Cosas para hacer en Barcelona en agosto

¿De qué va? La belleza es un tema que nos obsesiona. Como una sombra o un elefante rosa que nos persigue allá donde vamos, pero que en realidad entendemos muy poco y que es difícil encajar dentro de un solo cajón. Quizá porque hay muchos donde colocarla. Esa es la intención de El culto a la belleza, una exposición en el CCCB que puede visitarse hasta el 8 de noviembre y que huye de encerrar la belleza en una única caja; y si lo hace, es a la manera del gato de Schrödinger: está viva y muerta al mismo tiempo y todas las posibilidades permanecen latentes.

¿Por qué hay que ir? Una muestra tan bella como inquietante que recorre la evolución de los ideales de belleza a lo largo de la historia, analiza cómo se han construido los cánones estéticos y reivindica los cuerpos y las bellezas excluidos de la norma. Pone en diálogo obras de arte, documentos, objetos históricos e instalaciones contemporáneas para abordar cuestiones como el estatus, la salud, la edad, el género o la raza. Presenta, entre otras, obras de William Hogarth, Angelica Dass, Laura Aguilar, Juno Calypso, Zed Nelson, Shirin Fathi, Narcissister, Ismael Smith, Isidre Nonell, Josep Masana, Colita, Sandra Gamarra, Esther Ferrer, Regina José Galindo, Maria Alcaide, Colectivo Ayllu, Lorenza Böttner, Marina Vargas, Arvida Byström, Harriet Davey o Renaissance Goo x Baum & Leahy.

¿De qué va? En Señala un punto (fuera del perímetro de la sección de un árbol para indicar que viene del futuro), la nueva exposición de Lúa Coderch en Can Framis – Fundació Vila Casas (que puede visitarse hasta el 11 de octubre), el ojo deja de ser un instrumento de visión para convertirse en un espacio de apariciones. El recorrido comienza antes de entrar en la sala y se despliega dentro de esta cavidad simbólica: un interior habitado por visiones incompletas, espectros y formas que todavía no tienen nombre.

¿Por qué hay que ir? La muestra parte de una intuición sencilla pero inquietante: en un momento en el que parece que todo es visible, quizá lo que escasea no son las imágenes sino la capacidad de imaginarlas. Y frente a este agotamiento, Coderch no propone recuperar una mirada original, sino prestar atención a aquello que todavía no sabemos ver.

¿De qué va? Mikel Adán Tolosa presenta en el espacio Rampa del Centre d’Art La Capella 'Perquè m’agrada viure aquí', un conjunto de esculturas florales hechas de mantequilla que cuestionan qué influencia ejerce el material en la representación. Esta exposición gratuita se puede visitar hasta el 5 de julio, de martes a sábado de 12 a 20 h, y domingos y festivos de 11 a 14 h.

¿Por qué hay que ir? El proyecto tiene su origen en un episodio menor de la biografía artística del escultor Manolo Hugué (1872-1945). Durante sus años de juventud, Hugué realizó una serie de esculturas, hoy desaparecidas, hechas con mantequilla y que, de hecho, fueron expuestas como reclamo publicitario de una mantequería.

El planteamiento inicial es, en apariencia, hacer convivir dos materialidades contrarias: la de la piedra y la de la mantequilla. Por un lado, la piedra, como el barro o el bronce, es un material que pertenece a los lenguajes clásicos de la escultura y que, al trabajarlo, obliga a tomar en consideración cuestiones inherentes como el peso o la gravedad. Por otro lado, la mantequilla introduce la fragilidad y el carácter efímero.

¿De qué va? Entre la contención y el exceso, entre el cálculo y la intuición, entre el "seny" y la "rauxa", el Disseny Hub Barcelona propone volver a mirar la arquitectura catalana no como una sucesión de estilos, sino como una conversación que atraviesa generaciones y que reaparece, con formas distintas, en la manera de habitar y dar forma al territorio.

¿Por qué hay que ir? Seny i rauxa. Noticia de la arquitectura catalana, que puede visitarse hasta el 6 de septiembre, reúne más de 500 piezas para construir un relato que atraviesa siglo y medio de arquitectura realizada en Cataluña. Pero el recorrido no sigue una cronología convencional ni una historia de nombres ilustres: la muestra busca conexiones, repeticiones y tensiones entre proyectos de momentos muy distintos para preguntarse si existe una continuidad profunda en la manera de construir en el país.

¿De qué va? Entre el 18 de junio y el 6 de septiembre, el centro KBr de Fundación Mapfre reúne dos exposiciones que dialogan desde lugares aparentemente alejados pero con una misma pregunta de fondo: ¿qué puede revelar una fotografía y hasta qué profundidad puede llegar? P

¿Por qué hay que ir? Por un lado, la primera retrospectiva europea de Minor White, una de las figuras más influyentes de la fotografía estadounidense del siglo XX; por otro, una revisión de la obra de Joaquín Tusquets de Cabirol, autor fundamental para entender una determinada mirada sobre la Cataluña de posguerra. Aquí podéis comprar una entrada conjunta.

