Cosas para hacer en Barcelona en noviembre

¿De qué va? La Fundació Joan Miró dedica su primera gran exposición en España a Charlotte Perriand, arquitecta, diseñadora y fotógrafa francesa que transformó la manera de entender los espacios domésticos y la relación entre diseño y vida cotidiana. La muestra recorre cuatro décadas de su trayectoria y reivindica a una creadora que desafió las convenciones de su tiempo, tanto en el ámbito profesional como en el personal.

¿Por qué hay que ir? El recorrido también muestra cómo la naturaleza, el paisaje mediterráneo y los viajes influyeron en su obra. Su estancia en Japón y Vietnam reforzó el interés por la artesanía y las tradiciones locales, que integró en una concepción del diseño capaz de combinar modernidad, funcionalidad y disfrute.

Uno de los ejes de la exposición es el vínculo de Perriand con Barcelona y Josep Lluís Sert, con quien compartió amistad y complicidad intelectual desde los años veinte. La muestra recupera esta relación y las conexiones de ambos con el GATCPAC y el entorno del Pabellón de la República Española de 1937. El retorno de Perriand a la Fundació Joan Miró tiene, además, un significado especial: en 1976, la arquitecta asistió a la inauguración del edificio proyectado por Sert, cincuenta años antes de esta exposición.

¿De qué va? ¿Cómo ha cambiado la sociedad a través de la fotografía? ¿Y cómo ha evolucionado la fotografía para convertirse en una forma de expresión artística autónoma? Estas son algunas de las cuestiones que plantea Emancipacions. Col·lecció Foto Colectania, una exposición que se puede visitar del 8 de octubre de 2026 al 7 de febrero de 2027 en Foto Colectania, en el Born

¿Por qué hay que ir? A través de 159 piezas de más de 30 artistas, la exposición resigue dos procesos paralelos: la transformación de la sociedad española después de la Segunda Guerra Mundial y el fin del franquismo, y el camino de la fotografía hacia una mayor libertad creativa. El recorrido explora cómo el medio ha pasado de las revistas y los círculos de aficionados a la fotografía de autor y a las prácticas del arte contemporáneo.

Entre los nombres presentes hay figuras destacadas de la fotografía como Ramón Masats, Colita, Joan Colom, Cristina de Middel, Joan Fontcuberta y Cristina García Rodero, entre muchos otros autores.

¿De qué va? ¿Cómo influye el diseño en los objetos que nos acompañan cada día? La exposición André Ricard. Diseño en uso, en el Disseny Hub Barcelona (DHub) del 29 de octubre de 2026 al 14 de marzo de 2027, invita a descubrir la trayectoria de uno de los grandes pioneros del diseño industrial y a mirar con otros ojos piezas tan habituales como una vajilla, una lámpara o un cenicero.

¿Por qué hay que ir? La muestra reúne cerca de 140 piezas en un recorrido que se aleja del orden cronológico y presenta los objetos en los espacios donde tienen sentido: la cocina, la mesa, el baño, la sala de estar o el estudio. Entre los diseños más reconocibles se encuentran la vajilla Compact, el cenicero Copenhague, la lámpara Tatú, las pinzas de hielo Tong y los frascos de perfume Puig. Son creaciones que destacan por la funcionalidad y la sencillez, y que continúan formando parte de la vida cotidiana décadas después de haber sido concebidas.

Además, una de las creaciones más destacadas de su trayectoria es la antorcha de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, una pieza emblemática que proyectó su talento a escala internacional.

¿De qué va? La sala noble de La Pedrera acoge hasta el 24 de enero la exposición La vida secreta de las plantas. Anselm Kiefer en la Colección Grothe, que ofrece una inmersión en el universo del artista alemán a través de pinturas de gran formato, esculturas, vitrinas y libros de artista. Bajo el comisariado de Walter Smerling, la muestra propone un diálogo entre las formas orgánicas de la arquitectura de Gaudí y el uso característico que Kiefer hace de materiales como el plomo, la ceniza, la paja, la tierra, las plantas, el vidrio o los objetos encontrados, que gracias a la mirada y la mano del artista se convierten en obras de arte sobre los mitos, la destrucción, el renacimiento y el paso del tiempo.

¿Por qué hay que ir? Anselm Kiefer (Donaueschingen, 1945) es uno de los grandes nombres del arte contemporáneo y es conocido por su singular universo matérico signado por reflexiones sobre la memoria, la historia europea y las heridas del pasado, pero también por referencias constantes a la literatura, la mitología, la ciencia, la alquimia y el cosmos. Los visitantes podrán recorrer desde vitrinas inéditas hasta grandes constelaciones, procedentes principalmente de la prestigiosa Colección Grothe, entre las cuales hay obras que se exponen por primera vez en el Estado español, como el conjunto Opus Magnum, una serie de vitrinas concebidas como archivos de memoria con libros, ropas, rocas y elementos naturales que cuentan historias.

