectáculo mezcla ciencia ficción, terror, comedia y rock’n’roll. Además, como es tradición, el ambiente festivo invita al público a participar activamente y a lucir los disfraces más extravagantes. La producción, dirigida por Christopher Luscombe, llega directamente desde el West End de Londres, con la garantía de un montaje fiel al espíritu original.

El antiguo Festival Jardins de Pedralbes ya hace un par de años que se ha trasladado al Poble Espanyol y ha consolidado su nueva apuesta bajo el nombre de Alma Festival Barcelona (también celebra una edición en Madrid). Este 2025, se celebra del 25 de junio al 23 de julio y ya ha anunciado grandes nombres como The Corrs, que actuarán en Barcelona el 29 de junio, 27 años después de su última visita (a lo largo de este tiempo sí que han actuado, par de veces, en Cap Roig).

Otros artistas que ya ha anunciado el festival son Camila Cabello (24 de junio), Wilco (26 de junio), The Cult (27 de junio), Alan Parsons Live Project (28 de junio), Los Tigres del Norte (1 de julio), Guitarricadelafuente (2 y 3 de julio), Madness (4 de julio), Zahara + Natalia Lacunza (5 de julio), Parov Stelar (7 de julio), Fangoria (8 de julio), Residente (14 de julio), G-5 (16 de julio), Rag’n’Bone Man (18 de julio) i Julieta Venegas + Rita Payés (21 de julio). Las entradas ya están disponibles en la web del festival. 

Jennifer Lopez debutará por fin en Barcelona en 2025: si exceptuamos la interpretación de 'Ain't it funny' en el Palau de Congressos de Barcelona durante la ceremonia de los premios Ondas de 2001, esta será la primera actuación en la ciudad de la actriz, bailarina y cantante del Bronx. Lo hará con su nueva gira Up All Night Live In 2025, que llega tras haber tenido que cancelar el año pasado This Is Me... Live por causas no completamente aclaradas y que algunos medios relacionan con su separación de Ben Affleck.

La nueva gira hará cinco paradas en ciudades de España: pasará por el Parque Tafisa de Pontevedra el 8 de julio, por el estadio Nuevo Mirandilla de Cádiz el 10 de julio, por el estadio de atletismo Ciudad de Málaga el 11 de julio, por el Sant Jordi Club de Barcelona el 15 de julio y por el Bilbao Exhibition Centre (BEC) el 16 del mismo mes. Si la gira cancelada debía ser una celebración de la carrera de Lopez, la gira actual promete "una actuación electrizante con sus éxitos más icónicos de su legendaria carrera".

Hasta hace poco, el Estadi Olímpic Lluís Companys parecía reservado para las giras de grandes artistas internacionales como Bruce Springsteen, U2, AC/DC, etcétera, pero eso ya no es así. Meses después de que Estopa consiguiera vender todas las entradas del recinto de Montjuïc, con capacidad para 55.000 personas, otra catalana, Aitana, tomará el sábado 19 de julio de 2025 el estadio donde Antonio Rebollo encendió el pebetero olímpico en el verano de 1992.

La gira, que de momento consta de tres conciertos (dos en Madrid y uno en Barcelona), se llama Metamorfosis Season, que ella define como su "nueva era" e incluirá sus mayores éxitos y canciones de su nuevo trabajo. La de Sant Climent de Llobregat la describe así: "Esto no va solo de mí, va de todxs nosotrxs, esto va de un lugar donde ya no hay miedo a mostrarnos tal como somos (...) no es Aitana, es Aitanas (...) esta nueva era también es tuya."

El músico mexicano Carlos Santana, una auténtica leyenda de la guitarra y pionero de la fusión del rock con la música latina, regresa a Barcelona este verano después de más de veinte años sin pisar la ciudad. Lo hará dentro de la programación del Guitar BCN, el 26 de julio de 2025 en el Palau Sant Jordi. La actuación se enmarca en una gira que celebra los 25 años de 'Supernatural' (1999), un disco lleno de colaboraciones (Rob Thomas, Eric Clapton, Eagle-Eye Cherry, Lauryn Hill, Dave Matthews, Maná y CeeLo Green) que logró un éxito planetario con canciones como 'Corazón espinado', con Maná.

