Qué hacer en Barcelona en febrero

¿De qué va? El Museu Tàpies acoge la muestra El moviment perpetu del mur, una exposición que explora el papel que la noción de muro desencadenó en la obra de Antoni Tàpies desde el contexto de la Segunda Guerra Mundial hasta las décadas posteriores, tanto a nivel simbólico como pictórico y físico.

¿Por qué hay que ir? Este proyecto se centra especialmente en la década de 1950, un período clave de transformación en la práctica artística de Tàpies. A través de este recorrido se plantean nuevas perspectivas sobre el desarrollo de su lenguaje pictórico y sobre la relación entre obra, espacio y espectador. La exposición toma como punto de partida cuatro exposiciones individuales que el artista realizó durante esta década —en las Galerías Layetanas de Barcelona (1950 y 1954), en la Galerie Stadler de París (1956) y en la Sala Gaspar de Barcelona (1960). Cada una de estas muestras presentaba grupos de obras distintos y también diferentes soluciones de montaje. El proyecto analiza cómo estos dispositivos expositivos —la iluminación, la disposición de las obras o el color de las paredes— pueden influir en la percepción y la interpretación de la pintura. Asimismo, explica cómo la obra de Tàpies fue interpretada por críticos, pensadores e historiadores del arte del momento, y cómo se conecta con debates presentes en el pensamiento artístico contemporáneo.

¿De qué va? El CCCB acogerá, hasta el 25 de mayo, la exposición "Rodoreda, un bosque", dedicada a la radicalidad literaria y al imaginario creativo de la escritora en lengua catalana más importante del siglo XX. Comisariada por la ensayista y crítica literaria Neus Penalba, la muestra pretende alejarse de los tópicos, a menudo edulcorados, que han rodeado su figura y mostrar la faceta más contemporánea de Rodoreda, donde la escritura transita entre el realismo y la fantasía para hablarnos de la inocencia, el deseo, el suicidio, el desarraigo, el escarnio o la metafísica.

¿Por qué hay que ir? La muestra se sirve de la metáfora del bosque para concebir el espacio expositivo. Las salas se conectan orgánicamente, utilizando este símil para explicar la trayectoria de la autora a través de un recorrido por las raíces literarias y la experiencia del desarraigo del exilio, los troncos marcados por la vivencia de la guerra, las ramas que dialogan con la cultura occidental y las copas que rozan el cielo y acogen pájaros. A través de esta estructura se despliegan más de 400 piezas entre obra plástica, instalaciones, documentos y audiovisuales, incorporando originales de la Fundación Mercè Rodoreda.

¿De qué va? El proyecto de la artista Anna Moreno que revisita algunos de los proyectos utópicos de los años setenta impulsados por el arquitecto Ricardo Bofill. A través del cine, la instalación y la investigación artística, la exposición plantea una reflexión sobre las tensiones entre las aspiraciones utópicas de la arquitectura moderna y las realidades sociales y políticas que a menudo impidieron su materialización.

¿Por qué hay que ir? El proyecto toma como eje central el film The Terminal Beach, que documenta el estado actual de un asentamiento nómada construido en 1979 en el desierto argelino por el estudio de Ricardo Bofill. Este proyecto, concebido dentro del periodo más experimental del arquitecto, quedó inconcluso y ejemplifica las contradicciones entre el sueño utópico y la realidad política y social de la época.

¿De qué va? Hasta el 28 de septiembre, el MACBA acoge Prisioneros del amor. Hasta el sol de la libertad, la primera exposición en España de los artistas Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme. La muestra reúne obras que recorren casi dos décadas de su trayectoria y reflexionan sobre la memoria, el exilio y las formas de resistencia frente a la opresión y el expolio de Palestina.

¿Por qué hay que ir? A través de voces, canciones, sonidos e imágenes, los artistas conectan experiencias personales con historias colectivas de lucha y, en una aparente paradoja, ponen el acento en la importancia de la alegría, del amor y de la imaginación colectiva como formas poderosas de resistencia, incluso —y sobre todo— en condiciones extremas.

