Cosas para hacer en Barcelona en junio

CosmoCaixa acull l’exposició Extraterrestres. Hi ha vida fora de la Terra? del 25 de febrer de 2025 al 30 d’agost de 2026: un llibre obert de gran rigor científic que resol i posa de manifest alguns dels dubtes que existeixen sobre el nostre lloc en el cosmos, què significa vida o com la literatura i el cinema han construït un imaginari col·lectiu sobre els extraterrestres. La mostra ha comptat amb l’ajuda i el suport d’experts i assessors científics. Per fer-ho, es val d’audiovisuals, interactius, experiències sensorials immersives i alguns objectes i plànols originals de la NASA o d’altres institucions de prestigi. Per exemple, podreu veure escenografies amb maquetes com la del rover Perseverance o la de l’helicòpter Ingenuity.

L’exposició ens proposa recórrer cinc àmbits diferents que van resolent interrogants universals sobre l'Espai i possibles formes de vida alternatives. En el primer apartat, Aquí estem, ens posa en context, situant-nos en el cosmos. Entre el zero i l’infinit és un viatge a través de la història i explica el gran debat filosòfic entre els partidaris de la unicitat de la vida a la Terra i els defensors de l’existència d’altres mons habitats. Ficció versus realitat plasma com l’art i els mitjans han anat construint l’imaginari col·lectiu sobre els altres mons i els alienígenes. La recerca reflecteix la inquietud científica de trobar respostes i com hem sortit de la Terra per fer-ho. L’últim punt, Estem sols?, conclou tot el que s’ha presentat.

Llega junio y, ¡boom!, hay una explosión de actividades y fiestas en motivo del mes del Orgullo LGBTIQ+. Barcelona es una ciudad orgullosa, llena de lugares que han marcado historia del colectivo LGBTIQ+ y de espacios de ocio como bares y salas donde ver shows de drag, salir de fiesta o tomar una copa. Además, el Centro LGBTIQ+ de Barcelona está siempre activo y se encarga de programar actividades, talleres y exposiciones para todos los públicos. Así que, sí, no nos parece raro que cuando se acerca junio, te satures con la cantidad de opciones que hay y te preguntes: ¿Cuáles son las mejores actividades del mes del orgullo y el Pride en Barcelona? En la siguiente lista encontrarás las propuestas más reivindicativas, festivas, diversas e interesantes.  

Es la reina de los ritmos tropicales. Del hip-hop y la electrónica a la salsa, y es a este último género al que Nathy Peluso ha dedicado su último EP, Malportada (2025), grabado en Puerto Rico y consagrado exclusivamente a un estilo que ya sabíamos que dominaba gracias a canciones como Mafiosa, Puro veneno, La presa y Erótika.

Con este EP reciente y las canciones del último álbum Grasa –y las remezclas Club Grasa (2024)– Nathy Peluso se presenta en todo un Palau Sant Jordi como la estrella latina que es. Será el 14 de febrero de 2026 –día de San Valentín–, un concierto que, junto con la fecha de Madrid, pondrá punto final a la gira mundial de Grasa, que ha agotado entradas en plazas tan importantes como Nueva York, Los Ángeles, Londres y París.

En este punto de la película, podemos decir que Ariel Rot es un personaje central y de consenso en la escena del rock español, catalán, argentino y universal, vaya. El guitarrista, cantante y compositor, ex-Tequila y Los Rodríguez, acumula una masa crítica de discos en solitario que ya roza la quincena, apuntalada por la etapa Tequila, aquel glorioso pop-rock chicle que se te clava en el cerebro sustentado por un raca-raca guitarrero entre los Ramones y los Stones, y del también éxito sideral de Los Rodríguez, quizás el intento más exitoso de lograr un rock latino comercial pero de calidad artística que jamás se haya hecho.

Talentoso cantante, guitarrista y compositor (un poco como si Rosendo hubiera estudiado en el Liceo Francés), Rot se vuelve a apuntar al festival de canción de autor Barnasants para ofrecer un resumen de su carrera. Será el 19 de febrero en el Casino l'Aliança de Poblenou, justo 50 años después de que un chaval de 16 años llegara al Estado español, acompañado de su familia, huyendo de la dictadura argentina. Los éxitos son muchos, y todos se cantan solos: Quiero besarte, Necesito un trago, Vicios caros, entre otros, y tocan muchos palos de la música popular, de la milonga argentina al rock de aires stonianos o a la balada pop sedosa reminiscente de Harry Nilsson. Escucharlo en un marco cálido y popular como es el Casino de l'Aliança del Poblenou (que, por cierto, ha acogido conciertos de Chris Cornell y Blue Öyster Cult) es un pequeño lujo que vale la pena pagar. 