¿De qué va? El Museu Tàpies acoge la muestra El moviment perpetu del mur, una exposición que explora el papel que la noción de muro desencadenó en la obra de Antoni Tàpies desde el contexto de la Segunda Guerra Mundial hasta las décadas posteriores, tanto a nivel simbólico como pictórico y físico.

¿Por qué hay que ir? Este proyecto se centra especialmente en la década de 1950, un período clave de transformación en la práctica artística de Tàpies. A través de este recorrido se plantean nuevas perspectivas sobre el desarrollo de su lenguaje pictórico y sobre la relación entre obra, espacio y espectador. La exposición toma como punto de partida cuatro exposiciones individuales que el artista realizó durante esta década —en las Galerías Layetanas de Barcelona (1950 y 1954), en la Galerie Stadler de París (1956) y en la Sala Gaspar de Barcelona (1960). Cada una de estas muestras presentaba grupos de obras distintos y también diferentes soluciones de montaje. El proyecto analiza cómo estos dispositivos expositivos —la iluminación, la disposición de las obras o el color de las paredes— pueden influir en la percepción y la interpretación de la pintura. Asimismo, explica cómo la obra de Tàpies fue interpretada por críticos, pensadores e historiadores del arte del momento, y cómo se conecta con debates presentes en el pensamiento artístico contemporáneo.

De qué va? El Centre d’Arts Santa Mònica acoge El asalto de la ilusión, que se puede visitar hasta el 27 de septiembre, una exposición coral que reúne trabajos de diversos artistas para analizar cómo el arte ha contribuido a construir aquello que entendemos como realidad. A través de una puesta en escena cambiante y llena de trampas visuales, la muestra conecta técnicas históricas de representación con problemáticas actuales como la posverdad, la manipulación mediática o la irrupción de la inteligencia artificial.

¿Por qué hay que ir? La exposición está concebida como un recorrido en constante movimiento. Espejos, velos y paredes móviles configuran un espacio que se transforma a medida que el visitante avanza, generando una sensación de inestabilidad que afecta directamente a la percepción. Pintura, fotografía, vídeo e instalación conviven en un mismo itinerario, poniendo de manifiesto cómo cada lenguaje construye una idea distinta de realidad.

¿De qué va? El proyecto de la artista Anna Moreno que revisita algunos de los proyectos utópicos de los años setenta impulsados por el arquitecto Ricardo Bofill. A través del cine, la instalación y la investigación artística, la exposición plantea una reflexión sobre las tensiones entre las aspiraciones utópicas de la arquitectura moderna y las realidades sociales y políticas que a menudo impidieron su materialización.

¿Por qué hay que ir? El proyecto toma como eje central el film The Terminal Beach, que documenta el estado actual de un asentamiento nómada construido en 1979 en el desierto argelino por el estudio de Ricardo Bofill. Este proyecto, concebido dentro del periodo más experimental del arquitecto, quedó inconcluso y ejemplifica las contradicciones entre el sueño utópico y la realidad política y social de la época.

¿De qué va? Hasta el 28 de septiembre, el MACBA acoge Prisioneros del amor. Hasta el sol de la libertad, la primera exposición en España de los artistas Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme. La muestra reúne obras que recorren casi dos décadas de su trayectoria y reflexionan sobre la memoria, el exilio y las formas de resistencia frente a la opresión y el expolio de Palestina.

¿Por qué hay que ir? A través de voces, canciones, sonidos e imágenes, los artistas conectan experiencias personales con historias colectivas de lucha y, en una aparente paradoja, ponen el acento en la importancia de la alegría, del amor y de la imaginación colectiva como formas poderosas de resistencia, incluso —y sobre todo— en condiciones extremas.

¿De qué va? La Fundació Joan Miró propone una exposición retrospectiva que repasa medio siglo de actividad, pero que también cuestiona cómo se ha construido su historia y qué papel puede desempeñar en el futuro. La muestra parte de una idea clave: la Fundació no comenzó realmente en 1975, sino que es el resultado de un recorrido más largo que se inicia mucho antes y que está estrechamente vinculado con la Transición y la apertura democrática.

¿Por qué hay que ir? El proyecto expositivo, comisariado por Blanca Arias, Martina Millà y Ramon Balcells, se despliega en siete ámbitos y ha sido concebido con un enfoque colaborativo, con la participación de artistas, comisarios e investigadores. El resultado es una mirada poliédrica que evita un único relato y pone en valor la pluralidad de voces que han formado parte de la Fundació a lo largo de los años. El relato incluye documentos de archivo, imágenes y obras clave, pero también propuestas contemporáneas creadas expresamente por cuatro artistas locales a partir del fondo documental del museo.

Brunch Electronik recupera uno de los espacios más emblemáticos de su historia y vuelve a los Jardines de Joan Brossa, en Montjuïc, el 23 y 30 de agosto, y el 5 y 13 de septiembre. Después de las obras de remodelación del parque, el festival celebra el retorno a este escenario con cuatro jornadas al aire libre que combinan música electrónica, gastronomía y actividades para todos los públicos.