Oneness Tour es una gira que ya ha paseado por Estados Unidos y que ahora también pasará por Barcelona, ​​Madrid, Valencia y Jerez de la Frontera, ciudades en las que el guitarrista no solo tocará piezas de 'Supernatural' sino que recuperará canciones de otros discos también fundamentales en su trayectoria como 'Caravanserai' (1972), 'Welcome' (1973) y 'Abraxas' (1970), claro, que contiene canciones tan conocidas por el público como la archi famosa versión del 'Oye cómo va' que escribió Tito Puente, el 'Black Magic Woman/Gypsy Queen' de Peter Green y Gábor Szabó, respectivamente; y 'Samba pa ti', de cosecha propia.

Robert Plant y Suzi Dian regresan a Barcelona con el proyecto Saving Grace, una formación acústica pensada para conciertos en pequeños auditorios en la que versionan piezas de música folk y de la era psicodélica. En el setlist incluyen canciones de Moby Grape, Levon Helm, Carole King, Donovan, Band of Joy (su primer grupo, con John Bonham) y temas tradicionales. Aunque también hay alguna de Robert Plant con Alison Krauss y podría caer alguna de Led Zeppelin.

Tras una primera visita al Auditori del Fòrum en 2023, ahora Robert Plant presents Saving Grace featuring Suzi Dian aterriza el 30 de julio de 2025 en el Gran Teatre del Liceu, lo que supondrá el debut del legendario cantante de Led Zeppelin en el coliseo de las Ramblas. Se trata de un quinteto con dos voces que completan Oli Jefferson (percusión), Tony Kelsey (mandolina, guitarra barítona y acústica) y Matt Worley (banjo, guitarra acústica y barítona, y cuatro).

No habían pasado ni 24 horas desde su actuación conjunta en el descanso de la Super Bowl –el mayor escaparate mediático para un artista en los Estados Unidos– que ya anunciaron una fecha en Barcelona. Se trata de la primera gira de estadios a la que se enfrentan tanto Kendrick Lamar como SZA, que recorrerá trece ciudades de Europa y el Reino Unido este verano, pero que solo tendrá una parada en España: será el 30 de julio de 2025 en el Estadi Olímpic Lluís Companys.

El Grand National Tour, que comienza en abril en Estados Unidos y recorre el territorio norteamericano en primavera, llega a Europa en verano para presentar los últimos trabajos de ambos artistas. Por un lado, GNX (2024) de Lamar, uno de los mejores raperos de todos los tiempos, que acaba de ganar cinco Grammys en la última entrega de premios (y no olvidemos que tiene un Pulitzer); por otro lado, Lana (2024), de SZA, una artista también multipremiada que ha cantado frecuentemente con el rapero de Compton.

Vuelven los dinosaurios, ahora con Scarlett Johansson, Mahershala Ali (Green Book) y Jonathan Bailey (el de Wicked y Los Bridgerton) encabezando una expedición involuntaria a una isla cercana a Surinam habitada por animales jurásicos fruto de la experimentación.

Mutaciones incontroladas, mucho (más) peligrosas y salvajes, que nos recuerdan una vez más que jugar con el ADN es un riesgo innecesario. Antes de llegar allí, su misión es localizar tres especies de dinosaurios gigantes: uno terrestre, uno marino y un tercero volador. Necesitan su sangre para elaborar un medicamento que cura enfermedades cardíacas y promete salvar miles de vidas, pero, sobre todo, convertir en multimillonarios a los ejecutivos de la farmacéutica.

El regreso de la mítica saga creada por Steven Spielberg, aquí como productor ejecutivo, oscurece ligeramente las tramas de las dos trilogías anteriores —a las que inevitablemente guiña el ojo— para proponer una exótica montaña rusa que se acerca tanto a la aventura familiar como al puro terror. El director es Gareth Edwards, todo un especialista en el control de monstruos sanguinarios, como ya demostró en Godzilla.

