Cosas para hacer en Barcelona en agosto

¿De qué va? La belleza es un tema que nos obsesiona. Como una sombra o un elefante rosa que nos persigue allá donde vamos, pero que en realidad entendemos muy poco y que es difícil encajar dentro de un solo cajón. Quizá porque hay muchos donde colocarla. Esa es la intención de El culto a la belleza, una exposición en el CCCB que puede visitarse hasta el 8 de noviembre y que huye de encerrar la belleza en una única caja; y si lo hace, es a la manera del gato de Schrödinger: está viva y muerta al mismo tiempo y todas las posibilidades permanecen latentes.

¿Por qué hay que ir? Una muestra tan bella como inquietante que recorre la evolución de los ideales de belleza a lo largo de la historia, analiza cómo se han construido los cánones estéticos y reivindica los cuerpos y las bellezas excluidos de la norma. Pone en diálogo obras de arte, documentos, objetos históricos e instalaciones contemporáneas para abordar cuestiones como el estatus, la salud, la edad, el género o la raza. Presenta, entre otras, obras de William Hogarth, Angelica Dass, Laura Aguilar, Juno Calypso, Zed Nelson, Shirin Fathi, Narcissister, Ismael Smith, Isidre Nonell, Josep Masana, Colita, Sandra Gamarra, Esther Ferrer, Regina José Galindo, Maria Alcaide, Colectivo Ayllu, Lorenza Böttner, Marina Vargas, Arvida Byström, Harriet Davey o Renaissance Goo x Baum & Leahy.

¿De qué va? Los colores de la ciudad compiten ahora con los del “maestro del color”, que aterriza en una exposición en el CaixaForum. La explosión cromática de Henri Matisse se podrá ver en este museo de la ciudad hasta el 16 de agosto en el marco de la exposición Chez Matisse. El legado de una nueva pintura, organizada en colaboración con el Centro Pompidou de París con el objetivo de mostrar al público barcelonés cómo el genio francés revolucionó el arte del siglo XX.

¿Por qué hay que ir? La muestra reúne cerca de un centenar de obras para explicar por qué su visión de la pintura fue (y en muchos casos, sigue siendo) un hogar acogedor para la modernidad y una influencia para generaciones de creadores posteriores. Ahora bien, en la exposición no hay solo obras de Matisse, sino que las 45 obras del pintor fauvista dialogan con 49 piezas de otros gigantes del arte como Picasso, Braque, Derain, Raoul Dufy, Le Corbusier o Sonia Delaunay. Uno de los grandes reclamos es la presencia de La Moulade, una pieza clave pintada en Colliure que marcó el nacimiento del movimiento fauve y que sirve como eje central de esta colección inédita en la ciudad.

¿De qué va? En Señala un punto (fuera del perímetro de la sección de un árbol para indicar que viene del futuro), la nueva exposición de Lúa Coderch en Can Framis – Fundació Vila Casas (que puede visitarse hasta el 11 de octubre), el ojo deja de ser un instrumento de visión para convertirse en un espacio de apariciones. El recorrido comienza antes de entrar en la sala y se despliega dentro de esta cavidad simbólica: un interior habitado por visiones incompletas, espectros y formas que todavía no tienen nombre.

¿Por qué hay que ir? La muestra parte de una intuición sencilla pero inquietante: en un momento en el que parece que todo es visible, quizá lo que escasea no son las imágenes sino la capacidad de imaginarlas. Y frente a este agotamiento, Coderch no propone recuperar una mirada original, sino prestar atención a aquello que todavía no sabemos ver.

¿De qué va? Mikel Adán Tolosa presenta en el espacio Rampa del Centre d’Art La Capella 'Perquè m’agrada viure aquí', un conjunto de esculturas florales hechas de mantequilla que cuestionan qué influencia ejerce el material en la representación. Esta exposición gratuita se puede visitar hasta el 5 de julio, de martes a sábado de 12 a 20 h, y domingos y festivos de 11 a 14 h.