El cartel reúne a algunos de los nombres más destacados de la escena electrónica internacional, como ARTBAT, Marco Carola, Solomun y el b2b entre Dennis Cruz y Josh Baker. Cada cita cuenta con dos escenarios: el Main Stage by Estrella Damm, con los principales cabezas de cartel, y el Green Stage by Yamaha, dedicado a sellos y colectivos como Unreleased, Diynamic i Les Enfants Brillants, que impulsan el talento local y las nuevas tendencias de la música electrónica.

El festival Mas i Mas nació en Barcelona hace más de veinte años para llenar el mes de agosto de música en directo, un mes en el que tradicionalmente la ciudad se vaciaba de actividad cultural. Durante todo este tiempo, ha ido creciendo y ahora encara la edición más ambiciosa –la 23ª–, con una cuarentena de conciertos durante seis meses –del 1 de abril al 6 de septiembre– en varias salas de Barcelona, las 1 y 3 del Jamboree –que és la sede del festival–, el Palau de la Música, la sala 2 de Razzmatazz, La Paloma y Paral·lel 62. 

Inaugurarà el festival la vibrafonista californiana Sasha Berliner, el miércoles 1 de abril en el Jamboree, pero hay muchos otros nombres internacionales en el programa. Y el jazz es la columna vertebral del programa, por supuesto, pero hay más. Por ejemplo, el nigeriano Seun Kuti, representante del afrobeat, género del que su célebre padre Fela Kuti fue pionero, con su grupo Egypt80; esto será el 7 de mayo en Razzmatazz 2.

También estarán Ghost-Note, la banda de funk, jazz y hip-hop liderada por el batería y el percusionista de Snarky Puppy, Robert Sput Searight y Nate Werth, que llegan con un elenco de músicos que han trabajado con artistas como Prince, Snoop Dogg, Kendrick Lamar, Herbie Hancock y Erykah Badu, el 6 de julio en el Jamboree; y la cantante de soul y R&B brasileño-noruega Charlotte Dos Santos, el 16 de mayo también en el sótano de la plaza Reial. 

Ya lo adelantó en su canción, y ahora Aitana reafirma que es una “superestrella” con el anuncio de su primera gira mundial. Meses después de actuar en el Estadi Olímpic de Barcelona ante 40.000 fans, la artista de Sant Climent de Llobregat vuelve a la ciudad.

Aitana dará el pistoletazo de salida a la gira Cuarto Azul World Tour el 14 de marzo de 2026 en el festival Lollapalooza, en Argentina, y pasará por 24 ciudades de todo el mundo, entre ellas Barcelona. La ex concursante de Operación Triunfo actuará en la capital catalana los días 4, 5, 7 y 8 de septiembre, en el Palau Sant Jordi.

Son los Replacements catalanes, casi los Strokes, dependiendo de cómo te los mires, herederos de toda aquella movida que hervía hace unos cuantos años alrededor del sello Famèlic y del festival Hoteler y que nos hacía preguntarnos: "¿qué tiene Vic para molar tanto?". Power Burkas son la combinación perfecta entre la erudición y el pogo (como los describió Vice una vez) y son también la esperanza de un underground catalán con capacidad para llegar a muchísima más gente, si el panorama estuviera un poco menos mediatizado y se premiaran propuestas menos miméticas y homogéneas. 

Claudi Dosta (guitarra), Aleix Marban (guitarra), Martí Ferrer (batería) y Marcel Pujols (bajo y voz), publican el 29 de mayo Amb la fi al davant (BCore, 2026), un cuarto disco que parece apuntar a un apocalipsis inminente, que se fija en pequeños dramas cotidianos con un sentido del humor afilado y sin obviedades: encontramos kits de supervivencia, críticas al consumismo, escombros, crossfit y comida (con sangre y vísceras), todo con un deje literario muy bien hilvanado con el caos controlado de las guitarras. Incluso hay un monólogo de Santiago Rusiñol en forma de canción: L'escudellòmetro. Lo traen el 5 de septiembre a la sala VOL.  

Como cada año, los actos de la Diada de este 2026 terminarán con los conciertos gratuitos que organiza Òmnium Cultural cada 11 de septiembre en el Passeig Lluís Companys. Esta será la 24ª edición de la Festa per la Llibertat, que reúne siempre a una multitud alrededor del Arc de Triomf con ganas de escuchar a los artistas que revolucionan el panorama musical en catalán.

Si el año pasado los encargados de animar al público desde el escenario fueron Svetlana, Auxili y DJ K-ZU, este año, La Gossa Sorda, DJ Trapella y, de nuevo, DJ K-ZU cerrarán los actos de la Diada.