Dir.: Gareth Edwards (EE. UU., 2025). 134 min. Estreno: 2 de julio.

Como otras películas de Pixar, Elio habla de la necesidad de pertenencia, de la importancia de entendernos con quien piensa y vive de manera diferente; valora la empatía y la relevancia de compartir, pero también de ser únicos. El protagonista de esta nueva aventura animada del estudio que alcanzó la cima con títulos como Up o la saga Toy story es un niño marcado por la muerte de sus padres, que solo encuentra consuelo mirando al cielo, distinguiendo las estrellas y preguntándose si hay más vida en el universo que la terrestre.

Como si se tratara de un pequeño Spielberg, porque en Elio es fácil detectar la influencia de E.T. el extraterrestre o Encuentros en la tercera fase. Tras presentarnos a este personaje solitario e imaginativo, la trama se dispara cuando logra comunicarse con el espacio exterior y es confundido con el embajador de la Tierra en una asamblea galáctica. A partir de ahí viviremos una aventura que mezcla ciencia ficción y comedia familiar sobre un niño en plena búsqueda de su identidad.

Dir.: Adrian Molina, Domee Shi y Madeline Sharafian (EE. UU., 2025). 99 min. Estreno: 9 de julio.

Tras los estrepitosos fracasos de películas como Black Adam y Flash, y en general de lo que se conoció como el Snyderverso, DC se encomendó a uno de los creadores más brillantes de la competencia: James Gunn, director de la fabulosa trilogía Guardianes de la Galaxia. El cineasta, que ya había hecho una incursión puntual en Marvel al dirigir El Escuadrón Suicida, vuelve a DC como responsable creativo de unas nuevas adaptaciones que reinician todo lo que ya hemos visto.

Y en el caso de este transatlántico llamado Superman, con la sombra perpetua de la inmejorable adaptación clásica (la de los años 70, la de Richard Donner, Christopher Reeve, Gene Hackman y Marlon Brando), Gunn apuesta por algo tan audaz como digno de aplauso: no quería volver a contar lo que ya hemos visto tantas veces, y comienza su historia cuando el mundo lleva tres años conociendo al superhéroe del rizo, y cuando hace ya tres meses que sale con su querida Lois Lane.

Con robots, monstruos gigantes y un superperro que promete ser el gran robaescenas de la película, el Superman del siempre desmitificador James Gunn se enfrentará, cómo no, a su archienemigo calvo: Lex Luthor. David Corenswet (Twisters), Rachel Brosnahan (La maravillosa Sra. Maisel) y Nicholas Hoult (Jurado nº 2) protagonizan una de las películas más destacadas del verano.

Dir.: James Gunn (EE. UU., 2025). 129 min.
Estreno: 11 de julio.

El oscarizado director de The artist se atreve ahora con la animación, minimalista pero de gran belleza, que remite a las ilustraciones de los libros infantiles clásicos, para adaptar la novela corta homónima de Jean-Claude Grumberg y ofrecer una fábula sobre la humanidad, el amor y la compasión en medio del horror. Hazanavicius apuesta por la técnica animada, pero esta es una película más dirigida al público adulto que al infantil.

La historia nos cuenta la vida de un leñador y su esposa, que viven en una cabaña en un bosque de Europa Central. En pleno invierno, rodeados de nieve, ven pasar de vez en cuando un tren que atraviesa su hábitat. Pronto sabremos que los vagones van llenos de gente hacinada, y deduciremos que los llevan a un campo de exterminio nazi.

Desde una ventana alguien lanza un bebé, y el matrimonio, que poco antes ha perdido a su propio hijo, decide quedarse con él y criarlo como si fuera suyo, aunque los vecinos empezarán a sospechar que esa niña podría ser judía… Rigurosa y conmovedora, valiente y dolorosa, La mercancía más preciosa apuesta por el humanismo en un momento de la historia en el que se repiten los terribles errores del pasado.