¿De qué va? Pintor, poeta, crítico de arte, activista y agitador cultural. Todas las caras de Josep Maria de Sucre salen a la luz en la exposición que los Espais Volart de la Fundació Vila Casas dedican a esta polifacética (e injustamente olvidada) figura de nuestra cultura, coincidiendo con el 140.º aniversario de su nacimiento.

¿Por qué hay que ir? Desde los rostros expresivos y primitivistas que pintaba partiendo de la miseria y el sufrimiento humano que vivió ejerciendo de oficial criminalista en los Juzgados de Barcelona, hasta la numerosa documentación que lo sitúa como uno de los más importantes promotores e impulsores de la modernidad en Cataluña, la muestra profundiza en esta doble cara: del promotor artístico-social al pintor lleno de intensidad expresiva.

¿De qué va? “Lo que me propongo es indagar en un posible, en una hipótesis”. Así resume Miquel García el trabajo que hay detrás de su exposición en la Fundació Arranz-Bravo. Bajo el título Alçar la pols, el artista plantea la posibilidad de que los castells catalanes y la muixeranga valenciana tengan su origen en la población esclava que llegó de África hacia la antigua Corona de Aragón contra su voluntad. 

¿Por qué hay que ir? El artista Miquel Garcia recoge esta pregunta y la transforma en una exposición donde confrontamos las representaciones de la negritud en nuestra casa. Desde un cómic de Massagran situado en África donde vemos un castell hecho por negros y blancos, a representaciones de los esclavos en la pintura española, pasando por una serie de carteles que convierten el humor negro en “humor blanco”, la muestra nos confronta con cómo hemos ignorado nuestro pasado esclavista y nos invita a abrir los ojos a las aportaciones culturales que la población africana hizo a la Corona de Aragón.

¿De qué va? Los Espais Volart de la Fundació Vila Casas transforman las más de seis décadas que Romà Vallès dedicó al arte en una exposición. Vallès fue una de las voces más destacadas del informalismo catalán y siempre apostó por la modernidad y la experimentación, alejándose de las modas. Bajo el comisariado de Conxita Oliver y Bel Vallès, la muestra nos permite descubrir facetas más desconocidas del artista, como su vertiente pedagógica, interesada en el arte infantil y en la educación visual.

¿Por qué hay que ir? A Romà Vallès (Barcelona, 1923-2015), la figuración se le quedaba corta para plasmar en el lienzo todo lo que él quería expresar. Pasó toda su trayectoria buscando ese “horizonte abstracto” que ahora sirve de título a la exposición que lo reivindica como una figura clave para la renovación de la vanguardia catalana de la segunda mitad del siglo XX. Desde su rechazo al academicismo en la Escola Superior de Belles Arts de Sant Jordi, pasando por sus primeras obras influidas por Cézanne y Picasso, hasta el momento crucial de 1955, cuando pinta su primera pieza abstracta tras un viaje decisivo a París.

¿De qué va? “Las esculturas deben estar al aire libre, en medio de la naturaleza”, pontificaba Joan Miró. La nueva muestra hace realidad este deseo con la apertura del histórico Jardí dels Xiprers de Montjuïc, un espacio que hasta ahora solo era visitable dentro de algunas actividades puntuales del programa de la Miró. El jardín, diseñado por J.C.N Forestier, e integrado dentro del trazado histórico de los Jardines de Laribal, ahora será una sala expositiva más y formará parte del recorrido de la colección. Por este motivo, se ha instalado la escultura Dona (1970), una pieza de bronce que, en este caso, es un ejemplar póstumo que se hizo en el año 1997 con la financiación de la Diputació de Barcelona y que se fundió en Verona, en la Fonderia Artistica Bonvicini. La obra de arte dialogará con el resto de piezas de la exposición, pero también con los cipreses del jardín, que simbolizan la conexión entre el cielo y la tierra, una idea que Miró trataba de plasmar en su arte.  

¿Por qué hay que ir? Esta relectura de la colección lleva el nombre de Joan Miró. Cercles, que hace referencia a los procesos de pensamiento y de creación del artista, pero también a una carpeta de trabajo de Miró, fechada en los años 50. En esta carpeta, que se expone por primera vez en la Fundació, Miró relacionaba imágenes del cosmos con formas circulares que el ser humano había dejado plasmadas en manifestaciones culturales de todo tipo. La carpeta también demuestra que Miró creaba siempre en relación al espacio: esta es, de hecho, la tesis de la exposición que se sostiene en las investigaciones de la artista e investigadora Marta Ricart, comisaria de la muestra junto con Montaner, y ganadora de la beca Pilar Juncosa 2016.