¿De qué va? Miró realizó siete viajes a Estados Unidos entre los años 40 y los 60. “Durante aquellos viajes, Miró no hablaba inglés, y los artistas con los que entabló amistad no sabían castellano ni catalán. Por lo tanto, la conversación entre Miró y EE. UU. fue puramente artística”, dice Matthew Gale. Él es el comisario de la exposición Miró y los Estados Unidos que la Fundació Miró, en el marco de su 50.º aniversario, dedica a la relación del artista con ese país que, durante la dictadura franquista, era un faro de libertad creativa.

¿Por qué hay que ir? En la exposición no hay únicamente obras de Joan Miró, sino también de todos aquellos creadores con los que el artista mantuvo intercambios, admiraciones y conversaciones. La muestra investiga la reputación internacional de uno de los artistas más universales de nuestro país, revela las conexiones de Miró con figuras como Mark Rothko, Robert Motherwell, Lee Krasner o Helen Frankenthaler y confirma que la abstracción americana encontró en Miró a un precursor. También se dedica un espacio a los grabados del Atelier 17, el legendario taller de Stanley William Hayter en Nueva York, donde Miró coincidió con artistas como Alice Trumbull Mason o Louise Nevelson.

¿De qué va? El CCCB acogerá, hasta el 25 de mayo, la exposición "Rodoreda, un bosque", dedicada a la radicalidad literaria y al imaginario creativo de la escritora en lengua catalana más importante del siglo XX. Comisariada por la ensayista y crítica literaria Neus Penalba, la muestra pretende alejarse de los tópicos, a menudo edulcorados, que han rodeado su figura y mostrar la faceta más contemporánea de Rodoreda, donde la escritura transita entre el realismo y la fantasía para hablarnos de la inocencia, el deseo, el suicidio, el desarraigo, el escarnio o la metafísica.

¿Por qué hay que ir? La muestra se sirve de la metáfora del bosque para concebir el espacio expositivo. Las salas se conectan orgánicamente, utilizando este símil para explicar la trayectoria de la autora a través de un recorrido por las raíces literarias y la experiencia del desarraigo del exilio, los troncos marcados por la vivencia de la guerra, las ramas que dialogan con la cultura occidental y las copas que rozan el cielo y acogen pájaros. A través de esta estructura se despliegan más de 400 piezas entre obra plástica, instalaciones, documentos y audiovisuales, incorporando originales de la Fundación Mercè Rodoreda.

¿De qué va? El panafricanismo fue un movimiento impulsado hace más de un siglo por artistas e intelectuales de todo el mundo que se hacían la misma pregunta: ¿cómo sería el mundo si todos los pueblos africanos y sus diásporas se hermanaran? La nueva muestra del MACBA nos invita a hacer precisamente eso. Según Elvira Dyangani Ose, directora de la institución y comisaria de la muestra junto con Antawan I. Byrd, Adom Getachew y Matthew S. Witkovsky, las salas del museo se han llenado “del espíritu colaborativo del panafricanismo” y, a través de pinturas, libros, creaciones populares, música, fotografías y vídeos, nos invitan a imaginar un mundo mejor. 

¿Por qué hay que ir? Entrar en las salas del museo es como cambiar de mundo. No de país, ni de continente, ni siquiera de lengua. De hecho, la exposición profundiza en el impacto del panafricanismo en la historia catalana y española y nos revela la presencia de activistas negros en la Barcelona obrera o en el bando republicano de la Guerra Civil. La muestra, entonces, nos hace viajar a otro plano de la realidad que ha existido siempre. Más de quinientos objetos de un centenar de artistas e intelectuales, producidos en África, Europa, América del Norte y América del Sur, nos explican que la historia tiene muchas capas y que no todas aparecen en los libros o en la televisión. Hay relatos censurados y otros que nuestra mirada impregnada de blanquitud no ha sabido ver. Pero las banderas de la primera sala nos reciben con los brazos abiertos y parece que nos digan: ¡bienvenidos a Panáfrica!

¿De qué va? La exposición World Press Photo 2025, organizada por la Fundación Photographic Social Vision, se centra principalmente en los conflictos bélicos internacionales en Gaza, Ucrania, Líbano o Siria, la crisis medioambiental –como las inundaciones en Brasil–, los problemas relacionados con la migración en Irán o en la frontera entre Estados Unidos y México, y la polarización política, como el crecimiento de la extrema derecha en Alemania.

