Cosas para hacer en Barcelona en noviembre

¿De qué va? Miró realizó siete viajes a Estados Unidos entre los años 40 y los 60. “Durante aquellos viajes, Miró no hablaba inglés, y los artistas con los que entabló amistad no sabían castellano ni catalán. Por lo tanto, la conversación entre Miró y EE. UU. fue puramente artística”, dice Matthew Gale. Él es el comisario de la exposición Miró y los Estados Unidos que la Fundació Miró, en el marco de su 50.º aniversario, dedica a la relación del artista con ese país que, durante la dictadura franquista, era un faro de libertad creativa.

¿Por qué hay que ir? En la exposición no hay únicamente obras de Joan Miró, sino también de todos aquellos creadores con los que el artista mantuvo intercambios, admiraciones y conversaciones. La muestra investiga la reputación internacional de uno de los artistas más universales de nuestro país, revela las conexiones de Miró con figuras como Mark Rothko, Robert Motherwell, Lee Krasner o Helen Frankenthaler y confirma que la abstracción americana encontró en Miró a un precursor. También se dedica un espacio a los grabados del Atelier 17, el legendario taller de Stanley William Hayter en Nueva York, donde Miró coincidió con artistas como Alice Trumbull Mason o Louise Nevelson.

¿De qué va? El panafricanismo fue un movimiento impulsado hace más de un siglo por artistas e intelectuales de todo el mundo que se hacían la misma pregunta: ¿cómo sería el mundo si todos los pueblos africanos y sus diásporas se hermanaran? La nueva muestra del MACBA nos invita a hacer precisamente eso. Según Elvira Dyangani Ose, directora de la institución y comisaria de la muestra junto con Antawan I. Byrd, Adom Getachew y Matthew S. Witkovsky, las salas del museo se han llenado “del espíritu colaborativo del panafricanismo” y, a través de pinturas, libros, creaciones populares, música, fotografías y vídeos, nos invitan a imaginar un mundo mejor. 

¿Por qué hay que ir? Entrar en las salas del museo es como cambiar de mundo. No de país, ni de continente, ni siquiera de lengua. De hecho, la exposición profundiza en el impacto del panafricanismo en la historia catalana y española y nos revela la presencia de activistas negros en la Barcelona obrera o en el bando republicano de la Guerra Civil. La muestra, entonces, nos hace viajar a otro plano de la realidad que ha existido siempre. Más de quinientos objetos de un centenar de artistas e intelectuales, producidos en África, Europa, América del Norte y América del Sur, nos explican que la historia tiene muchas capas y que no todas aparecen en los libros o en la televisión. Hay relatos censurados y otros que nuestra mirada impregnada de blanquitud no ha sabido ver. Pero las banderas de la primera sala nos reciben con los brazos abiertos y parece que nos digan: ¡bienvenidos a Panáfrica!

¿De qué va? La exposición World Press Photo 2025, organizada por la Fundación Photographic Social Vision, se centra principalmente en los conflictos bélicos internacionales en Gaza, Ucrania, Líbano o Siria, la crisis medioambiental –como las inundaciones en Brasil–, los problemas relacionados con la migración en Irán o en la frontera entre Estados Unidos y México, y la polarización política, como el crecimiento de la extrema derecha en Alemania.

¿Por qué hay que ir? Como es habitual, la fundación ha organizado un amplio programa de visitas guiadas para el público general durante la semana, así como visitas privadas para empresas y centros educativos. Si queréis asistir, las entradas ya están disponibles en la página web de la exposición a partir de 8 euros, aunque hay descuentos disponibles.

¿De qué va? Isabel Steva Hernández, más conocida como Colita, fotografió a las mujeres de finales de los setenta y las publicó en un libro titulado Antifémina, que hizo junto con María Aurèlia Capmany. La publicación, considerada el primer libro gráfico abiertamente feminista de la Transición, causó mucho revuelo en el año 1977 porque planteaba temas que aún hoy están vigentes, como la prostitución, la cosificación de la mujer o la vejez femenina.