¿De qué va? “Si Gaudí estuviera vivo hoy, trabajaría con los materiales más innovadores posibles y, por lo tanto, seguro que le interesaría el arte digital”. Maria Bernat es la directora de Casa Batlló Contemporary, un nuevo espacio situado en la segunda planta de este emblemático edificio del Passeig de Gràcia que nació con un objetivo claro: fusionar el legado gaudiniano con el arte de vanguardia y las nuevas tecnologías. Ahora, el espacio se ha aliado con la Fundació Joan Miró para estrenar una exposición inmersiva que explora las conexiones entre la obra de Gaudí, Miró y Joaquim Gomis gracias al uso de la fotogrametría y la inteligencia artificial. 

¿Por qué hay que ir? La exposición lleva el título de Gaudí-Miró-Gomis: Deconstructed y cuenta con la participación del estudio creativo londinense Tomorrow Bureau. Ellos han sido los encargados de digitalizar una selección de esculturas de Joan Miró y de fotografías de Gomis, cruciales para entender la obra de Antoni Gaudí. El resultado son dos piezas de arte digital inmersivo: Miró – Unearthed, que revela detalles, texturas y secretos materiales invisibles al ojo humano de la obra de Joan Miró, y Gomis – Living Archive, que convierte las fotografías que Gomis hizo de la arquitectura gaudiniana en nuevas composiciones visuales y las acompaña de una atmósfera sonora inmersiva grabada por toda Cataluña. 

¿De qué va? La nueva exposición gratis del museo: cerámica de Picasso y antiguedades de Chipre. Además de la iniciativa de Picasso Convida, el museo estrena una nueva exposición que siempre es gratis. Se llama Picasso Chipre. Encuentros con la cerámica del Mediterráneo y mezcla piezas del artista con antigüedades chipriotas para mostrar sus similitudes. 

¿Por qué hay que ir? Para descubrir por qué aunque Picasso nunca visitó Chipre, el artista se inspiró en objetos de ese país que vio en museos como el Louvre, y se dejó fascinar por el arte antiguo, su hibridación y su capacidad de mezclar el mundo humano y el natural. Esta muestra, gratuita con reserva previa, expone una selección de obras de toda Europa, así como del museo Picasso de Barcelona y del Departamento de Antigüedades de Chipre.

Buena parte de las víctimas de la Guerra Civil española enterradas en el Valle de los Caídos están allí porque, décadas atrás, fueron trasladadas sin la autorización de sus familias. Entre tantas exhumaciones clandestinas, la historia del abuelo del vecino de Capellades Joan Piñol, autor del libro Avi, et trauré d’aquí!, es el hilo dramatúrgico que Víctor Borràs ha hilvanado en este espectáculo homónimo cargado de convicción.

La obra sigue a la pareja formada por un profesor de catalán cuadriculado e inocentón y una bibliotecaria desenvuelta y espabilada, que preparan una conferencia sobre la historia del abuelo de él, cómo descubrieron el traslado ilícito de su cuerpo de Lleida a Madrid y, desde entonces, persisten en el intento de recuperarlo. Un tema grave que la pareja artística y romántica formada por Miquel Malirach y Àurea Márquez parece surfear entre el metateatro y los recuerdos, sin acabar de sumergirse en los debates que abre la historia.

Saturados como estamos de tanta Odisea, pelis de Marvel y épica testosterónica, el teatro de Simon Stephens resulta todo un bálsamo. Figura clave de la dramaturgia inglesa contemporánea, el autor reivindica la grandeza dramática de las vidas corrientes, sin necesidad de héroes ni gestas extraordinarias. Morning sun es un ejemplo. Inspirada en la pintura homónima de Edward Hopper, la obra se aferra a la sencilla y, al mismo tiempo, rabiosa poesía que tienen nuestras vidas. Ninguna existencia es ordinaria, de eso va el humanismo.

Ambientada en una Nueva York de postal, la obra remonta la vida de Charley McBride (Míriam Iscla), también la de su madre y su hija. Tres generaciones de mujeres corrientes (contadas por hombres en la autoría y la dirección) que atraviesan un siglo como testigos de la historia, del sida al 11-S; ya lo sabemos, lo personal es político.

Hubo un tiempo en que un espectador podía cruzar todo el Paral·lel saltando de cómico en cómico y no hacía falta pisar suelo. En la rica tradición que va de los Santpere a Capri, nos queda activo el último rey de la comedia –y por muchos años– el gran Joan Pera. Aspirante polémico incluso con sus éxitos (un Escape room ambientado en un campo de exterminio), Joel Joan vuelve para reclamar la corona con la nueva Bons i dolents, una comedia efectista cosida con testosterona y un punto de gamberrismo.

Esta vez lo hace solo, sin Hèctor Claramunt. Solo en la autoría del texto, quiero decir, porque en escena lo acompañan la socarronería etílica de Agnès Busquets, el reloj cómico acelerado de Oriol Casals –siempre puntual en el gag–, además de Nesa Vidaurrázaga y de Ana Gago, que arrastra la sexualización de su personaje. En la dirección, el fértil Nelson Valente (Primera llei de Newton), hábil para controlar el ritmo de una obra en un único espacio, en tiempo real sin frenos.