¿Por qué hay que ir? El proyecto tiene su origen en un episodio menor de la biografía artística del escultor Manolo Hugué (1872-1945). Durante sus años de juventud, Hugué realizó una serie de esculturas, hoy desaparecidas, hechas con mantequilla y que, de hecho, fueron expuestas como reclamo publicitario de una mantequería.

El planteamiento inicial es, en apariencia, hacer convivir dos materialidades contrarias: la de la piedra y la de la mantequilla. Por un lado, la piedra, como el barro o el bronce, es un material que pertenece a los lenguajes clásicos de la escultura y que, al trabajarlo, obliga a tomar en consideración cuestiones inherentes como el peso o la gravedad. Por otro lado, la mantequilla introduce la fragilidad y el carácter efímero.

¿De qué va? Entre la contención y el exceso, entre el cálculo y la intuición, entre el "seny" y la "rauxa", el Disseny Hub Barcelona propone volver a mirar la arquitectura catalana no como una sucesión de estilos, sino como una conversación que atraviesa generaciones y que reaparece, con formas distintas, en la manera de habitar y dar forma al territorio.

¿Por qué hay que ir? Seny i rauxa. Noticia de la arquitectura catalana, que puede visitarse hasta el 6 de septiembre, reúne más de 500 piezas para construir un relato que atraviesa siglo y medio de arquitectura realizada en Cataluña. Pero el recorrido no sigue una cronología convencional ni una historia de nombres ilustres: la muestra busca conexiones, repeticiones y tensiones entre proyectos de momentos muy distintos para preguntarse si existe una continuidad profunda en la manera de construir en el país.

¿De qué va? Entre el 18 de junio y el 6 de septiembre, el centro KBr de Fundación Mapfre reúne dos exposiciones que dialogan desde lugares aparentemente alejados pero con una misma pregunta de fondo: ¿qué puede revelar una fotografía y hasta qué profundidad puede llegar? P

¿Por qué hay que ir? Por un lado, la primera retrospectiva europea de Minor White, una de las figuras más influyentes de la fotografía estadounidense del siglo XX; por otro, una revisión de la obra de Joaquín Tusquets de Cabirol, autor fundamental para entender una determinada mirada sobre la Cataluña de posguerra. Aquí podéis comprar una entrada conjunta.

¿De qué va? El Museu Tàpies acoge la muestra El moviment perpetu del mur, una exposición que explora el papel que la noción de muro desencadenó en la obra de Antoni Tàpies desde el contexto de la Segunda Guerra Mundial hasta las décadas posteriores, tanto a nivel simbólico como pictórico y físico.

¿Por qué hay que ir? Este proyecto se centra especialmente en la década de 1950, un período clave de transformación en la práctica artística de Tàpies. A través de este recorrido se plantean nuevas perspectivas sobre el desarrollo de su lenguaje pictórico y sobre la relación entre obra, espacio y espectador. La exposición toma como punto de partida cuatro exposiciones individuales que el artista realizó durante esta década —en las Galerías Layetanas de Barcelona (1950 y 1954), en la Galerie Stadler de París (1956) y en la Sala Gaspar de Barcelona (1960). Cada una de estas muestras presentaba grupos de obras distintos y también diferentes soluciones de montaje. El proyecto analiza cómo estos dispositivos expositivos —la iluminación, la disposición de las obras o el color de las paredes— pueden influir en la percepción y la interpretación de la pintura. Asimismo, explica cómo la obra de Tàpies fue interpretada por críticos, pensadores e historiadores del arte del momento, y cómo se conecta con debates presentes en el pensamiento artístico contemporáneo.

De qué va? El Centre d’Arts Santa Mònica acoge El asalto de la ilusión, que se puede visitar hasta el 27 de septiembre, una exposición coral que reúne trabajos de diversos artistas para analizar cómo el arte ha contribuido a construir aquello que entendemos como realidad. A través de una puesta en escena cambiante y llena de trampas visuales, la muestra conecta técnicas históricas de representación con problemáticas actuales como la posverdad, la manipulación mediática o la irrupción de la inteligencia artificial.