Dir.: Michel Hazanavicius (Francia, 2024). 81 min. Estreno: 11 de julio.

Tras dos magníficas comedias, Las cosas que decimos, las cosas que hacemos (2020) y Crónica de un amor efímero (2022), sostenidas en diálogos muy bien construidos sobre la naturaleza esquiva de las relaciones sentimentales, el cineasta francés Emmanuel Mouret parece haber recogido la herencia de Woody Allen.

De hecho, esta nueva Tres amigas recuerda, por momentos, a la referencial Hannah y sus hermanas. Mouret apuesta por tres actrices sensacionales (Camille Cottin, India Hair y Sara Forestier) para hablar de rupturas y reconstrucciones emocionales, amores y desamores, en una comedia que navega por universos femeninos y en la que no es difícil reconocer la inspiración de textos de Chéjov o de imágenes filmadas por Ingmar Bergman.

Las tres amigas de la película se convierten, casi, en íntimas compañeras del espectador, en una película de apariencia ligera pero repleta de momentos de absoluta lucidez.

Dir.: Emmanuel Mouret (Francia, 2024). 118 min.
Estreno: 11 de julio.

El 24 de enero de 1975, la Ópera de Colonia vivió un momento histórico: Keith Jarrett, gigante del jazz más vanguardista, ofreció una actuación improvisada que se grabó, en principio, solo para los archivos de la institución. Pero, cosas del destino, más tarde se editaría en un disco, The Köln concert, recibido con entusiasmo y convertido en uno de los más vendidos de la historia del jazz. Pero entre bastidores, lo que ocurrió es sorprendente, y esta película lo cuenta.

Centrada en la figura de la entonces adolescente Vera Brandes, organizadora del concierto con solo 17 años, la joven (interpretada por Mala Ende) fue sorteando todo tipo de contratiempos: desde el mal humor de un Jarrett (al que da vida John Magaro, conocido por Vidas pasadas) afectado por un insoportable dolor de espalda, hasta instrumentos desafinados y mil y un conflictos de sonido. Con sentido del humor y reivindicando la figura de aquella joven persuasiva, Köln 75 nos recuerda que las gestas artísticas son, a menudo, fruto de un cúmulo de casualidades.

Dir.: Ido Fluk (Alemania, 2025). 116 min. Estreno: 11 de julio.

Símbolo internacional de la cultura popular que ha marcado a varias generaciones desde que su creador, Peyo, iniciara sus aventuras a finales de los años 50, los Pitufos y su enemigo Gargamel han hecho soñar a niños y también a adultos. Estos pequeños seres de color azul, que viven en el bosque en casas que en realidad son setas mágicas, vuelven a la gran pantalla.

Tras algunas películas descafeinadas sobre los personajes, esta nueva entrega intenta recuperar el espíritu original mirando hacia las tiras cómicas de Peyo. Cuando su líder es secuestrado, los simpáticos protagonistas se ponen en manos de una nueva líder, Pitufina, en una arriesgada misión de rescate que los llevará al mundo real. Una banda sonora con temas de Rihanna (que pone voz a la protagonista en la versión original), DJ Khaled y James Corden animan una fiesta ideal para toda la familia.

Dir.: Chris Miller y Matt Landon (EE.UU., 2025). 92 min. Estreno: 16 de julio.

Vuelven las peripecias de los Pitus, aquel grupo de adolescentes fanáticos de las canciones de Hombres G que conocimos en Voy a pasármelo bien (2022). Situada a finales de los años 80 y articulada a través de las letras de la banda liderada por David Summers, aquella comedia nostálgica y juvenil de David Serrano (Días de fútbol) encuentra ahora una continuación que lleva a los chavales protagonistas a unas colonias de verano para aprender inglés.