Seis horas de teatro, sí. Seis horas de hombres hablando sobre derechos, libertades, homosexualidad y compasión, exactamente. Ese es el reto de L'herència: querer entrar en este mundo levantado por Matthew López y no tener intención de marcharse. Seis horas en las que nos adentraremos en las vidas de Eric Glass, Toby Darling, Walter Poole, Adam MacDowell y Henry Wilcox, viajaremos a los años 80, a Nueva York, en plena brutal epidemia del sida, y volveremos a nuestro tiempo, al final del segundo mandato de Barack Obama y al primero de Donald Trump, en un viaje de ida y vuelta que nos hará soltar alguna lágrima. Porque quizás no sepamos nada de todo aquello, o quizás lo hayamos olvidado.

“¿Qué es un artista?” se pregunta el propio Oscar Wilde a través de la voz y el cuerpo de Àngels Gonyalons en un prefacio que nos advierte que los textos no son morales o inmorales: solo están o bien o mal escritos. El autor será el narrador de su propia historia y, estos días en el Romea, lo hace a través de una de las mejores dicciones de Catalunya.

El despliegue de talento de Gonyalons es de nota, hace casi todos los papeles: también es Dorian Gray, el protagonista obsesionado con su belleza y juventud; Basyl Hayward, el pintor encargado de retratarlo, Sybil Vane, actriz y el primer gran amor de Dorian; y también Lord Henry, amigo y mala influencia para Dorian.

2025 ha sido, sin duda, el año de Roc Bernadí y de Albert Salazar. Hace unos meses, uno triunfaba con El día de la marmota en el Coliseum y el otro con L'herència en el Lliure. A finales de año les ha tocado compartir escenario y ser, respectivamente, Eddie y Mickey, los hermanos de sangre que creó Willy Russell a principios de los años 80 del siglo pasado; una tragedia griega con todas las de la ley pasada por el tamiz contemporáneo de la diferencia de clases, muy británico y muy de aquella época, inicios del thatcherismo.

El letrista y compositor británico trasladó a la Inglaterra de su tiempo lo que podría haber escrito Esquilo hace 25 siglos. En gran medida, Germans de sang es una Orestíada, con dos hermanos gemelos separados al nacer, cuyo destino hace que, realmente, nunca vivan alejados el uno del otro. Russell fue muy moderno en su época narrando el final cronológico de la historia justo al principio, con la muerte de Eddie y Mickey. La función comienza con los hermanos tendidos en el suelo y su madre cantando ya el hit del musical, No pot ser veritat (Tell me it's not true).

Lo que hace Cristina Clemente en Dones de ràdio es extremadamente complicado, al alcance de muy pocos autores: una comedia a partir de una situación trágica sin perder ni una pizca de sensibilidad por el camino. Sabe que no puede burlarse del cáncer de mama, ni del drama que atraviesan millones de mujeres. Pero puede crear una situación, unos mecanismos, que provoquen esa cosa tan extraña que es reír, o al menos esbozar una sonrisa, mientras lloras.

Y todo esto es posible porque cuenta con un director que se toma muy en serio el teatro y que sabe olfatear los éxitos, que sabe subrayar frases y mover las piezas como un ajedrecista, incluso quien tiene la idea de colocar una gran roca en medio del escenario, sobre la cual girarán sus criaturas. Sergi Belbel, maestro de Clemente, ha asumido el texto como si se tratara de Yasmina Reza o de Neil Simon, como si fuera un clásico contemporáneo, cosa de la que no tengo ninguna duda que Dones de ràdio acabará siendo: con el tirón que tiene la autora en Europa y América Latina, ya deben de estar peleándose por adaptarla.

La aparición de un viejo conocido en una casa que llega para provocar un cataclismo de proporciones diversas es uno de los motores recurrentes del teatro, desde Oncle Vània a Göteborg. Y Lucy Kirkwood utiliza el mismo cebo en Els fills para hacernos zambullir en una obra de gran alcance ideológico y moral sobre la responsabilidad de las generaciones más mayores respecto a las que vienen detrás. Todo lo que plantea es tan vigente que da pavor y no hay nada sobrante en esta obra.

Todo empieza con la llegada de la Rose (Emma Vilarasau) al hogar de la Hazel (Mercè Arànega) y Robin (Jordi Boixaderas). Los tres son físicos, se conocen de toda la vida, pero hace cerca de 40 años que no se ven. No sabremos el motivo de la visita de la vieja amiga hasta el final y será importante. El mundo de la función es un lugar que acaba de sufrir un accidente nuclear y, por lo tanto, podríamos decir que estamos ante una pieza de cariz apocalíptico, de una apocalipsis concreta, incluso cotidiana. Pero Kirkwood es suficientemente hábil para presentarnos tres personajes séniores (están jubilados), con cartas escondidas y una relación íntima para mojar pan.