¿Por qué hay que ir? La exposición está concebida como un recorrido en constante movimiento. Espejos, velos y paredes móviles configuran un espacio que se transforma a medida que el visitante avanza, generando una sensación de inestabilidad que afecta directamente a la percepción. Pintura, fotografía, vídeo e instalación conviven en un mismo itinerario, poniendo de manifiesto cómo cada lenguaje construye una idea distinta de realidad.

¿De qué va? El proyecto de la artista Anna Moreno que revisita algunos de los proyectos utópicos de los años setenta impulsados por el arquitecto Ricardo Bofill. A través del cine, la instalación y la investigación artística, la exposición plantea una reflexión sobre las tensiones entre las aspiraciones utópicas de la arquitectura moderna y las realidades sociales y políticas que a menudo impidieron su materialización.

¿Por qué hay que ir? El proyecto toma como eje central el film The Terminal Beach, que documenta el estado actual de un asentamiento nómada construido en 1979 en el desierto argelino por el estudio de Ricardo Bofill. Este proyecto, concebido dentro del periodo más experimental del arquitecto, quedó inconcluso y ejemplifica las contradicciones entre el sueño utópico y la realidad política y social de la época.

¿De qué va? Hasta el 28 de septiembre, el MACBA acoge Prisioneros del amor. Hasta el sol de la libertad, la primera exposición en España de los artistas Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme. La muestra reúne obras que recorren casi dos décadas de su trayectoria y reflexionan sobre la memoria, el exilio y las formas de resistencia frente a la opresión y el expolio de Palestina.

¿Por qué hay que ir? A través de voces, canciones, sonidos e imágenes, los artistas conectan experiencias personales con historias colectivas de lucha y, en una aparente paradoja, ponen el acento en la importancia de la alegría, del amor y de la imaginación colectiva como formas poderosas de resistencia, incluso —y sobre todo— en condiciones extremas.

Este 2026 el Brunch Electronik Festival se celebra entre los días 7 y 9 de agosto en el Parc del Fòrum, con nombres rutilantes de la escena electrónica internacional, que van del house progresivo de Eric Prydz al techno alemán de Paul Kalkbrenner, pasando por todo tipo de artistas como CamelPhat, Floating Points, Acid Arab, Jamie Jones, Seth Troxler, Deborah De Luca, I Hate Models y 999999999, con el añadido de una jornada de cierre con el dúo francés The Blaze.

Habrá vacas sagradas veteranas y actuales: ved la presencia de un monstruo de la electrónica, padre fundador del techno actual como Jeff Mills, al lado del astro del R&B haitiano Kaytranada –que ofrece en el Brunch el único concierto en la península este año–, y que junto con Miss Monique y Paul Kalkbrenner encabezan la jornada del viernes. 

El sábado será el turno de artistas tan importantes como Eric Prydz, Cassius y Floating Points (en formato live) y la colaboración a cuatro manos de BASKKA & Sally C, además del directo de Acid Arab, I Hate Models y muchos más. La jornada del domingo servirá de traca final con el DJ set de The Blaze además de Mind Against, Parra for Cuva, RY X (DJ set) y Marian Ariss. 

La primera vez fue en la Sala Upload, dentro del Gambeat Weekend 2018, cuando apenas empezaban. Después nos han ido visitando regularmente en el Primavera Sound, pero ya teníamos ganas de volver a verlos en una sala de Barcelona. En este tiempo, Amyl and the Sniffers han crecido tanto que no solo llenan una Razzmatazz, sino dos, y además en plenas vacaciones: las citas son los días 18 y 19 de agosto.