Estamos en 1991 y, entre travesuras y primeros amores, la trama vuelve a evocar el pasado con canciones populares de la época que alimentan un puñado de simpáticos números musicales. Esta vez, con temas de Antonio Vega, Duncan Dhu, Miguel Bosé, Seguridad Social y Chimo Bayo. Vuelve el reparto original (Izan Fernández, Rodrigo Gibaja, Renata Hermida) y también los adultos Raúl Arévalo y Karla Souza, retomando sus papeles en la edad adulta. Dirige la debutante de solo 23 años Ana de Alva.

Dir.: Ana de Alva (EE.UU., 2025). 108 min. Estreno: 18 de julio.

Es, muy probablemente, la gran asignatura pendiente de las adaptaciones cinematográficas de Marvel. Lo intentaron dos veces, cuando los derechos aún pertenecían a Fox, y pocos lo recuerdan porque ambas fracasaron. Ahora resucitan en la que debería ser la versión definitiva, ya dentro del Universo Cinematográfico de Marvel, de los icónicos Los 4 Fantásticos creados por Stan Lee y Jack Kirby. Para los no iniciados, y recordando un poco, se trata de cuatro científicos que, tras un experimento fallido en el espacio exterior, se convierten en superhéroes.

Situada en los mismos años 60 en los que aparecieron por primera vez en los cómics, la película cuenta cómo se enfrentan a la amenaza de su enemigo más mortal: Galactus, decidido a destruir el planeta. Aventuras con aire retrofuturista y sentido del humor, con un cuarteto protagonista de alto nivel: Pedro Pascal (The last of us), Vanessa Kirby (The Crown), Joseph Quinn (Gladiator II) y Ebon Moss-Bachrach (The Bear).

Dir.: Matt Shakman (EE.UU., 2025). 130 min. Estreno: 24 de julio.

Adaptación libre de la obra teatral homónima del argentino Javier Daulte, Las irresponsables apuesta por contar una historia de mujeres que pisan esa edad, la de los 50, que el cine suele invisibilizar. Tres amigas de toda la vida, dos de ellas hermanas, en distintos momentos vitales pero compartiendo —aunque no lo sepan— el mismo hartazgo y las mismas ganas de rebelarse y mandar a freír espárragos a los hombres de su entorno: maridos o exmaridos, amantes o jefes.

Cuando a una de ellas le dejan una mansión durante un fin de semana, estas tres mujeres habitualmente responsables se dejarán llevar… Dirigida por Laura Mañá, y escrita por ella misma junto a la dramaturga Marta Buchaca, Las irresponsables es una comedia sustentada en los gags y en la química de tres actrices magníficas: Àgata Roca, Laia Marull y Betsy Túrnez.

Dir.: Laura Mañá (España, 2025). 94 min. Estreno: 24 de julio.

Apuntaos Osona en el radar para descubrirla este verano en su máximo esplendor. Situada en el extremo norte de la provincia de Barcelona, tocando con la de Girona (de hecho, un par de municipios ya forman parte de ella), esta es una comarca de gran riqueza natural y paisajística, con una combinación única de bosques, montañas, riscos y valles. Explorar Osona es también un compromiso con la preservación de su entorno y la naturaleza que la hace única. Y, en verano, cada pueblo se engalana para ofrecer un programa repleto de música, gigantes, correfocs, bailes populares, comida de fiesta y mucho más. ¡Os hacemos un repaso por las citas imprescindibles de este verano!

Fiestas mayores destacadas en Osona

La ciudad de Vic, por ejemplo, celebra su fiesta mayor en torno al 5 de julio, coincidiendo con Sant Miquel dels Sants, el patrón local. En Torelló, la juerga llega a finales de julio, Sant Julià de Vilatorta también se suma, con diez días de fiesta del 18 al 28 de julio, y hacia finales de agosto llega el turno de Centelles, que celebra su fiesta grande entre el 28 de agosto y el 1 de septiembre.

En Manlleu, la fiesta mayor comienza el 8 de agosto y se alarga hasta el día 17, con actividades que combinan la modernidad con el espíritu más tradicional, como la popular Festa del Serpent, el gran símbolo de la celebración y una de las citas más icónicas del verano, que se celebra el 14 de agosto. Un espectáculo callejero que recupera una leyenda local y la transforma en una noche mágica llena de teatro, fuego y emoción.