¿De qué va? El Centro de Fotografía KBr de la Fundación MAPFRE presenta una colección de uno de los fotógrafos norteamericanos más reconocidos de todos los tiempos y una de las grandes influencias del fotoperiodismo y de la fotografía artística contemporánea: Walker Evans. La exposición puede visitarse del 26 de febrero al 24 de mayo.

¿Por qué hay que ir?"Mirar fijamente. Es una manera de educar el ojo, y más allá. Mirar fijamente, husmear, escuchar, espiar. Morir sabiendo algo. No estás aquí mucho tiempo". Esta es una de las frases más célebres del artista (procedente de una entrevista publicada en Art in America en 1971), que utilizó la cámara para retratar la vida de la gente de Estados Unidos de mediados del siglo XX y que es considerado uno de los pioneros de la fotografía documental.

¿De qué va? Del 6 de marzo al 17 de mayo, el CCCB acoge la exposición Tenemos diecisiete años. Un retrato colectivo en el CCCB, un espacio que reúne las obras de más de trescientos adolescentes que explican qué significa este número para ellos a través de la fotografía, el cine y la palabra.

¿Por qué hay que ir? En la exposición se pueden ver fotografías, filmaciones y textos en primera persona: miradas genuinas que se alejan de los prejuicios de los adultos y de los códigos habituales de representación de la adolescencia en la actualidad. Los autores son estudiantes de institutos de Cataluña, Lituania y Rumanía que han participado en talleres de creación fotográfica y artística para explorar otras maneras de retratarse y mostrarse.

¿De qué va? El Museo Picasso explora la huella revolucionaria e irreverente de Alfred Jarry en Ubú pintor. Alfred Jarry y las artes, una exposición que analiza la influencia decisiva del autor de Ubu roi en las vanguardias artísticas, el teatro moderno, la cultura visual del siglo XX y la creación contemporánea.

¿Por qué hay que ir? La muestra propone un recorrido amplio por el universo ubuesco, un imaginario grotesco, absurdo y subversivo que ha atravesado disciplinas y generaciones. A través de libros, revistas, ilustraciones, piezas teatrales, cine, pintura y obra contemporánea, la exposición reúne más de 200 piezas procedentes de colecciones internacionales, poniendo en diálogo la obra de Jarry con artistas clave de la modernidad.

Concebido como una figura fundamental para el nacimiento de las vanguardias, Alfred Jarry (1873–1907) fue mucho más que un dramaturgo: escritor, crítico de arte, editor y artista, defendió un arte marginal, deformador y antinormativo. El concepto de lo “ubuesco”, asociado a lo grotesco y al absurdo del poder, se convierte en un eje central de la exposición, que muestra cómo esta noción ha influido profundamente en el lenguaje artístico y político del siglo XX.

Uno de los núcleos principales del recorrido es el impacto de Ubu roi, obra que sacudió el panorama cultural de finales del siglo XIX y que generó una iconografía persistente del tirano ridículo y desmesurado. La muestra también recupera la relación de Jarry con las artes consideradas menores, como el teatro de títeres, reivindicando el arte popular y el arte “salvaje” como formas de resistencia cultural.

¿De qué va? Las exposiciones de fotografía siempre son interesantes, pero lo son aún más cuando las propuestas se salen de lo tradicional. Ornitografies: Revelant els traços de les aus en vol, del artista visual Xavi Bou en colaboración con la Galería SENDA (una de las más relevantes del arte contemporáneo en Barcelona), se podrá visitar de manera gratuita del 25 de febrero al 10 de abril en la zona de exposiciones del Hotel Eurostars Grand Marina 5*. La exposición es, además, una oportunidad perfecta para conocer el interior de este lujoso hotel.

¿Por qué hay que ir? La muestra presenta una selección de obras en las que Bou hace visibles los movimientos invisibles de la naturaleza. Mediante una técnica de cronofotografía digital, el artista registra el vuelo de las aves como una coreografía completa, revelando patrones que escapan a nuestra percepción habitual.