Mientras los fans se debatían entre la alegría por volver a ver a Amaia Montero al frente de La Oreja de Van Gogh y la decepción por la forma en que prescindieron de Leire Martínez. Los donostiarras anunciaron una extensa gira por una quincena de ciudades de España, con tres conciertos en Barcelona, a los que ahora se suma uno más.

El Tantas Cosas que Contar Tour agotó las entradas para los conciertos del 6, 7 y 26 de noviembre en el Palau Sant Jordi, y ahora han anunciado que actuarán una cuarta vez en el mismo recinto. El 27 de noviembre, la banda volverá a subirse al escenario del Palau Sant Jordi ante todos aquellos fans que no consiguieron entradas para las otras tres actuaciones.

El festival Say It Loud! celebra su 17ª edición el sábado 14 de noviembre en Paral·lel 62, con una noche dedicada al reggae, el soul, el funk, el hip-hop, el jazz y las músicas afrolatinas de artistas internacionales y talentos de la escena local.

Fiel a su espíritu, el festival continúa reivindicando un modelo cultural independiente y cooperativo, alejado de las lógicas de los grandes patrocinios y los algoritmos, defendiendo la experiencia de descubrir artistas, compartir música y formar parte de una comunidad.

Hace casi sesenta años que el otoño en Barcelona significa una cosa: jazz. Este octubre, el 58.º Festival de Jazz de Barcelona entra de lleno en el trienio conmemorativo 2026-2028 con un programa cargado de grandes nombres y propuestas que conviene seguir de cerca, talento local y figuras internacionales con conciertos llenando las salas de toda la ciudad: Palau de la Música Catalana, Jamboree, La Paloma, la Sala Apolo, el Conservatori Superior del Liceu y Paral·lel 62.

Un total de 45 artistas tocarán en 45 salas del territorio entre el 18 de septiembre y el 30 de octubre para celebrar el 150º aniversario de Estrella Damm. La iniciativa, bautizada como Directes Estrella Damm 150, es la excusa perfecta para ver a algunos de los mejores artistas del panorama actual, como Miki Núñez, Svetlana, Queralt Lahoz, Al·lèrgiques al Pol·len, Macaco… y artistas sorpresa que se han anunciado a última hora como Dorian, La Pegatina y Balkan Paradise Orchestra.

Este nuevo ciclo está impulsado por Damm y la Asociación de Salas de Conciertos de Catalunya (ASACC) con la vocación de apoyar y dar visibilidad a las salas de conciertos de proximidad. Para esta ocasión tan especial, el circuito se amplía a todos los Països Catalans e incluye salas de las Islas Baleares (donde tocará Joe Crepúsculo), Andorra (con la actuación de Ketekalles) o la Comunitat Valenciana, donde los mallorquines Fades ofrecerán su concierto en Castelló.

El Guitar BCN 2026 continúa en verano con conciertos de Danny Elfman presentando sus composiciones para pel·lículas de Tim Burton (4 de julio, Auditori del Fòrum), el famoso actor Jeff Goldblum al frente de su the Mildred Snitzer Orchestra (5 de julio, Luz de Gas), el guitarrista Eric Johnson (6 de julio, Razzmatazz 2) y la ex cantante de Mecano Ana Torroja (16 de julio, Palau de la Música).

Después de las vacaciones, también hay conciertos de Fito Páez (3 de septiembre, Palau de la Música), Alex Ubago (17 de septiembre, Palau de la Música), Perotá Chingó (25 de septiembre, Paral·lel 62), Riopy (30 de septiembre, Paral·lel 62), Álvaro García (17 de octubre, Razz 3), Valeria Castro (30 de octubre, Palau Sant Jordi), Jorge Drexler (31 d'octubre, Palau Sant Jordi), Buhos (14 de noviembre, Palau de la Música), Pastora (10 de diciembre, Apolo) y Amaral (18 de diciembre, Palau Sant Jordi).  

¿De qué va? Barcelona, mitad de los años setenta. A ojos de sus padres, Ana es una adolescente rebelde. Después de una fuga nocturna y de una mala borrachera, deciden enviarla al Patronato de Protección a la Mujer. Las monjas que dirigen el centro se ocupan de que las internas vayan por el buen camino, y emplean las medidas, casi siempre salvajes, que haga falta. Entre las paredes de aquel reformatorio, Ana encontrará la complicidad de Sole, que se convertirá en una pequeña luz de esperanza en medio de la desesperación.

¿Por qué la tienes que ver? Por la lección de Memoria Histórica que propone, señalando una institución de la cual sabemos menos de lo que deberíamos: creado por el franquismo, el funesto Patronato de Protección a la Mujer tenía repartidos varios centros por toda España, y velaba por la moralidad de los comportamientos de chicas jóvenes de todas partes, encerradas a la fuerza y maltratadas en nombre de Dios y de los valores de la dictadura. Aquellos espacios eran centros de tortura, verdaderas casas del terror que, paradójicamente, siguieron en funcionamiento hasta bien entrada la democracia, en el año 1985.