¿Por qué hay que ir? Ahora, el DHub recupera estas imágenes del libro (muchas de las cuales no se habían expuesto antes) y las pone a disposición del público en la exposición Colita. Antifémina, que refleja cómo vivían las mujeres en los años setenta. La muestra ya se pudo ver en 2024 en Madrid y llega ahora a Barcelona ampliada con 25 nuevas fotografías que se suman a las 10 secciones de la muestra correspondientes a los 10 capítulos del libro. En total, en el DHub se exponen 120 fotografías de las 172 de la publicación original.

De qué va? Helen Levitt fue, paradójicamente, una de las fotógrafas más famosas y a la vez más desconocidas del panorama fotográfico de Estados Unidos del siglo XX. Comparable a artistas como Henri Cartier-Bresson o Walker Evans —grandes inspiraciones para ella y, también, amigos—, la diferencia que le restó visibilidad fue que nunca se preocupó por hacer gala de su oficio y fue siempre muy celosa de su intimidad.

Por qué hay que ir? La Fundación Mapfre KBr abre el obturador para rendirle homenaje y revertir la falta de exposición de esta gran autora con la primera exposición de Helen Levitt (1913-2009) que parte de la totalidad de su obra y de sus archivos, solo recientemente abiertos a la consulta pública. Puede visitarse del 24 de septiembre al 1 de febrero.

¿De qué va? Bajo la mirada poética de Cristina Iglesias, una de las artistas más internacionales y respetadas de la escultura contemporánea, La Pedrera se convierte en un bosque laberíntico de paredes vegetales y lagos encantados.

¿Por qué hay que ir? La nueva exposición, organizada por la Fundació Catalunya La Pedrera, sigue la tendencia que ha unido las muestras de este edificio de Gaudí en los últimos meses: la de invitar a un creador a dialogar con el genio modernista a través de nuevos lenguajes artísticos. Esta vez, Iglesias ha transformado los espacios de Gaudí en un recorrido casi hipnótico por materiales, texturas y sombras que juegan con la idea de habitar el espacio. 

¿De qué va? Una muestra inédita que liga la espiritualidad franciscana con la emergencia climática actual a través del trabajo del reconocido fotógrafo sudafricano Gideon Mendel. La exposición se puede visitar hasta el 25 de enero de 2026, y sirve como preludio de las celebraciones de 2026, año en que se conmemorarán los 800 años de la muerte de San Francisco de Asís, hecho que da un significado especial a la muestra.

¿Por qué hay que ir? Comisariada por la historiadora del arte Helena Alonso, la muestra propone un diálogo entre la composición poética de San Francisco y las imágenes contemporáneas de Mendel que documentan inundaciones e incendios en más de una decena de países. A través de una selección de 59 obras, el compromiso franciscano por la naturaleza y la mirada contemporánea al cambio climático se funden, y lo hacen cogiendo como base dos proyectos clave del fotógrafo sudafricano: 'Drowning World' (retratos de personas en sus comunidades inundadas en trece países, desde Pakistán hasta Brasil) y 'Burning World' (documentos gráficos sobre los efectos de incendios devastadores en California, Australia, Grecia o Canadá). 

¿De qué va? La Fundació Joan Miró propone una exposición retrospectiva que repasa medio siglo de actividad, pero que también cuestiona cómo se ha construido su historia y qué papel puede desempeñar en el futuro. La muestra parte de una idea clave: la Fundació no comenzó realmente en 1975, sino que es el resultado de un recorrido más largo que se inicia mucho antes y que está estrechamente vinculado con la Transición y la apertura democrática.

¿Por qué hay que ir? El proyecto expositivo, comisariado por Blanca Arias, Martina Millà y Ramon Balcells, se despliega en siete ámbitos y ha sido concebido con un enfoque colaborativo, con la participación de artistas, comisarios e investigadores. El resultado es una mirada poliédrica que evita un único relato y pone en valor la pluralidad de voces que han formado parte de la Fundació a lo largo de los años. El relato incluye documentos de archivo, imágenes y obras clave, pero también propuestas contemporáneas creadas expresamente por cuatro artistas locales a partir del fondo documental del museo.