Aunque Ronnie Wood sea más noticia en Barcelona por temas inmobiliarios o de prensa del corazón –que si su loft en Passeig de Gràcia, que si hace una fiesta para inaugurarlo, que si sale una noche a tomar unas tapas y unos vinos en Bodega Solera...– también genera noticias musicales: el Rolling Stone más joven del trío que queda vivo –78 años, contra los 82 de Mick Jagger y Keith Richards– acaba de anunciar que tocará en Barcelona en septiembre. 

Wood, que actuará en la sala Razzmatazz el 12 de septiembre, enmarcado en la programación del ciclo Cruïlla Concerts, lo hará acompañado "de una invitada muy especial", anuncia la promotora (que podría ser o no ser la cantante irlandesa de rock'n'roll Imelda May, que acompañará a Wood en un concierto en Londres el 21 de agosto, tres semanas antes de tocar en Barcelona). 

El Festival Altaveu és una de les cites musicals més veteranes de Catalunya, i celebra la seva 37a edició del 10 al 13 de setembre a Sant Boi de Llobregat. Fidel al seu nom, el festival combina artistes consolidats amb noves veus i aposta per propostes que van més enllà de les tendències del moment.

La programació es reparteix entre tres espais de la ciutat: la plaça de l'Ajuntament, que acull els concerts gratuïts; els Jardins de l'Ateneu, amb actuacions per 1 €; i al Teatre Cal Ninyo, amb l'entrada a 6 €.

El festival arrenca amb un concert per commemorar els 50 anys de la Diada de 1976 a Sant Boi. Artistes com Lluís Gavaldà, Mushkaa & Greta, Els Amics de les Arts, Joan Garriga, Pastora i Naim Smaili reinterpreten cançons de l'època i també toquen temes propis.

Al cartell trobem noms com Los Sírex, pioners del pop-rock estatal; Dan Peralbo i el Comboi, una de les formacions més destacades de rock català entre els joves; 091, grup de referència del rock espanyol; i La Perra Blanco, que recupera l'energia més salvatge del rock-and-roll. També hi actuaran Sr. Chinarro, Syd de Palma, Juana Everett, Arnau Obiols, Silvio, Kris Tena, Jordi Ganchitos i carlaperezvas, entre d'altres.

Un reguero de críticas entusiastas preceden la nueva visita de los islandeses Sigur Rós a Barcelona, esta vez con los 41 músicos de la Orquestra Simfònica del Vallès para interpretar su disco más reciente, Átta (2023), aunque no renuncian a otras piezas muy queridas de su discografía. La cita es el 11 de septiembre, en el Auditori del Forum y solo tiene otra fecha en el Estado español, el 15 del mismo mes en el Palacio Euskalduna de Bilbao.  

Se trata de una última oportunidad para ver la gira que Sigur Rós emprendieron hace un tiempo con el director Robert Ames y orquestas de los países que visitan, y que ya ha pasado por el Royal Albert Hall de Londres, la Sala Santa Cecilia de Roma, la Salle Pleyel de París, el Bozar de Bruselas, el Auditorio Nacional de Ciudad de México y la Konzerthaus de Viena. Entre las orquestas con las que han colaborado, están la London Contemporary Orchestra (LCO), la Wordless Music Orchestra, la Tallinn Chamber Orchestra, la Taiwan National Symphony Orchestra, Resound Collective, la Brisbane Philharmonic y la Melbourne Symphony Orchestra, entre otras.

El Festival·B, cita habitual de septiembre en Barcelona y aglutinador de los principales nombres de la nueva escena musical, urbana y emergente española ya tiene a punto la programación completa para su duodécima edición. El evento ha cerrado su cartel con la incorporación de Guitarricadelafuente, Natalia Lacunza i Raly, tres nombres que se añaden a una potente programación que reunirà més de 30 artistas en el Parc del Fòrum. 

La gran novedad de este año es el crecimiento del festival, que se celebrará los días 17, 18 y 19 de septiembre de 2026. El evento gana peso sumando una jornada inaugural el jueves y reforzando una propuesta artística que destaca por la diversidad estilística, el descubrimiento de nuevos talentos y el apoyo a los artistas más actuales. Los nuevos artistas confirmados compartirán escenario con los previamente anunciados como Rusowsky, Yung Beef, mvrk, D. Valentino, La Plazuela, Sanguijuelas del Guadiana, Mushka, Maria Arnal y Claudio Montana, entre otros.

Tras descubrir el laberíntico cartel de La Mercè 2026 y saber quiénes serán los pregoneros de la fiesta, ya conocemos las actuaciones musicales de esta edición, que se celebra del 23 al 27 de septiembre. En total, hay 109 conciertos en dieciséis escenarios por toda la ciudad, con estilos musicales de todo tipo: desde la prestigiosa Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya hasta el pop más descarado de Svetlana, y propuestas más festivas como La Pegatina y Els Catarres. Este año, además, hay cinco producciones exclusivas que se han creado expresamente para la fiesta mayor de Barcelona. A continuación, todos los detalles y la lista completa con los conciertos, las ubicaciones y los horarios.