Daniel Monzón (director de Celda 211) oyó hablar del Patronato y decidió poner el foco con este drama que quiere hacer justicia con tantas mujeres que experimentaron la mano dura de la Iglesia católica, apostólica y romana, y del ideario franquista, siempre bien agarrados de la mano. Y que también trata de poner luz a tanta oscuridad, construyendo una luminosa relación de amistad entre dos internas. Y esta es otra buena razón para ver Ruega por nosotras: el magnífico trabajo interpretativo de las jóvenes Zoe Bonafonte (El 47) y Manuela Calle (que debuta en el cine después de tener un papel relevante en la serie Marbella).

¿Cuándo se estrena? El 6 de noviembre.

Dir.: Daniel Monzón (España, 2026). 136 min.

¿De qué va? Un accidente de coche deja malherido al conductor, que escapa de la escena llevando encima un misterioso objeto de enorme valor. Mientras un paramédico intenta salvarle la vida, aparece un peligroso delincuente acompañado de su prima. Ambos van detrás del preciado objeto, convirtiendo la noche en un violento pesadillón manchado de sangre.

¿Por qué la tienes que ver? Si os gustan las películas pasadas de vueltas, gamberras y canallas, casi tarantinianas, Dante es una buena propuesta. Sacando petróleo de un presupuesto más bien reducido, es indudable su fuerza visual gracias, fundamentalmente, a la fotografía de Teo Delgado y a la puesta en escena de un Hugo Ruiz que se reveló con la reivindicable Una noche con Adela (2023). De hecho, el cineasta explica que ambos filmes bien podrían formar parte del mismo universo. Sin duda, el gran reclamo de esta película tan salvaje y desacomplejada como divertida es su atractiva pareja protagonista, formada por Ester Expósito y Chino Darín, muy bien acompañados de un sensacional Vicente Romero, Enrique Arce (el Arturito de La Casa de Papel) y Asier Etxeandia. Toda una sorpresa.

¿Cuándo se estrena? El 6 de noviembre.

Dir.: Hugo Ruiz (España, 2026). 89 min.

¿De qué va? Dos agentes de la CIA, uno de ellos saboreando sus últimas semanas de vida por culpa de un cáncer terminal, van a parar a la isla de Pascua mientras esperan que se redondee la intervención de los servicios de inteligencia norteamericanos en el golpe de Estado que se prepara en Chile contra el presidente Salvador Allende. Será el momento de pasar cuentas con un pasado marcado por los asesinatos selectivos en el Congo, en Indonesia, en Bahía de Cochinos y en Guatemala, e incluso de señalar su participación en un magnicidio en Dallas.

¿Por qué la tienes que ver? De entrada, porque es una de las grandes favoritas en la próxima carrera por los Óscar: suena con muchísima fuerza un extraordinario John Malkovich que aquí es el rey de la función, en un fabuloso cara a cara con Sam Rockwell, perfecto Sancho Panza. Los especialistas en los premios de la Academia también mencionan que Wild Horse Nine será la gran alternativa a las favoritas La odisea y La bola negra. Así que estamos ante uno de los filmes del año, que juega con puntos fuertes como la ya mencionada química de su pareja protagonista, pero también con la complejidad disimulada de ligereza de una historia que mezcla sátira y crítica política con elementos de tragedia griega y toneladas de humor negro. Con un guion lleno de diálogos inteligentes, cáusticos, con chispa, a menudo teñidos de existencialismo cuando reflexionan sobre el sentido de la vida y los pecados del pasado, Wild Horse Nine pone el foco sin piedad en la histórica implicación de los gobiernos de Estados Unidos en conflictos internacionales, casi siempre contra movimientos de izquierdas. En este caso, en el golpe de Estado de Pinochet en Chile, a principios de los años setenta, estableciendo una sorprendente conexión con el asesinato de John Fitzgerald Kennedy. Un nuevo triunfo del cineasta y dramaturgo Martin McDonagh, infalible después de encadenar títulos como Escondidos en Brujas (2008), Siete psicópatas (2012), Tres anuncios en las afueras (2017) o Almas en pena en Inisherin (2022).

¿Cuándo se estrena? El 13 de noviembre.

Dir.: Martin McDonagh (Reino Unido, 2026). 118 min.

¿De qué va? Una niña de buena familia y un niño huérfano comparten la pasión por la música y un enorme talento para tocar el violín. Cuando la invasión japonesa de Singapur rompa su juventud, terminar una sonata incompleta se convertirá en una esperanzadora luz al final del túnel provocado por la guerra. Ninguno de los dos dejará de pensar en el otro mientras desean un reencuentro que quizás no suceda nunca.