¿De qué va? A través de la escultura, la fotografía, el vídeo o el dibujo, el artista barcelonés Toni Giró explora la realidad con una mirada crítica y, a menudo, irónica, para señalar los límites y posibles puntos de fuga de la contemporaneidad. Desde mediados de los años 90, cuando se dio a conocer, su obra nos invita a reflexionar sobre la fragilidad de la construcción de sentido, dando importancia a la materialidad al mismo tiempo que se inscribe en un discurso de raíz poética que no evita las implicaciones políticas.

¿Por qué hay que ir? Ahora, y hasta el 15 de marzo de 2026, Espais Volart acoge la exposición Sólido que se funde en el aire (Sólido que se funde en el aire), una mirada retrospectiva que pone de manifiesto la reivindicación del gesto escultórico frente a la desmaterialización del mundo contemporáneo que el artista ha desarrollado a lo largo de más de tres décadas. En esta muestra, las obras no se presentan de manera cronológica, sino agrupadas por afinidades, poniendo en juego la multiplicidad de sentidos.

Para levantar La corona d'espines, Xavier Albertí no ha necesitado nada más que una mesa y una gran puerta. El director ocupa la inmensidad de la Sala Gran con muy poco. Porque lo confía todo a la palabra de Josep Maria de Sagarra y a una compañía de actores y actrices cuya misión es hacer llegar el verso grácil, precioso y preciso del poeta hasta la última fila, para dejar a los espectadores embelesados, como en un ensueño.

El público, ni siquiera el del TNC, no está muy acostumbrado a escuchar obras de estas características. No por lo que se cuenta, sino por el cómo. Porque el qué es bien sencillo: la coyuntura de un matrimonio entre familias a finales del siglo XVIII en Solsona, pero en plena Revolución Francesa, con una mayordoma de por medio que hace y deshace, y que durante veinte años ha guardado un secreto que acabará confesando. Es en la manera de hacer llegar la historia donde se encuentra la dificultad, en la pericia de Sagarra y en el entrenamiento que requieren los intérpretes para traspasar el texto a los espectadores.

Glorious! podría ser perfectamente una obra dadaísta, incluso daliniana, porque el planteamiento que hace el autor, el británico Peter Quilter, el de una mujer que no afina ni una nota, pero que recibe las felicitaciones de casi todo el mundo y llega a cantar en el Carneggie Hall, es absurdo, de traca. Si no supiéramos que la historia de Florence Foster Jenkins es real, que ocurrió en el Nueva York de los años 40 del siglo pasado, no nos la creeríamos. En Londres se estrenó en el West End en 2005 y estuvo meses en cartel. Es una buena comedia blanca que fácilmente cuenta con la complicidad del público.

En el Poliorama, dirigida por Paco Mir, cuenta con una Madame Florence de altura, Marta Ribera, que sabe muy bien lo que se hace. La actriz es una primera espada del musical y para cantar tan mal como le exige su personaje hay que saber. Y mucho. A su lado tiene a Ramon Gener, su pianista, y a Santi Millán, su marido. Y es aquí quizás donde empiezan los problemas, porque ni uno ni otro abandonan en ningún momento un registro que podríamos llamar televisivo. Uno a menudo no sabe dónde meterse en su papel de mercenario que acepta el trabajo por dinero (tocaba en un restaurante detrás del bufé de las coles). El otro, extremado en los gestos, en el movimiento, fuera de registro.

Lo que hacen la periodista queer Helena Mir (Anna Tamayo) y la coach Lorena Miguel (Roser Batalla), encerradas a la fuerza en una casa por culpa de una tormenta bíblica y obligadas a discutir sus diferencias, es lo que deberían hacer todos los bandos rivales de nuestra época. Porque, seguramente, cuando la lluvia amaine, no habrán cambiado de opinión, pero al menos serán capaces de entender al otro, lo cual es siempre el primer paso para alcanzar un entendimiento.