Aparte de grandes nombres, la programación también apuesta por el talento local y la tradición. La iniciativa Música Mercè, bajo la dirección artística de Gisela Sais, propone conciertos para reivindicar la rumba catalana de Sabor de Gràcia, el flamenco de María Terremoto y La Barcelona Flamenca, la canción de autor de Luísa Sobral y Nacho Vegas, el rock latinoamericano de Aterciopelados y la psicodelia de Arp Frique, entre otros. Esta propuesta busca conectar la tradición popular con la experimentación.

Són varias las oportunidades que tenemos este mes de poder disfrutar en directo de la Banda Municipal de Barcelona, gracias a las diversas fiestas mayores que tienen lugar en varios barrios de la ciudad. Es el caso de Sants, donde desde hace años, la Banda ofrece su primer concierto después de las vacaciones de verano. Esta vez será Mario Ortuño quien dirija el conjunto, que interpretará piezas de Reed, Albéniz, Khatchaturian y Gershwin.

Es una de las óperas de Verdi más populares del repertorio y también el título más representado sobre el escenario del Gran Teatre del Liceu. Ahora regresa al coliseo de la Rambla, en una nueva producción que tiene dirección musical de Antonello Manacorda y Josep Gil, y escénica de Shirin Neshat. Entre el reparto, algunas voces bien conocidas por el público liceísta, como Anna Netrebko, Piotr Beczala o Fiorenza Cedolins, entre otras.

Ya es tradición que la Sinfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya empiece temporada en Nou Barris, lejos de L'Auditori, en su participación anual en las Fiestas de La Mercè. En esta ocasión será dirigida por Miguel Sepúlveda, en un programa que incluye clásicos populares como las 'Danzas polovsianas' de 'El príncipe Ígor' de Borodín o una selección del ballet 'El lago de los cisnes de Chaikovsky, además de las 'Danzas rumanas' de Béla Bartók.

Después de su paso por las fiestas de Sants, la Banda Municipal actúa ahora en el Poblenou, otro de los barrios emblemáticos de la ciudad. Será con un programa diferente, que dirigirá en esta ocasión Ximo Tarín. Con el título de 'Els sons afins' (Los sueños afines), se podrán escuchar piezas de Joaquim Serra, Andrés Valero-Castells, Joaquín Turina, Frank Perkins y Arturo Márquez. 

La orquesta vallesana, como es habitual, es la primera en inaugurar las diferentes temporadas de conciertos de la ciudad, con sus 'Simfònics al Palau' del Palau de la Música Catalana. Programas variados y atractivos, de formatos y estilos diferentes, que buscan atrapar al máximo de público posible, pero con propuestas de calidad y rigor. Para el estreno, han previsto un programa que incluye piezas de Sakamoto, Beethoven, Auerbach y Chaikovsky. Andrés Salado dirigirá el conjunto, que tendrá Alba Ventura como solista de piano invitada.

Los conciertos de la Banda Municipal de Barcelona y la OBC (Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya) son dos de las citas musicales más esperadas de las Fiestas de La Mercè. En el caso de la Banda, este año ofrece un concierto, que dirigirá José R. Pascual-Vilaplana, su titular, y que incluye obras de compositores como Bernat Vivancos, Marc Migó, Joaquín Rodrigo, Yasuhide Ito, Pau Casals y Enric Casals.

Nueva propuesta de concierto por parte de la Sinfónica del Vallés en el ciclo de Simfònics al Palau, la temporada que desde hace muchos años llevan a cabo en la sala modernista. En esta ocasión, el programa combina obras conocidas con alguna rareza. Así, se podrán escuchar piezas de Bacewicz, Schumann, Brahms y Liszt. La solista invitada será la violista Sara Ferrández y Andrés Salado, el titular de la orquesta, dirigirá el conjunto.

El concierto inaugural de la Fundación Orfeó Català-Palau de la Música Catalana quiere ser un gran homenaje a la figura de Pau Casals, con motivo del 150º aniversario de su nacimiento. Entre los intérpretes, destca la presencia de los cantantes Marta Mathéu, Gemma Coma Alabert, Roger Padullés y Ferran Albrich; el violonchelista Pablo Ferrández, el Cuarteto Casals, el Orfeó Català, la Escolania de Montserrat y la Orquesta Sinfónica del Vallés, todos bajo la dirección de Xavier Puig. El repertorio lo integran obras de Casals, Vivancos, Schubert, Bach y Beethoven.

El carrillón del Palau de la Generalitat empieza con este concierto una temporada que tiene que será muy especial: se conmemoran 100 años de la instalación del primer instrumento de campanas en el Palau y 50 de la inauguración del instrumento de concierto, que nos permite de disfrutar del sonido mágico de sus 49 campanas a menudo. Este concierto, extraordinario, está formado por música de bandas sonoras de Marc Vaíllo, y será multidisciplinar. Los intérpretes son Anna Maria Reverté, carrillón; Marc Vaíllo, piano y electrónica; y Anna Guillén, violonchelo. La entrada es libre pero hay que reservar las invitaciones a través de la página web presidencia.gencat.cat/carillo.