¿De qué va? El panafricanismo fue un movimiento impulsado hace más de un siglo por artistas e intelectuales de todo el mundo que se hacían la misma pregunta: ¿cómo sería el mundo si todos los pueblos africanos y sus diásporas se hermanaran? La nueva muestra del MACBA nos invita a hacer precisamente eso. Según Elvira Dyangani Ose, directora de la institución y comisaria de la muestra junto con Antawan I. Byrd, Adom Getachew y Matthew S. Witkovsky, las salas del museo se han llenado “del espíritu colaborativo del panafricanismo” y, a través de pinturas, libros, creaciones populares, música, fotografías y vídeos, nos invitan a imaginar un mundo mejor. 

¿Por qué hay que ir? Entrar en las salas del museo es como cambiar de mundo. No de país, ni de continente, ni siquiera de lengua. De hecho, la exposición profundiza en el impacto del panafricanismo en la historia catalana y española y nos revela la presencia de activistas negros en la Barcelona obrera o en el bando republicano de la Guerra Civil. La muestra, entonces, nos hace viajar a otro plano de la realidad que ha existido siempre. Más de quinientos objetos de un centenar de artistas e intelectuales, producidos en África, Europa, América del Norte y América del Sur, nos explican que la historia tiene muchas capas y que no todas aparecen en los libros o en la televisión. Hay relatos censurados y otros que nuestra mirada impregnada de blanquitud no ha sabido ver. Pero las banderas de la primera sala nos reciben con los brazos abiertos y parece que nos digan: ¡bienvenidos a Panáfrica!

¿De qué va? La Fundació Joan Miró propone una exposición retrospectiva que repasa medio siglo de actividad, pero que también cuestiona cómo se ha construido su historia y qué papel puede desempeñar en el futuro. La muestra parte de una idea clave: la Fundació no comenzó realmente en 1975, sino que es el resultado de un recorrido más largo que se inicia mucho antes y que está estrechamente vinculado con la Transición y la apertura democrática.

¿Por qué hay que ir? El proyecto expositivo, comisariado por Blanca Arias, Martina Millà y Ramon Balcells, se despliega en siete ámbitos y ha sido concebido con un enfoque colaborativo, con la participación de artistas, comisarios e investigadores. El resultado es una mirada poliédrica que evita un único relato y pone en valor la pluralidad de voces que han formado parte de la Fundació a lo largo de los años. El relato incluye documentos de archivo, imágenes y obras clave, pero también propuestas contemporáneas creadas expresamente por cuatro artistas locales a partir del fondo documental del museo.

Con la locura desatada por el regreso de Oasis corremos el riesgo de olvidarnos de la serie de grupos que protagonizaron con ellos la era dorada del britpop y que no solo están en muy buena forma sino que, al contrario que los Gallagher, continúan ofreciendo música nueva. Es el caso de Blur, que hace dos años publicaron The Ballad of Darren; de Pulp, que después de 25 años de silencio este mes de junio han publicado More; y de Suede, que el 5 de septiembre de 2025 publicaron el décimo álbum de su discografía. 

Además, estos grupos tienen la gentileza de pasar de vez en cuando por Barcelona. Blur lo hicieron en el Primavera Sound de 2023; Pulp, en el de 2024; y Suede no han dejado de hacerlo, la última vez en Razzmatazz en 2022. Ahora regresan para presentar Antidepressants (2025), un trabajo oscuro que forma parte de la trilogía “en blanco y negro” que iniciaron con Autofiction (2022), y que ha recibido críticas excelentes en el Reino Unido. Si aquel era su álbum punk, este tiene sonoridades góticas y post-punk; lo presentarán el miércoles 26 de marzo de 2026 también en la sala Razzmatazz.

Dice una leyenda urbana que el trío de Barcelona NTR iba a tocar el verano pasado en un festival de música infantil, pero cuando la organización escuchó la letra de Maestras se lo pensaron mejor. ¿Quiénes son NTR? Pues un trío de músicos veteranos de Barcelona que con lo mínimo y casero pero muy apañado –voz, programaciones y guitarra– consiguen poner los pies entre New Order, Suicide y los Aviador Dro más misántropos.