¿Por qué hay que ir? Como es habitual, la fundación ha organizado un amplio programa de visitas guiadas para el público general durante la semana, así como visitas privadas para empresas y centros educativos. Si queréis asistir, las entradas ya están disponibles en la página web de la exposición a partir de 8 euros, aunque hay descuentos disponibles.

¿De qué va? Una muestra que celebra la riqueza artística y la diversidad cultural de las islas del Pacífico. Hasta el 15 de febrero, el CaixaForum Barcelona acoge objetos que provienen de la prestigiosa colección del British Museum de Londres, pero también del Museo de América de Madrid y del Museu Etnològic i de Cultures del Món de Barcelona.

¿Por qué hay que ir? La muestra recorre el arte de la región a través de siete ámbitos temáticos como "Tejedores", "Guerreros" o "Viajeros" que ilustran sus formas de expresión y conocimientos, desde remos ceremoniales y figuras de gran valor espiritual hasta piezas de utilidad práctica, como una imponente armadura completa de fibra de coco de Kiribati, que demuestra el ingenio en el aprovechamiento de los recursos naturales.

¿De qué va? Isabel Steva Hernández, más conocida como Colita, fotografió a las mujeres de finales de los setenta y las publicó en un libro titulado Antifémina, que hizo junto con María Aurèlia Capmany. La publicación, considerada el primer libro gráfico abiertamente feminista de la Transición, causó mucho revuelo en el año 1977 porque planteaba temas que aún hoy están vigentes, como la prostitución, la cosificación de la mujer o la vejez femenina.

¿Por qué hay que ir? Ahora, el DHub recupera estas imágenes del libro (muchas de las cuales no se habían expuesto antes) y las pone a disposición del público en la exposición Colita. Antifémina, que refleja cómo vivían las mujeres en los años setenta. La muestra ya se pudo ver en 2024 en Madrid y llega ahora a Barcelona ampliada con 25 nuevas fotografías que se suman a las 10 secciones de la muestra correspondientes a los 10 capítulos del libro. En total, en el DHub se exponen 120 fotografías de las 172 de la publicación original.

De qué va? Helen Levitt fue, paradójicamente, una de las fotógrafas más famosas y a la vez más desconocidas del panorama fotográfico de Estados Unidos del siglo XX. Comparable a artistas como Henri Cartier-Bresson o Walker Evans —grandes inspiraciones para ella y, también, amigos—, la diferencia que le restó visibilidad fue que nunca se preocupó por hacer gala de su oficio y fue siempre muy celosa de su intimidad.

Por qué hay que ir? La Fundación Mapfre KBr abre el obturador para rendirle homenaje y revertir la falta de exposición de esta gran autora con la primera exposición de Helen Levitt (1913-2009) que parte de la totalidad de su obra y de sus archivos, solo recientemente abiertos a la consulta pública. Puede visitarse del 24 de septiembre al 1 de febrero.

¿De qué va? Bajo la mirada poética de Cristina Iglesias, una de las artistas más internacionales y respetadas de la escultura contemporánea, La Pedrera se convierte en un bosque laberíntico de paredes vegetales y lagos encantados.

¿Por qué hay que ir? La nueva exposición, organizada por la Fundació Catalunya La Pedrera, sigue la tendencia que ha unido las muestras de este edificio de Gaudí en los últimos meses: la de invitar a un creador a dialogar con el genio modernista a través de nuevos lenguajes artísticos. Esta vez, Iglesias ha transformado los espacios de Gaudí en un recorrido casi hipnótico por materiales, texturas y sombras que juegan con la idea de habitar el espacio. 

¿De qué va? La Fundació Joan Miró propone una exposición retrospectiva que repasa medio siglo de actividad, pero que también cuestiona cómo se ha construido su historia y qué papel puede desempeñar en el futuro. La muestra parte de una idea clave: la Fundació no comenzó realmente en 1975, sino que es el resultado de un recorrido más largo que se inicia mucho antes y que está estrechamente vinculado con la Transición y la apertura democrática.

¿Por qué hay que ir? El proyecto expositivo, comisariado por Blanca Arias, Martina Millà y Ramon Balcells, se despliega en siete ámbitos y ha sido concebido con un enfoque colaborativo, con la participación de artistas, comisarios e investigadores. El resultado es una mirada poliédrica que evita un único relato y pone en valor la pluralidad de voces que han formado parte de la Fundació a lo largo de los años. El relato incluye documentos de archivo, imágenes y obras clave, pero también propuestas contemporáneas creadas expresamente por cuatro artistas locales a partir del fondo documental del museo.