Desde Melbourne y partiendo del pub-rock australiano de los 70, el grupo liderado por la carismática Amy Taylor se ha convertido en una de las propuestas más excitantes de los últimos años. Con un directo incendiario y lleno de himnos del punk rock más actual, un concierto en sala de Amyl and the Sniffers es probablemente ahora mismo una de las mejores maneras de quitarse de encima todo el estrés acumulado durante el año. 

Preparaos para sudar de lo lindo bailando y gritando al ritmo de Jerkin', You're a star, Hertz y Security a las órdenes y bien cerca de una de las mejores frontwomen del rock actual, quién sabe si la próxima vez ya llenarán un Sant Jordi.

Los días 15 y 16 de agosto, coincidiendo con la Fiesta Mayor de Gràcia, los Jardines de la Sedeta se convierten en el escenario del Festigàbal, uno de los festivales gratuitos más esperados del verano en Barcelona. Organizado por el Heliogàbal, este pequeño certamen apuesta por una programación que combina artistas emergentes y nombres consolidados de la escena musical independiente catalana.

Durante dos noches, el público disfruta al aire libre de conciertos que van del pop y el indie a la electrónica y los sonidos urbanos. El cartel de este año cuenta con nombres como Ouineta, Fades, Balma, Gigi Ros, Habla de mí en presente, Partiperes, Irieix e Ypnosi, mientras que DJ Cobo y Ryna DJ son los encargados de poner el punto final a cada una de las jornadas con sus sesiones.

Brunch Electronik recupera uno de los espacios más emblemáticos de su historia y vuelve a los Jardines de Joan Brossa, en Montjuïc, el 23 y 30 de agosto, y el 5 y 13 de septiembre. Después de las obras de remodelación del parque, el festival celebra el retorno a este escenario con cuatro jornadas al aire libre que combinan música electrónica, gastronomía y actividades para todos los públicos.

El cartel reúne a algunos de los nombres más destacados de la escena electrónica internacional, como ARTBAT, Marco Carola, Solomun y el b2b entre Dennis Cruz y Josh Baker. Cada cita cuenta con dos escenarios: el Main Stage by Estrella Damm, con los principales cabezas de cartel, y el Green Stage by Yamaha, dedicado a sellos y colectivos como Unreleased, Diynamic i Les Enfants Brillants, que impulsan el talento local y las nuevas tendencias de la música electrónica.

El festival Mas i Mas nació en Barcelona hace más de veinte años para llenar el mes de agosto de música en directo, un mes en el que tradicionalmente la ciudad se vaciaba de actividad cultural. Durante todo este tiempo, ha ido creciendo y ahora encara la edición más ambiciosa –la 23ª–, con una cuarentena de conciertos durante seis meses –del 1 de abril al 6 de septiembre– en varias salas de Barcelona, las 1 y 3 del Jamboree –que és la sede del festival–, el Palau de la Música, la sala 2 de Razzmatazz, La Paloma y Paral·lel 62. 

Inaugurarà el festival la vibrafonista californiana Sasha Berliner, el miércoles 1 de abril en el Jamboree, pero hay muchos otros nombres internacionales en el programa. Y el jazz es la columna vertebral del programa, por supuesto, pero hay más. Por ejemplo, el nigeriano Seun Kuti, representante del afrobeat, género del que su célebre padre Fela Kuti fue pionero, con su grupo Egypt80; esto será el 7 de mayo en Razzmatazz 2.

También estarán Ghost-Note, la banda de funk, jazz y hip-hop liderada por el batería y el percusionista de Snarky Puppy, Robert Sput Searight y Nate Werth, que llegan con un elenco de músicos que han trabajado con artistas como Prince, Snoop Dogg, Kendrick Lamar, Herbie Hancock y Erykah Badu, el 6 de julio en el Jamboree; y la cantante de soul y R&B brasileño-noruega Charlotte Dos Santos, el 16 de mayo también en el sótano de la plaza Reial. 