NTR tocan el jueves 26 en la sala Taro. Si escucháis su disco Depresión Lituana (2024), que ellos definen como punk de faristol, os estallarán en la cara un puñado de canciones que os recordarán que habéis llegado casi a los 50 sin hacer nada de provecho en la vida pero que se incrustan en vuestro cerebro como la resaca más virulenta o, todavía peor, como una ITS contraída después de una cena de empresa. Aquí toca gente ilustre de la escena indie de Barcelona, pero lo que importa es que esto son canciones cargadas de un odio socarrón y costumbrista, de esas que si las escuchas quizás eviten que te líes a hostias con el vecino. Poneos Niño Gordito o Trenet (oda al chemsex) y no los olvidaréis en una buena temporada. Redondea la noche el dúo de punk-disco-funk Disco Lehmitz, en la estela de LCD Soundsystem. Una noche ideal para afrontar el viernes de teletrabajo con resaca.

Cada vez sirve menos la excusa de que la música clásica es elitista o que no es para todo el mundo. Iniciativas como los conciertos de La Mercè, Clàssica a la Platja y Ciutat de Clàssica (estas dos últimas de Barcelona Obertura) acercan el género a la ciudadanía con propuestas muchas veces gratuitas que son una muy buena oportunidad tanto para melómanos como para neófitos o simples curiosos. 

El Barcelona Obertura Ciutat de Clàssica, que se celebra por séptima vez del 5 de marzo al 1 de abril, ofrece una programación mixta de 27 conciertos gratuitos y 25 de pago, en 29 espacios emblemáticos de la ciudad. Aparte de los tres grandes equipamientos de clásica –L'Auditori, el Palau de la Música y el Gran Teatre del Liceu– hay una veintena larga de escenarios repartidos por todos los distritos, como la Torre Bellesguard, el Palauet Albeniz y la Casa Vicens, entre los que se incorporan este año. 

Por fin llega el momento más esperado por los fans de Rosalía desde que publicó su nuevo álbum: verla en directo. Pues bien, el LUX Tour 2026 de la de Sant Esteve Sesrovires ya está en marcha e incluye cuatro fechas en Barcelona: serán los días 13, 15, 17 y 18 de abril en el Palau Sant Jordi. Teniendo en cuenta que Oques Grasses agotaron todas las entradas para cuatro conciertos en el Estadio Olímpico, quizá se haya quedado corta. ¿Cabrán todos los fans de Rosalía en cuatro Sant Jordis?

Algunos conoceréis más a Leïti Sène de Élite y de Benvinguts a la família, pero ya hace tiempo que aparcó su carrera de actor para centrarse en la música. De la misma manera, se ha apartado de las tentaciones de la vida de estrella y se ha volcado en la familia –con 27 años ya tiene tres hijos– y en la búsqueda de sus raíces africanas y de la espiritualidad del Islam. Todo esto está muy presente en su nuevo trabajo, Sene kor Sene (2026), que presenta en directo en Razzmatazz el 17 de abril.

El año 2023 fue el primer grupo que actuó en La Paloma después de la reapertura. Las canciones de Mishima ponían fin, de esta manera, a 16 años de cierre de la emblemática sala de baile de la calle del Tigre y lo hacían con una fiesta empapada de Sant Jordi.

Por cuarto año consecutivo, durante la vigilia de Sant Jordi, el 22 de abril, ofrecerán un espectáculo de música, literatura y rosas que esta vez contará con un cartel literario formado por Eva Baltasar, Pol Guasch, Carlota Gurt y Biel Mesquida, que leerán fragmentos de sus últimos libros con el acompañamiento del grupo.

En el bis, como siempre, llegará la sorpresa: estrenarán la adaptación al catalán de un éxito mundial como ya han hecho antes con Roses (Flowers, de Miley Cyrus), La diablessa (La diabla, de Xavi) y HdHFMD (DtMF, de Bad Bunny).

La 39ª edición del Festival Folk Internacional Tradicionàrius se celebra del 16 de enero al 27 de marzo de 2026 en el C.A.T. y otros espacios. Con más de 50 conciertos, bailes y talleres de música de raíz, este año se centra en la diversidad lingüística del Pirineo, con proyectos de Occitània, el País Vasco, Aragón y los Països Catalans. Uno de los grandes atractivos del TRÀD39 será la presencia excepcional de tres formaciones orquestales: la OMAC, el Gran Conjunt de l’ESMUC y la Orquestra Colònies Escola Folk del Pirineu, que protagonizará la inauguración con 35 músicos para celebrar su 25º aniversario.