¿Por qué la tienes que ver? Con el aval que supone haberse llevado el Cristal a mejor largometraje en el prestigioso Festival de Annecy, cita clave para los cineastas que apuestan por la animación, La violinista es una historia de amor bigger than life. Con raíces clásicas y un espíritu que nos transporta a la grandeza de Casablanca, El imperio del sol o las películas de David Lean, esta es una ambiciosa coproducción entre Singapur y España, representada, aparte de por un numeroso equipo técnico, por la codirección de Raúl García. Se trata de un pionero de la animación, el primer español que trabajó en Disney (en títulos como Aladdin o El rey león), y que pone su experiencia al servicio de una historia épica de dibujos animados para adultos. Una pequeña y preciosa joya con la ambición de formar parte de la carrera de los Óscar y de emocionar al público superando los prejuicios propios de la animación que no se dirige a los niños.

¿Cuándo se estrena? El 13 de noviembre.

Dir.: Ervin Han y Raúl García (Singapur, España, Italia, 2026). 114 min.

¿De qué va? En su momento, las películas de terror de la saga Camp Miasma se convirtieron en un fenómeno para los fans del género. Hoy, la gran protagonista del film original vive retirada. Y olvidada por todos, excepto por la joven y entusiasta directora a quien encargan resucitar la franquicia y darle una mirada propia y muy personal. Ambas, actriz y cineasta, vivirán un encuentro que las transformará para siempre.

¿Por qué la tienes que ver? Por la tremenda capacidad de su directora, Jane Schoenbrun, para aglutinar referencias muy eclécticas para ofrecer algo completamente nuevo. En su caso, y como ya hacía en sus anteriores I saw the TV glow (2024) y We're all going to the world's fair (2021), la cineasta explora temas como la identidad y el deseo, y juega con elementos de la cultura popular y del género cinematográfico. En la sorprendente Adolescence, sex and death in Camp Miasma, Schoenbrun guiña el ojo al slasher de los ochenta y a los tiempos de los videoclubs, pero también al cine de David Lynch, con elementos metalingüísticos que nos despiertan la memoria cinéfila. Otro de los motivos para no perderse la película es la química entre sus protagonistas, Gillian Anderson (eterna Dana Scully de Expediente X) y Hannah Einbinder (cómica magnífica, fundamental para entender el éxito de la serie Hacks). Un viaje alucinado que no dejará a nadie indiferente.

¿Cuándo se estrena? El 20 de noviembre.

Dir.: Jane Schoenbrun (EE. UU., 2026). 112 min.

¿De qué va? Tras hacer crónicas como reportero de guerra y como corresponsal en varios países, David Jiménez es elegido para dirigir uno de los diarios más influyentes de España. La nueva responsabilidad le hará descubrir cómo el periodismo más riguroso es, a menudo, incompatible con los intereses de los propietarios de las cabeceras.

¿Por qué la tienes que ver? De entrada, por el sorprendente cambio de registro de Dani de la Orden. Tras el éxito de Casa en llamas y mientras ya prepara una continuación, Casa en cenizas, el cineasta barcelonés se lanza a la aventura de adaptar el polémico libro homónimo de David Jiménez, que recoge su experiencia dirigiendo el diario El Mundo. La película, que De la Orden define como “un thriller político-periodístico que no tiene nada que ver con lo que he hecho hasta ahora”, pone el foco en la compleja gestión de intereses económicos y presiones políticas para mantener una cierta independencia en la época que retrata, entre 2015 y 2016. Tanto el libro como su versión cinematográfica buscan evitar el cotilleo para retratar las contradicciones del sistema, y emplean seudónimos para retratar a ciertos personajes muy conocidos de la vida sociopolítica española. David Verdaguer se mete en la piel de Jiménez y encabeza un estimulante reparto que incluye a Alberto San Juan (como el editor con quien el protagonista debe enfrentarse constantemente para publicar o no publicar determinadas informaciones), Carmen Machi, Emma Vilarasau, Guillermo Toledo y Fernando Colomo.

¿Cuándo se estrena? El 20 de noviembre.

Dir.: Dani de la Orden (España, 2026).

¿De qué va? Una infidelidad que se va de las manos, una cita rematada en la habitación de un hotel de lujo, un error afortunado y una cena de parejas que esconde un encuentro romántico a ciegas. Una mirada poliédrica al amor en nuestros días, en la que se dan la mano las expectativas, el sexo, las esperanzas y las decepciones.