Y también a finales de agosto, Taradell se transforma durante unos días con actividades para todos los públicos dentro de su fiesta mayor, incluyendo la esperada Festa de Toca Sons, el 24 y 25 de agosto, una recreación histórica con todo lujo de detalles, que llena el pueblo de personajes, misterio y espectáculo. Es como caminar por un cuento, con actores y personajes que ocupan las calles y os invitan a descubrir quién era Toca Sons, entre intrigas, luz y música.

Más propuestas culturales y tradicionales

Lo pasaréis en grande en las Nits de Serrallonga, donde la leyenda del famoso bandolero cobra vida en un espectáculo nocturno que se mueve entre los bosques y el Monasterio de Sant Pere de Casserres, un espectacular monasterio de orden benedictino estratégicamente situado en la punta de uno de los meandros más emblemáticos del río Ter, en la cola del Pantano de Sau. Es una experiencia teatral inmersiva que os hará sentir parte de una historia de bandidos, misterio y aventura, bajo la luz de las estrellas.

Si sois amantes de la delicia gastronómica que es la trufa, la Fira de la Tòfona d’Estiu de Centelles, el 5 de julio, es una parada obligada. Un espacio donde se reúnen productores, chefs y curiosos para degustar, comprar y aprenderlo todo sobre este producto tan preciado.

Para quienes buscáis música entre paisajes tranquilos, el Cantilafont en Lluçanès (11 y 12 de julio) es un festival que marida canciones, entornos rurales y buen ambiente, con conciertos en espacios singulares que os sorprenderán.

También podéis viajar en el tiempo con la Festa del Segar i el Batre en Santa Eulàlia de Riuprimer, el 26 de julio. Veréis cómo se trabajaba el campo a la antigua usanza, con herramientas y maquinaria de la época, y todo el espíritu de una jornada rural como las de antes.

La música tradicional sube el volumen en el Rodafolk, los días 12 y 13 de julio en Roda de Ter. Este festival ofrece conciertos, bailes populares y actividades que celebran la cultura de raíz con un toque actual. Y, el último fin de semana de julio, podéis disfrutar del So de les Pedres en Rupit.

Podéis consultar el calendario completo en la página oficial de Osona. ¡Es el momento de recorrer la comarca vecina de fiesta en fiesta!

El icónico productor de house y techno melódico Solomun aterriza en Barcelona este septiembre con una sesión de larga duración que promete ser histórica. Conocido por su capacidad para transformar cada actuación en un viaje emocional, el DJ bosnio desplegará su sonido profundo, hipnótico y eufórico al aire libre, con un despliegue de luces y sonido que convertirá la noche en una auténtica celebración electrónica.

La cita tendrá lugar en el nuevo espacio laMercedes, un recinto de grandes dimensiones en Sant Andreu que acogerá por primera vez una gran fiesta de música electrónica, y lo hará por todo lo alto.

Este concierto forma parte del ciclo Primavera Bits, la iniciativa de Primavera Sound que lleva algunos de los mejores nombres de la música electrónica internacional a diferentes ciudades. Y esta parada en Barcelona promete ser inolvidable.

No os quedéis fuera de una noche que promete ser legendaria. Haceos con vuestra entrada y preparaos para bailar hasta el final.

La nueva sala laMercedes –la antigua fábrica de Mercedes-Benz de Sant Andreu, reconvertida en espacio cultural– empieza fuerte. El domingo 21 de septiembre, el nuevo recinto acogerá la primera gran fiesta electrónica organizada por Primavera Sound, con una protagonista de primer nivel: Amelie Lens.

La DJ y productora belga es ya mucho más que un icono del techno: es una fuerza creativa capaz de encender cualquier pista de baile, con sesiones potentes que proyectan energía y dejan un rastro ácido inconfundible. Tras su paso por Primavera Sound Barcelona 2025, Lens regresa a la ciudad para liderar una jornada electrónica que empezará a primera hora de la tarde.