¿De qué va? 17 de agosto de 2017. Una furgoneta embiste a decenas de personas que pasean por la Rambla de Barcelona. El caos y el pánico se apoderan de la ciudad. Inmediatamente, los Mossos d'Esquadra relacionan el ataque con la explosión del día anterior en una vivienda de Alcanar y, conscientes de que están ante un salvaje atentado terrorista, activan el dispositivo Cronos para capturar al conductor asesino, que en la huida matará a otro joven para robarle el coche. La madrugada siguiente, otros miembros de la misma célula yihadista atacan el paseo marítimo de Cambrils, dejando aún más víctimas. Abatidos los terroristas, el balance es de 16 muertos y más de 130 heridos, y un trauma social que todavía dura.

¿Por qué tienes que verla? Por la valentía al poner en imágenes uno de los hechos más impactantes y trascendentes para la sociedad catalana de este siglo. Centrada en la respuesta de los Mossos (Cronos es el nombre del dispositivo que se activaría ante un ataque terrorista consumado o en curso) pero también en la extraordinaria política comunicativa del cuerpo policial (de la que fueron responsables Patrícia Plaja y Marc Homedes, jefes de prensa de Mossos y Protección Civil respectivamente) y en la batalla política por el relato en el contexto del Procés y ante la inminencia del referéndum de independencia. 

El filme también se fija en la conmoción de los ciudadanos de Ripoll cuando descubren que los culpables eran jóvenes aparentemente integrados en la localidad. Uno de los grandes valores de la película es que evita caer en el morbo y es enormemente respetuosa con las víctimas. En el reparto brillan Enric Auquer, Mónica López, Diana Gómez y un Pablo Derqui magnífico en la piel del mayor Josep Lluís Trapero. Rodada en catalán, Cronos está dirigida por Fernando González Molina (3 metros sobre el cielo, Mi querida señorita) y escrita por Alberto Marini (El 47). 

¿Cuándo se estrena? El 4 de septiembre.

Dir.: Fernando G. Molina (España, 2026). 118 min.

¿De qué va? En un idílico barrio residencial estadounidense, un siniestro heladero transforma sus deliciosos productos en un aterrador detonante de violencia extrema que convierte a sus clientes más jóvenes en sádicas máquinas de matar.

¿Por qué tienes que verla? Películas como Cabin fever (2002) u Hostel (2005) y su secuela, situaron al cineasta Eli Roth en el mapa del cine de terror del cambio de siglo. Recuperando el espíritu del terror más explícito de los años 70 y 80, Roth apostaba por una combinación de gore salvaje y visceral con toneladas de humor negrísimo, y una puesta en escena deliberadamente incómoda para los espectadores. 

Ahora, con Dulce sabor a muerte, Roth se mantiene fiel a su manera de entender el género y propone un divertimento pasadísimo de vueltas que bebe de referentes como el giallo italiano y el slasher estadounidense de serie B, y que apuesta por la transgresión convirtiendo a los niños en terroríficas armas letales (ojo a la brutal secuencia de la masacre), siguiendo los pasos de la extraordinaria ¿Quién puede matar a un niño? (1976), de Chicho Ibáñez Serrador. Una burlesca fiesta de sangre no apta para público sensible.

¿Cuándo se estrena? El 4 de septiembre.

Dir.: Eli Roth (EE.UU., 2026). 86 min.

¿De qué va? Un joven músico de Mánchester se obsesiona con encontrar a la chica de sus sueños, después de que ella le haya dado un número de teléfono equivocado durante un encuentro casual. En su búsqueda por el campus universitario, el chico tendrá como cómplice a una estudiante de psicología, que le sugerirá enviar un mail a las 318 Emily matriculadas en la facultad. Esta no será, probablemente, la mejor de las ideas...

¿Por qué tienes que verla? Si sois fans de clásicos de la comedia romántica británica como Cuatro bodas y un funeral (1993) o Notting Hill (1999), esta es vuestra película, por cierto también producida por Working Title. Ahora bien, aunque Buscando a Emily abrace el género, los tiempos han cambiado, y se impone un cambio de perspectiva respecto a las relaciones tóxicas y a las acciones que antes se consideraban románticas y ahora se ven, directamente, como muestras de acoso. 

Sobre todo ello reflexiona este filme dirigido a la Generación Z, lleno de calidez y referencias, con guiños a la emblemática escena musical de Mánchester, y con una pareja protagonista con mucha química formada por Angourie Rice y Spike Fearn.

¿Cuándo se estrena? El 11 de septiembre.

Dir.: Alicia MacDonald (Reino Unido, 2026). 111 min.

¿De qué va? Mientras transporta un órgano hasta el hospital de Raccoon City, un mensajero atropella accidentalmente a una mujer. Buscando ayuda por los alrededores de la carretera nevada que atravesaba, el joven llega hasta una casa aparentemente abandonada donde descubrirá la existencia de un peligro inimaginable.