El Guitar BCN 2026 continúa en verano con conciertos de Danny Elfman presentando sus composiciones para pel·lículas de Tim Burton (4 de julio, Auditori del Fòrum), el famoso actor Jeff Goldblum al frente de su the Mildred Snitzer Orchestra (5 de julio, Luz de Gas), el guitarrista Eric Johnson (6 de julio, Razzmatazz 2) y la ex cantante de Mecano Ana Torroja (16 de julio, Palau de la Música).

Después de las vacaciones, también hay conciertos de Fito Páez (3 de septiembre, Palau de la Música), Alex Ubago (17 de septiembre, Palau de la Música), Perotá Chingó (25 de septiembre, Paral·lel 62), Riopy (30 de septiembre, Paral·lel 62), Álvaro García (17 de octubre, Razz 3), Valeria Castro (30 de octubre, Palau Sant Jordi), Jorge Drexler (31 d'octubre, Palau Sant Jordi), Buhos (14 de noviembre, Palau de la Música), Pastora (10 de diciembre, Apolo) y Amaral (18 de diciembre, Palau Sant Jordi).  

Las noches de los viernes en La Pedrera se llenan de jazz con una nueva edición del Talents Jazz, el ciclo que da visibilidad a las nuevas generaciones de músicos de la escena local. Del 29 de mayo al 31 de julio, la azotea del emblemático edificio de Gaudí acoge once conciertos protagonizados por artistas del Conservatori del Liceu, el Taller de Músics Escola Superior d'Estudis Musicals (ESEM) y la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC).

El festival se ha consolidado como una plataforma para descubrir proyectos emergentes, conectar a jóvenes músicos con profesionales consolidados y dar impulso a las futuras voces del jazz, en un formato de proximidad que combina música en directo y una vista espectacular de Barcelona. Este año, además, llega con una novedad destacada: la creación de la Big Band Talents Jazz, formada por alumnado de los tres centros participantes.

La entrada general, de 42 euros, incluye el acceso al desván del edificio, el concierto y una copa de cava.

¿De qué va? Un matrimonio decide separarse pero, consciente de cómo la noticia puede afectar a sus tres hijos, vive el proceso de ruptura a lo largo de un año. Las cuatro estaciones marcarán la reunión de esta familia rota en un pequeño pueblo en un entorno rural.

¿Por qué tienes que verla? Por la mezcla de drama cotidiano con la experimentación artística propia del islandés Hlynur Pálmason (Godland). El cineasta rompe expectativas con una estructura narrativa nada convencional, onírica a ratos, extravagante y llena de símbolos, y construida casi por viñetas que no ocultan el dolor de la situación, pero que apuestan por un luminoso y muy particular sentido del humor que atraviesa la trama. Melancólica y visualmente elegante, con un evocador uso del paisaje, El amor que permanece demuestra que no todo está inventado en géneros aparentemente tan manidos como el melodrama de divorcios.

¿Cuándo se estrena? El 7 de agosto.

Dir.: Hlynur Pálmason (Islandia, Dinamarca, Suecia, Francia, 2025). 109 min.

¿De qué va? Una batería de móvil, una chispa, una maleta incendiada... y un avión que tiene que hacer un aterrizaje de emergencia en alta mar. Si no tuvieran suficiente trauma, los supervivientes todavía tendrán que enfrentarse a otro peligro mortal: los tiburones.

¿Por qué tienes que verla? No os engañaremos diciendo que esta es la película de vuestras vidas. Pero en pleno verano, es una propuesta ideal si queréis estar fresquitos en una sala y, sobre todo, si sois aficionados al cine de serie B y a la sharksploitation más desacomplejada. De alguna manera, el director Renny Harlin se hace un guiño a sí mismo, como autor de la muy reivindicable Deep blue sea (1999). Aquí, el cineasta cuenta con Aaron Eckhart y Ben Kingsley como protagonistas para construir una película con aromas de La aventura del Poseidón (1972). Y ojo porque En mar abierto tiene coproducción catalana de Nostromo Pictures, se rodó en Canarias y de entre los profesionales españoles destacan el compositor de la banda sonora Fernando Velázquez, la diseñadora de producción Laia Colet y el supervisor de efectos especiales Pau Costa. Pura diversión sin pretensiones.