Una experiencia inolvidable dentro del proyecto Primavera Bits, la rama electrónica del festival, en colaboración con Nitsa Club. Además, próximamente se anunciarán más artistas invitados.

Reservad ya y vivid en directo una sesión de techno de las que hacen historia. ¿Os lo vais a perder?

La exposición Cómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño abre sus puertas hasta el 16 de noviembre y retrata cómo, durante el gobierno de Salvador Allende, el diseño gráfico e industrial desempeñó un papel clave en la construcción de un modelo de sociedad más justo y equitativo en Chile.

La muestra, que ya fue un éxito en el Centro Cultural La Moneda de Santiago coincidiendo con el 50º aniversario del golpe de Estado cívico-militar, llega ahora a Barcelona gracias al trabajo conjunto del Plan Estratégico Metropolitano de Barcelona, el Ayuntamiento y el DHub. Y no habla solo de política o historia, sino del poder del diseño como motor de cambio real. A través de carteles, objetos y proyectos visuales, podréis ver cómo el diseño se puso al servicio del pueblo, en un contexto lleno de idealismo, innovación y resistencia.

Comisariada por Hugo Palmarola, Eden Medina y Pedro Ignacio Alonso, la exposición se complementa con un libro del mismo título, editado por Lars Müller Publishers, que profundiza en este fascinante episodio de la historia del diseño.

Una exposición que demuestra que el diseño puede cambiar el mundo. ¡Apuntadla en la agenda!

¿Estáis cansados de conciertos masivos, pantallas gigantes y colas interminables? ¿Os gustaría escuchar a vuestro artista favorito a pocos metros, sin intermediarios y en un ambiente íntimo y acogedor? Pues tomad nota: de febrero a noviembre vuelve el Festival Íntims de Casino Barcelona, y promete ser más intenso y especial que nunca.

Con solo 250 localidades por concierto, este festival es una oportunidad única para ver a grandes nombres de la música en formato acústico y en una sala pensada para sentir hasta el último acorde. Aquí no hay prisas ni multitudes: hay silencio, respeto, emoción y una conexión directa entre artista y público.

La programación de este 2025 no dejará a nadie indiferente. Ya han pasado por aquí figuras como Chucho Valdés, leyenda viva del jazz latino que hace hablar al piano como nadie, y Mayte Martín, todo un referente del flamenco. Y aún quedan por venir nombres como Pasión Vega, Blaumut, Alfred García, Steffen Morrison y Gonzalo Hermida. Una programación pensada para que cada concierto sea único, pero todos igual de intensos.

Y si queréis que la velada sea redonda, podéis completar la experiencia con cenas especiales en los restaurantes de Casino Barcelona, con propuestas gastronómicas que os harán salivar antes o después del concierto. Porque aquí la música no solo se escucha: también se saborea.

¿Os gustan los conciertos que dejan huella? ¿Las noches que recordáis durante meses? ¿Las canciones que siguen sonando dentro de vosotros mucho después de haber salido? Íntims es todo eso… y más. Regalaos una experiencia o sorprendad a alguien especial: comprad las entradas antes de que se agoten y vivid la música cara a cara

Eros Ramazzotti regresa a los escenarios con su gira Una Historia Importante, que hará parada en el Palau Sant Jordi de Barcelona el 2 de mayo de 2026. Una nueva experiencia en vivo del artista italiano, quien siempre ha sido muy bien recibido en la capital catalana.

Una Historia Importante, nombre de una de sus canciones más emblemáticas, da título a una gira que reafirma el estrecho lazo entre Eros y sus seguidores, una conexión genuina y perdurable que trasciende el tiempo, las fronteras y las generaciones.

Una trayectoria construida a base de música y sentimientos que continúa desarrollándose con la misma intensidad de siempre, respaldada por más de 80 millones de álbumes vendidos y más de 9.300 millones de reproducciones a nivel mundial.

Las entradas se ponen a la venta el jueves, 17 de abril, a las 10 h.