El argumento de La confusió es muy sencillo. Una mujer joven irrumpe en la consulta de una coach veterana, especialista en "acompañar" procesos de transición. Primero no le dice quién es y se hace pasar por una paciente. Sin embargo, la profesional de los cambios no tardará en descubrir el engaño y la echará de casa. En el exterior, sin embargo, cae un fuerte aguacero y ambas han recibido un aviso de protección civil que pide a la población no salir de casa. Lorena está muy angustiada y Helena la ayuda a relajarse. Tienen tiempo para charlar.

The Phantom of the Opera, seguramente el éxito más rotundo de Andrew Lloyd Webber, es un musical de gran exigencia vocal y musical. No puede interpretarlo cualquier cantante y/o actor. Y de ahí que debamos aplaudir la producción que ha llegado al Tívoli, porque no solo Daniel Diges y Ana San Martín son unos fantásticos Fantasma y Christine Daaé, sino que el resto del reparto sabe estar a la altura de una partitura que es casi operística, con un Miquel Tejada que dirige con mucha solvencia la orquesta.

La historia ya la conocen (lleva 40 años ininterrumpidos en la cartelera londinense, tiene versiones cinematográficas...), pero habla de un teatro parisino, en el siglo XIX, poseído por una especie de “fantasma”, que no es sino un genio frustrado, desfigurado, que se enamora de una corista, Christine, y que hará todo lo posible para que sea ella quien estrene su obra maestra. Una versión menos edulcorada de La bella y la bestia.

Cuando L'amor venia amb taxi baja el telón, cuando la compañía ha encontrado una solución a una de las tramas de la obra, cuando la función está en lo más alto, a pesar de llevar casi dos horas y media en el teatro, nos asalta una chispa de tristeza, porque nos habríamos quedado una hora más contemplando un espectáculo redondo, divertido, riguroso, musicalmente delicioso, y con unas interpretaciones de aúpa. Habríamos querido preguntar a la compañía de la parroquia de Nuestra Señora de la Luz qué obra harán el año que viene, si piensan ensayar los martes, como siempre, quién hará de protagonista, si el tramoyista tendrá, finalmente, un papel, qué ha pasado con los que se iban a ir a Sevilla. Como en las mejores obras, estos personajes pasarán a formar parte de nuestras vidas.

La Cubana ha conseguido crear un icono a través de un mecanismo que llevan explotando muchos años, que no es otro que hablar de teatro desde un escenario. Llevan 40 años dedicándose a esto. Y lo llevan a cabo, además, ejecutando un homenaje brillante a toda la gente tocada por el veneno del teatro, todos los aficionados que, semana tras semana, se reúnen para montar una obra que representarán un día. Eso es L'amor venia amb taxi, la inmersión en una compañía amateur que, tras hacer Els pastorets, decide enfrentarse al último éxito de Rafael Anglada, la pieza que da título al montaje.

Que a Las Huecas les gusta plantearse grandes temas ya lo sabíamos. Que les gusta disfrazarse, también. Pero que llegarían a clonarse para levantar su tercer espectáculo, no. Tampoco serían capaces de disparar a sangre, sin contemplaciones, contra todas y cada una de ellas mismas, hasta el punto de poner en duda su existencia como colectivo. El talento de Andrea Pellejero, Julia Barbany, Esmeralda Colette y Núria Corominas no tiene límites, al menos a nivel creativo.

'De l'amistat' no engaña. Va de eso. Cuatro artistas con nombre y apellido analizan si son amigas de verdad. Se conocieron antes de formar a un colectivo, pero siempre han trabajado juntas. ¿Es auténtica esta fraternidad?, se preguntan. Detrás, parece que no hay más que la experiencia personal. Pero hay mucha tela extra y, sobre todo, una nueva crítica al sistema. ¿Es la amistad lo único que queda libre de toda normativización?

El mítico doble cartel de Ella Fitzgerald y Duke Ellington en el Palau de la Música el 25 de junio de 1966 fue la semilla del Festival de Jazz de Barcelona, que nació ese mismo otoño. Casi sesenta años después, celebramos su 57ª edición, que se inaugura precisamente con un homenaje a la gran dama del jazz, la First Lady of song, como la llaman los entendidos. Será el viernes 10 de octubre de 2025, también en el Palau de la Música, por supuesto, con el concierto The moment of truth de la Barcelona Jazz Orquestra y Tricia Boutté a la voz.