¿Cuándo se estrena? El 7 de agosto.

Dir.: Renny Harlin (EE. UU., España, 2026). 110 min.

¿De qué va? De la noche a la mañana, y tras un inexplicable fenómeno cósmico, un barrio suburbano estadounidense es literalmente transportado hasta un bosque prehistórico. Un matrimonio en crisis y sus dos hijos adolescentes tendrán que enfrentarse, a partir de ahí, a peligros inimaginables.

¿Por qué tienes que verla? Para seguir comprobando que David Robert Mitchell es uno de los grandes renovadores del cine de género, tras dos clásicos modernos del terror como It follows (2014), de la que ya prepara una secuela, y Lo que esconde Silver Lake (2018). Ahora profundiza en la fiebre jurásica con un relato de ciencia ficción nostálgica que convierte un barrio residencial de los años 80 en un campo para correr para dinosaurios y otras criaturas prehistóricas. Con producción de J. J. Abrams (eterno creador de la serie Perdidos) y confesados aires spielbergianos (como los de Parque Jurásico, los efectos especiales son responsabilidad de Industrial Light and Magic), pero también con la evidente influencia de clásicos como la serie La dimensión desconocida, la película es un festival de imaginación y reinterpretaciones, y cuenta con una pareja protagonista con el carisma de Anne Hathaway y Ewan McGregor. El disfrute está asegurado.

¿Cuándo se estrena? El 14 de agosto.

Dir.: David Robert Mitchell (EE. UU., 2026). 100 min.

¿De qué va? El hallazgo de una bomba alemana de la Segunda Guerra Mundial sin explotar en unas obras en el centro de Londres obliga a una evacuación inmediata de todo un barrio. En medio del caos y mientras un grupo de artificieros trabaja para desactivar el explosivo antes de que provoque la destrucción de la zona, una banda de ladrones aprovecha la ocasión para vaciar la cámara acorazada de un banco dentro del perímetro de seguridad.

¿Por qué tienes que verla? Porque es un entretenimiento de primerísima división, que juega con las constantes del cine de atracos perfectos pero que añade la cardíaca tensión del tic-tac de una bomba que puede devastar una gran ciudad. De hecho, la detección del explosivo con la que se inicia este absorbente thriller no es ninguna invención de los guionistas: en los últimos 80 años, este tipo de hallazgos ha sido frecuente, herencia de los bombardeos nazis en la capital inglesa durante el llamado Blitz. Cuenta atrás no solo gestiona el suspenso de forma magnífica, también resulta juguetona con sus bien medidos giros de guión. Aaron Taylor-Johnson (el eterno aspirante a convertirse en el nuevo James Bond) y Sam Worthington (Avatar) son los protagonistas de una película sólida y trepidante, que va directo al grano desde el primer minuto.

¿Cuándo se estrena? El 14 de agosto.

Dir.: David Mackenzie (Reino Unido, 2026). 98 min.

¿De qué va? A través de nacimientos, funerales y bodas, cuatro generaciones de chinos se enfrentan a las profundas transformaciones de un país que, a principios de los 90, deja atrás un modelo de vida para abrirse a los avances tecnológicos. En este contexto, un niño ve cómo sus padres se van a la gran ciudad en busca de trabajo, mientras él se queda viviendo en su pueblo, a cargo de familiares y vecinos de su comunidad rural.

¿Por qué tienes que verla? De entrada, porque llega con el aval del Oso de Plata a la Mejor Dirección en la Berlinale, conseguido por Huo Meng. El cineasta chino cuenta una historia sabiendo bien de qué habla, porque nació y creció en un pueblo similar al de su ficción. De hecho, la experiencia del personaje principal con la pobreza, los padres migrantes y la división entre las antiguas tradiciones de la vida rural y un rápido proceso de modernización a partir de los años 90, es la de toda una generación de chinos, también la del propio director. Vivir la tierra funciona como radiografía de la revolución político-económica desde los ojos de un niño y de quienes le rodean, y también como homenaje de los inmensos sacrificios y el arduo trabajo de las generaciones que precedieron al cineasta Huo Meng. Toda una joya.