¿Por qué tienes que verla? Si tras la sorprendente Barbarian (2022) llegó el fenómeno de Weapons (2025), es evidente que el hype se dispararía con el tercer largometraje de Zach Cregger, una de las nuevas voces del cine de terror que han llegado para renovar el género (como Kane Parsons en Backrooms o Curry Barker en Obsession). 

Nadie se esperaba que un cineasta con tanta personalidad hiciese una elección nada obvia para continuar su carrera: resetear una franquicia tan exitosa como la de Resident Evil, adaptación de los videojuegos de Capcom. Cregger asegura que pretende reproducir la misma experiencia del juego en el lenguaje cinematográfico, haciendo avanzar la trama como si el protagonista (un fantástico Austin Abrams, el yonqui de Weapons) fuese superando pantallas mientras intenta sobrevivir a los no-muertos. Aunque renueva completamente los personajes y tramas del videojuego, el cineasta sí hace inevitables guiños a elementos muy reconocibles para los gamers. En definitiva, una de las películas del año.

¿Cuándo se estrena? El 18 de septiembre.

Dir.: Zach Cregger (EE.UU., 2026). 95 min.

¿De qué va? Una abogada especialista en cobrar deudas recibe el encargo de recuperar mil millones de dólares robados por un capo de la mafia. Con un equipo encabezado por dos mercenarios exagentes encubiertos, el grupo se pondrá manos a la obra y diseñará un plan peligroso y lleno de ingenio que volverá loco al poderoso delincuente.

¿Por qué tienes que verla? Porque siempre tiene que haber tiempo para el entretenimiento ligero y, en eso, Guy Ritchie es un maestro. Siguiendo la línea de películas suyas como Operación Fortune (2023) u Operación U.N.C.L.E. (2015), el cineasta británico propone una aventura tan divertida como intrascendente, visualmente glamurosa y planteada como una película de atracos al estilo Misión imposible. Ritchie se pone en manos de una pareja protagonista con el atractivo y el carisma de Jake Gyllenhaal y Henry Cavill, que reproducen constantes de las clásicas buddy movies de los 80 y 90. Rodada en gran parte en Canarias, cuenta con Carlos Bardem como villano. En la zona gris es, en definitiva, una distracción desenfadada sin demasiadas pretensiones.  

¿Cuándo se estrena? El 18 de septiembre.

Dir.: Guy Ritchie (Reino Unido, 2026). 98 min.

¿De qué va? Tras fracasar repetidamente en sus persecuciones e intentos de caza del Correcaminos, y atribuyéndolo a que los productos diseñados por ACME Corporation son defectuosos, un desesperado Wile E. Coyote decide demandar a la compañía y contrata a un abogado. 

¿Por qué tienes que verla? Aunque es materialmente imposible evocar el espíritu desquiciado de los Looney Tunes, aquellos icónicos dibujos animados que marcaron a varias generaciones de niños, Coyote vs. ACME quiere ser un sentido homenaje a las peripecias del Correcaminos y el Coyote. Trasladadas a una mezcla de animación e imagen real al estilo de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? o Space Jam, la película que nos ocupa apuesta por la comedia judicial repleta de gags visuales y referencias a los cartoons originales. 

Con Will Forte y John Cena como protagonistas humanos, los resultados no consiguen recuperar aquella anarquía efervescente, pero el filme funciona como ejercicio de nostalgia y resulta divertido. Y ojo con la aparición de personajes animados haciendo cameos y de detalles ocultos en cada rincón de la pantalla... Los fanáticos de aquellos magistrales Looney Tunes os lo pasaréis en grande.

¿Cuándo se estrena? El 18 de septiembre.

Dir.: Dave Green (EE.UU., 2025). 101 min.

¿De qué va? Ante una complicada situación en casa, una niña de 10 años encuentra refugio en una anciana cascarrabias que vive aislada en pleno Montseny y a la que todo el mundo tiene por bruja. Entre ambas comenzará una relación muy particular que se irá haciendo cada día más estrecha.

¿Por qué tienes que verla? Porque no hay tantos estrenos específicamente dirigidos a un público familiar. Esta adaptación de la novela juvenil homónima de Núria Albó (icónica desde que ganó el premio Barco de Vapor en 1984) acerca un tema tan delicado como el duelo perinatal a públicos de todas las edades, evitando infantilizar a su audiencia. A pesar del dolor que atraviesa la historia, Tanit adopta formas de luminoso coming-of-age y pone el foco en el vínculo de amistad y aprendizaje en la relación entre una niña y una anciana, a las que interpretan la sorprendente debutante Dolça Salvans y la veterana Isabel Rocatti (vista recientemente en Cowgirl). Dirigida por Pep Garrido y con banda sonora original de Clara Peya, esta película catalana y en catalán es una buena apuesta para compartir intergeneracionalmente.

¿Cuándo se estrena? El 18 de septiembre.

Dir.: Pep Garrido (España, 2025). 100 min.