La programación, que se prolongará durante seis meses, hasta marzo de 2026, incluye figuras internacionales como Snarky Puppy, Laurie Anderson, Tigran Hamasyan, Chucho Valdés Royal Quartet, Chris Thile y Janis Siegel (cantante del grupo vocal The Manhattan Transfer). Pero también grandes formaciones y artistas de aquí, como La Vella Dixieland, que protagoniza el Retrat d’Artista; Andrea Motis cantando Amy Winehouse con los Barcelona Gospel Messengers; Marco Mezquida con la fadista portuguesa Lina_; Omar Sosa con la Liceu Big Band, y la Sant Andreu Jazz Band con un repertorio centrado en Ellington.

El grupo británico Mumford & Sons actuará el 23 de noviembre en el Palau Sant Jordi, en el que será su único concierto en España en 2025. La banda de folk rock, conocida por éxitos como I will wait o Little lion man, llegará a la capital catalana dentro de una gira por grandes recintos europeos, en la que presentarán su nuevo álbum, Rushmere (2025).

Este concierto supondrá el regreso de la banda a Barcelona después de seis años desde su última visita. Además de las nuevas canciones, el grupo hará un repaso por los temas que los han convertido en referentes del género, con su característico sonido que combina folk, rock e influencias indie.

Marilyn Manson, una de las figuras más icónicas del rock de finales de los noventa y principios de los 2000, ha anunciado un concierto el 27 de noviembre en el Palau Olímpic de Badalona y otro el 28 de noviembre en el Palacio Vistalegre de Madrid, dos fechas que forman parte de la segunda etapa de su gira One Assassination Under God Tour.

El autor de himnos como The Beautiful People o Lunchbox publicó a finales de 2024 su duodécimo álbum, One Assassination Under God – Chapter 1, con el que busca recuperar su estatus de estrella global del rock industrial. Recordemos que la última vez que Marilyn Manson actuó en Barcelona fue en 2009, nada menos que en el Estadio Olímpico.

Mientras nos distraemos con grandes campañas de marketing digital, hay artistas que siguen entendiendo la música como un proceso sobre todo orgánico. Como Júlia Colom, que ha trabajado en su segundo disco en silencio, alejada del ruido mediático, y de ahí que el resultado, Paradís, nos sorprenda, tan bien acabado, con un equilibrio tan natural entre su esencia mallorquina y una estética entre pop y electrónica que la conecta con el mundo actual.

Moviéndose a través de referencias que van desde la canción popular al k-pop, pasando por Maria del Mar Bonet, Colom ha sumado once piezas a su repertorio, impresionistas, oníricas, mediterráneas, que hablan de islas, de búsquedas y de incertidumbres, con espacio para explorar sentimientos complejos como hace con picardía en Gelosies, canción hermana de Enveja de Miramar (2023). El disco se presenta en concierto en el ciclo Sit Back de L’Auditori, el 11 de diciembre.

Tras un gran éxito en México y Estados Unidos con su gira Greatest Hits Tour, Mónica Naranjo se prepara para llevar este proyecto a España, con conciertos en ciudades como Sevilla, Valencia, Madrid y Barcelona. La gira, que conmemora los 30 años de trayectoria de la artista, ha llenado recintos al otro lado del Atlántico con más de 50.000 espectadores y varias fechas con entradas agotadas, consolidando su recorrido como uno de los más relevantes en la escena musical actual.

El espectáculo recoge algunos de los éxitos más conocidos de su carrera, interpretados con los arreglos originales y acompañados de una producción escénica de gran formato. Con una trayectoria iniciada en los años noventa y una voz inconfundible, Mónica Naranjo se ha convertido en una figura destacada dentro de la música en español. El tour pasará por varios escenarios emblemáticos y en Barcelona tendrá lugar el 19 de diciembre en el Palau Sant Jordi.

¿De qué va?