La aparición de un viejo conocido en una casa que llega para provocar un cataclismo de proporciones diversas es uno de los motores recurrentes del teatro, desde Oncle Vània a Göteborg. Y Lucy Kirkwood utiliza el mismo cebo en Els fills para hacernos zambullir en una obra de gran alcance ideológico y moral sobre la responsabilidad de las generaciones más mayores respecto a las que vienen detrás. Todo lo que plantea es tan vigente que da pavor y no hay nada sobrante en esta obra.

Todo empieza con la llegada de la Rose (Emma Vilarasau) al hogar de la Hazel (Mercè Arànega) y Robin (Jordi Boixaderas). Los tres son físicos, se conocen de toda la vida, pero hace cerca de 40 años que no se ven. No sabremos el motivo de la visita de la vieja amiga hasta el final y será importante. El mundo de la función es un lugar que acaba de sufrir un accidente nuclear y, por lo tanto, podríamos decir que estamos ante una pieza de cariz apocalíptico, de una apocalipsis concreta, incluso cotidiana. Pero Kirkwood es suficientemente hábil para presentarnos tres personajes séniores (están jubilados), con cartas escondidas y una relación íntima para mojar pan.

Al final del segundo acto de El barquer, la tía Maggie (Anna Güell), dice: "Si una cosa he aprendido, en esta vida, es que el amor no es nada más que dolor". Justo en aquel momento parece una frase fuera de lugar, una ida de olla de una mujer mayor que no está en sus cabales, que vive del pasado y que no está muy atenta al drama que se está cocinando ante ella, cuando hace nada que los Carney han conocido finalmente qué le pasó a Seamus hace diez años. Pero cierra el acto porque es una premonición, nos está diciendo, en el estilo mágico y metafórico de Jez Butterworth, qué pasará después, cuando el conflicto político y el conflicto íntimo que viven los Carney converjan.

Seamus es el hermano de Quinn (Roger Casamajor) y el marido de Caitlin (Mima Riera), militante del IRA desaparecido hace una década y que, en buena medida, ha marcado la vida de la familia Carney durante estos años. Su esposa y su hijo se trasladaron a casa de Quinn y Mary (Marta Marco) y, esperando, hemos pasado de 1971 a 1981, mientras el conflicto norirlandés crecía y se llegaba a las huelgas de hambre de prisioneros de la banda armada que acabaron muriendo.

El viaje que nos propone la estadounidense Paula Vogel en Com vaig aprendre a conduir es de una potencia abrumadora, duro de ver y duro de asumir, porque lo que ocurre en esta familia de Maryland no es, ni mucho menos, extraño, ya que los datos cantan: la mayoría de los abusos sexuales a menores se producen dentro del núcleo familiar. El acoso que sufre Coseta (Mireia Aixalà) por parte de su tío Peck (Ivan Benet), desde finales de la infancia hasta la llegada a la mayoría de edad, es aterrador. Pero Vogel sabe plantearnos esta historia de terror con amplitud de miras, sin dejar cabos sueltos, a través de una mirada que, sobre todo, quiere entender.

Estrenada en 1997 en los EE. UU., Com vaig aprendre a conduir fue una de las primeras obras que trataban este tema. Y la autora siempre ha dicho que lo que más le costó fue no mostrar a Peck como un simple monstruo de manual, sino también como una víctima, porque quería desesperadamente saber por qué llegó a donde llegó. Hacia el final de la función, Coseta se pregunta si él también fue víctima de un abuso cuando era pequeño. Porque también es habitual que los verdugos hayan pasado antes por el cadalso.

Cuando sales del TNC después de ver Maria Magdalena, estás seguro de haber conocido a Míriam (Ariadna Gil), una investigadora que se divorcia y que lucha por la custodia de una de sus hijas, pero no sabes si puedes decir lo mismo de la figura que da título al espectáculo, el objeto de estudio de la catedrática. Porque más allá de unos cuantos cuadros y algunas preguntas lanzadas al vuelo, te vas como has entrado: entre una cierta ignorancia y cuatro sentencias cuyo fundamento pasa por lo mismo que critican: la fe. Te tienes que creer lo que te dicen. Y Marina Garcés nos ha enseñado que, ante todo, debemos ser incrédulos.