¿De qué va? A 72 horas del día D, el capitán James Stagg, jefe del servicio meteorológico contratado por Winston Churchill, tiene que hacer el pronóstico del tiempo más trascendental de la historia. Porque de las condiciones climáticas que marquen los mapas dependerá que el general Dwight D. Eisenhower active un arriesgado plan antes de que los servicios de inteligencia alemanes descubran sus intenciones. La palabra de Stagg será clave, pues, para ordenar el Desembarco de Normandía, paso previo a la derrota nazi en la Segunda Guerra Mundial. 

¿Por qué tienes que verla? Por el duelo interpretativo entre Brendan Fraser y un extraordinario Andrew Scott. En un nuevo camino profesional después de su Oscar por La ballena (aunque el año que viene volverá al universo The mummy, la saga que lo lanzó a la fama), Brendan Fraser da vida a Eisenhower, quien después sería presidente de los Estados Unidos.

Pero es Andrew Scott (el Moriarty de la serie Sherlock, inolvidable también en Fleabag) quien se luce llevando el peso de la trama sobre sus espaldas.  Tiempo de victoria se basa en una aplaudida obra de teatro de David Haig, y eso se nota en su apuesta por largas escenas muy dialogadas que ponen el foco en el elenco interpretativo (también aparecen Kerry Condon y Damian Lewis, el pelirrojo de Homeland), pero el cineasta Anthony Maras es muy hábil a la hora de darle un look cinematográfico a su absorbente planteamiento, y hace un excelente uso de imágenes de archivo. Una fantástica propuesta para los interesados en la Historia en mayúsculas del siglo XX.

¿Cuándo se estrena? El 18 de septiembre.

Dir.: Anthony Maras (Reino Unido, 2026). 100 min.

¿De qué va? Acompañado de su antiguo perro de combate, un oficial retirado de las Fuerzas Especiales del Ejército intenta sobrevivir a los peligros de la naturaleza salvaje de Alaska tras sufrir un terrible accidente de aviación. Lobos, puentes destartalados y ríos con corrientes letales pondrán hasta el límite al militar y a su inseparable compañero peludo. 

¿Por qué tienes que verla? Con toda seguridad, la inclusión de esta película en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián y la anunciada visita de Brad Pitt a Euskadi abrirá informativos y activará a sus fans, multiplicando sus ganas de disfrutar con esta historia de la que el actor es protagonista total y absoluto. En su segunda colaboración con el director David Ayer tras Corazones de acero (2014), se nos promete una sobredosis de tensión. Más allá de la esencia survival de la película, el cineasta también se esfuerza en potenciar el profundo vínculo emocional entre el protagonista y Odín, el precioso pastor australiano que le acompaña en una peligrosa batalla contra los elementos. Un relato que promete espectacularidad, ataques de nervios y alguna que otra lagrimita. 

¿Cuándo se estrena? El 25 de septiembre.

Dir.: David Ayer (EE.UU., 2026). 101 min.

¿De qué va? Las vidas de tres hombres en la España de tres épocas diferentes (1932, 1937 y 2017) se interconectan a través de la sexualidad y el deseo, del dolor y la herencia. Un joven burgués a quien prohíben entrar al Casino de Granada por su orientación sexual, un soldado del ejército franquista enamorado del héroe republicano capturado al que vigila y, ocho décadas más tarde, un escritor con una relación traumática con su madre y con el abuelo por el que nunca preguntó. 

¿Por qué tienes que verla? Por el histórico premio a Mejor Dirección en el Festival de Cannes, con larguísima ovación incluida, que supone un enorme salto adelante para los Javis (que compartieron galardón ex aequo con Pawel Pawlikowski). Los directores de La Mesías o La llamada se sitúan al frente de la creatividad del cine español con un ejercicio sobre la identidad, la memoria y los muertos en las cunetas, la libertad sexual y la represión, que toma su título de la obra homónima inacabada de Federico García Lorca. Las cuatro páginas que se conservan inspiran parte de La bola negra, así como la obra teatral La piedra oscura, del dramaturgo Alberto Conejero (que participa en el filme como coguionista). 

De hecho, Lorca es el eje conductor, narrativo y emocional, de los tres relatos que componen el rompecabezas planteado por los Javis. Con un poderoso mensaje contra los fascismos y la voluntad de explicar a las nuevas generaciones quién y por qué mataron al poeta, los Javis hacen todo un despliegue de recursos visuales y sensoriales. La película cuenta con un potentísimo reparto en el que brillan los debutantes Milo Quifes y Guitarricadelafuente (que también ha compuesto una canción original para el filme), Carlos González (el Bob Pop de Maricón perdido), Lola Dueñas, Glenn Close y una Penélope Cruz que interpreta a una cupletista y canta y baila subida a un tanque. Sin duda, una de las grandes películas del año.

¿Cuándo se estrena? El 25 de septiembre.

Dir.: Javier Calvo y Javier Ambrossi (España, 2026). 155 min.