Por otro lado, el festival mantiene su fuerte arraigo popular con citas como los Foguerons de Sant Antoni en Gràcia, que incluirán conferencias, gloses y balls de bot a finales de enero; la Festa Major de Santa Eulàlia, con un concierto en la Plaça de Sant Jaume el 13 de febrero, y la 19ª edición del ciclo Folk als Mercats. Más información y entradas en la web del festival.

La 31.ª edición del Cicle de Cançó Barnasants reúne 59 conciertos en diversas salas de Cataluña, Baleares, l'Alguer y y Valencia con nombres como Carmen Consoli, Marc Parrot, Feliu Ventura y Fetus. Habrá seis producciones propias y más de 25 estrenos discográficos. El homenaje a Lluís Llach Llach – Gener 76. 50 anys abrirá el cartel con dos conciertos en el Palau de la Música, el 27 y 28 de enero, y la clausura correrá a cargo de la cantautora Montse Castellà, que celebra 30 años de carrera, el 10 de mayo en Amposta.

También se ha programado, el 24 de abril en el Casino l'Aliança del Poblenou, un homenaje a Robe Iniesta, líder y cantante de Extremoduro, que falleció recientemente y donde participarán diversos artistas. Más información y entradas en la web del festival.

El Guitar BCN 2026 incluye tres noches en el Palau Sant Jordi, el recinto cubierto más grande de la ciudad. Los encargados de llenarlo serán Amaral, cerrando su gira Dolce Vita Tour en diciembre; el fenómeno hip-hop Hijos de la Ruina (Natos, Waor y Recycled J), que llevarán sus beats masivos en mayo; y la cantautora canaria Valeria Castro, que ha pasado del Auditori Fòrum al Sant Jordi en tiempo récord.

El festival empieza con Bebe en Razzmatazz (8 de enero), Duncan Dhu en el Palau de la Música (15 de enero) y Alcalá Norte, la banda del momento de la escena post-punk madrileña, en el Sant Jordi Club (24 de enero). El hermano pequeño del Sant Jordi también acogerá al dúo Marlena y a los granadinos La Plazuela, que presentarán su esperado segundo disco con su fusión de flamenco y electrónica. También en el Sant Jordi Club, Iván Ferreiro hará un repaso a su trayectoria, desde la época de Los Piratas hasta la actualidad.

¿De qué va? Dos hermanas y sus maridos e hijos se reúnen para celebrar la Navidad en Finlandia, donde vive una de ellas. El encuentro tomará enseguida una inesperada dirección cuando el hijo de una le explica a la hija de la otra quién se esconde realmente detrás de la barba de Papá Noel. Lo que debían ser unos plácidos días en familia se convierten en una guerra abierta por su opuesta forma de entender la educación de los hijos y la magia de la Navidad.

¿Por qué tienes que verla? Para comprobar si la versión cinematográfica mantiene las claves que convirtieron la obra teatral homónima de Cristina Clemente y Marta Buchaca en todo un éxito. Partiendo de una idea original del dramaturgo Jordi Casanovas, Lapönia utiliza la comedia basada en diálogos y réplicas rapidísimas e ingeniosas para reflexionar sobre conceptos como la ilusión, el futuro y la mentira ("os habéis criado en un país que tiene la mentira como base social", soltará el marido finlandés de una de las protagonistas).

Con una estructura que coloca a cuatro personajes en un mismo espacio, la nueva película de David Serrano (Días de fútbol, Voy a pasármelo bien) bebe de referentes confesados como aquel Un dios salvaje de Roman Polanski. Eso sí, un pelín menos violento. Un perfecto y divertido vehículo de lucimiento para intérpretes como Ángela Cervantes, Natalia Verbeke y Julián López.

¿Cuándo se estrena? El 1 de abril.

Dir.: David Serrano (España, 2026). 89 min.

¿De qué va? En un determinado momento, la hija del protagonista le espeta que ha superado seis crisis de gobierno sin hacer nada. Mariano de Santis, presidente de la República Italiana, sabe que es el momento de posicionarse. Y tendrá que hacerlo tomando tres decisiones que se adivinan trascendentales. Dos tienen que ver con la petición de indulto de dos condenados por asesinato ante circunstancias bastante singulares. Y la tercera es la de firmar o no una ley de la eutanasia, teniendo en cuenta que él es demócrata-cristiano.