El problema de Maria Magdalena es que, más allá del manifiesto y un despliegue de recursos visuales, musicales y escenográficos despampanante, no hay gran cosa. Sí, tenemos una tropa de actores y actrices de prestaciones desiguales, pero un argumento en el que lo que podría ser su línea secundaria (la intimidad de Míriam) acaba desplazando por completo a la principal (saber quién era realmente María Magdalena). Y la pregunta que te haces es: ¿por qué? Sobre todo, porque lo que podemos llegar a conocer de la catedrática tampoco la convierte en un personaje de altura. Y si su drama es una metáfora del calvario de María Magdalena, personal e histórico, no vemos el paralelismo por ninguna parte.

Els ocells supuso un antes y un después para La Calòrica, sobre todo a nivel estético, porque por primera vez, entonces en la Beckett, pudieron levantar un montaje a la altura de sus posibilidades. Porque cuentan con unos actores y actrices magníficos, muy finos con la sátira, con la comedia descarada, un dramaturgo de primera y un director que aspira a las grandes ligas. Seis años más tarde, tras De què parlem mentre no parlem de tota aquesta merda, una inmersión en el conflicto climático y en su vida como compañía, y Le congrès ne marche pas, una fábula sobre los fundamentos capitalistas de nuestro mundo, vuelven a volar.

Y lo hacen con una obra, La brama del cérvol, que, cuando crees que ya no puede ir más lejos, da otra vuelta de tuerca para alcanzar la cima, en el mismo Teatre Lliure, con Alberto (Aitor Galisteo-Rocher), un director de escena veterano, llorando desconsoladamente porque ha robado mucho, ha robado tanto. Las escenas que hablan del mundo teatral local, incluidos ellos mismos, desmontan mitos, refuerzan otros y hacen que tanto el recién llegado como el que lo conozca de cerca no puedan parar de reír.

En casa de Lola (Mamen Duch) y Gerard (Albert Ribalta) hay, teóricamente, dos locas, dos mujeres, Llum (Carme Pla) y la Oltra (Marta Pérez), que acaban de salir de un psiquiátrico. También están Bibiana (Àgata Roca) y Miquel (Jordi Rico). Pero, al acabar la función, no sabemos muy bien si alguno de los seis personajes se encuentra bien de verdad. Hay unos cuantos deprimidos, un par de alcohólicos y otro que lo mide todo con dinero. Las que han pasado por el frenopático parecen las más cuerdas, aunque una cuente historias increíbles y la otra esté como ausente.

Nelson Valente es un maestro a la hora de retratar familias estrambóticas, pasadas de rosca, que, una vez se reúnen, parecen estar dispuestas a detonar una bomba en cualquier momento. Las T de Teatre debieron querer esto después del cierto experimento que supuso La dona fantasma, donde también contaron con un autor y director argentino, Mariano Tenconi, a la batuta. En Avui no ploraré, Roca, Duch, Pla y Pérez, con Rico y Ribalta, dos colaboradores habituales, explotan su lado más extremo en una comedia muy televisiva, de intervenciones cortas, con un giratorio que, en su intento de mostrar al instante diferentes espacios, quizá llega a marear un poco.

Cuando L'amor venia amb taxi baja el telón, cuando la compañía ha encontrado una solución a una de las tramas de la obra, cuando la función está en lo más alto, a pesar de llevar casi dos horas y media en el teatro, nos asalta una chispa de tristeza, porque nos habríamos quedado una hora más contemplando un espectáculo redondo, divertido, riguroso, musicalmente delicioso, y con unas interpretaciones de aúpa. Habríamos querido preguntar a la compañía de la parroquia de Nuestra Señora de la Luz qué obra harán el año que viene, si piensan ensayar los martes, como siempre, quién hará de protagonista, si el tramoyista tendrá, finalmente, un papel, qué ha pasado con los que se iban a ir a Sevilla. Como en las mejores obras, estos personajes pasarán a formar parte de nuestras vidas. 

¿De qué va?

Podemos definir "la fiera" como una irrefrenable necesidad íntima, una inevitable pulsión vital, motor para los protagonistas de la película para seguir haciendo aquello que hacen mientras intentan escapar de la rutina de su cotidianidad.

Enganchados a la adrenalina y a dar constantes pasos adelante en sus retos, un grupo de amigos practican la escalada y el salto BASE, una modalidad de paracaidismo que consiste en lanzarse desde un lugar fijo, habitualmente cimas de montañas. La trama de La fiera sigue la historia real de la amistad de Carlos Suárez, Armando del Rey, Manolo Chana y los mediáticos Álvaro Bultó y el cocinero Darío Barrio. Quizás marcados por la fatalidad, solo uno de todos ellos sobrevive hoy, y a todos ellos va dedicada la película.

¿Por qué tienes que verla?