¿Cuándo se estrena? El 14 de agosto.

Dir.: Huo Meng (China, 2025). 132 min.

¿De qué va? El chófer de un periodista implicado en política, la madre que alimenta a los insurgentes, la esposa de un rico empresario, el hombre que radicaliza sus posturas tras sufrir una agresión de los colonos israelíes, el oficial británico extremadamente violento... toda una serie de personajes que viven la insurrección del pueblo palestino contra los británicos, en el año 1936. Un hecho histórico crucial que, junto con la llegada masiva de judíos que huían de Europa, sería el preludio de la posterior Guerra Árabe-Israelí de 1948 y de la creación del Estado de Israel.

¿Por qué tienes que verla? Porque llega en un momento muy pertinente y ayuda a dar contexto a un conflicto del que seguimos viendo y viviendo las consecuencias. La mirada poliédrica que propone Annemarie Jacir contribuye a la idea de la cineasta palestina: “El personaje principal del filme es la revuelta misma”, dice Jacir, que cuenta con actores del prestigio de Jeremy Irons, Robert Aramayo (ganador del BAFTA por Incontrolable) y Liam Cunningham. Palestina'36 coge las formas de melodrama de época para explicar el levantamiento popular anticolonial más grande y prolongado contra el Imperio Británico. Toda una lección de memoria histórica.

¿Cuándo se estrena? El 14 de agosto.

Dir.: Annemarie Jacir (Palestina, Reino Unido, Francia, 2025). 119 min.

¿De qué va? Tras la inesperada muerte de su hermano, una chica descubre el mundo oculto que él solía frecuentar: en el llamado Búnker, Lola se adentrará en un espacio abandonado transformado en el epicentro de fiestas clandestinas y batallas de baile, y encontrará una nueva familia que comparte la misma pasión por la música y la danza.

¿Por qué tienes que verla? Para dar la bienvenida a Estel Díaz, directora catalana proveniente de la inagotable cantera de la ESCAC, que firma su primer largometraje tras trabajar en series como Bienvenidos a Edén y Ena. La reina Victoria Eugenia. Es también destacable la constelación de caras nuevas que ofrece: una Zoe Bonafonte que se reconfirma tras su celebrada presentación en El 47 (y ojo porque pronto la veremos en Ruega por nosotras, de Daniel Monzón), a la que hay que añadir toda una fuerza de la naturaleza como Ruslana (cantante hispanoucraniana conocida por el programa Operación Triunfo 2023) y un Marc Soler que, tras Viva, empieza a estar en todas las salsas. Con una magnífica banda sonora y un notable trabajo en las coreografías, A fuego contribuye también a dos reflexiones muy oportunas en los tiempos que vivimos: por un lado, la salud mental de nuestros jóvenes, y por el otro, sobre los efectos de la gentrificación y la crisis de vivienda provocada en gran parte por la impunidad con la que grandes fondos buitre acumulan viviendas sin que nadie les pare los pies.

¿Cuándo se estrena? El 21 de agosto.

Dir.: Estel Díaz (España, 2026). 90 min.

¿De qué va? Hace muchos años que un respetadísimo director de cine no ve a su hija. Pero, en un intento de acercamiento, decide ofrecerle el personaje protagonista de su nueva película. Ella acepta, consciente de la oportunidad profesional, pero con las dudas de si realmente quiere acercarse al hombre que, siendo muy pequeña, la abandonó y que ha creado una nueva familia.