¿Por qué tienes que verla? Porque cualquier película firmada por Paolo Sorrentino merece atención inmediata. Y, más aún, si supone el reencuentro con su actor favorito, Toni Servillo, que ganó por este papel la Copa Volpi en el Festival de Venecia.

El icónico Jep Gambardella de La gran belleza (2013) es aquí un respetado político de esos que hoy en día parecen extinguirse como los dinosaurios: inteligente y humanista, dialogante y reflexivo. La dupla actor-director (un Sorrentino menos felliniano que nunca) funciona como un reloj en una película que es un contundente alegato en contra de la equidistancia y en favor de la política en mayúsculas.

¿Cuándo se estrena? El 1 de abril.

Dir.: Paolo Sorrentino (Italia, 2025). 133 min.

¿De qué va? Minutos después de sobrevivir a la sanguinaria versión del escondite que remataba su boda, Grace (Samara Weaving) respiraba tranquila fumándose un cigarrillo. Pero enseguida se dará cuenta de que la pesadilla no ha terminado y que, detrás de sus suegros y cuñados (y las costumbres vinculadas con una muy singular manera de entender los juegos), hay otras familias que, desde las élites financieras, controlan el mundo. Ahora, Grace y su hermana (Kathryn Newton) tendrán que seguir enfrentándose a una todavía más retorcida amenaza mortal.

¿Por qué tienes que verla? Por la ingeniosísima y desacomplejada mezcla de terror y comedia con mucha mala leche que convirtió la original en un pequeño fenómeno entre los fans del género. Ahora, sus responsables amplían el universo satánico de la primera película y presentan una secuela más grotesca y operística, que multiplica los elementos de sátira social que señalaban a las élites económicas como el Mal en mayúsculas.

La dupla de directores y guionistas formada por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, que ya revitalizaron Scream a partir de la quinta entrega de la saga, vuelve a contar con una estelar Samara Weaving. Y en el reparto destacan un Elijah Wood (eterno Frodo de El Señor de los Anillos) que arranca carcajadas con su personaje de abogado que nunca levanta la voz, y un tal David Cronenberg, el director de Crash que aquí se divierte en una breve y muy graciosa aparición como actor.

¿Cuándo se estrena? El 1 de abril.

Dir.: Matt Bettinelli-Olpin & Tyler Gillett (EE.UU., 2026). 108 min.

¿De qué va? La sombra de la violencia en la separación de sus padres despierta la rabia de una adolescente confundida que se siente entre dos aguas. La esperada reunión en un punto de encuentro, de esos destinados a garantizar el derecho de los menores en situaciones de alta conflictividad familiar, provocará que la relación entre Carmela y su padre evolucione desde la admiración y el amor absoluto hasta una inevitable toma de conciencia ante la cual es inútil rebelarse.

¿Por qué tienes que verla? Tras la estupenda carta de presentación que supuso Ama (2019), la cineasta catalana Júlia de Paz Solvas presenta ahora una mirada tan delicada como punzante a la violencia machista desde la perspectiva de una adolescente. Desarrollando una premisa presentada en el galardonado cortometraje Harta, la directora y su cómplice y coguionista Núria Dunjó siguen a una protagonista omnipresente que, poco a poco, empieza a entender que la violencia tiene muchas más capas de las evidentes. Y que, tal vez, su perspectiva sobre la expulsión del padre del núcleo familiar está equivocada.

Uno de los grandes reclamos de este viaje del amor al desamor (y viceversa) es el descubrimiento de una promesa que ya es realidad: Kiara Arancibia (qué ojos, qué miradas, qué silencios) debuta interpretando a Carmela, el alma de una película llena de momentos de intimidad que cuesta olvidar. Sobre todo, aquellos que comparte con Julián Villagrán, el padre que se resiste, como sea, a perder a su familia.

¿Cuándo se estrena? El 10 de abril.

Dir.: Júlia de Paz Solvas (España, 2025). 101 min.