Por cómo supedita la tragedia al amor por la aventura y la naturaleza, con un enorme respeto por la forma de vivir elegida por sus protagonistas reales. Por el pulso narrativo de Salvador Calvo, director de títulos como Adú o Valle de sombras. Por su más que sólido reparto, con Carlos Cuevas, Miguel Bernardeau, Miguel Ángel Silvestre, José Manuel Poga y David Marcé (uno de los habituales del programa Polònia en un sorprendente y afortunado cambio de registro) formando el grupo de amigos que vehiculan el relato. Y por la espectacularidad de las escenas aéreas y la belleza de las localizaciones donde transcurre la trama.

¿Cuándo se estrena?

El 6 de febrero.

Dir.: Salvador Calvo (España, 2026). 113 min.

¿De qué va?

Después de una discusión aparentemente trivial, Antonio y Marta lo dejan correr. O, más bien, él, un chef dueño de un restaurante que empieza a ponerse de moda, decide romper su relación de siete años con ella, exatleta que ahora trabaja en un instituto como profesora de gimnasia. Pronto, Antonio empieza a echarla de menos muchísimo; Marta, mientras tanto, encuentra en la tristeza de la ruptura la justificación de su pérdida de apetito y de unos problemas estomacales que pronto sabrá que tienen otro origen. El diagnóstico médico será una revelación para la protagonista, que decide abrirse a la vida y disfrutar de pequeñas cosas que antes pasaba por alto.

¿Por qué tienes que verla?

Porque es una de las mejores películas de la temporada, tan conmovedora como luminosa, tan tierna como llena de esperanza. Isabel Coixet adapta dos de los relatos que componen Tres cuencos, el testamento literario de la escritora italiana Michaela Murgia, y con Tres adioses presenta un delicado y evocador canto a la vida muy alejado en el espíritu y las formas de aquella Mi vida sin mí con la que la misma cineasta se acercaba a un tema similar.

También nos encontramos ante una mirada muy particular a una Roma poco transitada en la pantalla. Y ante un recital interpretativo de Alba Rohrwacher, la protagonista, muy bien acompañada de Elio Germano y el madrileño Francesco Carril (Los años nuevos). Una película fabulosa.

¿Cuándo se estrena?

El 6 de febrero.

Dir.: Isabel Coixet (Italia, 2025). 120 min.

¿De qué va?

Una niña se acerca a los tres años de vida y, de esta manera, a la transición hacia el descubrimiento del habla, la conciencia de la familia, del tiempo y las estaciones, también del chocolate y otras cosas que la entusiasman. Un primer paso de crecimiento para la pequeña Amélie, ese momento de la infancia que marca algunas de las constantes que acompañan al ser humano durante toda su vida. “Te das cuenta de todo pero no entiendes nada”, piensa de sí misma la protagonista, en un momento en que todo son descubrimientos sorprendentes.

¿Por qué tienes que verla?

Adaptación de la novela de autoficción Metafísica de los tubos, con la que la escritora belga Amélie Nothomb rememoraba episodios de su infancia vivida en Japón, nos encontramos ante una pequeña joya producto de la bulliciosa creatividad de la animación francesa y europea.

Llena de imaginación e ingenio, explicada desde el punto de vista de la niña, y con una estética que la emparenta con las producciones de Ghibli, Little Amélie es visualmente bellísima y toca temas de enorme profundidad. Más allá de sus encantos, ver esta película será una obligación para satisfacer el afán completista de los que quieren tener vistas todas las películas nominadas al Oscar, en este caso a Mejor Película Animada.

¿Cuándo se estrena?

El 13 de febrero.

Dir.: Maïlys Vallade y Liane-Cho Han (Francia, 2025). 77 min.

¿De qué va?

Los habitantes del barrio barcelonés de Vallbona defienden una forma de existir cada vez más pretérita, alejada del frenesí y la gentrificación de la gran ciudad. Desde una periferia a menudo olvidada, su gente muestra una mezcla de orígenes e identidades, de reflexiones insólitas y de sabiduría arraigada en las particularidades del tránsito de la vida rural hacia la urbana. Siguiendo, de alguna manera, la línea desarrollada en la sensacional En construcción (2001), el cineasta José Luis Guerin vuelve a documentar la realidad del día a día de un barrio: allí era el Raval, y aquí es Vallbona.

¿Por qué tienes que verla?