Desde aquella obra maestra del cine fantástico dirigida por John McTiernan en 1987, la franquicia Predator ya suma nueve películas. Y las tres últimas llevan la firma de Dan Trachtenberg, renovador y alma pater del insólito giro que propone Badlands: aquí la trama está contada desde el punto de vista de uno de esos alienígenas sanguinarios que conocimos por primera vez aniquilando a un escuadrón comandado por Arnold Schwarzenegger. Tras regresos a la Tierra o enfrentamientos con otros extraterrestres icónicos del cine (Alien vs. Predator), la saga recarga energías y nos presenta a Dek, un joven depredador en su primera cacería, asistido por una androide con el rostro de Elle Fanning.

¿Por qué tienes que verla?

Precisamente por el giro narrativo que propone, con ese cambio de perspectiva que nos hace descubrir que aquellos monstruos asesinos de las películas anteriores también tienen emociones y motivaciones. El cineasta Dan Trachtenberg (también director de las estupendas Predator: La presa y Predator: Asesino de asesinos) logra que empaticemos con un protagonista que aterriza en un planeta donde todo, mires donde mires, supone un peligro mortal: desde la hierba hasta los árboles, pasando por criaturas feroces inspiradas en los kaiju japoneses. También resulta curioso ver a Elle Fanning (Super 8) interpretando a dos personajes, ninguno humano. Fanáticos de la saga y del sci-fi con acción trepidante, Predator: Badlands es vuestra película.

¿Cuándo se estrena?

El 7 de noviembre.

Dir.: Dan Trachtenberg (EE. UU., 2025). 115 min.

¿De qué va?

David Trueba adapta Blitz, una de sus novelas más conocidas, y propone una anticomedia romántica que huye de los tópicos, rompe expectativas y supera tabúes, en este caso el de la diferencia de edad. El protagonista es un arquitecto paisajista que viaja a Bélgica para presentar un ambicioso proyecto en un congreso. Lejos de su zona de confort, se queda completamente perdido tras ser abandonado por su novia. Una mujer veinte años mayor que él se convertirá en un improbable salvavidas.

¿Por qué tienes que verla?

Por la magnífica conexión entre David Trueba y David Verdaguer, en su segunda colaboración tras el éxito de Saben aquell (2022). En medio de una reflexión sobre el paso del tiempo, el escritor y cineasta dibuja el encuentro de dos seres solitarios destinados a no cruzarse. Si el personaje de Verdaguer disfraza su tristeza de frialdad y cinismo, su compañera es pura luz: la actriz francesa Isabelle Renauld encarna a Olga, una mujer de más de 60 años que demuestra que siempre hay margen para reinventarse. “Sin amor, siempre es invierno”, se escucha en una película que busca dar calorcito al espectador con un incontestable efecto-abrazo.

¿Cuándo se estrena?

El 7 de noviembre.

Dir.: David Trueba (España, 2025). 100 min.

¿De qué va?

Emma Stone rapada y extraterrestre: en Bugonia, interpreta a la ambiciosa presidenta de una gran corporación que es secuestrada por un empleado (Jesse Plemons), traumatizado y adepto a teorías conspirativas, convencido de que su jefa es la líder de una raza alienígena que planea acabar con la humanidad. Con la ayuda de su primo, tan paranoico como él, montan una especie de cuartel general de la resistencia humana para obligarla a confesar y hacer que su raza abandone el planeta.

¿Por qué tienes que verla?

Por la brutal conexión entre el director griego Yorgos Lanthimos y su musa. Tras La favorita, Pobres criaturas y Kinds of kindness, vuelve a contar con Emma Stone en un remake libre de la coreana Save the Green Planet! (2003), para dibujar una sátira delirante que radiografía nuestra realidad marcada por negacionismos, desinformación, polarización salvaje e imbecilidad extrema. Grotesca y por momentos excesiva, Bugonia confirma la exageración surrealista como retrato perfecto de un mundo condenado a la autodestrucción.

¿Cuándo se estrena?

El 7 de noviembre.

Dir.: Yorgos Lanthimos (Irlanda, 2025). 120 min.

¿De qué va?