¿Por qué la tienes que ver? Si erais de aquellos que no os perdíais un episodio de la serie Cites, todo un fenómeno que TV3 exportó a Prime, tampoco podréis dejar de ir al cine para ver su translación a la pantalla grande. La película es absolutamente coherente con el espíritu de la original y no engaña, ofrece exactamente lo que cabe esperar: cuatro historietas independientes situadas en Barcelona y que apuestan por el romanticismo en nuestros días. Y un reparto de caras conocidas, otro de los ganchos que ya tenía la producción televisiva: Natalia Verbeke y Javier Rey viven una infidelidad muy particular. Berta Castañé y Cristian Checa viven una cita marcada por Bad Gyal y una habitación de hotel frente al mar. Paula Malia y Àlex Maruny montan un plan para que Oriol Pla y Susana Abaitua unan sus caminos... o no. Y Ana Valeria Becerril confunde a Álvaro Mel con su cita de Tinder. Todos ellos juegan con la propuesta creada por Pau Freixas, aquí productor de una película ideal para aquellos que no han perdido la fe en el amor.

¿Cuándo se estrena? El 20 de noviembre.

Dir.: Gemma Ferraté (España, 2026). 87 min.

¿De qué va? Un hombre convoca a sus tres hijos mayores cuando sus graves problemas de salud le empujan a buscar la redención arreglando asuntos familiares pendientes. La reunión prematalicia, sin embargo, reabrirá viejas heridas y pondrá un espejo delante de cada uno de los tres hermanos que les hará repensar sus vidas y el impacto de haber tenido un progenitor nada presente.

¿Por qué la tienes que ver? El de los reencuentros familiares llenos de reproches es un subgénero cinematográfico con enorme entidad, y El mal padre juega con las cartas marcadas con absoluta autoconsciencia. Roberto Bueso propone una estimulante comedia dramática, con más lágrimas que humor, sustentada en el recital interpretativo de un Eduard Fernández que es un superdotado incluso cuando flirtea con la sobreactuación. Su personaje, un cínico intelectual que siempre vivió esquivando la responsabilidad que supone tener que educar a tres hijos, un auténtico malnacido incapaz de amar como es debido, es un bombón para el lucimiento de un Fernández que continúa demostrando ser uno de los grandes actores de la historia de nuestro cine. No es fácil asomar la cabeza frente a un monstruo de la escena como él, pero sus hijos en la ficción (Adam Jezierski, Meritxell Calvo y Francesco Carril) consiguen estar a la altura del reto, y ayudan a componer una familia que podría encontrar la felicidad en un plato de anchoas.

¿Cuándo se estrena? El 20 de noviembre.

Dir.: Roberto Bueso (España, 2026). 120 min.

¿De qué va? Después de dejar su trabajo como doble de acción en rodajes en Hollywood, Cliff Booth se gana la vida haciendo de camarero, de proyeccionista o de solucionador de problemas de algunas de las estrellas de cine a las que antes sustituía. Han pasado ocho años desde que nuestro hombre se cruzó con la psicópata familia Manson, y ahora acepta un encargo en nombre de un conocido actor televisivo con graves problemas.

¿Por qué la tienes que ver? ¿Quién puede ofrecer una mejor combinación que la de David Fincher en la dirección, Quentin Tarantino en el guion y Brad Pitt como cabeza de cartel? Las primeras reacciones ante esta inesperada secuela de la magistral Erase una vez... en Hollywood (2019) nos hablan del sello tarantiniano en los diálogos y de una atmósfera más sórdida, marca de la casa de un Fincher que se reencuentra con Brad Pitt después de Seven (1995), El club de la lucha (1999) y El curioso caso de Benjamin Button (2008). Violencia pulp y sentido del humor negro en una de las clarísimas favoritas a película del año, que Netflix estrenará en cines un mes antes de ofrecerla en su plataforma.

¿Cuándo se estrena? El 25 de noviembre.

Dir.: David Fincher (EE. UU., 2026).

¿De qué va? Oregón, 1933, en plena Gran Depresión norteamericana. Cuando un hombre viudo intenta defender a su hija, es detenido por la policía y enviado a un campo de trabajos forzados. Es entonces cuando recibirá una oferta imposible de rechazar: será liberado y evitará que su niña sea adoptada por una nueva familia si consigue transportar un cargamento de oro a través de una ruta salvaje.

¿Por qué la tienes que ver? Ethan Hawke sigue en estado de gracia: después de verle en la serie Verdades ocultas y de su nominación al Óscar con Blue Moon, el actor norteamericano protagoniza ahora esta película que parece rodada en los años setenta. La memoria cinéfila nos hace pensar en clásicos de la época como Bonnie y Clyde o Deliverance, pero también en películas anteriores como El tesoro de Sierra Madre o la francesa El salario del miedo y en su remake Carga maldita. El cineasta debutante Padraic McKinley sitúa a un grupo de hombres desesperados en un ejercicio de supervivencia marcado por la codicia, y construye un relato adrenalítico, tenso, a ratos angustiante, heredero de un cine de aventuras que ya no se hace. Ethan Hawke luce y tiene un antagonista del peso de Russell Crowe que redondea la propuesta.

¿Cuándo se estrena? El 27 de noviembre.

Dir.: Padraic McKinley (EE. UU., 2026). 113 min.