Con el aval del Premio Especial del Jurado en el Festival de San Sebastián, Historias del buen valle conquista al público con su apuesta por un humanismo fundamentado en la cotidianidad de sus protagonistas. La mirada casi antropológica de un José Luis Guerín que no desaprovecha la ocasión para hacer un guiño al cine de su adorado John Ford, su compromiso hacia las criaturas que capta con su cámara, y una cierta poética alimentan el espíritu de una bonita película que es producto de dos años y medio de trabajo casi artesanal y a contracorriente, tan fuera de su tiempo como la vida de los mismos habitantes de Vallbona.

¿Cuándo se estrena?

El 13 de febrero.

Dir.: José Luis Guerin (España-Francia, 2025). 122 min.

¿De qué va?

Un ladrón de joyas escurridizo, metódico y casi invisible, y un policía obsesivo empeñado en atraparlo sea como sea. El clásico juego del gato y el ratón aplicado al thriller, ninguna novedad, pero siempre un magnífico punto de partida si los instrumentos que tocan la partitura están bien afinados. En Ruta de escape, el duelo irá difuminando las líneas que separan la frontera a ambos lados de la ley. Otro ladrón más joven y despreocupado que el protagonista y una ejecutiva de una compañía de seguros con secretos a sus espaldas completan el póker de personajes de este absorbente relato policíaco.

¿Por qué tienes que verla?

Para seguir confiando en un tipo de cine muy habitual en los años 90, pero cada vez más arrinconado en las plataformas: thriller adrenalínico con persecuciones espectaculares y un reparto de lujo compuesto por Chris Hemsworth, Mark Ruffalo, Halle Berry y los veteranos Jennifer Jason Leigh y Nick Nolte.

La película se basa en un relato corto de Don Winslow, ya adaptado en otros filmes como aquel Salvajes de Oliver Stone. Un autor especializado en novela negra que, con sus obras, supedita las constantes del género al retrato político, social y cultural de un país, los Estados Unidos, lleno de contradicciones. Puro entretenimiento con aires nostálgicos.

¿Cuándo se estrena?

El 13 de febrero.

Dir.: Brad Layton (Reino Unido-EE.UU., 2026). 140 min.

¿De qué va?

Dice la cineasta Emerald Fennell que la novela de Emily Brontë es una historia de cuerpos y almas. En la historia de amor de Catherine, una joven de buena familia, y Heathcliff, el encargado de la caballeriza de la finca, aparecen con fuerza temas como la lucha de clases y la libertad sexual de una mujer en una sociedad tremendamente represora como la victoriana, en un relato que es cumbre del romanticismo del siglo XIX.

¿Por qué tienes que verla?

Para satisfacer la curiosidad que provoca toda nueva versión de un clásico, ya llevado al cine en diversas ocasiones, la más celebrada de William Wyler con Laurence Olivier y Merle Oberon en el año 1939. En este caso, la icónica obra, que rompía muchos clichés de la sociedad victoriana, queda en las manos radicales de Emerald Fennell, una directora a seguir desde sus anteriores Una joven prometedora y Saltburn.

Un evidente punto de interés es, también, ver juntas a dos iconos y sex-symbols del Hollywood de hoy: Margot Robbie y Jacob Elordi (nominado al Oscar por Frankenstein) se desnudan emocional y físicamente en unas Cumbres borrascosas que no suavizan lo más mínimo la relación pasional y sexual de la pareja protagonista. Sumemos a los puntos fuertes del film una banda sonora que incluye temas de Charli XCX y John Cale, y el hecho de estar rodado en 35 mm y VistaVision, una apuesta por un gran cine como el de antes.

¿Cuándo se estrena?

El 13 de febrero.

Dir.: Emerald Fennell (EE.UU., 2026). 136 min.

¿De qué va?

30 de diciembre de 2000. Las vacaciones de Navidad de un grupo de amigos incluyen una excursión de esquí de fondo y un ascenso a los poco más de 2.500 metros del Balandrau. Mientras disfrutan de un día de sol y cielo azul, una violenta ventisca aparece de la nada, haciendo desplomar la temperatura y provocando rachas de viento de más de 130 km/h.

La tragedia real, que dejó solo un superviviente, vehicula un relato que quiere ser un homenaje a las personas que perdieron la vida, a sus familias y a Josep Maria Vilà, el único que fue encontrado con vida, pero también a todos aquellos que participaron en el arriesgadísimo dispositivo de rescate.

¿Por qué tienes que verla?

Por el compromiso de todo el equipo de una película que quiere honrar los vínculos humanos de las víctimas de la tragedia y la solidaridad de los bomberos voluntarios de Camprodon y de todos los que arriesgaron la vida tratando de salvar a los esquiadores perdidos. También por el amor a la naturaleza y a una montaña que, como oiremos decir a uno de los protagonistas, a veces protesta.