Acercándose a la mayoría de edad, Eva y Fabián, hermanos gemelos, se ven involucrados en un accidente de coche con consecuencias trágicas. Un hecho marcado por extrañas circunstancias que solo parecen conocer los dos implicados y su madre. Culpa, autodestrucción y abusos de poder, también físicos, planean en este drama de personajes rotos que pone el foco en todo lo que se esconde bajo la superficie.

¿Por qué tienes que verla?

Por la fuerza que ya tenían las anteriores películas de Fernando Franco: La herida (2013), por la que ganó el Goya, Morir (2017) y La consagración de la primavera (2022) ya nos hicieron seguir la pista de un cineasta a contracorriente capaz de crear atmósferas asfixiantes en su exploración de los rincones más oscuros del alma humana, en las luces y sombras de personajes en situación límite. Aquí mantiene una cierta austeridad de tono, pero multiplica sus ambiciones formales: aumentando los puntos de vista narrativos, utilizando una estructura no lineal, casi de rompecabezas y jugando con saltos temporales. También resulta interesante ver el trabajo de dos firmes promesas del cine español, los jóvenes actores Julia Martínez (conocida por la ficción televisiva diaria La promesa) y Diego Garisa (visto en la serie Bienvenidos al Edén). Una nueva muestra de una de las voces más singulares del cine español.

¿Cuándo se estrena?

El 7 de novembre.

Dir.: Fernando Franco (España, 2025). 115 min.

¿De qué va?

Embarazada de cinco meses, Jennifer Lawrence esperaba a su segundo hijo mientras rodaba la historia de una madre primeriza en un estado casi psicótico desde el parto. La actriz se lanza a interpretar un personaje arriesgado que huye de la maternidad socialmente aceptada. A la depresión se suma el aislamiento en una casa en medio del bosque y un marido que ya no la desea.

¿Por qué tienes que verla?

Por la potencia de las interpretaciones de Jennifer Lawrence y Robert Pattinson, dos actores que han sabido escapar del encasillamiento adolescente (Los juegos del hambre, Crepúsculo) para construir carreras llenas de riesgo. Die my love adapta la novela Matate, amor de la argentina Ariana Harwicz y conecta con otras miradas recientes sobre maternidad y salud mental que huyen del relato convencional, como Salve María de Mar Coll.

¿Cuándo se estrena?

El 14 de noviembre.

Dir.: Lynne Ramsay (España, 2025). 118 min.

¿De qué va?

Dos jóvenes (Jan Boixaderas y Lucía Caraballo) planean su boda mientras el padre de uno (Ernesto Alterio) y la madre de la otra (Pilar Castro) hacen lo imposible por sabotear la ceremonia. La tercera entrega de una de las comedias icónicas del cine español de principios de siglo recupera a varios de sus protagonistas e incorpora nuevos rostros para situarlos en una trama vodevilesca donde versionan temas de C. Tangana, La La Love You, Cariño y Nena Daconte.

¿Por qué tienes que verla?

Pensada para la generación que convirtió El otro lado de la cama (2002) en un éxito, este regreso recupera aquel universo de parejas infieles que cantaban pop entre enredos sentimentales. En Todos los lados de la cama, casi todos los protagonistas vuelven cincuentones y con los mismos líos. Ernesto Alterio y Pilar Castro lideran un reparto con Natalia Verbeke, María Esteve, Secun de la Rosa, Alberto San Juan y un Guillermo Toledo resucitado que no pierde ocasión de homenajear su mítico “niño melón”. Una comedia de guiños y nostalgia que, sin alcanzar el original, arranca sonrisas cómplices.

¿Cuándo se estrena?

El 14 de noviembre.

Dir.: Samantha López Speranza (España, 2025). 112 min.

¿De qué va?

Conocido por sus papeles en El triángulo de la tristeza o Babygirl, el actor Harris Dickinson debuta como director con un emotivo relato sobre un joven sin techo que, tras salir de prisión, deambula por Londres intentando rehabilitarse. Un filme duro pero no exento de humor que habla de precariedad, adicciones y redención.

¿Por qué tienes que verla?