¿De qué va? Un hombre que se presenta como llegado del futuro entra en una cafetería amenazando con hacer explotar las bombas que lleva pegadas al cuerpo si no consigue formar un equipo para salvar al mundo de un apocalipsis causado por una poderosa inteligencia artificial. El intruso explica que este es su intento número 117, y que volverá las veces que haga falta. Una chica alérgica a los teléfonos móviles y a las redes wi-fi, una mujer que ha perdido a su hijo, un chófer y una pareja de profesores de instituto se apuntan, sin ganas, a una misión con mal pronóstico.

¿Por qué tienes que verla? Un poco de Terminator y otro poco de Atrapado en el tiempo. Pero no solo eso. Y, en el fondo, nada que ver. Porque esta comedia distópica llena de buenas ideas, ambiciosa y excesiva, irregular pero tremendamente satisfactoria, tiene un punto de partida que puede recordar ligeramente al de los dos clásicos citados, pero un desarrollo alejado, siempre sorprendente y completamente enloquecido.

Así pues, cine para dejarse llevar y participar del juego propuesto por el cineasta Gore Verbinski (director de The Mexican y de tres entregas de Piratas del Caribe) y por el guionista Matthew Robinson. Un divertimento extravagante que dispara contra la realidad digital de adicciones al móvil y a las redes sociales, y a los peligros de una IA sin los protocolos necesarios.

¿Cuándo se estrena? El 10 de abril.

Dir.: Gore Verbinski (EE.UU., 2025). 134 min.

¿De qué va? John es diagnosticado con el Síndrome de Tourette en su adolescencia, después de ser señalado por sus compañeros de instituto como un alumno loco. A partir de ahí, el chico crece convencido de la necesidad de hacer campaña para visibilizar y desestigmatizar un trastorno neuropsiquiátrico crónico caracterizado por tics motores y vocales, muchas veces palabras y expresiones obscenas, que se manifiestan de forma involuntaria y repetitiva.

¿Por qué tienes que verla? Por su descomplejada condición de feel-good movie que, con un altísimo porcentaje de éxito, hará salir a los espectadores de las salas con una enorme sonrisa de satisfacción. Su director, Kirk Jones, ya lo hizo con la magnífica Despertando a Ned (1998), y vuelve a apostar por la suma de risas y lagrimones como combinación invencible para contar la historia real del activista escocés John Davidson, que se dio a conocer en el año 1989 cuando, con solo 16 años, protagonizó el documental de la BBC John's not mad. Además, la película supone un espaldarazo para el actor Robert Aramayo (visto en Juego de Tronos), flamante ganador del premio Bafta a mejor actor por su trabajo.

¿Cuándo se estrena? El 10 de abril.

Dir.: Kirk Jones (Reino Unido, 2025). 120 min.

¿De qué va? Hija única de una familia conservadora y católica de una ciudad de provincias, Adela (Elisabeth Martínez) vive marcada por una tremenda represión y por el absoluto desconocimiento de su intersexualidad, que desde la ignorancia condiciona su vida. Conocer a un singular cura homosexual (Paco León) y a una mujer luminosa y fascinante (Anna Castillo) provocará una reacción en cadena que despertará la necesidad de autoconocimiento de la protagonista.

¿Por qué tienes que verla? En su presentación al Festival de Málaga, el director Fernando González Molina (Tres metros sobre el cielo, El guardián invisible) explicaba que, con esta relectura, que no remake, del clásico de Jaime de Armiñán que descubrió una insólita cara de José Luis López Vázquez, han querido hacer “un homenaje a una obra maestra. Nos permitía poner el foco sobre zonas de sombra de una película hija de su tiempo. Cosas que intuías pero que no te explicaban, como la condición intersexual de la protagonista, Adela. Explicando al espectador qué es esta intersexualidad porque, pese a lo que pueda parecer, casi nadie lo tiene muy claro, y es importante darle visibilidad”.

Con la apuesta como protagonista por Elisabeth Martínez, actriz novel y también intersexual, Mi querida señorita quiere reflexionar sobre la identidad y la diferencia, y, por encima de todo, sobre amarse a uno mismo. Producida por los Javis, Netflix la estrenará en los cines un par de semanas antes de ofrecerla en su plataforma.

¿Cuándo se estrena? El 17 de abril.