Balandrau, vent salvatge supone el primer largometraje dirigido por Fernando Trullols, después de 25 años trabajando como director de segunda unidad o como ayudante de cineastas como Cesc Gay o J.A. Bayona. Trullols no solo consigue rendir el homenaje deseado, también es capaz de optimizar los recursos para mostrarnos escenas complicadas y espectaculares. Álvaro Cervantes, Marc Martínez y Bruna Cusí encabezan el reparto de una película tan demoledora como llena de luz, que es, además, una de las grandes apuestas del cine catalán y en catalán de este 2026.

¿Cuándo se estrena?

El 20 de febrero.

Dir.: Fernando Trullols (España, 2026). 110 min.

¿De qué va?

Entre el thriller político afilado e hiriente y el poderoso ejercicio de memoria histórica que retrata un Brasil en plena dictadura militar (el film se sitúa en el año 1977, en el ecuador de un régimen que duró entre 1964 y 1985), El agente secreto sigue la peripecia de un profesor que huye de su pasado y de la persecución de las tropas gubernamentales mientras intenta volver a Recife para reencontrarse con su hijo y empezar una nueva vida.

¿Por qué tienes que verla?

Porque es una de las incontestables producciones del año, galardonada en todas partes y aspirante a cuatro Oscars, incluido el de Mejor Película. El cineasta brasileño Kleber Mendonça Filho, habitual en los festivales cinematográficos gracias a títulos como Bacurau (2019) y Doña Clara (2016), propone una carta de amor a su país y al cine de los años 70, y nos recuerda la importancia de no olvidar nuestra historia ante amenazas de repetirla.

Narrativamente compleja, juguetona con los géneros (encontramos elementos de drama familiar, de terror e, incluso, pinceladas de comedia), visualmente impactante y con un puñado de secuencias magníficamente dibujadas, El agente secreto cuenta, además, con toda una exhibición interpretativa de un Wagner Moura (el Pablo Escobar de la serie Narcos) que ganó el premio a Mejor Actor en el pasado Festival de Cannes. Magistral.

¿Cuándo se estrena?

El 20 de febrero.

Dir.: Kleber Mendonça Filho (Brasil, 2025). 158 min.

¿De qué va?

1917, un cantante de Kentucky abandona la granja familiar para apuntarse al Conservatorio de Música de Boston. Allí conocerá y conectará con un estudiante de composición musical, pero su amistad quedará truncada momentáneamente por la Gran Guerra. Años después se reencuentran y pasan juntos un invierno recorriendo los bosques y las islas de Maine, recopilando canciones populares para preservarlas para las generaciones futuras. Las idas y venidas continuarán, pero su amor prohibido seguirá firme.

¿Por qué tienes que verla?

El gran reclamo del film es, sin duda, su pareja protagonista: mucho más que actores de moda, Josh O'Connor (visto en la última entrega de Puñales por la espalda o en Rivales) y Paul Mescal (el Shakespeare de Hamnet) viven una apasionada historia de amor queer atravesada por la Primera Guerra Mundial. Dos composiciones casi minimalistas para un melodrama romántico dirigido por un Oliver Hermanus (Living) que apuesta por una estética clásica y por la contención de las emociones, poniendo el foco en la palabra y los gestos.

¿Cuándo se estrena?

El 20 de febrero.

Dir.: Olivier Hermanus (EE.UU., 2025). 127 min.

¿De qué va?

Devastado por su divorcio, un hombre entra accidentalmente en un club de comedia y se ve vomitando todas sus miserias encima de un escenario. Convertir la tristeza en comedia le servirá para salir adelante, mientras su ex intenta recuperar el tiempo perdido después de haber sacrificado su vida laboral para ocuparse de la familia.

¿Por qué tienes que verla?

Para seguir viendo el progreso detrás de las cámaras de Bradley Cooper: después de su debut con Ha nacido una estrella (2018) y del biopic de Leonard Bernstein, Maestro (2023), nuestro hombre sigue explorando los vínculos entre arte y emociones. Aquí, además, regala un personaje que permite el lucimiento de Will Arnett, excelente cómico a quien recordamos por su personaje en la mítica serie Arrested development. Con Laura Dern y el mismo Cooper en el reparto, Sin conexión profundiza en la clásica figura del humorista roto por dentro, y sirve también para conocer mucho mejor el mundo del stand-up comedy neoyorquino.

¿Cuándo se estrena?

El 20 de febrero.

Dir.: Bradley Cooper (EE.UU., 2026). 124 min.