¿Por qué tienes que verla? Porque el equipo formado por Rodrigo Sorogoyen y su coautora Isabel Peña ha demostrado sobradamente ser una pareja creativa de mucha altura, tras las excelentes As bestas, El reino, Que Dios nos perdone y la serie Antidisturbios. Con este El ser querido vuelven a hacer magia, con una historia de afectos rotos, heridas abiertas, reproches latentes, silencios y frustrados intentos de redención. Con unos inmensos Javier Bardem y Victoria Luengo como protagonistas (ninguna duda de que se llevarán todos los premios de interpretación de la temporada), el filme se inicia con una primera escena de unos veinte minutos, que muestra el incómodo reencuentro entre padre e hija en un restaurante.

La intrahistoria nos dice que no la ensayaron juntos, con el fin de reproducir los nervios y la tensión propia de este encuentro, y el resultado es extraordinario: la película empieza muy arriba, y, a partir de ahí, se dispara la amalgama de emociones y sentimientos entre dos personajes que tienen que convivir con un pasado de traumas y malas decisiones. Sorogoyen y Peña añaden una capa narrativa más: gran parte de El ser querido se desarrolla en el rodaje del filme que podría sanar alguna de las cicatrices entre cineasta y actriz. Y, entre toxicidades machistas y rencor acumulado, este mecanismo hace que la ficción dentro de la ficción (pocas veces se ha explicado mejor el cine dentro del cine) sea una más que poderosa arma dramática para argumentar una improbable reconciliación. Sin duda, una de las películas del año.

¿Cuándo se estrena? El 26 de agosto.

Dir.: Rodrigo Sorogoyen (España, 2026). 135 min.

¿De qué va? En un planeta postapocalíptico, después de que una pandemia letal haya acabado con gran parte de la población, un joven piloto acompañado de su inseparable perro tiene que intentar sobrevivir, plantando cara a saqueadores y buscando a otras personas que, como él, todavía no han sucumbido al virus.

¿Por qué tienes que verla? Para empezar, respeto máximo por el veteranísimo Ridley Scott: a punto de cumplir 89 años, el cineasta británico, autor de obras maestras como Alien y Blade Runner, continúa activo y es motivo de celebración. Aquí adapta la novela homónima de Peter Heller para construir un relato distópico sobre la esperanza en una situación límite. Jacob Elordi, ya convertido en uno de los nombres fundamentales para entender la renovación de caras en Hollywood, encabeza un reparto donde brillan Margaret Qualley, Guy Pearce y Josh Brolin. La constelación del perro apuesta por el humanismo contra la violencia, huyendo de los habituales relatos postapocalípticos para poner el foco en las peripecias emocionales de unos personajes que oscilan entre la resignación y la fe.

¿Cuándo se estrena? El 26 de agosto.

Dir.: Ridley Scott (EE. UU., 2026). 100 min.

¿De qué va? El arqueólogo Tadeo Jones y su querida Sara ahora son padres de una niña, Olimpia. Y esto ha hecho que una celosa Momia no lleve nada bien haber dejado de ser el centro de atención. Será entonces cuando un deseo inoportuno, pedido al genio de la lámpara maravillosa de Las mil y una noches, lleve a la pareja a viajar de la mítica ciudad perdida de Paititi hasta lo más profundo de Oriente Medio, donde se encuentra la cueva de Alí Babá y los cuarenta ladrones.

¿Por qué tienes que verla? La película no necesita presentación después de que las tres entregas anteriores hayan acumulado ocho millones de espectadores. Nacido de la imaginación de Enrique Gato como parodia de Indiana Jones, el personaje de Tadeo Jones es todo un seguro de vida para niños y mayores dispuestos a ir al cine, y es que esta es, probablemente, la gran apuesta del cine familiar de este verano. Con guiños a la trilogía Regreso al futuro, Titanic y Mad Max, llena de un delirante sentido del humor, la película mantiene la esencia de la saga y no decepcionará a los fans.

¿Cuándo se estrena? El 26 de agosto.

Dir.: Enrique Gato (España, 2026). 90 min.