Dir.: Fernando González Molina (España, 2026). 112 min.

¿De qué va? París, 2045. Dividida en tres zonas según la clase social de los habitantes, la capital francesa está controlada por una inteligencia artificial llamada Alma, capaz de decidir la culpabilidad ante un delito incluso antes de que se cometa. Dos policías provenientes de diferentes zonas serán los encargados de unir fuerzas para investigar el asesinato del creador de Alma.

¿Por qué tienes que verla? Por el pulso narrativo que el cineasta Cédric Jimenez ya ha demostrado en thrillers anteriores como Novembre (2022) o Conexión Marsella (2014), y que aquí se mezcla con los elementos propios de una distopía que convierte al estado en una especie de Gran Hermano, y que recuerda a películas ya clásicas como Minority report y Blade runner. Además, Zona 3 cuenta con un reparto magnífico de grandes figuras del cine francés: Gilles Lellouche y Adèle Exarchopoulos son la pareja protagonista, acompañada de Romain Duris, Valeria Bruni Tedeschi y Louis Garrel. Con trepidantes escenas de acción y un magnífico uso de París como escenario, Zona 3 engancha y no te deja ni un momento de respiro.

¿Cuándo se estrena? El 24 de abril.

Dir.: Cédric Jimenez (Francia, 2025). 100 min.

¿De qué va? El protagonista de esta comedia con un punto amargo ha terminado una novela pero ninguna editorial la encuentra lo bastante buena como para publicarla. Mientras intenta ganarse la vida trabajando en una librería e impartiendo un curso de escritura online, nuestro hombre sale una noche de fiesta y conoce a una chica que podría ser la musa que buscaba y que le inspire para superar sus inseguridades y el bloqueo que sufre.

¿Por qué tienes que verla? Por la frescura que desprende y la voluntad de retrato de una generación marcada por la precariedad laboral, la frustración y las bofetadas de realidad ante unas expectativas que difícilmente se convertirán en realidad. Superar un bloqueo creativo no deja de ser una metáfora de los muros que aparecen en el salto a la vida adulta. Sin demasiadas pretensiones, Casi todo bien avanza por las calles de Madrid entre bares y librerías, y se beneficia de la química entre Marcel Borràs y Silma López, y de las breves apariciones de Julián Villagrán, Adelfa Calvo y Secun de la Rosa.

¿Cuándo se estrena? El 24 de abril.

Dir.: Andrés Salmoyraghi y Rafael López Saubidet (España, 2026). 88 min

¿De qué va? En un mundo que ha perdido su capacidad de soñar, una mujer descubre una misteriosa criatura monstruosa que todavía es capaz de experimentar los sueños, y consigue adentrarse en ellos tratando de entender los secretos de esta bestia. Una premisa casi críptica para una película que nunca deja de sorprender en su firme apuesta por la poesía y los sentidos: cada uno de los capítulos que estructuran la (no) trama sirven para dar cuerpo a la idea del cineasta Bi Gan: vista, olfato, gusto, oído y tacto, y también la mente, se convierten en un marco que nos lleva de la mano en un singular viaje en el tiempo a través del cine.

¿Por qué tienes que verla? Pocas películas han despertado una unanimidad crítica tan entusiasta tras presentarse en el Festival de Cannes. No se llevó la Palma de Oro, pero sí un Premio Especial del Jurado: “Es como un OVNI, un invento extraordinario”, justificaba Juliette Binoche, presidenta de un jurado que ponía en valor la poética experiencia sensorial que supone esta monumental y abrumadora carta de amor al cine que va más allá, abriendo caminos narrativos ricos e inesperados.

El particular y distintivo lenguaje visual que propone el director chino Bi Gan (que ya había dejado boquiabiertos a los asistentes de Cannes cuando presentó Largo viaje hacia la noche y su hipnótico plano-secuencia en 3D de casi una hora) se convierte en una fiesta llena de referencias y homenajes: el cine mudo y el expresionismo alemán, Méliès y Nosferatu, el cine negro, el melodrama, los vampiros, los espejos de La dama de Shanghái, los motoristas de Easy rider...

¿Cuándo se estrena? El 30 de abril.

Dir.: Bi Gan (China, 2025). 160 min.