Por el retrato compasivo y realista que ofrece Dickinson, que conoce bien ese mundo: hijo de un trabajador social, él mismo trabajó en el hotel que aparece en la película. Pese a algunos pasajes oníricos algo desconcertantes, Urchin es una poderosa muestra de cine social más cercana a Mike Leigh que a Ken Loach, con ecos del Free Cinema británico de los 60. Destaca la interpretación de Frank Dillane (Fear the walking dead), premiado en Cannes.

¿Cuándo se estrena?

El 14 de noviembre.

Dir.: Harris Dickinson (Reino Unido-EE. UU., 2025). 99 min.

¿De qué va?

Olivia vive con su hermano pequeño y su madre en un piso de Barcelona del que son desahuciados. La niña disfraza la tragedia haciéndole creer al hermano que todo forma parte de una película con cámaras ocultas. Una fantasía para protegerse de una realidad que sufren muchas familias expulsadas de la ciudad. Con ayuda de la Plataforma de Afectados por la Hipoteca y nuevos vecinos solidarios, intentan empezar de cero.

¿Por qué tienes que verla?

Por la magia del stop-motion, técnica que la cineasta Irene Iborra domina y que ahora lleva al largometraje. Iborra se convierte así en la primera directora española en firmar un film de animación en stop-motion. Cine artesanal con mensaje y alma: adaptación de La película de la vida, novela infantil de Maite Carranza, Olivia y el terremoto invisible combina realismo y fantasía para hablar del problema de la vivienda a los más pequeños. Una joya tierna que reivindica la fuerza de la comunidad y la esperanza.

¿Cuándo se estrena?

El 21 de noviembre.

Dir.: Irene Iborra (España, 2025). 70 min.

¿De qué va?

Acaba de cumplir 60 años y, cosas de la edad, le llega una crisis monumental: acostumbrado a los focos y a los fans, el actor Jay Kelly empieza a replantearse su vida, su papel como padre ausente y sus errores. En un viaje por Europa encuentra apoyo en su asistente personal.

¿Por qué tienes que verla?

Por la química entre George Clooney y Adam Sandler. El primero se ríe de sí mismo en un papel que le va como un guante, y el segundo ofrece una interpretación tan divertida como humana. Dirigida por Noah Baumbach, responsable de Historia de un matrimonio (2019), la película funciona como sátira y como reflexión sobre una industria que convierte a los actores en mitos.

¿Cuándo se estrena?

El 21 de noviembre en salas (Netflix a partir del 5 de diciembre).

Dir.: Noah Baumbach (EE. UU., 2025). 132 min.

¿De qué va?

Alba dejó de cantar cuando, con solo 8 años de vida, perdió a su padre. Han pasado tres décadas marcadas por el silencio, y ahora se dispone a hacer todas aquellas preguntas que tenía guardadas, para hacer las paces con un pasado doloroso y para recuperar la voz y la historia de un hombre que, tantos años después de su muerte, sigue vivo en la memoria emocional de millones de personas. La chica es Alba Flores y el padre, el gran Antonio Flores. Miembros de una saga de legendarios artistas que han marcado la historia de un país.

¿Por qué tienes que verla?

Porque Antonio Flores sigue vivo en sus canciones, y esta película le rinde un homenaje que es, al mismo tiempo, un ejercicio terapéutico para su hija, la actriz Alba Flores (la Nairobi de La casa de papel), y para su famosísima familia. Repleta de material de archivo y de grabaciones inéditas hasta hoy, Flores para Antonio abraza la mitología, no elude las sombras ya conocidas de un hombre de enorme fragilidad, de algún modo víctima de su apellido, y, por encima de todo, apuesta por apelar a las emociones. Los espectadores acompañamos a Alba Flores en su viaje emocional porque, salvando las distancias, también es el nuestro. Además, este documental tiene la firma de uno de los cineastas más importantes del país, Isaki Lacuesta, aquí junto a Elena Molina: la pareja de directores consigue que todos terminemos con un nudo en la garganta de extraordinaria belleza. Imprescindible.

¿Cuándo se estrena?

El 28 de novembre.

Dir.: Elena Molina e Isaki Lacuesta (España, 2025). 98 min.